com José Augusto Ribeiro

Datas: 14, 21, 28 de novembro, 05, 12 e 19 de dezembro
Quintas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 6 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

O termo “escrito de artista” não constitui gênero literário ou discursivo por abranger formas diversas: carta, tratado, manifesto, crítica, aforismo, ensaio, ficção. Mas, em geral, esse texto exprime as ideias que impregnam a realização da obra de seu autor.

A partir dos anos 1960, principalmente, o escrito de artista passa não só a sistematizar em palavras o pensamento do trabalho de arte, como passa a integrar ou a ser o próprio trabalho. Outras vezes, o texto assume a forma de conto, poesia ou romance, com maior ou menor vínculo com a obra de artes visuais.

O curso considera, então, essas várias possibilidades da escrita, ao selecionar para análise um conjunto de textos de artistas brasileiros, publicados a partir da metade do século XX, a fim de estabelecer um campo de pensamento sobre a produção contemporânea em que convergem aspectos da literatura, da filosofia e da política, junto com noções das disciplinas de teoria, história e crítica de arte.

Programação

Aula 01 – Os escritos teóricos de Waldemar Cordeiro, Hélio Oiticica e Lygia Clark

Aula 02 – Textos de intervenção publicados entre 1970 e 1990, no jornal Opinião e nas revistas Malasartes, A parte do fogo e Arte em revista

Aula 03 – A palavra nas obras de Artur Barrio e Waltercio Caldas

Aula 04 – Contos e poemas de Anna Maria Maiolino, Iberê Camargo e Antonio Lizárraga

Aula 05 – As narrativas ficcionais de Tunga e os fragmentos autobiográficos de José Leonilson

Aula 06 – Literatura e artes visuais nas produções de Nuno Ramos e Aline Motta

José Augusto Pereira Ribeiro

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Dúvidas:
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WhatsApp: 11 99774 3987

Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br).

com German Alfonso Nunez

Datas: 18, 25 de novembro, 02, 09 e 16 de dezembro
Segundas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 5 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

Neste ano, celebrando a 38ª edição do Panorama da Arte Brasileira, convidamos o público a explorar a trajetória do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM). Em cinco encontros, abordaremos 75 anos de história, conflitos e conquistas, discutindo momentos-chave que moldaram a instituição. Desde suas raízes na vibrante cena cultural de São Paulo nas primeiras décadas do século XX, passando pela criação da Bienal de São Paulo no pós-guerra, até a reconstrução do museu durante a ditadura, cada aula revelará o contexto, os bastidores e os protagonistas que marcaram a história do MAM.

Analisaremos como o museu, fundado por Francisco Matarazzo Sobrinho e Yolanda Penteado, enfrentou crises financeiras, disputas internas e a doação de seu acervo inicial. Discutiremos a relevância dos Panoramas de Arte Atual Brasileira nesse processo de reconstrução, que não só reconstituiu o acervo, mas também consolidou o MAM como um centro vital para a arte contemporânea no Brasil. Examinaremos a reforma de Lina Bo Bardi, as estratégias de sobrevivência em tempos de crise econômica e a busca pela profissionalização e modernização de suas operações no final do século.

Este curso oferece uma oportunidade única para estudantes de arte e o público em geral se aprofundarem na rica e complexa história do MAM, compreendendo seu papel fundamental na promoção da arte moderna e contemporânea no Brasil.

Programação

Aula 01 – Preâmbulo de uma História

Aula 02 – A Bienal e a Doação do Acervo

Aula 03 – A Nova Casa e os Panoramas

Aula 04 – Crise, Reforma e Atualização

Aula 05 – Profissionalização, Acervo e Modernização

German Alfonso Nunez

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com Helena Obersteiner

Datas: 12, 19, 26 de novembro, 03 e 10 de dezembro
Terças-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 5 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

Este curso propõe uma postura investigativa sobre a interseção entre desenho e escrita. Inspirado pela dinâmica do jogo de pingue-pongue, o curso convida os participantes a mergulharem em um diálogo constante, explorando como essas práticas podem se entrelaçar e estimular mutuamente processos de pesquisa e criação.

Ao longo dos encontros, analisaremos obras de artistas do acervo do MAM-SP, refletiremos e realizaremos exercícios que enfatizam o afeto entre as práticas, além de investigar poéticas individuais que emergem a partir da convivência coletiva.

Programação

Aula 01 – Metodologia pingue-pongue

Aula 02 – Investigações a partir de obras do acervo do MAM-SP

Aula 03 – Ultrapassar convenções: intersecção entre texto e imagem

Aula 04 – Reorganização de textos

Aula 05 – Pesquisa de palavras em órbita

Helena Obersteiner
(São Paulo, SP, 1993 )

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com Lorenzo Merlino

Datas: 12, 19, 26 de novembro, 03, 10 e 17 de dezembro
Terças-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 6 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

Este curso oferece uma análise inter-relacional entre a História da Moda e a História da Arte, destacando suas conexões com o contexto histórico, social, político e econômico. Frequentemente ensinadas de maneira dissociada, ambas as disciplinas são aqui exploradas como manifestações que se influenciam e refletem o espírito de sua época. Por meio de uma exposição cronológica e crítica, o curso visa proporcionar ao aluno uma compreensão ampliada dos movimentos artísticos e suas correspondências na moda. Incentivando um exercício relacional, o curso capacita os participantes a identificar e analisar novas relações, aplicáveis a diferentes áreas de estudo e trabalho.

Programação

Aula 01 – Apresentação e metodologia

Aula 02 – Era Medieval – Renascimento Carolíngio, estilos Românico e Gótico

Aula 03 – Barroco e Rococó

Aula 04 – A Primeira Revolução Industrial

Aula 05 – O longo século 19 e o final de uma Era

Aula 06 – A aceleração do tempo e a aceleração da Moda

Lorenzo Merlino

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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br).

com Alexandre Villares

Segundas-feiras
Duração: 06 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

Desde a década de 60, artistas produzem imagens escrevendo programas de computador. Neste curso serão apresentadas obras pioneiras e contemporâneas, assim como ideias recorrentes na prática da chamada programação criativa, servindo para reflexão e inspiração de atividades práticas de experimentação dos participantes.

Trata-se de uma introdução ao desenho com programação que ensina, sem pré-requisitos, elementos essenciais da linguagem de programação Python e do vocabulário de desenho de processing, uma plataforma de programação amplamente utilizada por artistas.

O curso visa promover a familiarização dos participantes com ideias da arte computacional, guiar os primeiros passos na programação com Python, estimular a análise e reflexão sobre obras construídas com código, assim como estimular a experimentação neste meio de expressão. É aberto a todas as pessoas interessadas na intersecção da arte e da tecnologia, com curiosidade em aprender sobre programação de computadores e sua utilização com fins estéticos, expressivos e poéticos.

Metodologia

Equipamento necessário
Computador com teclado, mouse e acesso à internet.

Programação

Aula 01 – Apresentação do curso: primeiro vocabulário de desenho

Aula 02 – Definindo novas funções

Aula 03 – Laços de repetição e recursividade

Aula 04 – Estruturas de dados

Aula 05 – Orientação a objetos, um primeiro contato

Aula 06 – Explorações finais e encerramento

Alexandre Villares

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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br).

com Tálisson Melo

Terças e quintas-feiras
Duração: 04 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

Este curso parte de uma revisão da historiografia sobre a arte brasileira nos anos 1980, propondo uma perspectiva sociológica para análise da narrativa elaborada em torno da noção de geração, bem como suas implicações em termos de centralização e apagamentos. 

Abordando exposições de artes visuais realizadas no Brasil entre o final dos anos 1970 e 1980, o curso discute as principais transformações nas condições da produção, mediação e circulação da arte no país, considerando sua relação com as instituições (museus, universidades, centros culturais, bienais e salões), a imprensa e o mercado de arte.  Também propõe destrinchar acontecimentos e aspectos que revelam a complexidade e diversidade de manifestações culturais do período, opondo-se às visões que retratam esse momento da história brasileira como “década perdida”, demonstrando, assim, a importância e necessidade de se revisar o período.

Em especial, ressalta-se o papel dos artistas e instituições da década de 1980 na consolidação da arte contemporânea brasileira, incluindo a emergência da curadoria de exposições, a consolidação dos cursos de arte, a formação de uma rede de mercado para a arte contemporânea, e a criação de políticas culturais voltadas às artes visuais. Tomando os Panoramas do Museu de Arte de São Paulo nos anos 1980, busca-se discutir a convivência entre gerações de artistas e aspectos da cena nacional, enquanto o caso da participação brasileira na exposição Magiciens de la Terre, realizada em Paris, em 1989, é analisado para se pensar a projeção da arte brasileira no cenário internacional, bem como os caminhos que se abrem para a década seguinte.

Programação

Aula 01 – Explode geração!

Aula 02 – Como Vai Você, Geração 80?

Aula 03 – Utopia versus Realidade

Aula 04 – A trama do gosto

Tálisson Melo

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com Cláudia Vendramini Reis

Terças e quintas-feiras
Duração: 06 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

O curso tem como objetivo apresentar o processo de desenvolvimento de exposições nos museus de arte e os desafios das etapas de pré-produção, produção e pós-produção.
Do projeto curatorial à experiência de visitar exposições de arte, os participantes do curso vão descobrir o passo a passo da produção artística e executiva. As aulas serão expositivas com conteúdo em formato digital, indicações de leituras e tempo reservado para estudos de casos e troca de experiências.

Programação

Aula 01 – Introdução sobre museus de arte e a diversidade de exposições

Aula 02 – Quando inicia e termina a produção artística e executiva?

Aula 03 – Pré-produção

Aula 04 – Produção executiva

Aula 05 – Produção executiva | Interface com equipes

Aula 06 – Pós-produção

Cláudia Vendramini Reis

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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br).

com Mirella Maria

Terças-feiras
Duração: 04 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 350,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
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Quais imagens vêm à mente quando você pensa na América Latina? Se aprofundarmos essa reflexão, conseguimos evocar cenários visuais ligados a artistas, exposições e obras de arte da região? Este curso propõe explorar essas questões, com o objetivo de analisar e apresentar as diversas narrativas visuais dos territórios geopoliticamente identificados como latinos.

Neste curso introdutório, focaremos nas narrativas visuais produzidas na América do Sul, no Caribe e no México, abrangendo principalmente o período do século XVIII ao XXI. Exploraremos diálogos interdisciplinares, utilizando uma variedade de mídias como leituras acadêmicas e materiais audiovisuais criados por estudiosos, ativistas, pensadores e artistas. A proposta é oferecer múltiplas perspectivas sobre a América Latina, enriquecendo a compreensão visual e promovendo um olhar além do senso comum.

O público-alvo deste curso são estudantes, profissionais das áreas de Humanas e a todos que se interessam por debates interdisciplinares, especialmente aqueles relacionados às Artes Visuais, Ciências Sociais, História, Geografia e afins.

Programação

Aula 01: De que História da Arte e América Latina estamos falando?

Aula 02: Narrativas visuais em instituições culturais e educacionais na América Latina

Aula 03: Movimentos de luta e resistência na História da Arte na América Latina

Aula 04: As Relações do Brasil com o contexto latino-americano

Mirella Maria

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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br).

créditos: Geiger, Anna Bella Brasil, 1500-1996

com Juliana Monteiro

Segundas-feiras
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

Neste curso, diálogos entre a fotografia e a literatura servirão como base para construir caminhos de compreensão sobre a experiência leitora e o texto visual.

O que acontece quando acolhemos, em um mesmo livro, fotografia e literatura? As narrativas fotográficas e as literárias apresentam elementos em comum? De que forma essas linguagens são articuladas para provocar, no leitor, uma experiência costurada entre foto e palavra? Fotografia pode ser poesia?

Esses questionamentos conduzirão os quatro encontros em que obras de Orides Fontela, Natália Ginzburg, Adolfo Navas, Luciana di Leone, James Wood, Marvel Harris, Annie Ernaux, Maureen Bisilliat, Byung-Hun Min e Graciela Iturbide serão ponto de partida.

Programação

Aula 01 – OLHAR ENTRE
. fotografia e poesia
. a imagem do poeta, a palavra do fotógrafo
. reflexões da literatura sobre a fotografia

Aula 02 – OLHAR PARA
. perspectivas poéticas, cruzamento de olhares
. livros em diálogo
. reflexões sobre fotos dos participantes

Aula 03 – OLHAR COM
. narratividade
. fotografia com narrativa
. reflexões da literatura sobre a fotografia

Aula 04 – OLHAR PARA
. perspectivas narrativas, cruzamento de olhares
. livros em diálogo
. reflexões sobre fotos dos participantes

Juliana Monteiro

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com Kátia Canton

Quartas-feiras
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 350,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
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O postulado da arte como cura tem se destacado cada vez mais nas discussões contemporâneas, especialmente após a pandemia. Mas de que tipo de cura estamos falando, e a que arte estamos nos referindo?

Partindo destas perguntas, este curso teórico busca explorar narrativas diversas relacionadas a esse tema, percorrendo construções que articulam a ideia de cura ou transformação por meio da produção e apreciação de diversas expressões artísticas.

As quatro aulas propostas servirão como estruturas panorâmicas para estimular debates sobre as diferentes interpretações do termo “cura”, analisando a arte de uma maneira transdisciplinar.

Este curso está aberto a todos os interessados no assunto, não sendo necessário possuir conhecimentos prévios para participar das aulas.

Programação

Aula 01

Aula 02

Aula 03

Aula 04

Katia Canton

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com Renata Beltrão

Segundas-feiras
Duração: 4 encontros
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São poucas as instituições culturais brasileiras que podem contar com equipes profissionalizadas de comunicação ou com agências especializadas que as auxiliem na missão de se conectar com o público. Especialmente no caso das instituições de pequeno e médio porte, a missão de divulgar projetos e atividades acaba sendo desempenhada por pessoas sem formação específica em comunicação, e que muitas vezes acumulam outras funções.

Este curso tem o objetivo de ajudar esses profissionais a compreender o universo da comunicação digital em instituições culturais e descobrir técnicas e ferramentas para facilitar o dia a dia e promover uma comunicação eficiente – dentro das possibilidades reais de atuação de cada um. O curso será baseado em estudo de casos reais e recentes, ferramentas online gratuitas e exercícios práticos com base na realidade dos participantes.

Programação

Aula 01 – Calibrando o potencial de trabalho em comunicação

Aula 02 – Consistência nas redes sociais: parte 1

Aula 03 – Consistência nas redes sociais: parte 2

Aula 04 – Se organizando para desorganizar: técnicas e ferramentas simples para planejamento pessoal

Renata Beltrão

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com Patrícia Valim

Datas: 14, 21, 28 de agosto, 04 e 11 de setembro
Quartas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 5 encontros
Público: interessados em geral
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Manifestações artísticas têm denunciado o apagamento da epidemia de feminicídio em vários países, sobretudo no Brasil e em outros países da América Latina. Além de explicitar os mecanismos de reprodução de todo tipo de violência contra as mulheres, manifestações e intervenções artísticas feministas têm formado um contradiscurso que, simultaneamente, combate a cultura de violência contra as mulheres e constrói tecnologias sociais para uma sociedade com equidade de gênero e raça. O objetivo do curso é analisar relatos e intervenções artísticas de mulheres feministas, explicitando suas negações e construindo outras formas de viver em sociedade, criando, assim, novos futuros possíveis.

Programação

Aula 01: Mortas – artistas que denunciam formas de violências

Aula 02: Banho de sangue – artistas que denunciam formas de reprodução de violências

Aula 03: Quando todos se calam – artistas que denunciam o pacto de silenciamento da sociedade em relação às múltiplas formas de violências contra as mulheres

Aula 04: Eu me levanto – artistas que propõem formas de combater as violências contra as mulheres

Aula 05: A liberdade também é combate – artistas que desenvolvem tecnologias sociais para a construção de futuros

Patrícia Valim

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Créditos: Anna Maria Maiolino, Ecce homo, 1966. Coleção MAM São Paulo. Foto: Romulo Fialdini

com Zé De Boni

Datas: 06, 13, 17, 20 e 27 de agosto
Terças-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 5 encontros
Público: interessados em geral
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Importante: a visita presencial à exposição “George Love: além do tempo” não será gravada. Este encontro acontecerá no dia 17 de agosto, sábado, das 10h30 às 12h30.

Baseado em experiência prática e pessoal, este curso explora os desafios e soluções na conservação de fotografias. Com ênfase nos arquivos de colecionadores e autores, serão abordados diversos processos fotoquímicos e digitais.

Nos cinco encontros serão discutidos diversos exemplos, com destaque para o acervo de George Love, cuja retrospectiva está em exposição no Museu de Arte Moderna de São Paulo. Na terceira aula, será realizada uma visita guiada à exposição “George Love: além do tempo”, com o professor e curador da mostra, Zé de Boni.

Programação

Aula 01 – Por que conservar? Princípios e motivos

Aula 02 – O que conservar? Processos e materiais

Aula 03 – Visita à exposição “George Love: além do tempo”

Aula 04 – Como conservar? Equipamento e condições

Aula 05 – O acervo de George Love: um caso exemplar

Zé De Boni

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com Juliana Miyasaka

Datas: 17, 24, 31 de julho, 07, 14, 21, e 28 de agosto
Quartas-feiras
Horário: das 18h às 21h
Duração: 7 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 630,00

Curso presencial
Contempla certificado no final

*Material incluso: cada participante receberá um pacote de argila (10 kg), adequada para a queima a 1240ºC. A argila será entregue aos alunos na primeira aula.

A história da cerâmica remonta aos primórdios da civilização. Há oito mil anos, na cultura Jomon do Japão, surgiram as primeiras peças de cerâmica, testemunhas de uma habilidade ancestral. Durante o Neolítico, essa arte viajou da Ásia à Europa, moldando culturas como a chinesa, cujos guerreiros de Xian testemunham a maestria. Na Antiguidade, Egito e China já utilizavam cerâmica em rituais. A Revolução Industrial impulsionou a cerâmica para novos horizontes e, hoje, ela continua a ser uma forma de expressão artística e funcional, incorporando tradição e inovação.

Este curso é ideal para aqueles que desejam explorar a cerâmica, independentemente da experiência anterior. Em sete aulas práticas, os alunos aprenderão os conceitos básicos e as técnicas fundamentais da modelagem manual em cerâmica para criar peças únicas e ricas em expressão pessoal.

Programação

Aula 01 – Fundamentos teóricos e confecção de peças na primeira técnica básica

Aula 02 – Finalização das peças feitas na primeira aula e tipos de acabamento

Aula 03 – Técnica de acordelado

Aula 04 – Técnica de placa

Aula 05 – Técnica de ocagem

Aula 06 – Técnica de ocagem

Aula 07 – Esmaltação 

Juliana Miyasaka

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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br).


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Juliana Miyasaka

com Cauê Donato e Ivonei Souza Trindade

Datas: 15, 22 e 29 de julho, 05 e 12 de agosto
Segundas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 5 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Contempla certificado no final

A partir de reflexões inspiradas pelo livro “Decolonizar o museu: programa de desordem absoluta”, de Françoise Vergès, publicado pela Editora Ubu, o curso “Museologia, Direito e Decolonialidade” investiga a viabilidade de processos decoloniais em museus à luz da legalidade, com ênfase na interpretação de tratados internacionais, reconhecendo essa relação como complexa e multifacetada, permeada por questões de poder, representação e justiça social.

O crescente movimento de repatriação de bens culturais às suas origens, juntamente com o questionamento das definições de museu, desempenha um papel crucial na promoção da decolonização das instituições museológicas. Embora a intersecção entre Museologia e Direito seja essencial para esta discussão, muitas vezes não é evidente em publicações dessas áreas.

Frequentemente, a Museologia tradicional reflete e perpetua perspectivas coloniais, privilegiando narrativas eurocêntricas e silenciando vozes e perspectivas não ocidentais. Por outro lado, o Direito desempenha um papel significativo na proteção e gestão do patrimônio cultural, influenciando se os processos reforçam ou desmantelam a colonialidade.

Este curso convida à reflexão sobre a interseção entre Museologia, Direito e Decolonialidade no contexto das lutas por memória coletiva e representatividade nas instituições. Reconhecemos que este campo é dinâmico, apresentando desafios e complexidades específicas em diferentes contextos e políticas. Por isso, a interdisciplinaridade é essencial para avançar em direção a práticas éticas e justas na gestão do patrimônio cultural e na promoção da justiça social.

O curso é aberto a todos os interessados em museologia, direito, história, políticas culturais, teorias decoloniais, ativismo social e repatriação de bens culturais, não sendo necessária uma formação nas áreas para acompanhar as aulas.

Programação

Aula 01 – Aspectos Introdutórios de Museologia e de Direito Internacional Público

Aula 02 – Patrimônio e Bem Cultural no museu

Aula 03 – Estudos de casos: repatriação em seus aspectos jurídicos

Aula 04 – Estudos de casos: experiências brasileiras

Aula 05 – Sociomuseologia e Direito Internacional do Patrimônio Cultural como elementos para decolonizar o museu

Ivonei Souza Trindade
Cauê Donato

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créditos

com Daniela Labra

Datas: 25 de julho, 01, 08 e 15 de agosto
Quintas-feiras
Horário: das 18h às 20h30
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
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O curso discute a produção e circulação da arte moderna brasileira desde o início da década de 1940 até 1970. Investigamos o contexto e a internacionalização da linguagem moderna brasileira figurativa e seu processo de abstração, o caminho construtivo no Brasil, as vanguardas neoconcretas, a Nova Objetividade, as experiências com o corpo, a crítica sócio-política na arte pós-1964, as proposições conceituais e figurativas da década seguinte que metabolizaram, criticamente ou não, o legado modernista.

Partimos das exposições Portinari do Brasil, 1940, e Brazil Builds, 1943, no MoMA em Nova York, e fechamos o programa com Do Corpo à Terra, Belo Horizonte, 1970, e Domingos da Criação, Rio de Janeiro, 1971. Estudamos estas e outras exposições icônicas da historiografia de arte moderna no Brasil para, por fim, refletirmos como a noção de vanguarda moderna brasileira reverbera, informa, constrói e é desconstruída na prática artística contemporânea.

Programação

Aula 01

Aula 02

Aula 03

Aula 04

Daniela Labra

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Envolvimento 4 (1973), de Wanda Pimentel
Coleção MAM São Paulo

com Pedro Campanha

Datas: 20, 27 de julho, 03 e 10 de agosto
Sábados
Horário: das 10h às 12h
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00

Curso presencial
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Ateliês práticos onde os participantes poderão produzir suas próprias tintas artesanais a partir de poucos materiais. Serão preparadas tinta nanquim, têmpera de ovo, têmpera de caseína e aquarela. Cada encontro começará com uma breve introdução sobre os contextos históricos nos quais esses materiais tiveram seus primeiros registros. Também discutiremos o trabalho de alguns artistas que utilizaram essas tintas como recurso poético em seus processos de criação, antes de partir para a atividade prática.

Programação

Aula 01: Nanquim

Aula 02: Têmpera ovo

Aula 03: Têmpera de caseína

Aula 04: Aquarela

Pedro Campanha

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Pedro Campanha

com Guilherme Tosetto

Datas: 7, 14, 21, 28 de junho e 5 de julho
Sextas-feiras
Horário: das 18h às 20h
Duração: 05 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

O conjunto de fotografias do acervo do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP) compreende um período relevante da história recente da fotografia brasileira. De autores da fotografia modernista dos anos 1940 até a produção contemporânea, o MAM incorporou, por meio de diferentes meios, distintas linguagens, suportes e artistas, imagens que são testemunhas dos principais momentos da fotografia brasileira. O objetivo do curso é apresentar algumas características destas obras, e reconhecer a potencialidade do acervo do MAM a partir de recortes temáticos e históricos.

Com o apoio de catálogos de exposições, textos e livros, as aulas apresentam uma linha do tempo com os principais acontecimentos, autores e obras responsáveis pelo desenvolvimento da fotografia inserida no contexto da arte brasileira. Além do conhecimento histórico, os alunos poderão reconhecer no acervo a diversidade de visualidades das obras ali presentes. O público-alvo são pesquisadores e interessados em arte e fotografia contemporânea.

Programação

Aula 01 – As primeiras exposições de fotografia e o início da coleção

Aula 02 – As vanguardas históricas e as relações com o fotoclubismo

Aula 03 – A diversidade de linguagens fotográficas nas décadas de 80 e 90

Aula 04 – Os caminhos e resultados alcançados pelo Clube de colecionadores de fotografia

Aula 05 – O documental e o poético na fotografia contemporânea

Guilherme Tosetto

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Dúvidas:
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Parada militar de 7 de Setembro (1976), de Orlando Brito

com Bruna Boni

Datas: 05, 12, 19, 26 de junho e 03 de julho
Quartas-feiras
Horário: das 18h30 às 20h30
Duração: 05 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00

Curso híbrido: as quatro primeiras aulas serão online, por videoconferência. A quinta e última aula será presencial, na sede do MAM-SP.
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

O design de estampas, quando alinhado ao estilo autoral, não apenas agrega valor, mas também abre novas oportunidades de mercado para o artista. Este curso visa a estreita integração entre as áreas da arte e da estamparia, destacando a importância da preservação do traço e da técnica para manter a autenticidade do estilo do artista.

Com foco na criação de estampas digitais, o curso oferece ferramentas essenciais para o desenvolvimento dessa transformação criativa. Os participantes aprenderão a criar estampas para serem aplicadas em diversas superfícies, desde a elaboração de módulos de repetição/rapport até a aplicação da estampa localizada, com ênfase na engenharia da estampa para o molde do produto.

O conteúdo abrange uma ampla gama de tópicos, incluindo técnicas de impressão, seleção de tecidos e considerações sobre sustentabilidade no processo de produção. Ao final do curso, os alunos estarão capacitados a fazer escolhas conscientes e eficazes, tanto esteticamente quanto ecologicamente, no desenvolvimento de suas estampas autorais.

Os primeiros 10 inscritos também ganharão de brinde uma nécessaire do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP), com estampa exclusiva da linha Detanico Lain. As necessaires serão distribuídas no último encontro do curso, que será presencial.

Programação

Aula 01 – Introdução à estamparia e criação de estampas autorais

Aula 02 – Processos de impressão e aplicação em superfícies desejadas

Aula 03 – Estudo de casos reais: criação de estampas autorais para os artistas visuais Clóvis Júnior e Alberto Pitta

Aula 04 – Criação de estampa para utilitários têxteis: Projeto Sobre Arte, feito em parceria com a Loja do MAM-SP
Participação da artista visual e galerista Priscila Mainieri

Aula 05 – Workshop de dúvidas
Participação de Martina Viegas (professora da Faculdade Belas Artes, designer de estampas e doutoranda em Comunicação na ESPM) e Priscila Mainieri (artista visual e galerista).

As convidadas, profissionais experientes na criação, compartilharão suas trajetórias e participarão de uma roda de conversa com a turma. O workshop abordará dúvidas, análises de peças estampadas para identificar diferenças em impressões e tecidos, além de conteúdos adicionais conforme necessidade da turma.

Bruna Boni

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Dúvidas:
cursos@mam.org.br
WhatsApp: 11 99774 3987

Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br).


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Foto: Bruna Boni

com Raul Machado Carvalho Junior

Datas: 13, 20 e 27 de junho, 04, 11, 18 e 27 de julho e 03 de agosto
Quintas-feiras (exceto os dois últimos encontros, que serão aos sábados de manhã)
Horário: das 19h às 21h
Duração: 08 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 640,00

Curso híbrido: as seis primeiras aulas serão online, por videoconferência. A sétima e a oitava aula serão presenciais, com uma vivência no Ateliê Raul Carvalho Conservação.
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado

O curso de introdução à conservação e ao restauro de pinturas oferece ao longo de 8 aulas uma visão abrangente do universo da preservação do nosso patrimônio cultural. Por meio de aulas dinâmicas e estudos de casos, os alunos serão introduzidos ao fascinante e complexo trabalho do Conservador/Restaurador. Esta profissão multidisciplinar requer conhecimentos em diversas áreas da ciência, como Química, Física, Mecânica e História da Arte.

O objetivo do curso não é formar profissionais, mas sim proporcionar uma compreensão mais profunda dessa apaixonante e muitas vezes pouco conhecida profissão, bem como discutir processos de conservação e restauração. Os participantes aprenderão a desenvolver um olhar crítico ao examinar obras de arte, identificando problemas intrínsecos e extrínsecos. Além disso, serão abordados os bastidores de uma exposição e o papel fundamental do profissional de conservação.

Este curso destina-se a qualquer pessoa interessada em explorar o fascinante mundo dos profissionais envolvidos na preservação do nosso patrimônio cultural.

Programação

Aula 01: Aula introdutória

Aula 02: Examinando a obra de arte

Aula 03: Conservar para não restaurar

Aula 04: Bastidores de uma exposição I

Aula 05: Bastidores de uma exposição II

Aula 06: Restauração de pintura I

Aula 07 e 08: Restauração de pintura II (presencial no Ateliê Raul Carvalho Conservação)

Raul Machado Carvalho Junior

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WhatsApp: 11 99774 3987

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Foto: Raul Machado Carvalho Junior

com Lívia Aquino, Fábio Morais e Daniela Avelar

Datas: 25 de maio, 01, 08, 15, 22 e 29 de junho, 06 e 13 de julho
Sábados
Horário: das 10h às 12h
Duração: 08 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 640,00

Curso presencial
Curso contempla certificado no final

Formada por Lívia Aquino, Fabio Morais e Daniela Avelar, Desabamento de Textos é uma autoficção que combina pesquisa e experimentação artística, focalizando nas especificidades, fricções e multiplicidades formais da linguagem verbal nas artes visuais.

Este curso explora diversos modos de escrita na arte, através de estudos de caso e análise de trabalhos, com ênfase em suas diferentes naturezas de construção textual: desde a expressão sonora e a performance até procedimentos variados, e a consideração das materialidades e espacialidades na arte.

Programação

Aula 01 – Modos de escrita na arte (Daniela Avelar, Fabio Morais e Lívia Aquino)

Aula 02 – Escrita mínima (Fábio Morais)

Escritas mínimas são mais enunciativas que argumentativas, oscilando entre a lírica, a comunicação ou a presença semântico-literal das palavras. De leitura momentânea, têm maior apelo imagético que textos longos, atendendo à plasticidade de práticas expositivas. A aula aborda as formalizações materiais e as estratégias de apresentação de escritas mínimas, palavras-frases e enunciados curtos em obras de Hélio Oiticica, Rubens Gerchmam, Santiago Sierra, Carmela Gross, Lívia Aquino, Paulo Nazareth, Vânia Mignone, Daniela Avelar, Denilson Baniwa, Regina José Galindo.

Aula 03 – Espaços literários dentro de espaços expositivos (Fabio Morais)

Textos com maior duração de leitura/escuta possibilitam práticas pouco comuns na arte, como a narrativa e a ficção. De fruição lenta e circunspecta, alteram a temporalidade e a relação com o espaço expositivo. A aula analisa procedimentos formais de textos que, embora pudessem ter lugar cativo em páginas e telas, instauram-se no espaço tridimensional. São abordadas obras de Randolpho Lamonier, Dora García, Rafael RG, David Wojnarowicz, Aníbal López, Adrian Piper, Jota Mombaça, Rosângela Rennó, Zoe Leonard, Marta Neves, Giselle Beiguelman, Esther Ferrer.

Aula 04 – Instruções para imaginar (Daniela Avelar)

A partir da ideia de instruções, em artistas como Yoko Ono, Fluxus, George Brecht, Lawrence Weiner, Luis Camnitzer e Paulo Bruscky, a aula aborda a dimensão não realizável desses textos. Ao não efetivar essas instruções, os textos adquirem características poético-literárias, ativando imagens no campo cognitivo e mental.

Aula 05 – Instruções para agir (Daniela Avelar)

Abordando outra dimensão das instruções, a aula propõe a discussão de trabalhos nos quais os textos são, no processo do artista, disparadores da efetivação material de obras em ações e performances, que irão se constituir conforme a contingência de cada realização. Serão abordadas obras de Sophie Calle, Eleonora Fabião, Esther Ferrer e Dora García, entre outras.

Aula 06 – Leitura e performance (Lívia Aquino)

Em “El arte de la performance teoría y práctica”, a artista Esther Ferrer investiga a leitura como ação, explorando diferentes usos e sentidos no campo da arte. Essa aula parte dessa performance como eixo para observar outras proposições artísticas que ativam processos de leitura em diversos modos como a leitura partilhada em voz alta, em silêncio, nos espaços destinados para tal, em outros criados por grupos apontando assim para o texto que acontece como espaço sonoro com artista como Ana Gallardo, Rubiane Maia, Dora García, Ana Teixeira, Kevin Simón Mancera, Vera Chaves Barcelos, Adelaide Ivánova, Anibal López, Grupo Contrafilé e Grada Kilomba.

Aula 07 – Escrita, palavra-cenário e espaço público (Lívia Aquino)

Explorar a escrita como síntese e como ela opera nos distintos espaços e suportes onde acontece, desde Jenny Holzer com os truísmos espalhados na cidade que sugerem um tipo de esgotamento da linguagem até artistas mais recentes colados à sua realidade política, como Regina José Galindo, Alfredo Jaar, Juan Carlos Romero, Santiago Sierra, Doris Salcedo, Carmela Gross, Barbara Kruger e Guerrilla Girls.

Aula 08 – Encerramento (Daniela Avelar, Fabio Morais e Lívia Aquino)

Levantamento de questões sobre os temas trabalhados ao longo do curso e proposição de exercício prático de escrita.

Daniela Avelar
Fabio Morais
Lívia Aquino

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Eu sou Dolores (1999), de Carmela Gross | Coleção MAM São Paulo

com Renato Anelli

Datas: 13, 20, 27 de maio, 03, 10, 17, 24 de junho e 01 de julho
Segundas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 08 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 640,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
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O curso aborda o processo de formação e evolução da arquitetura moderna brasileira, situando-o dentro do contexto histórico da modernização do país desde a Abolição da Escravatura e a Proclamação da República até os dias atuais. Utiliza-se o método de interpretar o significado dessa arquitetura através da análise da forma e dos procedimentos que a geraram, considerando o momento histórico específico em que se desenvolveu. As narrativas da arte, da arquitetura e da sociedade se entrelaçam para explicar o processo de formação da arquitetura como um sistema representativo da cultura brasileira. Assim, serão discutidos temas como projeto arquitetônico, construção, uso, integração urbana e sua relação com as artes plásticas, cinema e teatro. A arquitetura é compreendida como parte integrante da cultura que molda um país, tanto simbólica quanto materialmente.

Programação

Aula 1 – Modernismo e Modernização

Aula introdutória ao curso, desenvolvendo a conceituação de Marshal Berman apresentada em seu livro “Tudo que é sólido desmancha no ar” (1986), a partir da interpretação de Adrian Gorelik em “O moderno em debate: cidade, modernidade, modernização” (1999) e Marta Gutman em “Teaching Marshal / Marshal teaching: Encounters with Berman” (2016).

A aula parte da interpretação da pintura “La Gare Saint-Lazare” de Claude Monet (1877) e das entradas das estações de Metrô projetadas por Hector Guimard (1900) para discutir o papel da arte e da arquitetura na modernização produtiva, social e política do século XIX.

Aula 2 – A retórica colonial na República: modernização social e os dilemas da identidade nacional

Com enfoque na primeira República, a aula discute a recuperação do passado colonial como raiz da nacionalidade na cultura. Aborda a modernização social e produtiva do Brasil através das infraestruturas urbanas e da arquitetura neoclássica de Ramos de Azevedo. Explora a interpretação da arquitetura colonial nas pesquisas de José Wasth Rodrigues e José Mariano orientadas pelo neocolonialismo. Analisa a síntese entre moderno, arcaico e paisagem natural nas pinturas de Tarsila do Amaral. Debate o posicionamento de Mário de Andrade e Oswaldo de Andrade sobre o moderno na arquitetura, como a chegada das casas modernistas de Gregori Warchavichik.

Aula 3 – Construção da identidade nacional moderna e hegemonia da representação do estado nacional

A aula parte da exposição simultânea da Casa Modernista de Warchavchik com o lançamento do Plano de Avenidas para São Paulo de Prestes Maia e a Revolução de 1930. Apresenta a construção da identidade nacional moderna através de Lúcio Costa, destacando o papel da integração das artes na arquitetura. Analisa as artes plásticas modernas, com ênfase em temáticas nacionais e sociais por artistas como Portinari, Di Cavalcanti e Bruno Giorgi. Este processo culmina em dois projetos de Oscar Niemeyer que o elevam ao foco central da arquitetura moderna brasileira: o Pavilhão do Brasil na Feira Mundial de Nova York, em coautoria com Lúcio Costa (1939) e Pampulha (1942). A exposição “Brazil Builds: architecture new and old”, promovida pelo MoMA em 1943, consolida essa corrente, apresentando-a como referência internacional de esperança em plena destruição da Segunda Guerra Mundial.

Aula 4 – Arquitetura moderna como instrumento de modernização econômica e social no Brasil e América Latina: Interiorização e internacionalização

A aula apresenta o papel ativo da arquitetura moderna brasileira na modernização do país, projetando fábricas, conjuntos habitacionais, redes de escolas públicas e equipamentos de saúde no esforço de construção de um estado de bem-estar social para uma população que se urbanizava velozmente. Explora os movimentos concretista e neoconcretista nas artes plásticas e sua relação com os novos parâmetros da arquitetura. Destaca a forte presença da arquitetura moderna brasileira no exterior, em países como Venezuela, Estados Unidos e Alemanha, através das obras de Oscar Niemeyer, Rino Levi e Roberto Burle Marx.

Aula 5 – Brasília e Salvador: duas faces do desenvolvimentismo no Brasil

Analisa o projeto e a construção de Brasília como a síntese do projeto político e cultural do modernismo brasileiro. Discute o papel da Universidade da Bahia e do Museu de Arte Moderna da Bahia no plano de desenvolvimento regional do Nordeste, proposto por Lina Bo Bardi e artistas da região. Destaca a pesquisa etnográfica Nordeste conduzida por Lina em conjunto com Livio Xavier no Ceará e Francisco Brennand. Brasília e Salvador se apresentam como dois caminhos para a relação entre cultura e economia, que poderiam ser complementares, se não ocorresse o golpe militar de 1964.

Aula 6 – Entre tecnocracia e contracultura: arte, arquitetura e cidade no “milagre brasileiro”

A aula foca na polarização política e cultural característica do período autoritário inaugurado em março de 1964. Analisa movimentos de arte moderna e popular que se radicalizaram na luta de oposição, politizando a produção nas artes plásticas, arquitetura, teatro e música. Explora as obras do Grupo Arquitetura Nova, a teoria crítica de Sérgio Ferro, o urbanismo de favelas de Carlos Nelson Ferreira, a cenografia de Flávio Império e Lina Bo Bardi. Por outro lado, discute o crescimento exponencial das cidades e os investimentos públicos em grandes obras, que acentuaram os contrastes sociais. A arquitetura moderna configurou redes de infraestrutura urbana, como os metrôs de São Paulo e Rio de Janeiro, com relevantes características ambientais e paisagísticas.

Aula 7 – Moderno e pós-moderno na redemocratização

Aborda a revisão crítica ao movimento moderno iniciada na Europa e Estados Unidos na década de 1950, que atingiu o Brasil na década de 1980. Analisa o pós-modernismo brasileiro em suas três correntes: uma de viés Pop, outra de orientação historicista e uma terceira regionalista. Destaca a obra de Severiano Mário Porto na Amazônia como a mais relevante desse movimento. Discute a continuidade e o aprimoramento da arquitetura moderna, tendo Paulo Mendes da Rocha como seu mais destacado expoente na virada do século XX para o XXI.

Aula 8 – Arte e arquitetura moderna de Brasília no centro da disputa política do século XXI

Explora as políticas de inclusão social propiciadas pelo primeiro quartil do século XXI e seu impacto na ampliação do campo da arte e arquitetura. Destaca a denúncia e o combate ao racismo estrutural brasileiro por negros descendentes de escravizados e indígenas. Analisa a cultura das periferias e favelas, que se impõem alterando temas e território de atuação da arquitetura. Discute a cerimônia de posse do novo presidente em Brasília, seguida pela invasão e depredação dos palácios dos três poderes por seus opositores, como momentos emblemáticos desse período.

Renato Anelli

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Parque do Ibirapuera (2004), de Nelson Kon

com Reynaldo Damazio

Datas: 10, 17, 24 de maio, 07 e 14 de junho
Sextas-feiras
Horário: das 18h às 20h
Duração: 05 encontros
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O curso tem como objetivo oferecer uma análise do surrealismo no seu centenário, através de cinco encontros virtuais, explorando seus aspectos literários e plásticos. Destaca-se o papel da experiência estética vanguardista em relação ao inconsciente, conceito definido por Freud e apropriado por Breton, e suas influências na literatura e na arte do século XX e início do XXI. No quinto encontro, será abordado o catálogo da exposição sobre Murilo Mendes no MAM.

Programação

Aula 1 – No limiar do século XX

Aula 2 – A Revolução Surrealista

Aula 3 – Gabinete do sonho

Aula 4 – Rastros da vertigem

Aula 5 – Surrealismo no Brasil

Reynaldo Damazio

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Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.

Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.


créditos
Oedipus Rex (1922), Max Ernst Fonte: WikiArt

Datas: 08, 10, 15, 17, 22 e 24 de abril de 2024
Segundas e quartas-feiras
Horário: das 10h às 12h
Duração: 06 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

O curso tem como objetivo apresentar o processo de desenvolvimento de exposições nos museus de arte e os desafios das etapas de pré-produção, produção e pós-produção.

Do projeto curatorial à experiência de visitar exposições de arte, os participantes do curso vão descobrir o passo a passo da produção artística e executiva. As aulas serão expositivas com conteúdo em formato digital, indicações de leituras e tempo reservado para estudos de casos e troca de experiências.

Programação

Aula 1 – Introdução sobre museus de arte e a diversidade de exposições

Aula 2 – Quando inicia e termina a produção artística e executiva?

Aula 3 – Pré-produção

Aula 4 – Produção executiva

Aula 5 – Produção executiva | Interface com equipes

Aula 6 – Pós-produção

Cláudia Vendramini Reis

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Dúvidas:
cursos@mam.org.br
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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br).


créditos
Atrás da porta (2007), de Rivane Neuenschwander | Coleção MAM São Paulo

com Helena Obersteiner

Datas: 20 e 27 de abril, 04 e 11 de maio de 2024
Sábados
Horário: das 10h às 13h
Duração: 04 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00

Curso presencial
Curso contempla certificado no final

O ambiente do parque, nos finais de semana, é repleto de movimento, um cenário dinâmico que proporciona constantes estímulos para exercitar nossa espontaneidade. Nesse contexto, ao contrário do trabalho em um ateliê, quais estratégias de desenho podemos desenvolver para explorar o Parque Ibirapuera

Descaminhos são os trajetos que se desviam de ideias pré-concebidas. A partir de reflexões e da construção de um caderno de pesquisa, iremos realizar exercícios de desenho ao ar livre, buscando estimular o repertório gráfico e a busca por novidades nos processos de criação.

Programação

Aula 1 – Um caderno de descaminhos

Aula 2 – Superfícies

Aula 3 – Registros de movimento

Aula 4 – Borrão

Helena Obersteiner
(São Paulo, SP, 1993 )

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Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.

Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.


créditos
Ilustração: Helena Obersteiner

com Juliana Monteiro

Datas: 15, 22, 29 de abril e 06 de maio de 2024
Segundas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 04 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

A partir de livros de fotografia e de textos literários, os participantes são convidados a ampliar suas reflexões e seu olhar sobre a fotografia como linguagem artística, como texto e como processo de construção poética sobre as relações cotidianas.

Cada encontro apresenta um eixo temático que norteará as confluências e algumas possibilidades de diálogo entre essas duas linguagens.

De que maneira os escritores abordam as questões que permeiam o universo da fotografia? Como escritores e fotógrafos retratam a si mesmos?

De forma dialógica, tentaremos responder a essas e a outras questões, juntos, a partir de autores clássicos e contemporâneos da literatura e da fotografia, como os escritores Machado de Assis, Marília Garcia, Ana Martins Marques, Ricardo Aleixo, Orides Fontela e os fotógrafos Carlos Moreira, Robert Frank, André Penteado, Reymond Meeks, Masahisa Fukase, entre outros.

Os temas e as referências, além de serem a base do conteúdo apresentado, servem como ponto de partida para práticas fotográficas que serão propostas e discutidas durante os encontros.

Programação

Encontro 1 – o olhar

Encontro 2 – olhar para si

Encontro 3 – olhar para o outro

Encontro 4 – olhar para o seu lugar no mundo

Juliana Monteiro
(Rio de Janeiro, 1981 – vive e trabalha em São Paulo, SP)

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Foto: Juliana Monteiro

com Lorenzo Merlino

Datas: 09, 16, 23 de abril, 07, 14 e 21 de maio de 2024
Terças-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 06 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00


Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

O curso tem como objetivo explorar as mudanças cruciais na Arte Ocidental desde o início do Renascimento até o surgimento da Arte Moderna no início do século XX, destacando suas relações e independências com a Estética. Além disso, serão abordadas as interações com o Design, Moda e sua influência em áreas como Cinema, Dança, Teatro e Literatura. Destinado a todos os interessados em Arte, Moda e Design, o curso não requer formação prévia.

Programação

Aula 1

Aula 2

Aula 3

Aula 4

Aula 5

Aula 6

Lorenzo Merlino

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Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto

Dúvidas:
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WhatsApp: 11 99774 3987

Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.

Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.


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L.H.O.O.Q. (1919), de Marcel Duchamp. | Fonte: Wikipédia

com Flávia Corpas

Datas: 16, 23, 30 de abril, 07, 14, 21 e 28 de maio, 4 de junho
Terças-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 8 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 640,00

Curso presencial
Curso contempla certificado no final

Desde a sua fundação por Freud, no despontar do século XX, a psicanálise se viu intimamente marcada pela arte. Os desdobramentos desta articulação, que reverberam até nossos dias, produziram importantes efeitos sobre ambos os campos.

É Lacan, por exemplo, quem nos diz que a interpretação, na experiência analítica, deve sempre ser o ready-made de Marcel Duchamp, o que evitaria alimentar o sintoma com sentido (Lacan, 1974), sustentando sua crítica à ideia da interpretação como hermenêutica, indicando que a interpretação deve apontar para os limites da representação ou da linguagem, ou seja, para o real, o impossível de representar.

Tanto Freud quanto Lacan se deslocaram em direção aos artistas e suas obras, se deixando interrogar. Certo é também que nenhum dos dois tinha o objetivo de criar uma estética psicanalítica. Interessa a estes psicanalistas, o saber que cada artista porta, e que testemunham em suas obras, saber que não sabem que possuem e que, à revelia disso, usam para criar.

Trata-se aqui de, junto com estes psicanalistas, abordar aquilo que a arte ensina à psicanálise, rompendo com a ideia de uma psicanálise aplicada à arte e fazendo valer a proposição de Freud e Lacan quanto ao fato de que o artista sempre precede o analista.
Contudo, a psicanálise também pode dar suas contribuições ao campo da arte. Ao menos é o que reflete o filósofo da arte francês Hubert Damisch:

Lacan foi o primeiro a nos dar uma definição de “tableau” [quadro], que é ao mesmo tempo coerente e produtiva, ao afirmar que o “tableau” é uma função na qual o sujeito teria que encontrar suas marcas, para encontrá-las enquanto tal (enquanto sujeito). Não é estranho que tivemos de esperar até o século XX para obter uma definição correta para responder a pergunta “o que é um ‘tableau’?”. E não é estranho que tivemos de esperar a psicanálise para nos dar uma definição correta para este termo?” (Damisch, 2005).

No campo da arte, além de Damisch, o filósofo, historiador e crítico da arte francês Didi-Huberman se apresentam como nomes importantes na interlocução com a psicanálise.

Será a partir da leitura de algumas das obras dos referidos autores, e também daquelas de Freud e Lacan, que se dará o trabalho no Ateliê de Arte e Psicanálise. Por meio delas, nos aproximaremos também dos conceitos da psicanálise utilizados pelos teóricos, concedendo-nos, assim, algumas chaves de leitura possíveis para tais reflexões.

O método de trabalho se inspira no modo de funcionamento de um dispositivo muito específico proposto por Lacan, o cartel. Distinto do grupo de estudos, um cartel propõe, dentre outras coisas que estariam mais referidas a sua função e lugar dentro do campo da psicanálise e da formação do analista, uma relação outra com o saber, que implica o desejo de cada participante e uma questão específica que irá nortear sua participação no ateliê. É importante, portanto, que cada um possa circunscrever uma questão, antes ou durante seu percurso no ateliê. É desejado ainda que esta questão sofra algum desdobramento ao longo do trabalho de leitura, que pode ser a produção de um texto, uma nova pergunta, um vídeo, uma fotografia, enfim, algo que ajude o participante a localizar um ponto de entrada, um percurso e uma chegada possível.

Programação

Aula 1 – Arte e Psicanálise: um campo de tensão:

Aula 2 – As leituras de Freud:

Aula 3 – As leituras de Lacan:

Aula 4 – Didi-Huberman e a Psicanálise:

Aula 5 – Hubert Damisch e a Psicanálise:

Aula 6 – Arte, Psicanálise e Feminismos

Aula 7 – Arte, Psicanálise e Loucura

Aula 8 – Apresentação de trabalhos

Flavia Corpas

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Dúvidas:
cursos@mam.org.br
WhatsApp: 11 99774 3987

Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br).


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Sem título (1975), de Mira Schendel. | Coleção MAM São Paulo

com Ivan Padovani e Marcelo Amorim

Datas: 16, 23, 30 de março, 06 e 13 de abril
Sábados
Horário: das 10h às 13h
Duração: 5 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00

Curso presencial
Curso contempla certificado no final

Nesta oficina prática, exploram-se propostas que abordam as interseções entre fotografia, performance e arquitetura. Dividida em 5 encontros, a programação é permeada pelo compartilhamento de referências e textos, com o objetivo central de orientar a produção de um novo trabalho por cada participante. A oficina se destina a qualquer pessoa envolvida nas áreas de artes visuais e artes do corpo.

Programação

Aula 1 – Registro de performances históricas

Aula 2 – Atualização e reperformance: crítica das reencenações de performances históricas em museus

Exercício: criar uma performance histórica fictícia.

Aula 3 – O potencial de uma fotoperformance

Exercício: planejamento de uma fotoperformance pessoal por meio de storyboards e apresentação das propostas e discussão em grupo.

Aula 4 – Criação de uma fotoperformance pessoal

Convidada: Celina Portella

Aula 5 – Apresentação dos resultados de fotoperformance pessoal

Ivan Padovani
(São Paulo, 1978)

É formado em Administração pela FAAP e Pós-Graduado em Fotografia pela mesma instituição. Paralelo à sua atuação como artista visual, Ivan também é professor na Escola Panamericana de Arte. Entre os anos de 2017 e 2020 esteve à frente da gestão do VÃO, espaço independente de arte. Foi co-fundador e coordenador do F+, núcleo de formação em artes visuais da Fauna Galeria. Atualmente é gestor do Canteiro, Campo de Produção em Arte Contemporânea. Seu trabalho integrou exposições como Time Space Existence, que fez parte da programação da 15ª Bienal Internacional de Arquitetura de Veneza, Antilogias: o fotográfico na Pinacoteca de São Paulo, Experimentando Le Corbusier no Museu da Casa Brasileira, Bienal de Arquitetura de São Paulo 2017 na Biblioteca Mario de Andrade, Tarefas Infinitas no SESC CPF, Territórios Imaginários na Casa América no Festival PhotoEspaña em Madrid, Realidades da Imagem, História da Representação no Museu do Estado do Pará e Library of Love no Museu de Arte Contemporânea de Cincinnati em Ohio/EUA. Como professor, Ivan Padovani realiza ações formativas em artes visuais por meio de grupos de estudos, cursos e workshops em instituições culturais e de ensino como Instituto Moreira Salles, SESC, Valongo – Festival Internacional de Imagem, Festival Imaginária e Estúdio Madalena. Ivan Padovani recorre principalmente ao uso de fotografias, esculturas, vídeos e instalações para criar metáforas sobre a condição do indivíduo em meio ao ambiente contemporâneo, seja em seus aspectos físicos e arquitetônicos, seja em relação às dimensões mais íntimas e psicológicas. A construção do olhar, os processos mentais de apreensão, os mecanismos de defesa, a intersubjetividade e as relações espaciais e temporais ativadas pelo contexto em que vivemos são questões recorrentes em sua produção.

Marcelo Amorim
(Goiânia, 1977)

É artista e curador independente radicado em São Paulo. Entre 2009 e 2016 dirigiu o Ateliê397 e, desde 2013, é diretor do Fonte, onde cria e organiza residências artísticas, exposições, debates e cursos relacionados à arte contemporânea. Paralelamente, também atua como orientador do grupo Hermes Artes Visuais. Amorim realizou exposições individuais no MARP, Ribeirão Preto (2019), Sem Título, Fortaleza (2018), Zipper Galeria, São Paulo (2016), Paço das Artes, São Paulo (2014); Galeria Jaqueline Martins, São Paulo (2012), Galeria Oscar Cruz, São Paulo (2010) e Centro Cultural São Paulo, São Paulo (2008). Seu trabalho foi apresentado em exposições coletivas, entre elas destacam-se: Sentido comum– Anita Schwartz Galeria de Arte, Rio de Janeiro (2022), Dizer não – Ateliê397, São Paulo (2021), Against, Again: Art Under Attack in Brazil – Anya and Andrew Shiva Gallery, Johnfoy College, Nova York (2020); Memória seletiva – Galeria Aymoré, Rio de Janeiro (2019), Ação e reação – Arte contemporáneo brasileño – Casa do Brasil, Madri, Espanha (2018); São Paulo não é uma cidade: invenções do centro – Sesc 24 de Maio, São Paulo (2018). Destacam-se na sua prática curatorial: Mar Rio Fonte (Galeria Karla Osorio, 2023), Pieces of landscape (Profoundation, 2018), Entrever Paisagens, (Galeria da FAV, 2018), Vá em Frente Volte pra Casa – Júnior Pimenta (Sem título, 2018), Contraprova (Paço das Artes, 2015), Lusco Fusco – Karlla Girotto (Ateliê397, 2015), Pintar a China Agora – Brody & Paetau (Ateliê397, 2015), É Fluido mas é Legível (Oficina Oswald de Andrade, 2014).

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Performance de Isabella Breves. | Registro: Ivan Padovani

com Ana Paula Simioni

Datas: 11, 18, 25 de março e 01 de abril
Segundas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00

Curso online
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Curso contempla certificado no final

O curso propõe uma reflexão sobre a presença e contribuição das artistas mulheres em algumas experiências modernistas internacionais, notadamente na França e no Brasil. O curso é voltado para um público geral, acima de dezoito anos, sem necessariamente ter amplos conhecimentos em história da arte. Uma parte da bibliografia recomendada será em inglês, francês ou espanhol.

Programação

Aula 1 – Os gêneros do modernismo: mulheres impressionistas

A primeira aula discutirá o modo com que as imagens associadas aos artistas modernos (tais como o “gênio”, o “revolucionário”) são generificadas. Abordaremos em especial a figura do flâneur e o modo com que as artistas mulheres atuantes no último quartel do século 19 lidaram com tais questões.

Aula 2 – Nus: territórios da vanguarda

A segunda aula abordará o modo com que algumas mulheres artistas procuraram se inserir nas vanguardas francesas a partir de um tema caro à arte moderna: as representações dos nus. Trata-se de entender como elas passaram de objetos da representação a sujeitos dos mesmos.

Aula 3 – Mulheres artistas em outros centros: modernistas brasileiras

Nesta aula propõe-se uma reflexão sobre o caso particular do Brasil, em que duas figuras femininas lograram uma consagração ímpar: Anita Malfatti, vista como a introdutora do modernismo no país, e Tarsila do Amaral, figura central na década de 1920. Ambas assinalam modos de consagração generificados.

Aula 4 – Modernismos expandidos: mulheres e artes decorativas em tempos modernistas

A partir do caso de Regina Gomide Graz, introdutora das artes modernistas têxteis no Brasil, a quarta aula abordará o modo com que diversas artistas mulheres dedicaram-se às artes decorativas, em especial as artes têxteis, nos circuitos modernistas internacionais. Nesse sentido, elas promoveram uma crítica às hierarquias tradicionais da história da arte e ampliaram o próprio conceito de “articidade” em suas épocas.

Ana Paula Cavalcanti Simioni

É professora no Instituto de Estudos Brasileiros da Universidade de São Paulo. Desde 2000, dedica-se à pesquisa das relações entre arte e gênero, especialmente no contexto brasileiro. Destacam-se entre suas publicações: Profissão Artista: Pintoras e Escultoras Acadêmicas Brasileiras (SP: EDUSP/FAPESP, 2019) e Mulheres Modernistas: Estratégias de Consagração na Arte Brasileira (SP: EDUSP/FAPESP, 2022). Foi curadora das exposições Mulheres Artistas: As Pioneiras na Pinacoteca Artística do Estado de São Paulo em 2015 e Transbordar: Transgressões do Bordado na Arte no SESC Pinheiros em 2020-2021. Além disso, atuou como curadora associada da exposição Tornar-se ORLAN no SESC Paulista de setembro de 2023 a janeiro de 2024.

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Paisagem (1948), de Tarsila do Amaral. | Fonte: Coleção MAM São Paulo