com José Augusto Ribeiro

Quintas-feiras
Duração: 6 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

O termo “escrito de artista” não constitui gênero literário ou discursivo por abranger formas diversas: carta, tratado, manifesto, crítica, aforismo, ensaio, ficção. Mas, em geral, esse texto exprime as ideias que impregnam a realização da obra de seu autor.

A partir dos anos 1960, principalmente, o escrito de artista passa não só a sistematizar em palavras o pensamento do trabalho de arte, como passa a integrar ou a ser o próprio trabalho. Outras vezes, o texto assume a forma de conto, poesia ou romance, com maior ou menor vínculo com a obra de artes visuais.

O curso considera, então, essas várias possibilidades da escrita, ao selecionar para análise um conjunto de textos de artistas brasileiros, publicados a partir da metade do século XX, a fim de estabelecer um campo de pensamento sobre a produção contemporânea em que convergem aspectos da literatura, da filosofia e da política, junto com noções das disciplinas de teoria, história e crítica de arte.

Programação

Aula 01 – Os escritos teóricos de Waldemar Cordeiro, Hélio Oiticica e Lygia Clark

Aula 02 – Textos de intervenção publicados entre 1970 e 1990, no jornal Opinião e nas revistas Malasartes, A parte do fogo e Arte em revista

Aula 03 – A palavra nas obras de Artur Barrio e Waltercio Caldas

Aula 04 – Contos e poemas de Anna Maria Maiolino, Iberê Camargo e Antonio Lizárraga

Aula 05 – As narrativas ficcionais de Tunga e os fragmentos autobiográficos de José Leonilson

Aula 06 – Literatura e artes visuais nas produções de Nuno Ramos e Aline Motta

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Dúvidas:
cursos@mam.org.br
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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br).

com Helena Obersteiner

Terças-feiras
Duração: 5 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

Este curso propõe uma postura investigativa sobre a interseção entre desenho e escrita. Inspirado pela dinâmica do jogo de pingue-pongue, o curso convida os participantes a mergulharem em um diálogo constante, explorando como essas práticas podem se entrelaçar e estimular mutuamente processos de pesquisa e criação.

Ao longo dos encontros, analisaremos obras de artistas do acervo do MAM-SP, refletiremos e realizaremos exercícios que enfatizam o afeto entre as práticas, além de investigar poéticas individuais que emergem a partir da convivência coletiva.

Programação

Aula 01 – Metodologia pingue-pongue

• Observação imparcial
• Importância de práticas transdisciplinares
• Borrar fronteiras

Aula 02 – Investigações a partir de obras do acervo do MAM-SP

• Artistas: Leonilson, Rivane Neuenschwander, Tadaskia, Xadalu Tupã Jekupé e Mira Schendel
• Elaboração de exercícios baseados na análise das obras

Aula 03 – Ultrapassar convenções: intersecção entre texto e imagem

• Consciência corporal e pesquisa de materiais riscantes
• Coreografias e roteiros no espaço
• Ilustração e lettering

Aula 04 – Reorganização de textos

• Convivência entre referências
• Decoupage de texto e pesquisa de imagens

Aula 05 – Pesquisa de palavras em órbita

• Memória, reconhecimento e afeto
• Relatos escritos de experiências

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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br).

com Lorenzo Merlino

Terças-feiras
Duração: 6 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

Este curso oferece uma análise inter-relacional entre a História da Moda e a História da Arte, destacando suas conexões com o contexto histórico, social, político e econômico. Frequentemente ensinadas de maneira dissociada, ambas as disciplinas são aqui exploradas como manifestações que se influenciam e refletem o espírito de sua época. Por meio de uma exposição cronológica e crítica, o curso visa proporcionar ao aluno uma compreensão ampliada dos movimentos artísticos e suas correspondências na moda. Incentivando um exercício relacional, o curso capacita os participantes a identificar e analisar novas relações, aplicáveis a diferentes áreas de estudo e trabalho.

Programação

Aula 01 – Apresentação e metodologia

• A Moda através da História da Arte
• Pré-História e as primeiras manifestações
• A Antiguidade e o surgimento do vestuário
• Roma e o apogeu da Antiguidade
• Antiguidade tardia e as novas perspectivas
• Bizâncio e a permanência de Roma

Aula 02 – Era Medieval – Renascimento Carolíngio, estilos Românico e Gótico

• O início da diferenciação por gênero
• Cruzadas e o aporte da opulência
• Os vários Renascimentos
• O humano no centro e o início da Moda – alteração de silhueta

Aula 03 – Barroco e Rococó

• Decoração, exagero e lisonja
• Os Habsburgo e Flandres, rigor e constrição
• A Academia e o Classicismo do Grande Século
• O início da preponderância francesa

Aula 04 – A Primeira Revolução Industrial

• A Inglaterra e suas influências
• Neoclassicismo – nobreza e burguesia, ousadia e conservadorismo
• Deformação do corpo e construção de silhueta
• As Revoluções e a influência inglesa – o câmbio da silhueta
• De fornecedores a artífices, e a disseminação da roupa

Aula 05 – O longo século 19 e o final de uma Era

• As bases do Moderno
• Restauração, Romantismo, Realismo – o começo dos ismos
• Revoluções Sociais e a Segunda Revolução Industrial
• Grandes Magazines e as mudanças no fornecimento da Moda
• O surgimento da Alta-Costura

Aula 06 – A aceleração do tempo e a aceleração da Moda

• Final de Século e o início do Moderno
• Impressionismo, Neoimpressionismo e Pós-Impressionismo
• A Modernidade e as Vanguardas europeias
• A Alta-Costura e o prêt-à-porter, e as primeiras relações diretas com a Arte
• A Segunda Guerra e a mudança de eixo
• Chanel e a invenção do estilismo

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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br).

com Alexandre Villares

Segundas-feiras
Duração: 06 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

Desde a década de 60, artistas produzem imagens escrevendo programas de computador. Neste curso serão apresentadas obras pioneiras e contemporâneas, assim como ideias recorrentes na prática da chamada programação criativa, servindo para reflexão e inspiração de atividades práticas de experimentação dos participantes.

Trata-se de uma introdução ao desenho com programação que ensina, sem pré-requisitos, elementos essenciais da linguagem de programação Python e do vocabulário de desenho de processing, uma plataforma de programação amplamente utilizada por artistas.

O curso visa promover a familiarização dos participantes com ideias da arte computacional, guiar os primeiros passos na programação com Python, estimular a análise e reflexão sobre obras construídas com código, assim como estimular a experimentação neste meio de expressão. É aberto a todas as pessoas interessadas na intersecção da arte e da tecnologia, com curiosidade em aprender sobre programação de computadores e sua utilização com fins estéticos, expressivos e poéticos.

Metodologia

• Apresentação de conceitos e procedimentos, por meio da técnica do live coding
• Demonstração ao vivo da escrita de um programa, ou trecho de código
• Exercícios de experimentação
• Discussão e esclarecimento de dúvidas

Equipamento necessário
Computador com teclado, mouse e acesso à internet.

Programação

Aula 01 – Apresentação do curso: primeiro vocabulário de desenho

• Alguns precedentes de arte com programação
• Uma ferramenta de desenho com Python
• Sistema de coordenadas, formas elementares, cor
• Aleatoriedade e execução condicional

Aula 02 – Definindo novas funções

• Vera Molnar, a grande dama da arte computacional
• Organizando o código com funções
• Transformações do sistema de coordenadas

Aula 03 – Laços de repetição e recursividade

• Frieder Nake e Georg Nees (obra Shotter)
• Repetição de formas, filas e colunas de elementos
• Recursão e seu efeitos visuais

Aula 04 – Estruturas de dados

• Data art ou visualização de dados?
• Registro de um gesto e mais opções de interação

Aula 05 – Orientação a objetos, um primeiro contato

• Usando objetos de uma classe (instâncias, atributos e métodos)
• Desdobramentos do uso de programação nas artes visuais

Aula 06 – Explorações finais e encerramento

• Orientação a objetos: definindo uma nova classe
• Indicações para futuros estudos
• Devolutivas e considerações finais das pessoas participantes

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com Tálisson Melo

Terças e quintas-feiras
Duração: 04 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

Este curso parte de uma revisão da historiografia sobre a arte brasileira nos anos 1980, propondo uma perspectiva sociológica para análise da narrativa elaborada em torno da noção de geração, bem como suas implicações em termos de centralização e apagamentos. 

Abordando exposições de artes visuais realizadas no Brasil entre o final dos anos 1970 e 1980, o curso discute as principais transformações nas condições da produção, mediação e circulação da arte no país, considerando sua relação com as instituições (museus, universidades, centros culturais, bienais e salões), a imprensa e o mercado de arte.  Também propõe destrinchar acontecimentos e aspectos que revelam a complexidade e diversidade de manifestações culturais do período, opondo-se às visões que retratam esse momento da história brasileira como “década perdida”, demonstrando, assim, a importância e necessidade de se revisar o período.

Em especial, ressalta-se o papel dos artistas e instituições da década de 1980 na consolidação da arte contemporânea brasileira, incluindo a emergência da curadoria de exposições, a consolidação dos cursos de arte, a formação de uma rede de mercado para a arte contemporânea, e a criação de políticas culturais voltadas às artes visuais. Tomando os Panoramas do Museu de Arte de São Paulo nos anos 1980, busca-se discutir a convivência entre gerações de artistas e aspectos da cena nacional, enquanto o caso da participação brasileira na exposição Magiciens de la Terre, realizada em Paris, em 1989, é analisado para se pensar a projeção da arte brasileira no cenário internacional, bem como os caminhos que se abrem para a década seguinte.

Programação

Aula 01 – Explode geração!

• Década perdida e a historiografia sobre os 1980
• Abordagem sociológica sobre a categoria “geração” nas artes
• Arte brasileira para além do projeto construtivo

Aula 02 – Como Vai Você, Geração 80?

• A emergência da curadoria de exposições
• Corpo, espaço, linguagem e os media na arte brasileira
• Instituições de formação artística e embates geracionais

Aula 03 – Utopia versus Realidade

• Museus imaginários, cultura visual e citações
• O retorno da pintura
• Artistas entre instituições e mercado

Aula 04 – A trama do gosto

• A arte contemporânea entre local e global nas Bienais
• Os panoramas do MAM-SP nos 1980, entre modernos e contemporâneos
• Magiciens de la Terre e caminhos para a projeção de uma arte brasileira

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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br).

com Cláudia Vendramini Reis

Terças e quintas-feiras
Duração: 06 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

O curso tem como objetivo apresentar o processo de desenvolvimento de exposições nos museus de arte e os desafios das etapas de pré-produção, produção e pós-produção.
Do projeto curatorial à experiência de visitar exposições de arte, os participantes do curso vão descobrir o passo a passo da produção artística e executiva. As aulas serão expositivas com conteúdo em formato digital, indicações de leituras e tempo reservado para estudos de casos e troca de experiências.

Programação

Aula 01 – Introdução sobre museus de arte e a diversidade de exposições

• Apresentação do conteúdo do curso, da professora e dos participantes
• Indicação de bibliografia
• Introdução: museus de arte e exposições de longa, média e curta duração
• Projeto curatorial e expográfico
• O produtor de projetos artísticos e culturais: área de atuação com foco nas exposições de arte nos museus

Aula 02 – Quando inicia e termina a produção artística e executiva?

• As relações do produtor com profissionais, equipes e instituições: curadores, arquitetos, artistas, colecionadores, designers, museólogos, educadores, entre outros
• Da elaboração do projeto a sua realização: pré-produção, produção executiva e pós-produção

Aula 03 – Pré-produção

• Acompanhamento de pesquisa, produção de conteúdos e elaboração de lista de obras
• Documentação de empréstimo temporário de obras de arte, obras comissionadas, banco de dados e seus desafios
• Carta de apresentação da exposição, carta convite, solicitação de empréstimos e seguro de obras de arte
• Documentação referente aos espaços expositivos e condições de exibição de obras de arte (Facility Report)

Aula 04 – Produção executiva

• Elaboração de orçamentos, cronogramas, fluxos de desembolso
• Processos de tomada de preços/cotações, contratação de prestadores de serviços, aquisição de materiais, equipamentos e/ou locação
• Logística de transporte, embalagem de obras de arte, seguro e acompanhamento museológico e laudos de estado de conservação das obras

Aula 05 – Produção executiva | Interface com equipes

• Interface com as equipes responsáveis pela concepção e execução de projetos expográfico, luminotécnico, identidade visual, design gráfico, comunicação e publicações
• Montagem, desmontagem e manutenção de exposições
• Interface com equipes de projetos educativo, acessibilidade, orientação de públicos, segurança e outros serviços

Aula 06 – Pós-produção

• Pesquisas de opinião e processos de avaliação do projeto executado
• Prestação de contas durante e ao final do projeto
• Elaboração de relatórios parciais e finais
• Avaliação do curso junto aos participantes

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com Mirella Maria

Terças-feiras
Duração: 04 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 350,00

Curso online
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Quais imagens vêm à mente quando você pensa na América Latina? Se aprofundarmos essa reflexão, conseguimos evocar cenários visuais ligados a artistas, exposições e obras de arte da região? Este curso propõe explorar essas questões, com o objetivo de analisar e apresentar as diversas narrativas visuais dos territórios geopoliticamente identificados como latinos.

Neste curso introdutório, focaremos nas narrativas visuais produzidas na América do Sul, no Caribe e no México, abrangendo principalmente o período do século XVIII ao XXI. Exploraremos diálogos interdisciplinares, utilizando uma variedade de mídias como leituras acadêmicas e materiais audiovisuais criados por estudiosos, ativistas, pensadores e artistas. A proposta é oferecer múltiplas perspectivas sobre a América Latina, enriquecendo a compreensão visual e promovendo um olhar além do senso comum.

O público-alvo deste curso são estudantes, profissionais das áreas de Humanas e a todos que se interessam por debates interdisciplinares, especialmente aqueles relacionados às Artes Visuais, Ciências Sociais, História, Geografia e afins.

Programação

Aula 01: De que História da Arte e América Latina estamos falando?

• Breve discussão sobre os conceitos de América Latina, Abya Yala e Améfrica Ladina
• Produção artística no período colonial nas Américas: arquitetura, pintura e escultura (foco em Brasil, Peru e México)

Aula 02: Narrativas visuais em instituições culturais e educacionais na América Latina

• Análise de museus, coleções e curadorias; construção de museus comunitários e virtuais
• Escolas e currículos, movimentos de integração de arte e educação em espaços educacionais

Aula 03: Movimentos de luta e resistência na História da Arte na América Latina

• Produções artísticas nos períodos de ditaduras no Brasil e Chile: Cildo Meirelles, Ilê Ayê, Arpilleras no Chile
• Mudanças climáticas e artes visuais: o contexto do Caribe
• Artistas em Cuba: Celia y Yunior
• Artistas em Porto Rico: Sofía Galissá Muriente e Javier Román
• Arte política: Tania Bruguera, Carlos Martiel, Vink Art y Torch Místico e Mori Vivi

Aula 04: As Relações do Brasil com o contexto latino-americano

• Compreensão e visualização das discussões sobre América Latina/Améfrica Ladina no contexto artístico brasileiro
• Análise das produções artísticas e artistas no Brasil nos séculos XX e XXI (artistas como Hélio Oiticica, Salissa Rosa e Paulo Nazareth)

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créditos: Geiger, Anna Bella Brasil, 1500-1996

com Juliana Monteiro

Segundas-feiras
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
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Neste curso, diálogos entre a fotografia e a literatura servirão como base para construir caminhos de compreensão sobre a experiência leitora e o texto visual.

O que acontece quando acolhemos, em um mesmo livro, fotografia e literatura? As narrativas fotográficas e as literárias apresentam elementos em comum? De que forma essas linguagens são articuladas para provocar, no leitor, uma experiência costurada entre foto e palavra? Fotografia pode ser poesia?

Esses questionamentos conduzirão os quatro encontros em que obras de Orides Fontela, Natália Ginzburg, Adolfo Navas, Luciana di Leone, James Wood, Marvel Harris, Annie Ernaux, Maureen Bisilliat, Byung-Hun Min e Graciela Iturbide serão ponto de partida.

Programação

Aula 01 – OLHAR ENTRE
. fotografia e poesia
. a imagem do poeta, a palavra do fotógrafo
. reflexões da literatura sobre a fotografia

Aula 02 – OLHAR PARA
. perspectivas poéticas, cruzamento de olhares
. livros em diálogo
. reflexões sobre fotos dos participantes

Aula 03 – OLHAR COM
. narratividade
. fotografia com narrativa
. reflexões da literatura sobre a fotografia

Aula 04 – OLHAR PARA
. perspectivas narrativas, cruzamento de olhares
. livros em diálogo
. reflexões sobre fotos dos participantes

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com Kátia Canton

Quartas-feiras
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 350,00

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O postulado da arte como cura tem se destacado cada vez mais nas discussões contemporâneas, especialmente após a pandemia. Mas de que tipo de cura estamos falando, e a que arte estamos nos referindo?

Partindo destas perguntas, este curso teórico busca explorar narrativas diversas relacionadas a esse tema, percorrendo construções que articulam a ideia de cura ou transformação por meio da produção e apreciação de diversas expressões artísticas.

As quatro aulas propostas servirão como estruturas panorâmicas para estimular debates sobre as diferentes interpretações do termo “cura”, analisando a arte de uma maneira transdisciplinar.

Este curso está aberto a todos os interessados no assunto, não sendo necessário possuir conhecimentos prévios para participar das aulas.

Programação

Aula 01

• Arte-cura e o zeitgeist do agora
• Estética, cuidado de si, política e liberdade
• Narrativas enviesadas de um uso da arte em pesquisas recentes nas áreas de saúde e neurociência
• O surgimento da neuroestética e seus desdobramentos
• Reflexões pós-pandêmicas sobre os lugares da arte

Aula 02

• Uma pequena história da arte como história de cura e transcendência
• A Grécia Antiga e seus métodos de cura

Aula 03

• O pioneirismo de Osório César
• A revolução de Nise da Silveira
• O surgimento da arte-terapia e suas interfaces com a arte-educação: experiências, invenções e a arte como política de liberdade

Aula 04

• Apresentação de artistas, inventores-sobreviventes, protagonistas de uma arte curativa: olhando para a produção de Hilma von Klimt, Leonora Carrington, Jean Dubuffet, Arthur Bispo do Rosário, Aurora Cursino, Ann Halprin, Maria Fux, Marina Abramović, Lygia Clark, Tunga, Ernesto Neto, entre outros.

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com Renata Beltrão

Segundas-feiras
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
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São poucas as instituições culturais brasileiras que podem contar com equipes profissionalizadas de comunicação ou com agências especializadas que as auxiliem na missão de se conectar com o público. Especialmente no caso das instituições de pequeno e médio porte, a missão de divulgar projetos e atividades acaba sendo desempenhada por pessoas sem formação específica em comunicação, e que muitas vezes acumulam outras funções.

Este curso tem o objetivo de ajudar esses profissionais a compreender o universo da comunicação digital em instituições culturais e descobrir técnicas e ferramentas para facilitar o dia a dia e promover uma comunicação eficiente – dentro das possibilidades reais de atuação de cada um. O curso será baseado em estudo de casos reais e recentes, ferramentas online gratuitas e exercícios práticos com base na realidade dos participantes.

Programação

Aula 01 – Calibrando o potencial de trabalho em comunicação

• Por que comunicar? E quem comunica?
• O que é necessário fazer x O que é possível fazer
• Onde estão os públicos e como chegar neles.
• PRÁTICA: Torne sua instituição “encontrável”: as possibilidades do Google My Business

Aula 02 – Consistência nas redes sociais: parte 1

• Esse tal de algoritmo: como funcionam as redes sociais
• Plataformas mais utilizadas e seu potencial hoje
• PRÁTICA: Construindo coerência na mensagem – Texto e Design utilizando ferramentas gratuitas como Chat GPT e Canva
• BÔNUS: Como utilizar imagens na internet sem infringir direitos autorais – bancos de imagem e Wikimedia Commons

Aula 03 – Consistência nas redes sociais: parte 2

• Entendendo o “funil de venda” na realidade da cultura
• PRÁTICA: Como criar uma linha editorial e um calendário de postagens
• Ferramentas (gratuitas e pagas) para agendamento de posts
• BÔNUS: Métricas em comunicação digital

Aula 04 – Se organizando para desorganizar: técnicas e ferramentas simples para planejamento pessoal

• Construa um “HD externo” para sua mente
• PRÁTICA: Use o Trello e o Notion para organizar as próprias ideias
• BÔNUS: Organização compartilhada: como estabelecer um processo em comunicação

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com Patrícia Valim

Datas: 14, 21, 28 de agosto, 04 e 11 de setembro
Quartas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 5 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00

Curso online
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Manifestações artísticas têm denunciado o apagamento da epidemia de feminicídio em vários países, sobretudo no Brasil e em outros países da América Latina. Além de explicitar os mecanismos de reprodução de todo tipo de violência contra as mulheres, manifestações e intervenções artísticas feministas têm formado um contradiscurso que, simultaneamente, combate a cultura de violência contra as mulheres e constrói tecnologias sociais para uma sociedade com equidade de gênero e raça. O objetivo do curso é analisar relatos e intervenções artísticas de mulheres feministas, explicitando suas negações e construindo outras formas de viver em sociedade, criando, assim, novos futuros possíveis.

Programação

Aula 01: Mortas – artistas que denunciam formas de violências

• Ana Mendieta (Cuba)
• Elina Chauvet (México)
• Frida Kahlo (México)

Aula 02: Banho de sangue – artistas que denunciam formas de reprodução de violências

• Marcela Cantuária (Brasil)
• Panmela Castro (Brasil)
• Francesca Woodman (EUA)

Aula 03: Quando todos se calam – artistas que denunciam o pacto de silenciamento da sociedade em relação às múltiplas formas de violências contra as mulheres

• Berna Reale (Brasil)
• Eugênia França (Brasil)
• Regina Parra (Brasil)

Aula 04: Eu me levanto – artistas que propõem formas de combater as violências contra as mulheres

• Ana Maria Maiolino (Brasil)
• Lygia Pape (Brasil)
• Beth Moysés (Brasil)

Aula 05: A liberdade também é combate – artistas que desenvolvem tecnologias sociais para a construção de futuros

• Hariel Revignet (Brasil)
• Yasmin Formiga (Brasil)
• Cecilia Vicunã (Chile)

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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br).

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Créditos: Anna Maria Maiolino, Ecce homo, 1966. Coleção MAM São Paulo. Foto: Romulo Fialdini

com Juliana Miyasaka

Datas: 17, 24, 31 de julho, 07, 14, 21, e 28 de agosto
Quartas-feiras
Horário: das 18h às 21h
Duração: 7 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 630,00

Curso presencial
Contempla certificado no final

*Material incluso: cada participante receberá um pacote de argila (10 kg), adequada para a queima a 1240ºC. A argila será entregue aos alunos na primeira aula.

A história da cerâmica remonta aos primórdios da civilização. Há oito mil anos, na cultura Jomon do Japão, surgiram as primeiras peças de cerâmica, testemunhas de uma habilidade ancestral. Durante o Neolítico, essa arte viajou da Ásia à Europa, moldando culturas como a chinesa, cujos guerreiros de Xian testemunham a maestria. Na Antiguidade, Egito e China já utilizavam cerâmica em rituais. A Revolução Industrial impulsionou a cerâmica para novos horizontes e, hoje, ela continua a ser uma forma de expressão artística e funcional, incorporando tradição e inovação.

Este curso é ideal para aqueles que desejam explorar a cerâmica, independentemente da experiência anterior. Em sete aulas práticas, os alunos aprenderão os conceitos básicos e as técnicas fundamentais da modelagem manual em cerâmica para criar peças únicas e ricas em expressão pessoal.

Programação

Aula 01 – Fundamentos teóricos e confecção de peças na primeira técnica básica

• Apresentação de alguns tipos de argila, preparação delas para uso, etapas da transformação da argila até que se torne cerâmica.
• Confecção de peças usando a técnica japonesa chamada tebineri (ou pinch pot), que é a técnica básica e principal, a partir da qual é possível desenvolver peças utilitárias ou decorativas, em diversas formas e é ótima para sensibilização do tato e conhecimento da argila e seu potencial.

Aula 02 – Finalização das peças feitas na primeira aula e tipos de acabamento

• Apresentação de tipos de acabamento, colagem de partes e decorações usando engobes (que são argilas coloridas, e como prepará-los) – mishimo, sgraffito e pintura simples – para finalização das peças feitas na primeira aula. 

Aula 03 – Técnica de acordelado

• Apresentação da técnica de cordelado e confecção de peça usando esta técnica.

Aula 04 – Técnica de placa

• Apresentação da técnica de placa e confecção de peça usando esta técnica. 

Aula 05 – Técnica de ocagem

• Apresentação da técnica de ocagem e início de modelagem de peça para finalização usando esta técnica. 

Aula 06 – Técnica de ocagem

• Finalização da peça feita na aula anterior, através de técnica de ocagem.

Aula 07 – Esmaltação 

• Preparação das primeiras peças confeccionadas no curso, após estas terem passado já pela primeira queima (chamada de biscoito, a 1000°C).
• Acabamento final, impermeabilização de áreas que não receberão esmalte e esmaltação para que passem pela última queima, a 1240°C.

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créditos
Juliana Miyasaka

com Cauê Donato e Ivonei Souza Trindade

Datas: 15, 22 e 29 de julho, 05 e 12 de agosto
Segundas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 5 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Contempla certificado no final

A partir de reflexões inspiradas pelo livro “Decolonizar o museu: programa de desordem absoluta”, de Françoise Vergès, publicado pela Editora Ubu, o curso “Museologia, Direito e Decolonialidade” investiga a viabilidade de processos decoloniais em museus à luz da legalidade, com ênfase na interpretação de tratados internacionais, reconhecendo essa relação como complexa e multifacetada, permeada por questões de poder, representação e justiça social.

O crescente movimento de repatriação de bens culturais às suas origens, juntamente com o questionamento das definições de museu, desempenha um papel crucial na promoção da decolonização das instituições museológicas. Embora a intersecção entre Museologia e Direito seja essencial para esta discussão, muitas vezes não é evidente em publicações dessas áreas.

Frequentemente, a Museologia tradicional reflete e perpetua perspectivas coloniais, privilegiando narrativas eurocêntricas e silenciando vozes e perspectivas não ocidentais. Por outro lado, o Direito desempenha um papel significativo na proteção e gestão do patrimônio cultural, influenciando se os processos reforçam ou desmantelam a colonialidade.

Este curso convida à reflexão sobre a interseção entre Museologia, Direito e Decolonialidade no contexto das lutas por memória coletiva e representatividade nas instituições. Reconhecemos que este campo é dinâmico, apresentando desafios e complexidades específicas em diferentes contextos e políticas. Por isso, a interdisciplinaridade é essencial para avançar em direção a práticas éticas e justas na gestão do patrimônio cultural e na promoção da justiça social.

O curso é aberto a todos os interessados em museologia, direito, história, políticas culturais, teorias decoloniais, ativismo social e repatriação de bens culturais, não sendo necessária uma formação nas áreas para acompanhar as aulas.

Programação

Aula 01 – Aspectos Introdutórios de Museologia e de Direito Internacional Público

• Museologia
• Conceito de museu – epistemologia da palavra e relação com nossos dias
• Colecionismo e formação dos acervos museológicos
• Breve história das instituições museológicas
• Direito dos Tratados: conceito de um tratado internacional
• Direito dos Tratados: princípios de um tratado internacional

Aula 02 – Patrimônio e Bem Cultural no museu

• Patrimônio e Bem Cultural: conceitos e seus reflexos tanto na Museologia como no Direito Internacional do Patrimônio Cultural
• Institucionalização do Patrimônio Histórico e Cultural no Museu: panorama brasileiro
• Direito Internacional do Patrimônio Cultural: noções gerais, principais tratados internacionais sobre o tema; o retorno de bens culturais na perspectiva jurídica

Aula 03 – Estudos de casos: repatriação em seus aspectos jurídicos

• Jurisprudência sobre repatriação a partir de casos internacionais
• “Moai” – a internet como vetor de protesto no caso do povo chileno contra o Museu Britânico
• Brasil – Quais/Quantos são os patrimônios culturais saqueados? E onde estão?

Aula 04 – Estudos de casos: experiências brasileiras

• Manto Tupinambá – doação ou devolução?
• Caso Ubirajara (2023) – O esforço brasileiro para recuperação de itens saqueados
• Machado Krahô (1987) – prática de decolonização interna
• O canhão El Cristiano – quando o Brasil age como colonizador

Aula 05 – Sociomuseologia e Direito Internacional do Patrimônio Cultural como elementos para decolonizar o museu

• Tipologia de museus – Há algo além dos museus universais?;
• Museologia pós-moderna, as iniciativas da virada do século XX para século XXI
• Quem faz o museu? Participação de novos atores sociais na decolonização do museu
• Desafios modernos no Direito Internacional do Patrimônio Cultural

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créditos

com Daniela Labra

Datas: 25 de julho, 01, 08 e 15 de agosto
Quintas-feiras
Horário: das 18h às 20h30
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Contempla certificado no final

O curso discute a produção e circulação da arte moderna brasileira desde o início da década de 1940 até 1970. Investigamos o contexto e a internacionalização da linguagem moderna brasileira figurativa e seu processo de abstração, o caminho construtivo no Brasil, as vanguardas neoconcretas, a Nova Objetividade, as experiências com o corpo, a crítica sócio-política na arte pós-1964, as proposições conceituais e figurativas da década seguinte que metabolizaram, criticamente ou não, o legado modernista.

Partimos das exposições Portinari do Brasil, 1940, e Brazil Builds, 1943, no MoMA em Nova York, e fechamos o programa com Do Corpo à Terra, Belo Horizonte, 1970, e Domingos da Criação, Rio de Janeiro, 1971. Estudamos estas e outras exposições icônicas da historiografia de arte moderna no Brasil para, por fim, refletirmos como a noção de vanguarda moderna brasileira reverbera, informa, constrói e é desconstruída na prática artística contemporânea.

Programação

Aula 01

• Portinari do Brasil: Representação oficial e moderna de povo brasileiro
• Brazil Builds: A arquitetura intitulada brasileira
• A exposição Modern Brazilian Painters: Internacionalização da arte brasileira pitoresca

Aula 02

• Informalismo e o abstracionismo geométrico no Brasil
• O design moderno
• Os museus de Arte Moderna e a Bienal de São Paulo: símbolos civilizatórios do Sudeste

Aula 03

• A vanguarda Neoconcreta e a teoria do Não Objeto: tempo e ato em obra
• Figurações e desfigurações do Brasil em tempos de ditadura
• Nova Objetividade Brasileira, Opinião 65, CPC da UNE, Cinema Novo, a Tropicália e outras artes políticas

Aula 04

• O ato como protesto e arte: Do Corpo à Terra e Domingos da Criação
• Anos 1970: Metabolização do moderno em Cildo Meireles, Paulo Bruscky, Waltércio Caldas, Ana Maria Maiolino, Anna Bella Geiger, Barrio, Abdias Nascimento, Wanda Pimentel, Mary Vieira e outros.
• Caminhos abertos para práticas contemporâneas na arte brasileira.

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créditos
Envolvimento 4 (1973), de Wanda Pimentel
Coleção MAM São Paulo

com Pedro Campanha

Datas: 20, 27 de julho, 03 e 10 de agosto
Sábados
Horário: das 10h às 12h
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00

Curso presencial
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Ateliês práticos onde os participantes poderão produzir suas próprias tintas artesanais a partir de poucos materiais. Serão preparadas tinta nanquim, têmpera de ovo, têmpera de caseína e aquarela. Cada encontro começará com uma breve introdução sobre os contextos históricos nos quais esses materiais tiveram seus primeiros registros. Também discutiremos o trabalho de alguns artistas que utilizaram essas tintas como recurso poético em seus processos de criação, antes de partir para a atividade prática.

Programação

Aula 01: Nanquim

• História do nanquim: tinta da China e seus muitos nomes
• Sobre os materiais: preto de fumo e goma arábica. Curiosidades sobre receitas japonesas
• Prática: fabricação do nanquim

Aula 02: Têmpera ovo

• Registros históricos da têmpera ovo, alguns artistas do Renascimento
• Qualidades do material, presença de cor específica das têmperas. Transição da têmpera de ovo para a tinta óleo
• Artistas brasileiros: Volpi, Eleonore Koch, André Ricardo
• Prática: fabricação da têmpera de ovo

Aula 03: Têmpera de caseína

• Registros históricos da caseína, diferentes nomenclaturas e diferentes usos: Paleolítico, Egito Antigo; pintura de mobiliário tradicional estadunidense; Castelo Belvedere, no Vaticano
• Qualidades da têmpera de caseína: propriedades físicas e cuidados
• Artistas modernos e contemporâneos que utilizavam esse material como recurso poético
• Prática: fabricação da têmpera de caseína

Aula 04: Aquarela

• Registros históricos da aquarela: Egito Antigo, Renascença, artistas ingleses do século XVII-XVIII, artistas modernos e contemporâneos
• Prática: fabricação da aquarela

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créditos
Pedro Campanha

com Bruna Boni

Datas: 05, 12, 19, 26 de junho e 03 de julho
Quartas-feiras
Horário: das 18h30 às 20h30
Duração: 05 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00

Curso híbrido: as quatro primeiras aulas serão online, por videoconferência. A quinta e última aula será presencial, na sede do MAM-SP.
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

O design de estampas, quando alinhado ao estilo autoral, não apenas agrega valor, mas também abre novas oportunidades de mercado para o artista. Este curso visa a estreita integração entre as áreas da arte e da estamparia, destacando a importância da preservação do traço e da técnica para manter a autenticidade do estilo do artista.

Com foco na criação de estampas digitais, o curso oferece ferramentas essenciais para o desenvolvimento dessa transformação criativa. Os participantes aprenderão a criar estampas para serem aplicadas em diversas superfícies, desde a elaboração de módulos de repetição/rapport até a aplicação da estampa localizada, com ênfase na engenharia da estampa para o molde do produto.

O conteúdo abrange uma ampla gama de tópicos, incluindo técnicas de impressão, seleção de tecidos e considerações sobre sustentabilidade no processo de produção. Ao final do curso, os alunos estarão capacitados a fazer escolhas conscientes e eficazes, tanto esteticamente quanto ecologicamente, no desenvolvimento de suas estampas autorais.

Os primeiros 10 inscritos também ganharão de brinde uma nécessaire do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP), com estampa exclusiva da linha Detanico Lain. As necessaires serão distribuídas no último encontro do curso, que será presencial.

Programação

Aula 01 – Introdução à estamparia e criação de estampas autorais

• Origens da estamparia
• Primeiros métodos de impressão
• Desenvolvimento de estampas com identidade autoral
• Tipos de estampas
• Elaboração do moodboard e briefing
• Principais métodos de impressão
• Técnicas e materiais têxteis sustentáveis

Aula 02 – Processos de impressão e aplicação em superfícies desejadas

• Aplicação de estampas em diversas superfícies e processos recomendados para cada produto, considerando tamanho, técnica e quantidade
• Complexidade na criação de estampas: análise de criação digital baseada em técnicas manuais
• Digitalização e fotografia para criação digital
• Criação do rapport – módulo de repetição da estampa
• Estudos de composição, harmonia, cores e combinações
• Preparação adequada de arquivos digitais para impressão

Aula 03 – Estudo de casos reais: criação de estampas autorais para os artistas visuais Clóvis Júnior e Alberto Pitta

• Transformação de obras de arte em estampas e importância do briefing
• Identificação dos principais elementos das obras dos artistas e preservação da identidade autoral
• Experiências nos ateliês do artista visual paraibano especializado em arte naif e do artista plástico baiano mestre em serigrafia manual
• Ferramentas para transição do manual para o digital: reconstrução, limpeza e pintura digital
• Organização das etapas de criação, arquivos e processos
• Testes de coloração, bases têxteis e qualidade
• Documentos de apoio à criação: orçamento e contrato

Aula 04 – Criação de estampa para utilitários têxteis: Projeto Sobre Arte, feito em parceria com a Loja do MAM-SP
Participação da artista visual e galerista Priscila Mainieri

• Escolha de projeto sustentável, desde tecido até método de impressão
• Visão do artista no processo de transformação de arte em estampa
• Como um produto pode agregar valor e atrair novos mercados
• Importância da estampa de engenharia e análise inteligente da estampa localizada alinhada ao molde do produto

Aula 05 – Workshop de dúvidas
Participação de Martina Viegas (professora da Faculdade Belas Artes, designer de estampas e doutoranda em Comunicação na ESPM) e Priscila Mainieri (artista visual e galerista).

As convidadas, profissionais experientes na criação, compartilharão suas trajetórias e participarão de uma roda de conversa com a turma. O workshop abordará dúvidas, análises de peças estampadas para identificar diferenças em impressões e tecidos, além de conteúdos adicionais conforme necessidade da turma.

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Foto: Bruna Boni

com Raul Machado Carvalho Junior

Datas: 13, 20 e 27 de junho, 04, 11, 18 e 27 de julho e 03 de agosto
Quintas-feiras (exceto os dois últimos encontros, que serão aos sábados de manhã)
Horário: das 19h às 21h
Duração: 08 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 640,00

Curso híbrido: as seis primeiras aulas serão online, por videoconferência. A sétima e a oitava aula serão presenciais, com uma vivência no Ateliê Raul Carvalho Conservação.
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado

O curso de introdução à conservação e ao restauro de pinturas oferece ao longo de 8 aulas uma visão abrangente do universo da preservação do nosso patrimônio cultural. Por meio de aulas dinâmicas e estudos de casos, os alunos serão introduzidos ao fascinante e complexo trabalho do Conservador/Restaurador. Esta profissão multidisciplinar requer conhecimentos em diversas áreas da ciência, como Química, Física, Mecânica e História da Arte.

O objetivo do curso não é formar profissionais, mas sim proporcionar uma compreensão mais profunda dessa apaixonante e muitas vezes pouco conhecida profissão, bem como discutir processos de conservação e restauração. Os participantes aprenderão a desenvolver um olhar crítico ao examinar obras de arte, identificando problemas intrínsecos e extrínsecos. Além disso, serão abordados os bastidores de uma exposição e o papel fundamental do profissional de conservação.

Este curso destina-se a qualquer pessoa interessada em explorar o fascinante mundo dos profissionais envolvidos na preservação do nosso patrimônio cultural.

Programação

Aula 01: Aula introdutória

• Definição de conservação
• Definição de restauração
• Estudo de caso de uma restauração de pintura

Aula 02: Examinando a obra de arte

• Exame organoléptico
• Laudo do estado de Conservação
• Estudo de caso

Aula 03: Conservar para não restaurar

• Conservação preventiva
• Conservação curativa
• Estudo de caso

Aula 04: Bastidores de uma exposição I

• Embalagem e transporte
• Cenografias
• Estudo de caso

Aula 05: Bastidores de uma exposição II

• Iluminação
• Parâmetros de umidade e temperatura
• Estudos de caso

Aula 06: Restauração de pintura I

• Processos de restauro
• Restauração estrutural de uma pintura
• Restauração estética de uma pintura

Aula 07 e 08: Restauração de pintura II (presencial no Ateliê Raul Carvalho Conservação)

• Exercício prático sobre remendos em telas
• Exercício prático sobre vernizes em telas
• Discussão final

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Foto: Raul Machado Carvalho Junior

com Lívia Aquino, Fábio Morais e Daniela Avelar

Datas: 25 de maio, 01, 08, 15, 22 e 29 de junho, 06 e 13 de julho
Sábados
Horário: das 10h às 12h
Duração: 08 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 640,00

Curso presencial
Curso contempla certificado no final

Formada por Lívia Aquino, Fabio Morais e Daniela Avelar, Desabamento de Textos é uma autoficção que combina pesquisa e experimentação artística, focalizando nas especificidades, fricções e multiplicidades formais da linguagem verbal nas artes visuais.

Este curso explora diversos modos de escrita na arte, através de estudos de caso e análise de trabalhos, com ênfase em suas diferentes naturezas de construção textual: desde a expressão sonora e a performance até procedimentos variados, e a consideração das materialidades e espacialidades na arte.

Programação

Aula 01 – Modos de escrita na arte (Daniela Avelar, Fabio Morais e Lívia Aquino)

• Apresentação do curso
• Discussão coletiva a partir de perguntas disparadoras sobre diferentes modos de escrita nas artes visuais

Aula 02 – Escrita mínima (Fábio Morais)

Escritas mínimas são mais enunciativas que argumentativas, oscilando entre a lírica, a comunicação ou a presença semântico-literal das palavras. De leitura momentânea, têm maior apelo imagético que textos longos, atendendo à plasticidade de práticas expositivas. A aula aborda as formalizações materiais e as estratégias de apresentação de escritas mínimas, palavras-frases e enunciados curtos em obras de Hélio Oiticica, Rubens Gerchmam, Santiago Sierra, Carmela Gross, Lívia Aquino, Paulo Nazareth, Vânia Mignone, Daniela Avelar, Denilson Baniwa, Regina José Galindo.

Aula 03 – Espaços literários dentro de espaços expositivos (Fabio Morais)

Textos com maior duração de leitura/escuta possibilitam práticas pouco comuns na arte, como a narrativa e a ficção. De fruição lenta e circunspecta, alteram a temporalidade e a relação com o espaço expositivo. A aula analisa procedimentos formais de textos que, embora pudessem ter lugar cativo em páginas e telas, instauram-se no espaço tridimensional. São abordadas obras de Randolpho Lamonier, Dora García, Rafael RG, David Wojnarowicz, Aníbal López, Adrian Piper, Jota Mombaça, Rosângela Rennó, Zoe Leonard, Marta Neves, Giselle Beiguelman, Esther Ferrer.

Aula 04 – Instruções para imaginar (Daniela Avelar)

A partir da ideia de instruções, em artistas como Yoko Ono, Fluxus, George Brecht, Lawrence Weiner, Luis Camnitzer e Paulo Bruscky, a aula aborda a dimensão não realizável desses textos. Ao não efetivar essas instruções, os textos adquirem características poético-literárias, ativando imagens no campo cognitivo e mental.

Aula 05 – Instruções para agir (Daniela Avelar)

Abordando outra dimensão das instruções, a aula propõe a discussão de trabalhos nos quais os textos são, no processo do artista, disparadores da efetivação material de obras em ações e performances, que irão se constituir conforme a contingência de cada realização. Serão abordadas obras de Sophie Calle, Eleonora Fabião, Esther Ferrer e Dora García, entre outras.

Aula 06 – Leitura e performance (Lívia Aquino)

Em “El arte de la performance teoría y práctica”, a artista Esther Ferrer investiga a leitura como ação, explorando diferentes usos e sentidos no campo da arte. Essa aula parte dessa performance como eixo para observar outras proposições artísticas que ativam processos de leitura em diversos modos como a leitura partilhada em voz alta, em silêncio, nos espaços destinados para tal, em outros criados por grupos apontando assim para o texto que acontece como espaço sonoro com artista como Ana Gallardo, Rubiane Maia, Dora García, Ana Teixeira, Kevin Simón Mancera, Vera Chaves Barcelos, Adelaide Ivánova, Anibal López, Grupo Contrafilé e Grada Kilomba.

Aula 07 – Escrita, palavra-cenário e espaço público (Lívia Aquino)

Explorar a escrita como síntese e como ela opera nos distintos espaços e suportes onde acontece, desde Jenny Holzer com os truísmos espalhados na cidade que sugerem um tipo de esgotamento da linguagem até artistas mais recentes colados à sua realidade política, como Regina José Galindo, Alfredo Jaar, Juan Carlos Romero, Santiago Sierra, Doris Salcedo, Carmela Gross, Barbara Kruger e Guerrilla Girls.

Aula 08 – Encerramento (Daniela Avelar, Fabio Morais e Lívia Aquino)

Levantamento de questões sobre os temas trabalhados ao longo do curso e proposição de exercício prático de escrita.

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Eu sou Dolores (1999), de Carmela Gross | Coleção MAM São Paulo

com Reynaldo Damazio

Datas: 10, 17, 24 de maio, 07 e 14 de junho
Sextas-feiras
Horário: das 18h às 20h
Duração: 05 encontros
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Curso online
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O curso tem como objetivo oferecer uma análise do surrealismo no seu centenário, através de cinco encontros virtuais, explorando seus aspectos literários e plásticos. Destaca-se o papel da experiência estética vanguardista em relação ao inconsciente, conceito definido por Freud e apropriado por Breton, e suas influências na literatura e na arte do século XX e início do XXI. No quinto encontro, será abordado o catálogo da exposição sobre Murilo Mendes no MAM.

Programação

Aula 1 – No limiar do século XX

• Vanguardas literárias: movimentos literários do início do século XX, modernismo, ultraísmo etc.
• Conceito de inconsciente na psicanálise: publicação do ensaio de Freud e sua influência na literatura
• Convulsões sociais primeira guerra, revolução russa, crise de 1929

Aula 2 – A Revolução Surrealista

• Manifestos, movimentos: agitação surrealista, primeiro manifesto, Lautréamont, Rimbaud, Apollinaire & Cia.
• Literatura e psicanálise: relação entre pressupostos surrealistas e conceito de inconsciente de Freud
• Escrita automática: método de criação proposto pelos surrealistas

Aula 3 – Gabinete do sonho

• Imagens do inconsciente: abertura do processo de criação artística para o inconsciente, o sonho como fundamento do real
• Artes plásticas e cinema: Dali, Miró, Ernst, Magrite, Buñuel, entre outros.
• Cubismo, Dadá e Surrealismo: como os movimentos dialogam, atritam e fazem uma crítica devastadora da razão e do mundo burguês

Aula 4 – Rastros da vertigem

• Realismo mágico: influência do surrealismo no boom da literatura e na arte latino-americana
• Contracultura: a imaginação no poder nos movimentos da década de 1960
• Tropicália: traços do surrealismo em Torquato Neto e nos tropicalistas

Aula 5 – Surrealismo no Brasil

• Pós-modernistas: Murilo Mendes, Ismael Nery, Maria Martins
• O caso Campos de Carvalho: autor emblemático influenciado pelo surrealismo
• O boom do conto nos anos 70: influência do surrealismo na produção de contos no período de resistência à ditadura militar

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Dúvidas:
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Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.

Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.

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créditos
Oedipus Rex (1922), Max Ernst Fonte: WikiArt

Datas: 08, 10, 15, 17, 22 e 24 de abril de 2024
Segundas e quartas-feiras
Horário: das 10h às 12h
Duração: 06 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

O curso tem como objetivo apresentar o processo de desenvolvimento de exposições nos museus de arte e os desafios das etapas de pré-produção, produção e pós-produção.

Do projeto curatorial à experiência de visitar exposições de arte, os participantes do curso vão descobrir o passo a passo da produção artística e executiva. As aulas serão expositivas com conteúdo em formato digital, indicações de leituras e tempo reservado para estudos de casos e troca de experiências.

Programação

Aula 1 – Introdução sobre museus de arte e a diversidade de exposições

• Apresentação do conteúdo do curso, da professora e dos participantes
• Indicação de bibliografia
• Introdução: museus de arte e exposições de longa, média e curta duração
• Projeto curatorial e expográfico
• O produtor de projetos artísticos e culturais: área de atuação com foco nas exposições de arte nos museus

Aula 2 – Quando inicia e termina a produção artística e executiva?

• As relações do produtor com profissionais, equipes e instituições: curadores, arquitetos, artistas, colecionadores, designers, museólogos, educadores, entre outros
• Da elaboração do projeto a sua realização: pré-produção, produção executiva e pós-produção

Aula 3 – Pré-produção

• Acompanhamento de pesquisa, produção de conteúdos e elaboração de lista de obras
• Documentação de empréstimo temporário de obras de arte, obras comissionadas, banco de dados e seus desafios
• Carta de apresentação da exposição, carta convite, solicitação de empréstimos e seguro de obras de arte
• Documentação referente aos espaços expositivos e condições de exibição de obras de arte (Facility Report)

Aula 4 – Produção executiva

• Elaboração de orçamentos, cronogramas, fluxos de desembolso
• Processos de tomada de preços/cotações, contratação de prestadores de serviços, aquisição de materiais, equipamentos e/ou locação
• Logística de transporte, embalagem de obras de arte, seguro e acompanhamento museológico e laudos de estado de conservação das obras

Aula 5 – Produção executiva | Interface com equipes

• Interface com as equipes responsáveis pela concepção e execução de projetos expográfico, luminotécnico, identidade visual, design gráfico, comunicação e publicações
• Montagem, desmontagem e manutenção de exposições
• Interface com equipes de projetos educativo, acessibilidade, orientação de públicos, segurança e outros serviços

Aula 6 – Pós-produção

• Pesquisas de opinião e processos de avaliação do projeto executado
• Prestação de contas durante e ao final do projeto
• Elaboração de relatórios parciais e finais
• Avaliação do curso junto aos participantes

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créditos
Atrás da porta (2007), de Rivane Neuenschwander | Coleção MAM São Paulo

com Helena Obersteiner

Datas: 20 e 27 de abril, 04 e 11 de maio de 2024
Sábados
Horário: das 10h às 13h
Duração: 04 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00

Curso presencial
Curso contempla certificado no final

O ambiente do parque, nos finais de semana, é repleto de movimento, um cenário dinâmico que proporciona constantes estímulos para exercitar nossa espontaneidade. Nesse contexto, ao contrário do trabalho em um ateliê, quais estratégias de desenho podemos desenvolver para explorar o Parque Ibirapuera

Descaminhos são os trajetos que se desviam de ideias pré-concebidas. A partir de reflexões e da construção de um caderno de pesquisa, iremos realizar exercícios de desenho ao ar livre, buscando estimular o repertório gráfico e a busca por novidades nos processos de criação.

Programação

Aula 1 – Um caderno de descaminhos

• Prefixo “DES” e a negação como abertura de possibilidades
• Coreografia dos objetos na prática do desenho
• Verbos de ação e a construção de um caderno

Aula 2 – Superfícies

• É preciso desenhar parado?
• Diferentes superfícies e seus registros
• Reconhecimento de locais e estratégias de frotagem

Aula 3 – Registros de movimento

• Nutrir uma postura investigativa
• Estratégias de pesquisa
• Procura por evidências de acontecimentos e construção de narrativa

Aula 4 – Borrão

• Diferentes interações entre os materiais e a folha de papel
• Desenhos dupla face

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Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.

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créditos
Ilustração: Helena Obersteiner

com Lorenzo Merlino

Datas: 09, 16, 23 de abril, 07, 14 e 21 de maio de 2024
Terças-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 06 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

O curso tem como objetivo explorar as mudanças cruciais na Arte Ocidental desde o início do Renascimento até o surgimento da Arte Moderna no início do século XX, destacando suas relações e independências com a Estética. Além disso, serão abordadas as interações com o Design, Moda e sua influência em áreas como Cinema, Dança, Teatro e Literatura. Destinado a todos os interessados em Arte, Moda e Design, o curso não requer formação prévia.

Programação

Aula 1

• Os primeiros Renascimentos à margem da Revolução Gótica
• Renascimento Pleno – da Vinci, Rafael, Michelangelo
• Maneirismo e o início do Barroco

Aula 2

• Barroco, a Academia e o Classicismo do Grande Século
• O início da preponderância francesa
• Rococó e o ocaso da aristocracia

Aula 3

• Neoclássico, o primeiro Moderno?
• A Primeira Revolução Industrial na Inglaterra e suas influências
• Nobreza e Burguesia, ousadia e conservadorismo
• Romantismo e Realismo — o início dos ‘ismos’

Aula 4

• Impressionismo, Neoimpressionismo e Pós-Impressionismo — o surgimento da Modernidade
• As Exposições Universais e o surgimento da globalização

Aula 5

• Arts and Crafts e o surgimento do Design
• Gesamtkunstwerk, a Arte Total de Wagner
• O contato com o Oriente — japonismos e os Balés Russos

Aula 6

• A Modernidade e as Vanguardas europeias
• O Primitivo no Moderno
• Fauvismo, Cubismo, Orfismo, Futurismo, Suprematismo e Expressionismo
• Surrealismo e a volta do figurativo

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Dúvidas:
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WhatsApp: 11 99774 3987

Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.

Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.

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L.H.O.O.Q. (1919), de Marcel Duchamp. | Fonte: Wikipédia

com Flávia Corpas

Datas: 16, 23, 30 de abril, 07, 14, 21 e 28 de maio, 4 de junho
Terças-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 8 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 640,00

Curso presencial
Curso contempla certificado no final

Desde a sua fundação por Freud, no despontar do século XX, a psicanálise se viu intimamente marcada pela arte. Os desdobramentos desta articulação, que reverberam até nossos dias, produziram importantes efeitos sobre ambos os campos.

É Lacan, por exemplo, quem nos diz que a interpretação, na experiência analítica, deve sempre ser o ready-made de Marcel Duchamp, o que evitaria alimentar o sintoma com sentido (Lacan, 1974), sustentando sua crítica à ideia da interpretação como hermenêutica, indicando que a interpretação deve apontar para os limites da representação ou da linguagem, ou seja, para o real, o impossível de representar.

Tanto Freud quanto Lacan se deslocaram em direção aos artistas e suas obras, se deixando interrogar. Certo é também que nenhum dos dois tinha o objetivo de criar uma estética psicanalítica. Interessa a estes psicanalistas, o saber que cada artista porta, e que testemunham em suas obras, saber que não sabem que possuem e que, à revelia disso, usam para criar.

Trata-se aqui de, junto com estes psicanalistas, abordar aquilo que a arte ensina à psicanálise, rompendo com a ideia de uma psicanálise aplicada à arte e fazendo valer a proposição de Freud e Lacan quanto ao fato de que o artista sempre precede o analista.
Contudo, a psicanálise também pode dar suas contribuições ao campo da arte. Ao menos é o que reflete o filósofo da arte francês Hubert Damisch:

Lacan foi o primeiro a nos dar uma definição de “tableau” [quadro], que é ao mesmo tempo coerente e produtiva, ao afirmar que o “tableau” é uma função na qual o sujeito teria que encontrar suas marcas, para encontrá-las enquanto tal (enquanto sujeito). Não é estranho que tivemos de esperar até o século XX para obter uma definição correta para responder a pergunta “o que é um ‘tableau’?”. E não é estranho que tivemos de esperar a psicanálise para nos dar uma definição correta para este termo?” (Damisch, 2005).

No campo da arte, além de Damisch, o filósofo, historiador e crítico da arte francês Didi-Huberman se apresentam como nomes importantes na interlocução com a psicanálise.

Será a partir da leitura de algumas das obras dos referidos autores, e também daquelas de Freud e Lacan, que se dará o trabalho no Ateliê de Arte e Psicanálise. Por meio delas, nos aproximaremos também dos conceitos da psicanálise utilizados pelos teóricos, concedendo-nos, assim, algumas chaves de leitura possíveis para tais reflexões.

O método de trabalho se inspira no modo de funcionamento de um dispositivo muito específico proposto por Lacan, o cartel. Distinto do grupo de estudos, um cartel propõe, dentre outras coisas que estariam mais referidas a sua função e lugar dentro do campo da psicanálise e da formação do analista, uma relação outra com o saber, que implica o desejo de cada participante e uma questão específica que irá nortear sua participação no ateliê. É importante, portanto, que cada um possa circunscrever uma questão, antes ou durante seu percurso no ateliê. É desejado ainda que esta questão sofra algum desdobramento ao longo do trabalho de leitura, que pode ser a produção de um texto, uma nova pergunta, um vídeo, uma fotografia, enfim, algo que ajude o participante a localizar um ponto de entrada, um percurso e uma chegada possível.

Programação

Aula 1 – Arte e Psicanálise: um campo de tensão:

• Apresentação do curso e sua metodologia
• O que é a Psicanálise? O que é a Arte?
• Arte e Psicanálise: contexto histórico e os dias atuais

Aula 2 – As leituras de Freud:

• Freud e os artistas
• Freud e a Gradiva de Jensen: aprender com a arte
• Circunscrevendo um objeto: prática de pesquisa e desenvolvimento de projeto

Aula 3 – As leituras de Lacan:

• Lacan e os artistas
• Lacan e Marguerite Duras: a artista que antecede o psicanalista
• Circunscrevendo um objeto: prática de pesquisa e desenvolvimento de projeto

Aula 4 – Didi-Huberman e a Psicanálise:

• Didi-Huberman e a Psicanálise: a invenção da histeria na arte
• Circunscrevendo um objeto: prática de pesquisa e desenvolvimento de projeto

Aula 5 – Hubert Damisch e a Psicanálise:

• Hubert Damisch e a Psicanálise: o real e o feminino na arte
• Circunscrevendo um objeto: prática de pesquisa e desenvolvimento de projeto

Aula 6 – Arte, Psicanálise e Feminismos

• “Útero do mundo”: surrealismo e feminismos
• Circunscrevendo um objeto: prática de pesquisa e desenvolvimento de projeto

Aula 7 – Arte, Psicanálise e Loucura

• Obravida: uma leitura sobre Bispo do Rosario
• Circunscrevendo um objeto: prática de pesquisa e desenvolvimento de projeto

Aula 8 – Apresentação de trabalhos

• Apresentação e discussão dos trabalhos desenvolvidos pelos alunos

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créditos
Sem título (1975), de Mira Schendel. | Coleção MAM São Paulo

com Ana Paula Simioni

Datas: 11, 18, 25 de março e 01 de abril
Segundas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

O curso propõe uma reflexão sobre a presença e contribuição das artistas mulheres em algumas experiências modernistas internacionais, notadamente na França e no Brasil. O curso é voltado para um público geral, acima de dezoito anos, sem necessariamente ter amplos conhecimentos em história da arte. Uma parte da bibliografia recomendada será em inglês, francês ou espanhol.

Programação

Aula 1 – Os gêneros do modernismo: mulheres impressionistas

A primeira aula discutirá o modo com que as imagens associadas aos artistas modernos (tais como o “gênio”, o “revolucionário”) são generificadas. Abordaremos em especial a figura do flâneur e o modo com que as artistas mulheres atuantes no último quartel do século 19 lidaram com tais questões.

Aula 2 – Nus: territórios da vanguarda

A segunda aula abordará o modo com que algumas mulheres artistas procuraram se inserir nas vanguardas francesas a partir de um tema caro à arte moderna: as representações dos nus. Trata-se de entender como elas passaram de objetos da representação a sujeitos dos mesmos.

Aula 3 – Mulheres artistas em outros centros: modernistas brasileiras

Nesta aula propõe-se uma reflexão sobre o caso particular do Brasil, em que duas figuras femininas lograram uma consagração ímpar: Anita Malfatti, vista como a introdutora do modernismo no país, e Tarsila do Amaral, figura central na década de 1920. Ambas assinalam modos de consagração generificados.

Aula 4 – Modernismos expandidos: mulheres e artes decorativas em tempos modernistas

A partir do caso de Regina Gomide Graz, introdutora das artes modernistas têxteis no Brasil, a quarta aula abordará o modo com que diversas artistas mulheres dedicaram-se às artes decorativas, em especial as artes têxteis, nos circuitos modernistas internacionais. Nesse sentido, elas promoveram uma crítica às hierarquias tradicionais da história da arte e ampliaram o próprio conceito de “articidade” em suas épocas.

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Paisagem (1948), de Tarsila do Amaral. | Fonte: Coleção MAM São Paulo

Datas: 13, 20 e 27 de janeiro e 03 de fevereiro
Sábados
Horário: das 10h às 12h
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00

Curso presencial
Contempla certificado no final

Num abrangente panorama temporal que se estende do século XIX até os dias contemporâneos, este curso explora como grupos específicos de artistas e escritores conceberam suas obras como respostas subjetivas aos modelos urbanos impostos em suas épocas. Um denominador comum entre eles é a intensa utilização da experiência física como estratégia criativa: caminhadas, derivas, mapeamentos, relatos e imersões na multidão.

Ao atravessar os séculos, desde Baudelaire e João do Rio no século XIX, passando por Virginia Woolf, Flávio de Carvalho e os surrealistas franceses na década de 1920, até Hélio Oiticica, Robert Smithson, Denise Scott Brown e o situacionismo de combate na efervescente Paris de 1968, o curso culmina na investigação dos artistas contemporâneos e de seus novos modos de experiência urbana, à medida que buscam compreender e dialogar com a complexidade da cidade no século XXI.

Público-alvo: estudantes e interessados em arte e urbanismo.

Programação

Aula 1 – Flanâncias

• Multidão e anonimato
• Derrubado dos velhos centros e o novo cenário moderno – o flâneur
• Charles Baudelaire (Paris)
• João do Rio (Rio de Janeiro)

Aula 2 – Deambulações

• Estranhamento e fugacidade
• Virginia Woolf (Londres)
• Flávio de Carvalho (São Paulo)
• Grupo Surrealista (Paris)

Aula 3 – Derivas

• Participação e jogo
• Hélio Oiticica / Lygia Clark (Rio de Janeiro)
• Roberto Piva (São Paulo)
• Robert Smithson (Nova Jersey)
• Denise Scott Brown (Las Vegas)
• Guy Debord, situacionismo e os movimentos de 1968 (Paris)

Aula 4 – Saltando entre ilhas

• A qual cidade responder?
• Sophie Calle (Paris)
• Jonathas de Andrade (Recife)
• Regina Parra (São Paulo)
• Francis Alÿs (Cidade do México)

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Regina Silviera, Destrutura urbana 8, 1976. | Coleção MAM São Paulo. Doação Patrocínio Petrobrás, 2001. Foto: Marcelo Arruda.

Datas: 16, 23, 30 de janeiro e 06 de fevereiro
Terças-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
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Curso online
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Byung-Chul Han é atualmente um dos filósofos mais discutidos, em razão de sua crítica perspicaz e incisiva à nossa sociedade contemporânea. Autor do renomado livro Sociedade do cansaço, no qual aborda a lógica da produtividade ilimitada e da autoexploração, motivadas pelo imperativo do desempenho, Han considera a arte como um dos principais meios para compreender e propor soluções para os impasses sociais. Para Byung-Chul Han, a arte oferece a possibilidade de estabelecer diferentes relações com o mundo e com o outro, ou até mesmo de suprimir essas relações completamente.

Neste curso, ministrado por Lucas Nascimento Machado, será feita uma breve introdução ao tema da arte e do entretenimento, explorando sua conexão com a crítica ao capitalismo de Byung-Chul Han. Observaremos como, em sua análise da arte clássica e contemporânea, Han não apenas denuncia um paradigma estético que alimenta a lógica egocêntrica do capitalismo, mas também aponta para formas de arte e entretenimento capazes de resgatar nossa relação com o mundo e com o outro.

Programação

Aula 1: Uma sociedade do desempenho e da exaustão: uma introdução à filosofia de Byung-Chul Han

• A crítica do capitalismo em Byung-Chul Han
• As diferentes fases do pensamento de Han
• Panorama do tratamento da arte e da estética na filosofia de Han

Aula 2: Arte x entretenimento em Byung-Chul Han

• A crítica à paixão ocidental e à busca por transcendência
• A confluência entre arte e entretenimento no puro deleite
• O entretenimento como abertura ao mundo

Aula 3: A salvação do belo e a crítica da estética do liso

• A estética autoerótica kantiana
• A estética do liso e a supressão da alteridade
• A estética da dor e da ferida

Aula 4: Filosofia como modo de vida

• A arte do descentramento
• Romantismo e natureza
• A contemplação do belo

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Caminhante sobre o mar de névoa (1818), de Caspar David Friedrich. Kunsthalle Hamburg, Hamburg, Germany. | Fonte: WikiArt

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Datas: 06, 13 e 27 de novembro e 04, 11 e 18 de dezembro
Segundas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 6 encontros
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As “Artes Incoerentes” referem-se a um grupo inusitado de jovens artistas, desde caricaturistas até teatrólogos, que deixaram sua marca no cenário cultural de Paris nos anos 1880 por meio de exposições cheias de comédia e iconoclastia. Nessas exposições, pinturas, esculturas e desenhos muitas vezes se misturavam com materiais e suportes incomuns, posteriormente conhecidos como “técnica mista”. Curiosamente, os Incoerentes, liderados por Jules Lévy, não são mencionados nos manuais de história da arte, sendo completamente desconhecidos no Brasil e ainda pouco discutidos na França até hoje.

No entanto, é importante notar que algumas técnicas e expressões libertárias associadas aos movimentos de arte das primeiras décadas do século XX, como ação performática, monocromia, colagem, assemblage e objet trouvé, já estavam presentes nas manifestações dos Incoerentes, mesmo que esses termos ou conceitos não fossem utilizados por eles.

Este curso tem um duplo propósito. Em primeiro lugar, visa apresentar os principais membros do grupo, como Jules Lévy, Émile Goudeau, Alphonse Allais, Eugène Mesplès, Bridet e Sapeck, juntamente com suas ideias artísticas. Isso será feito levando em consideração documentos da época, como textos de jornais e catálogos de exposições, além de depoimentos dos próprios artistas e análises das poucas obras que sobreviveram. Em segundo lugar, o curso pretende destacar as semelhanças entre as Artes Incoerentes e certas vanguardas artísticas, como os Dadaístas e Surrealistas. Mesmo que esses movimentos não tenham necessariamente adotado as técnicas introduzidas pelos Incoerentes, estes últimos proclamaram ironicamente, desde 1882, a “morte do desenho! Morte da linha! Morte da forma! – Viva a ideia!”.

O curso será dividido em seis encontros, sendo os três primeiros focados na discussão sobre os Incoerentes e suas práticas. Durante essas sessões, serão examinadas as cerca de meia dúzia de exposições do grupo, que contaram com a participação de mais de quinhentos artistas. Os três últimos encontros serão dedicados a investigar as inovações introduzidas pelos Incoerentes em artistas tão diversos quanto Picasso, Maliévitch, Duchamp, Picabia e Yves Klein, entre outros.

Destacar o poder provocativo das Artes Incoerentes convida à reavaliação dos cânones e suposições que sustentam parte das artes modernas, desafiando discursos consolidados sobre a força inaugural atribuída às chamadas “Vanguardas Europeias”.

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Pablo Picasso. Paysage aux deux figures, 1908. Musée Picasso, Paris, France. 60 x 73 cm

Curso online
Datas: 24 de novembro, 01, 08 e 15 de dezembro
Sextas-feiras
Horário: das 18h às 20h
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
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O postulado da arte como cura tem se destacado cada vez mais nas discussões contemporâneas, especialmente após a pandemia. Mas de que tipo de cura estamos falando, e a que arte estamos nos referindo?

Partindo destas perguntas, este curso teórico busca explorar narrativas diversas relacionadas a esse tema, percorrendo construções que articulam a ideia de cura ou transformação por meio da produção e apreciação de diversas expressões artísticas.

As quatro aulas propostas servirão como estruturas panorâmicas para estimular debates sobre as diferentes interpretações do termo “cura”, analisando a arte de uma maneira transdisciplinar.

Este curso está aberto a todos os interessados no assunto, não sendo necessário possuir conhecimentos prévios para participar das aulas.

Programação

Aula 1

• Arte-cura e o zeitgeist do agora
• Estética, cuidado de si, política e liberdade
• Narrativas enviesadas de um uso da arte em pesquisas recentes nas áreas de saúde e neurociência
• O surgimento da neuroestética e seus desdobramentos
• Reflexões pós-pandêmicas sobre os lugares da arte

Aula 2

• Uma pequena história da arte como história de cura e transcendência
• A Grécia Antiga e seus métodos de cura

Aula 3

• O pioneirismo de Osório César
• A revolução de Nise da Silveira
• O surgimento da arte-terapia e suas interfaces com a arte-educação: experiências, invenções e a arte como política de liberdade

Aula 4

Apresentação de artistas, inventores-sobreviventes, protagonistas de uma arte curativa: olhando para a produção de Hilma von Klimt, Leonora Carrington, Jean Dubuffet, Arthur Bispo do Rosário, Aurora Cursino, Ann Halprin, Maria Fux, Marina Abramović, Lygia Clark, Tunga, Ernesto Neto, entre outros.

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Dúvidas:
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WhatsApp: 11 99774 3987

Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.

Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.

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créditos
Fonte: Katia Canton

Curso online
Datas: 09, 16, 23 e 30 de outubro
Segundas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00

Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Contempla certificado no final

Neste curso, diálogos entre a fotografia e a literatura servirão como base para construir caminhos de compreensão sobre a experiência leitora e o texto visual.

O que acontece quando acolhemos, em um mesmo livro, fotografia e literatura? As narrativas fotográficas e as literárias apresentam elementos em comum? De que forma essas linguagens são articuladas para provocar, no leitor, uma experiência costurada entre foto e palavra? Fotografia pode ser poesia?

Esses questionamentos conduzirão os quatro encontros em que obras de Orides Fontela, Natália Ginzburg, Adolfo Navas, Luciana di Leone, James Wood, Marvel Harris, Annie Ernaux, Maureen Bisilliat, Byung-Hun Min e Graciela Iturbide serão ponto de partida.

Programação

Aula 1 – Olhar entre

• Fotografia e poesia
• A imagem do poeta, a palavra do fotógrafo
• Reflexões da literatura sobre a fotografia

Aula 2 – Olhar para

• Perspectivas poéticas, cruzamento de olhares
• Livros em diálogo
• Reflexões sobre fotos dos participantes

Aula 3 – Olhar com

• Narratividade
• Fotografia com narrativa
• Reflexões da literatura sobre a fotografia

Aula 4 – Olhar para

• Perspectivas narrativas, cruzamento de olhares
• Livros em diálogo
• Reflexões sobre fotos dos participantes

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créditos
Foto: Juliana Monteiro

Curso online
Datas: 19 e 26 de outubro, 09, 16, 23 e 30 de novembro
Quintas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 6 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$520,00

Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Contempla certificado no final

O curso baseia-se no livro Arte Contemporânea: modos de usar, de Paula Braga, publicado pela editora Elefante em 2021. Ao longo das aulas, serão discutidas algumas passagens da produção filosófica de Friedrich Nietzsche, Gilles Deleuze, Giorgio Agamben, Byung-Chul Han e Jacques Rancière para investigar a proposta de que a vida é uma obra de arte e que, portanto, cada um é o artista compositor de uma obra.

O livro que embasa as discussões abre cada capítulo com uma crônica, um relato de alguma vivência banal que, ao ser elaborada em conversas imaginárias com uma rede de filósofos e artistas, insufla no dia-a-dia a intensidade da arte.

Programação

Aula 1

• A cidade e o corpo no espaço comum
• Andando por aí: o espaço estriado e o espaço liso em Gilles Deleuze
• O delirium ambulatorium em Hélio Oiticica

Aula 2

• O que é o contemporâneo
• Giorgio Agamben e o contemporâneo
• Byung-Chul Han e o excesso de positividade

Aula 3

• O que é o ato de criação
• Deleuze e a resistência da arte
• Cildo Meireles e as inserções em circuitos ideológicos

Aula 4

• Nietzsche e a transvaloração
• Apolo e Dionísio
• Eu só acreditaria em um deus que soubesse dançar
• Hélio Oiticica e a dança

Aula 5

• Jacques Rancière e a partilha do sensível
• Emancipação e embrutecimento
• A partilha do sensível
• Os regimes da arte

Aula 6

• Jacques Rancière e o espectador emancipado
• O espectador emancipado
• Arte, política e o regime estético

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créditos
Reprodução da obra Vai passar?, de Marcos Chaves, que aparece na capa do livro Arte contemporânea: modos de usar, de Paula Braga.