Aparelho cinecromático

O colecionador

Estrelas azuis (para sol)

Sem repressão há ordem

O telhado

Couros

Paisagem

Castro, Amilcar de

Flexor, Samson

Sem título

Metaesquema

Ferrari, León

Sacilotto, Luiz

Milhazes, Beatriz

Leonilson, José

Farkas, Thomaz

Barros, Geraldo de

Ohtake, Tomie


<p class="has-small-font-size">com<strong> Flávia Corpas</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Datas: 16, 23, 30 de abril, 07, 14, 21 e 28 de maio, 4 de junho<br>Terças-feiras<br>Horário: das 19h às 21h<br>Duração: 8 encontros<br>Público: interessados em geral<br>Investimento: R$ 640,00</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso presencial<br>Curso contempla certificado no final</strong></p>



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<div class="wp-block-button"><a class="wp-block-button__link wp-element-button" href="https://www.sympla.com.br/evento/curso-presencial-atelie-de-arte-e-psicanalise-com-flavia-corpas/2376640?referrer=www.google.com"><strong>inscrições aqui</strong></a></div>
</div>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>Desde a sua fundação por Freud, no despontar do século XX, a psicanálise se viu intimamente marcada pela arte. Os desdobramentos desta articulação, que reverberam até nossos dias, produziram importantes efeitos sobre ambos os campos.</p>



<p>É Lacan, por exemplo, quem nos diz que a interpretação, na experiência analítica, deve sempre ser o ready-made de Marcel Duchamp, o que evitaria alimentar o sintoma com sentido (Lacan, 1974), sustentando sua crítica à ideia da interpretação como hermenêutica, indicando que a interpretação deve apontar para os limites da representação ou da linguagem, ou seja, para o real, o impossível de representar.</p>



<p>Tanto Freud quanto Lacan se deslocaram em direção aos artistas e suas obras, se deixando interrogar. Certo é também que nenhum dos dois tinha o objetivo de criar uma estética psicanalítica. Interessa a estes psicanalistas, o saber que cada artista porta, e que testemunham em suas obras, saber que não sabem que possuem e que, à revelia disso, usam para criar.</p>



<p>Trata-se aqui de, junto com estes psicanalistas, abordar aquilo que a arte ensina à psicanálise, rompendo com a ideia de uma psicanálise aplicada à arte e fazendo valer a proposição de Freud e Lacan quanto ao fato de que o artista sempre precede o analista.<br>Contudo, a psicanálise também pode dar suas contribuições ao campo da arte. Ao menos é o que reflete o filósofo da arte francês Hubert Damisch:</p>



<p>Lacan foi o primeiro a nos dar uma definição de “tableau” [quadro], que é ao mesmo tempo coerente e produtiva, ao afirmar que o “tableau” é uma função na qual o sujeito teria que encontrar suas marcas, para encontrá-las enquanto tal (enquanto sujeito). Não é estranho que tivemos de esperar até o século XX para obter uma definição correta para responder a pergunta “o que é um ‘tableau’?”. E não é estranho que tivemos de esperar a psicanálise para nos dar uma definição correta para este termo?” (Damisch, 2005).</p>



<p>No campo da arte, além de Damisch, o filósofo, historiador e crítico da arte francês Didi-Huberman se apresentam como nomes importantes na interlocução com a psicanálise.</p>



<p>Será a partir da leitura de algumas das obras dos referidos autores, e também daquelas de Freud e Lacan, que se dará o trabalho no Ateliê de Arte e Psicanálise. Por meio delas, nos aproximaremos também dos conceitos da psicanálise utilizados pelos teóricos, concedendo-nos, assim, algumas chaves de leitura possíveis para tais reflexões.</p>



<p>O método de trabalho se inspira no modo de funcionamento de um dispositivo muito específico proposto por Lacan, o cartel. Distinto do grupo de estudos, um cartel propõe, dentre outras coisas que estariam mais referidas a sua função e lugar dentro do campo da psicanálise e da formação do analista, uma relação outra com o saber, que implica o desejo de cada participante e uma questão específica que irá nortear sua participação no ateliê. É importante, portanto, que cada um possa circunscrever uma questão, antes ou durante seu percurso no ateliê. É desejado ainda que esta questão sofra algum desdobramento ao longo do trabalho de leitura, que pode ser a produção de um texto, uma nova pergunta, um vídeo, uma fotografia, enfim, algo que ajude o participante a localizar um ponto de entrada, um percurso e uma chegada possível.</p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-medium-font-size"><strong>Programação</strong></p>



<p><strong>Aula 1  &#8211; Arte e Psicanálise: um campo de tensão:</strong></p>



<ul>
<li>Apresentação do curso e sua metodologia</li>



<li>O que é a Psicanálise? O que é a Arte?</li>



<li>Arte e Psicanálise: contexto histórico e os dias atuais</li>
</ul>



<p class="has-regular-font-size"><strong>Aula 2 &#8211;  As leituras de Freud</strong>:</p>



<ul>
<li>Freud e os artistas</li>



<li>Freud e a Gradiva de Jensen: aprender com a arte</li>



<li>Circunscrevendo um objeto: prática de pesquisa e desenvolvimento de projeto</li>
</ul>



<p class="has-regular-font-size"><strong>Aula 3 &#8211; As leituras de Lacan</strong>:</p>



<ul>
<li>Lacan e os artistas</li>



<li>Lacan e Marguerite Duras: a artista que antecede o psicanalista</li>



<li>Circunscrevendo um objeto: prática de pesquisa e desenvolvimento de projeto</li>
</ul>



<p><strong>Aula 4 &#8211; Didi-Huberman e a Psicanálise</strong>:</p>



<ul>
<li>Didi-Huberman e a Psicanálise: a invenção da histeria na arte</li>



<li>Circunscrevendo um objeto: prática de pesquisa e desenvolvimento de projeto</li>
</ul>



<p><strong>Aula 5 &#8211; Hubert Damisch e a Psicanálise</strong>:</p>



<ul>
<li>Hubert Damisch e a Psicanálise: o real e o feminino na arte</li>



<li>Circunscrevendo um objeto: prática de pesquisa e desenvolvimento de projeto</li>
</ul>



<p><strong>Aula 6 &#8211; Arte, Psicanálise e Feminismos</strong></p>



<ul>
<li>“Útero do mundo”: surrealismo e feminismos</li>



<li>Circunscrevendo um objeto: prática de pesquisa e desenvolvimento de projeto</li>
</ul>



<p><strong>Aula 7 &#8211; Arte, Psicanálise e Loucura</strong></p>



<ul>
<li>Obravida: uma leitura sobre Bispo do Rosario</li>



<li>Circunscrevendo um objeto: prática de pesquisa e desenvolvimento de projeto</li>
</ul>



<p><strong>Aula 8 &#8211; Apresentação de trabalhos</strong></p>



<ul>
<li>Apresentação e discussão dos trabalhos desenvolvidos pelos alunos</li>
</ul>



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                    <h5>Flavia Corpas</h5>
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                                        <div class="text">
                        
<p>Flavia Corpas é psicanalista e curadora independente de artes visuais. Possui pós-doutorado em Ciência da Literatura pela UFRJ. Doutora em Psicologia Clínica pela PUC/RJ, foi docente do Curso de Especialização em Acessibilidade Cultural da UFRJ. Organizadora do livro “Arthur Bispo do Rosario: arte além da loucura”, do crítico de artes Frederico Morais, e curadora das exposições “Walter Firmo: um olhar sobre Bispo de Rosario”, “Quase Aqui” de Daniel Senise e “Reflexivos”, de Iran do Espírito Santo e “Pilotis”de Katia Wille. Dirigiu os documentários “Cartografias da Criação”, “Arte, Cultura e Acessibilidade” e “Walter Firmo: um olhar sobre Bispo de Rosario”.</p>
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<p><strong>Amigo MAM tem 20% de desconto. Faça parte!<br>Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto</strong><br>Dúvidas:<br><a href="mailto:cursos@mam.org.br">cursos@mam.org.br</a><br>WhatsApp: <a href="https://wa.me/5511997743987">11 99774 3987</a></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (<a href="mailto:cursos@mam.org.br">cursos@mam.org.br</a>).</strong></p>



<hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" />



<p class="has-small-font-size"><strong>créditos</strong><br> Sem título (1975), de Mira Schendel. | Coleção MAM São Paulo</p>


artes visuais

cursos

filosofia

presencial

teóricos

16, 23, 30 de abril, 07, 14, 21, 28 de maio, 04 de junho de 2024

ateliê de arte e psicanálise


<p class="has-small-font-size">com <strong>Helena Obersteiner</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Datas: 20 e 27 de abril, 04 e 11 de maio de 2024<br>Sábados<br>Horário: das 10h às 13h<br>Duração: 04 encontros<br>Público: interessados em geral<br>Investimento: R$ 320,00</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso presencial<br>Curso contempla certificado no final</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<div class="wp-block-buttons is-layout-flex">
<div class="wp-block-button"><a class="wp-block-button__link wp-element-button" href="https://www.google.com/url?q=https://www.sympla.com.br/evento/curso-presencial-o-mundo-em-movimento-desenhos-no-parque-ibirapuera-com-helena-obersteiner/2377623&amp;sa=D&amp;source=docs&amp;ust=1711462548307647&amp;usg=AOvVaw2rDXfYZaXoW0_QJZJLG5WH" target="_blank" rel="noreferrer noopener"><strong>inscrições aqui</strong></a></div>
</div>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>O ambiente do parque, nos finais de semana, é repleto de movimento, um cenário dinâmico que proporciona constantes estímulos para exercitar nossa espontaneidade. Nesse contexto, ao contrário do trabalho em um ateliê, quais estratégias de desenho podemos desenvolver para explorar o Parque Ibirapuera</p>



<p>Descaminhos são os trajetos que se desviam de ideias pré-concebidas. A partir de reflexões e da construção de um caderno de pesquisa, iremos realizar exercícios de desenho ao ar livre, buscando estimular o repertório gráfico e a busca por novidades nos processos de criação.</p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-medium-font-size"><strong>Programação</strong></p>



<p class="has-regular-font-size"><strong>Aula 1 – Um caderno de descaminhos</strong></p>



<ul>
<li>Prefixo “DES” e a negação como abertura de possibilidades</li>



<li>Coreografia dos objetos na prática do desenho</li>



<li>Verbos de ação e a construção de um caderno</li>
</ul>



<p><strong>Aula 2 &#8211; Superfícies</strong></p>



<ul>
<li>É preciso desenhar parado?</li>



<li>Diferentes superfícies e seus registros</li>



<li>Reconhecimento de locais e estratégias de frotagem</li>
</ul>



<p><strong>Aula 3 &#8211; Registros de movimento</strong></p>



<ul>
<li>Nutrir uma postura investigativa</li>



<li>Estratégias de pesquisa</li>



<li>Procura por evidências de acontecimentos e construção de narrativa</li>
</ul>



<p><strong>Aula 4 &#8211; Borrão</strong></p>



<ul>
<li>Diferentes interações entre os materiais e a folha de papel</li>



<li>Desenhos dupla face</li>
</ul>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>


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                    <h5>Helena Obersteiner</h5>
                                        <div class="location-birth">(São Paulo, SP, 1993 )</div>
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                <div class="bio">
                                        <div class="text">
                        
<p>É artista visual e tem o desenho como investigação. Através da prática de observação interage, de maneira empírica, com materiais e máquinas que afetam e constroem superfícies. Em seus trabalhos, dialoga com tecido, gesso, látex e papel, assim como máquinas de tatuagem costura e tapeçaria. Em 2019, criou o curso Desenhos Feios, realizado em parceria com Espaço.CC, que contou com mais de dez turmas, entre formatos on-line e presenciais. Ao longo dos anos, realizou diversas aulas e palestras em instituições parceiras, como IED-SP, EBAC, Faculdade Santa Marcelina, entre outras. Atualmente, também realiza cursos regulares em seu ateliê.</p>
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<div style="height:50px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p><strong>Amigo MAM tem 20% de desconto. <a href="https://amigo.mam.org.br/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Faça parte</a>!<br>Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto</strong><br>Dúvidas:<br><a href="cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br<br></a>WhatsApp: <a href="https://wa.me/5511997743987" target="_blank" rel="noreferrer noopener">11 99774 3987</a></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (<a href="mailto:cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br</a>). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.</strong></p>



<hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" />



<p class="has-small-font-size"><strong>créditos</strong><br>Ilustração: Helena Obersteiner<br></p>


o mundo em movimento: desenhos no parque Ibirapuera


<p class="has-small-font-size">com<strong> Reynaldo Damazio</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Datas: 10, 17, 24 de maio, 07 e 14 de junho<br>Sextas-feiras<br>Horário: das 18h às 20h<br>Duração: 05 encontros<br>Público: interessados em geral<br>Investimento: R$ 400,00</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online<br>Ao vivo, via plataforma de videoconferência<br>Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado<br>Curso contempla certificado no final</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<div class="wp-block-buttons is-layout-flex">
<div class="wp-block-button"><a class="wp-block-button__link wp-element-button" href="https://www.sympla.com.br/evento-online/curso-online-a-rebeliao-surrealista-estetica-psicanalise-e-politica-com-reynaldo-damazio/2418750?referrer=www.google.com" target="_blank" rel="noreferrer noopener"><strong>inscrições aqui</strong></a></div>
</div>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>O curso tem como objetivo oferecer uma análise do surrealismo no seu centenário, através de cinco encontros virtuais, explorando seus aspectos literários e plásticos. Destaca-se o papel da experiência estética vanguardista em relação ao inconsciente, conceito definido por Freud e apropriado por Breton, e suas influências na literatura e na arte do século XX e início do XXI. No quinto encontro, será abordado o catálogo da exposição sobre Murilo Mendes no MAM.</p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-medium-font-size"><strong>Programação</strong></p>



<p><strong>Aula 1 &#8211; No limiar do século XX</strong></p>



<ul>
<li>Vanguardas literárias: movimentos literários do início do século XX, modernismo, ultraísmo etc.</li>



<li>Conceito de inconsciente na psicanálise: publicação do ensaio de Freud e sua influência na literatura</li>



<li>Convulsões sociais primeira guerra, revolução russa, crise de 1929</li>
</ul>



<p><strong>Aula 2 &#8211; A Revolução Surrealista</strong></p>



<ul>
<li>Manifestos, movimentos: agitação surrealista, primeiro manifesto, Lautréamont, Rimbaud, Apollinaire &amp; Cia.</li>



<li>Literatura e psicanálise: relação entre pressupostos surrealistas e conceito de inconsciente de Freud</li>



<li>Escrita automática: método de criação proposto pelos surrealistas</li>
</ul>



<p><strong>Aula 3 &#8211; Gabinete do sonho</strong></p>



<ul>
<li>Imagens do inconsciente: abertura do processo de criação artística para o inconsciente, o sonho como fundamento do real</li>



<li>Artes plásticas e cinema: Dali, Miró, Ernst, Magrite, Buñuel, entre outros.</li>



<li>Cubismo, Dadá e Surrealismo: como os movimentos dialogam, atritam e fazem uma crítica devastadora da razão e do mundo burguês</li>
</ul>



<p><strong>Aula 4 &#8211; Rastros da vertigem</strong></p>



<ul>
<li>Realismo mágico: influência do surrealismo no boom da literatura e na arte latino-americana</li>



<li>Contracultura: a imaginação no poder nos movimentos da década de 1960</li>



<li>Tropicália: traços do surrealismo em Torquato Neto e nos tropicalistas</li>
</ul>



<p><strong>Aula 5 &#8211; Surrealismo no Brasil</strong></p>



<ul>
<li>Pós-modernistas: Murilo Mendes, Ismael Nery, Maria Martins</li>



<li>O caso Campos de Carvalho: autor emblemático influenciado pelo surrealismo</li>



<li>O boom do conto nos anos 70: influência do surrealismo na produção de contos no período de resistência à ditadura militar</li>
</ul>



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            <div class="artist-header">
                <div>
                    <h5>Reynaldo Damazio</h5>
                                    </div>
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<p>Editor, crítico literário, escritor e coordenador do Centro de Apoio a Escritores do museu Casa das Rosas. Formado em Ciências Sociais pela USP, com especialização em Propaganda e Marketing e Gestão Cultural. Foi co-editor do jornal “Caderno de Leitura”, da EdUSP, e colaborador do Guia de Livros da “Folha de S. Paulo” e das revistas “Cult”, “Arte Brasileiros”, “Entrelivros”, “Mente e Cérebro”, “Nossa América” e “Literatura: Conhecimento Prático”. Autor de Poesia, linguagem (Memorial da América Latina); Nu entre nuvens (Ciência do Acidente); Horas perplexas (Editora 34); Com os dentes na esquina e trilhas; notas &amp; outras tramas (ambos pela Dobradura Editorial), Crítica de trincheira: resenhas (Giostri Editora) e do recente Movimentos portáteis (Kotter Editorial), entre outros. Traduziu Calvina (SM Editora), de Carlo Frabetti.</p>
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<p><strong>Amigo MAM tem 20% de desconto. <a href="https://amigo.mam.org.br/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Faça parte</a>!<br>Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto</strong><br>Dúvidas:<br><a href="cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br<br></a>WhatsApp: <a href="https://wa.me/5511997743987" target="_blank" rel="noreferrer noopener">11 99774 3987</a></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.<br><br>Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.</strong></p>



<hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" />



<p class="has-small-font-size"><strong>créditos</strong><br>Oedipus Rex (1922), Max Ernst Fonte: WikiArt</p>


online

10, 17, 24 de maio, 07, 14 de junho de 2024

a rebelião surrealista: estética, psicanálise e política


<p class="has-small-font-size">com <strong>Renato Anelli</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Datas: 13, 20, 27 de maio, 03, 10, 17, 24 de junho e 01 de julho<br>Segundas-feiras<br>Horário: das 19h às 21h<br>Duração: 08 encontros<br>Público: interessados em geral<br>Investimento: R$ 640,00<br><br>Curso online<br>Ao vivo, via plataforma de videoconferência<br>Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado<br>Curso contempla certificado no final</strong></p>



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<div class="wp-block-button"><a class="wp-block-button__link wp-element-button" href="https://www.sympla.com.br/evento-online/curso-online-arquitetura-moderna-no-brasil-com-renato-anelli/2418660?referrer=www.google.com" target="_blank" rel="noreferrer noopener"><strong>inscrições aqui</strong></a></div>
</div>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>O curso aborda o processo de formação e evolução da arquitetura moderna brasileira, situando-o dentro do contexto histórico da modernização do país desde a Abolição da Escravatura e a Proclamação da República até os dias atuais. Utiliza-se o método de interpretar o significado dessa arquitetura através da análise da forma e dos procedimentos que a geraram, considerando o momento histórico específico em que se desenvolveu. As narrativas da arte, da arquitetura e da sociedade se entrelaçam para explicar o processo de formação da arquitetura como um sistema representativo da cultura brasileira. Assim, serão discutidos temas como projeto arquitetônico, construção, uso, integração urbana e sua relação com as artes plásticas, cinema e teatro. A arquitetura é compreendida como parte integrante da cultura que molda um país, tanto simbólica quanto materialmente.</p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-medium-font-size"><strong>Programação</strong></p>



<p><strong>Aula 1 &#8211; Modernismo e Modernização</strong></p>



<p>Aula introdutória ao curso, desenvolvendo a conceituação de Marshal Berman apresentada em seu livro &#8220;Tudo que é sólido desmancha no ar&#8221; (1986), a partir da interpretação de Adrian Gorelik em &#8220;O moderno em debate: cidade, modernidade, modernização&#8221; (1999) e Marta Gutman em &#8220;Teaching Marshal / Marshal teaching: Encounters with Berman&#8221; (2016).</p>



<p>A aula parte da interpretação da pintura &#8220;La Gare Saint-Lazare&#8221; de Claude Monet (1877) e das entradas das estações de Metrô projetadas por Hector Guimard (1900) para discutir o papel da arte e da arquitetura na modernização produtiva, social e política do século XIX.</p>



<p><strong>Aula 2 &#8211; A retórica colonial na República: modernização social e os dilemas da identidade nacional</strong></p>



<p>Com enfoque na primeira República, a aula discute a recuperação do passado colonial como raiz da nacionalidade na cultura. Aborda a modernização social e produtiva do Brasil através das infraestruturas urbanas e da arquitetura neoclássica de Ramos de Azevedo. Explora a interpretação da arquitetura colonial nas pesquisas de José Wasth Rodrigues e José Mariano orientadas pelo neocolonialismo. Analisa a síntese entre moderno, arcaico e paisagem natural nas pinturas de Tarsila do Amaral. Debate o posicionamento de Mário de Andrade e Oswaldo de Andrade sobre o moderno na arquitetura, como a chegada das casas modernistas de Gregori Warchavichik.</p>



<p><strong>Aula 3 &#8211; Construção da identidade nacional moderna e hegemonia da representação do estado nacional</strong></p>



<p>A aula parte da exposição simultânea da Casa Modernista de Warchavchik com o lançamento do Plano de Avenidas para São Paulo de Prestes Maia e a Revolução de 1930. Apresenta a construção da identidade nacional moderna através de Lúcio Costa, destacando o papel da integração das artes na arquitetura. Analisa as artes plásticas modernas, com ênfase em temáticas nacionais e sociais por artistas como Portinari, Di Cavalcanti e Bruno Giorgi. Este processo culmina em dois projetos de Oscar Niemeyer que o elevam ao foco central da arquitetura moderna brasileira: o Pavilhão do Brasil na Feira Mundial de Nova York, em coautoria com Lúcio Costa (1939) e Pampulha (1942). A exposição &#8220;Brazil Builds: architecture new and old&#8221;, promovida pelo MoMA em 1943, consolida essa corrente, apresentando-a como referência internacional de esperança em plena destruição da Segunda Guerra Mundial.</p>



<p><strong>Aula 4 &#8211; Arquitetura moderna como instrumento de modernização econômica e social no Brasil e América Latina: Interiorização e internacionalização</strong></p>



<p>A aula apresenta o papel ativo da arquitetura moderna brasileira na modernização do país, projetando fábricas, conjuntos habitacionais, redes de escolas públicas e equipamentos de saúde no esforço de construção de um estado de bem-estar social para uma população que se urbanizava velozmente. Explora os movimentos concretista e neoconcretista nas artes plásticas e sua relação com os novos parâmetros da arquitetura. Destaca a forte presença da arquitetura moderna brasileira no exterior, em países como Venezuela, Estados Unidos e Alemanha, através das obras de Oscar Niemeyer, Rino Levi e Roberto Burle Marx.</p>



<p><strong>Aula 5 &#8211; Brasília e Salvador: duas faces do desenvolvimentismo no Brasil</strong></p>



<p>Analisa o projeto e a construção de Brasília como a síntese do projeto político e cultural do modernismo brasileiro. Discute o papel da Universidade da Bahia e do Museu de Arte Moderna da Bahia no plano de desenvolvimento regional do Nordeste, proposto por Lina Bo Bardi e artistas da região. Destaca a pesquisa etnográfica Nordeste conduzida por Lina em conjunto com Livio Xavier no Ceará e Francisco Brennand. Brasília e Salvador se apresentam como dois caminhos para a relação entre cultura e economia, que poderiam ser complementares, se não ocorresse o golpe militar de 1964.</p>



<p><strong>Aula 6 &#8211; Entre tecnocracia e contracultura: arte, arquitetura e cidade no &#8220;milagre brasileiro&#8221;</strong></p>



<p>A aula foca na polarização política e cultural característica do período autoritário inaugurado em março de 1964. Analisa movimentos de arte moderna e popular que se radicalizaram na luta de oposição, politizando a produção nas artes plásticas, arquitetura, teatro e música. Explora as obras do Grupo Arquitetura Nova, a teoria crítica de Sérgio Ferro, o urbanismo de favelas de Carlos Nelson Ferreira, a cenografia de Flávio Império e Lina Bo Bardi. Por outro lado, discute o crescimento exponencial das cidades e os investimentos públicos em grandes obras, que acentuaram os contrastes sociais. A arquitetura moderna configurou redes de infraestrutura urbana, como os metrôs de São Paulo e Rio de Janeiro, com relevantes características ambientais e paisagísticas.</p>



<p><strong>Aula 7 &#8211; Moderno e pós-moderno na redemocratização</strong></p>



<p>Aborda a revisão crítica ao movimento moderno iniciada na Europa e Estados Unidos na década de 1950, que atingiu o Brasil na década de 1980. Analisa o pós-modernismo brasileiro em suas três correntes: uma de viés Pop, outra de orientação historicista e uma terceira regionalista. Destaca a obra de Severiano Mário Porto na Amazônia como a mais relevante desse movimento. Discute a continuidade e o aprimoramento da arquitetura moderna, tendo Paulo Mendes da Rocha como seu mais destacado expoente na virada do século XX para o XXI.</p>



<p><strong>Aula 8 &#8211; Arte e arquitetura moderna de Brasília no centro da disputa política do século XXI</strong></p>



<p>Explora as políticas de inclusão social propiciadas pelo primeiro quartil do século XXI e seu impacto na ampliação do campo da arte e arquitetura. Destaca a denúncia e o combate ao racismo estrutural brasileiro por negros descendentes de escravizados e indígenas. Analisa a cultura das periferias e favelas, que se impõem alterando temas e território de atuação da arquitetura. Discute a cerimônia de posse do novo presidente em Brasília, seguida pela invasão e depredação dos palácios dos três poderes por seus opositores, como momentos emblemáticos desse período.</p>



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                    <h5>Renato Anelli</h5>
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<p>Renato Anelli, arquiteto urbanista e educador, possui uma vasta trajetória acadêmica, incluindo títulos de Mestre em História e Doutor em História da Arquitetura. Aposentado como Professor Titular do IAU USP São Carlos, atualmente é professor doutor no Programa de Pós-Graduação em Arquitetura e Urbanismo do Mackenzie. Sua experiência internacional inclui períodos como professor visitante em instituições renomadas em Veneza, Hamburgo e Austin. Além disso, desempenha papéis importantes como Conselheiro e Curador do Instituto Bardi/Casa de Vidro e Diretor de Cultura do Instituto de Arquitetos do Brasil &#8211; Departamento de São Paulo.</p>
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<p><strong>Amigo MAM tem 20% de desconto. <a href="https://amigo.mam.org.br/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Faça parte</a>!<br>Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto</strong><br>Dúvidas:<br><a href="cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br<br></a>WhatsApp: <a href="https://wa.me/5511997743987" target="_blank" rel="noreferrer noopener">11 99774 3987</a></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.<br><br>Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.</strong></p>



<hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" />



<p class="has-small-font-size"><strong>créditos</strong><br>Parque do Ibirapuera (2004), de Nelson Kon</p>


13, 20, 27 de maio, 03, 10, 17, 24 de junho, 01 de julho de 2024

arquitetura moderna no brasil


<p class="has-small-font-size">com <strong>Lívia Aquino, Fábio Morais e Daniela Avelar</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Datas: 25 de maio, 01, 08, 15, 22 e 29 de junho, 06 e 13 de julho<br>Sábados<br>Horário: das 10h às 12h<br>Duração: 08 encontros<br>Público: interessados em geral<br>Investimento: R$ 640,00<br><br>Curso presencial<br>Curso contempla certificado no final</strong></p>



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<div class="wp-block-buttons is-layout-flex">
<div class="wp-block-button"><a class="wp-block-button__link wp-element-button" href="https://www.sympla.com.br/evento/curso-presencial-desabamento-de-textos-palavras-escritas-e-leituras-na-arte-contemporanea/2418607?referrer=www.google.com" target="_blank" rel="noreferrer noopener"><strong>inscrições aqui</strong></a></div>
</div>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>Formada por Lívia Aquino, Fabio Morais e Daniela Avelar, Desabamento de Textos é uma autoficção que combina pesquisa e experimentação artística, focalizando nas especificidades, fricções e multiplicidades formais da linguagem verbal nas artes visuais.</p>



<p>Este curso explora diversos modos de escrita na arte, através de estudos de caso e análise de trabalhos, com ênfase em suas diferentes naturezas de construção textual: desde a expressão sonora e a performance até procedimentos variados, e a consideração das materialidades e espacialidades na arte.</p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-medium-font-size"><strong>Programação</strong></p>



<p><strong>Aula 01 &#8211; Modos de escrita na arte (Daniela Avelar, Fabio Morais e Lívia Aquino)</strong></p>



<ul>
<li>Apresentação do curso</li>



<li>Discussão coletiva a partir de perguntas disparadoras sobre diferentes modos de escrita nas artes visuais</li>
</ul>



<p><strong>Aula 02 &#8211; Escrita mínima (Fábio Morais)</strong></p>



<p>Escritas mínimas são mais enunciativas que argumentativas, oscilando entre a lírica, a comunicação ou a presença semântico-literal das palavras. De leitura momentânea, têm maior apelo imagético que textos longos, atendendo à plasticidade de práticas expositivas. A aula aborda as formalizações materiais e as estratégias de apresentação de escritas mínimas, palavras-frases e enunciados curtos em obras de Hélio Oiticica, Rubens Gerchmam, Santiago Sierra, Carmela Gross, Lívia Aquino, Paulo Nazareth, Vânia Mignone, Daniela Avelar, Denilson Baniwa, Regina José Galindo.</p>



<p><strong>Aula 03 &#8211; Espaços literários dentro de espaços expositivos (Fabio Morais)</strong></p>



<p>Textos com maior duração de leitura/escuta possibilitam práticas pouco comuns na arte, como a narrativa e a ficção. De fruição lenta e circunspecta, alteram a temporalidade e a relação com o espaço expositivo. A aula analisa procedimentos formais de textos que, embora pudessem ter lugar cativo em páginas e telas, instauram-se no espaço tridimensional. São abordadas obras de Randolpho Lamonier, Dora García, Rafael RG, David Wojnarowicz, Aníbal López, Adrian Piper, Jota Mombaça, Rosângela Rennó, Zoe Leonard, Marta Neves, Giselle Beiguelman, Esther Ferrer.</p>



<p><strong>Aula 04 &#8211; Instruções para imaginar (Daniela Avelar)</strong></p>



<p>A partir da ideia de instruções, em artistas como Yoko Ono, Fluxus, George Brecht, Lawrence Weiner, Luis Camnitzer e Paulo Bruscky, a aula aborda a dimensão não realizável desses textos. Ao não efetivar essas instruções, os textos adquirem características poético-literárias, ativando imagens no campo cognitivo e mental.</p>



<p><strong>Aula 05 &#8211; Instruções para agir (Daniela Avelar)</strong></p>



<p>Abordando outra dimensão das instruções, a aula propõe a discussão de trabalhos nos quais os textos são, no processo do artista, disparadores da efetivação material de obras em ações e performances, que irão se constituir conforme a contingência de cada realização. Serão abordadas obras de Sophie Calle, Eleonora Fabião, Esther Ferrer e Dora García, entre outras.</p>



<p><strong>Aula 06 &#8211; Leitura e performance (Lívia Aquino)</strong></p>



<p>Em “El arte de la performance teoría y práctica”, a artista Esther Ferrer investiga a leitura como ação, explorando diferentes usos e sentidos no campo da arte. Essa aula parte dessa performance como eixo para observar outras proposições artísticas que ativam processos de leitura em diversos modos como a leitura partilhada em voz alta, em silêncio, nos espaços destinados para tal, em outros criados por grupos apontando assim para o texto que acontece como espaço sonoro com artista como Ana Gallardo, Rubiane Maia, Dora García, Ana Teixeira, Kevin Simón Mancera, Vera Chaves Barcelos, Adelaide Ivánova, Anibal López, Grupo Contrafilé e Grada Kilomba.</p>



<p><strong>Aula 07 &#8211; Escrita, palavra-cenário e espaço público (Lívia Aquino)</strong></p>



<p>Explorar a escrita como síntese e como ela opera nos distintos espaços e suportes onde acontece, desde Jenny Holzer com os truísmos espalhados na cidade que sugerem um tipo de esgotamento da linguagem até artistas mais recentes colados à sua realidade política, como Regina José Galindo, Alfredo Jaar, Juan Carlos Romero, Santiago Sierra, Doris Salcedo, Carmela Gross, Barbara Kruger e Guerrilla Girls.</p>



<p><strong>Aula 08 &#8211; Encerramento (Daniela Avelar, Fabio Morais e Lívia Aquino)</strong></p>



<p>Levantamento de questões sobre os temas trabalhados ao longo do curso e proposição de exercício prático de escrita.</p>



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                <div>
                    <h5>Daniela Avelar</h5>
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                <div class="bio">
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<p><strong>Daniela Avelar</strong> (São Paulo, 1988) é artista, escritora e educadora. Doutora e mestra em artes visuais, investiga instrumentos literários como apropriação, uso e recontextualização a partir de restrições autoimpostas em instalações, publicações, vídeos e ações. Participou da Bienal Internacional de Arte Contemporânea SACO (2023), Chile e de residências em Haukijärvi, Finlândia (“Enter Text” &#8211; Arteles Creative Center, 2019), Flip &#8211; Festa Literária Internacional de Paraty (Casa do Papel, 2017) e Courants du Monde, Paris (Ministério da Cultura e Comunicação da França, 2013). Ministra cursos sobre escrita e realiza curadoria educativa de exposições como Lamento das imagens &#8211; Alfredo Jaar (2021) e Arte-veículo (2018), Sesc Pompeia, São Paulo e, atualmente é curadora educativa da 22a Bienal Sesc_Videobrasil.</p>
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                    <h5>Fabio Morais</h5>
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<p><strong>Fabio Morais</strong> (São Paulo, 1975) é artista plástico. Atua nos espaços expositivo e editorial fundindo visualidade e escrita ao experimentar a plasticidade e a espacialidade da linguagem verbal na ficção, na história, nas estórias, na narrativa. É doutor em Artes Visuais pela UDESC, com pesquisa sobre a escrita como obra, no campo da arte. Participou de coletivas em instituições como Bienais de São Paulo e do Mercosul, MAM-SP, Instituto Tomie Ohtake, CCSP, MASP, MUBE, Sesc, Museu da Língua Portuguesa, MACBA, MAC Lyon, CGAC, Astrup Fearnley Musset, Bonniers Konsthall.</p>
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                    <h5>Lívia Aquino</h5>
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<p><strong>Lívia Aquino</strong> (Fortaleza, 1971) é pesquisadora do campo da cultura e das artes visuais, é professora e artista. Sua prática opera conexões entre a imagem, a escrita e a leitura, explorando seus significados e os sentidos que produzem no espaço e com o outro, como participador. Graduada em Psicologia, atua também como psicoterapeuta. Doutora em Artes Visuais e Mestre em Multimeios pela Universidade Estadual de Campinas (UNICAMP). É professora na pós-graduação em Práticas Artísticas Contemporâneas e na graduação de Artes Visuais e de Produção Cultural da Fundação Armando Álvares Penteado (FAAP), em São Paulo. Autora do livro Picture Ahead: a Kodak e a construção do turista-fotógrafo, Prêmio Funarte Marc Ferrez 2015. Participou de exposições coletivas no Parque Lage, no Centro Cultural da Diversidade, na Galeria Reocupa Ocupação 9 de julho, na Fundação Joaquim Nabuco, na Oficina Cultural Oswald de Andrade, no Museu de Arte Moderna de São Paulo, no Sesc Belenzinho, na Pinacoteca de São Paulo, no Museu do Estado do Pará, na HibertRaum Gallery Berlin, no Instituto Adelina, no Museu de Arte de Ribeirão Preto, no Sesc São Carlos, no Museu de Arte Brasileira e no Centro Cultural São Paulo.</p>
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<p><strong>Amigo MAM tem 20% de desconto. <a href="https://amigo.mam.org.br/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Faça parte</a>!<br>Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto</strong><br>Dúvidas:<br><a href="cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br<br></a>WhatsApp: <a href="https://wa.me/5511997743987" target="_blank" rel="noreferrer noopener">11 99774 3987</a></p>



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<p class="has-small-font-size"><strong>Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br).</strong></p>



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<p class="has-small-font-size"><strong>créditos</strong><br>Eu sou Dolores (1999), de Carmela Gross | Coleção MAM São Paulo</p>


25 de maio, 01, 15, 22, 29 de junho, 06, 13 de julho de 2024

desabamento de textos: palavras, escritas e leituras na arte contemporânea


<p class="has-small-font-size"><strong>com Alexandre Araujo Bispo</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Datas: 27 de março, 03, 10, 17, 24 de abril e 08 de maio<br>Quartas-feiras<br>Horário: das 19h às 21h<br>Duração: 6 encontros<br>Público: interessados em geral<br>Investimento: R$ 480,00</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online<br>Ao vivo, via plataforma de videoconferência<br>Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado<br>Curso contempla certificado no final</strong></p>



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<div class="wp-block-button"><a class="wp-block-button__link wp-element-button" href="https://www.sympla.com.br/evento-online/curso-online-arte-afro-brasileira-esteticas-e-poeticas-do-sagrado-com-alexandre-bispo/2305478?referrer=www.google.com" target="_blank" rel="noreferrer noopener"><strong>inscrições aqui</strong></a></div>
</div>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>Este curso propõe uma exploração profunda da arte afro-brasileira, destacando sua conexão intrínseca com o universo religioso e estético africano. Sem seguir uma ordem cronológica, as aulas abordam temas como memória, corpo, ritos sociais, morte, alimentação e intolerância religiosa.</p>



<p>Com a definição de <strong>Marta H. Leuba Salum</strong> como base, que compreende essa forma de expressão como qualquer manifestação plástica e visual que resgata a estética e religiosidade africanas, aliadas aos cenários socioculturais dos negros no Brasil, o curso oferece um panorama não exaustivo dos temas, autorias e problemas ligados à noção de sagrado afro-brasileiro.</p>



<p>A metodologia inclui aulas expositivas com apresentação de imagens artísticas, combinadas a informações sociais e biográficas sobre os artistas, proporcionando uma compreensão aprofundada dessa expressão artística única.</p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-medium-font-size"><strong>Programação</strong></p>



<p><strong>Aula 1 &#8211; O negro como tema</strong></p>



<p>Esta aula destaca imagens de pessoas e grupos negros no Brasil desde o século XVII, explorando representações de mulheres, crianças, festas religiosas e objetos rituais. A análise desse repertório iconográfico visa proporcionar uma compreensão visual crucial para interpretar obras contemporâneas.</p>



<p><strong>Aula 2 – Morte, mortos e morrer</strong></p>



<p>Explorando obras que dialogam com o universo das religiões afro-brasileiras, esta aula destaca o artista Arthur Leandro e seu anúncio peculiar de morte. O enfoque inclui noções como axexê, mukondo, egun, vumbi, entre outras, e examina como artistas contemporâneos respondem criticamente a temas como chacinas, violência estatal e direito ao funeral.</p>



<p><strong>Aula 3 &#8211; Belas Artes Negras</strong></p>



<p>Estabelecendo a distinção entre a eficácia simbólica da arte, utilizada em rituais para alterar destinos ou curar, e o aspecto contemplativo da tradição ocidental, esta aula exibe imagens de obras rituais e práticas artísticas contemporâneas. A questão central é se o rito na arte contemporânea possui poder curativo.</p>



<p><strong>Aula 4 &#8211; Mães negras: uma expressão do sagrado</strong></p>



<p>Explorando a figura central da mãe negra ao longo da história brasileira, esta aula aborda o culto à mãe negra em São Paulo, surgido na República Velha. Destaca também a presença da Mãe Preta na fotografia de Vincenzo Pastore e na obra de artistas contemporâneos como Rosana Paulino, Renata Felinto, Sidney Amaral, entre outros.</p>



<p><strong>Aula 5 &#8211; Esculturas e escultores: uma longa tradição</strong></p>



<p>Focando na importância da escultura negra em ritos de passagem, altares e assentamentos religiosos, esta aula destaca escultores como Rubem Valentim, Mestre Didi, Emanoel Araújo, Carybé, entre outros, que encontram inspiração no universo do candomblé.</p>



<p><strong>Aula 6 – A arte e a religião: inspirações protestantes</strong></p>



<p>Explorando a interseção entre repertórios sagrados afro-brasileiros e influências do cristianismo protestante, esta aula destaca artistas contemporâneos como Ventura Profana, Maxwell Alexandre e Priscila Rezende, analisando como suas obras transitam entre os domínios artístico e religioso, atualizando as discussões sobre o sagrado afro-brasileiro ao longo do tempo.</p>



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                    <h5>Alexandre Araujo Bispo</h5>
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                                        <div class="text">
                        
<p>É antropólogo, crítico e curador independente.</p>
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<p><strong>Amigo MAM tem 20% de desconto. <a href="https://amigo.mam.org.br/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Faça parte</a>!<br>Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto</strong><br>Dúvidas:<br><a href="cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br<br></a>WhatsApp: <a href="https://wa.me/5511997743987" target="_blank" rel="noreferrer noopener">11 99774 3987</a></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (<a href="mailto:cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br</a>). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.</strong></p>



<hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" />



<p class="has-small-font-size"><strong>créditos</strong><br>Oxumaré, da série Riscos, de Alexandre Alexandrino.</p>


27 de março, 03, 10, 17, 24 de abril, 08 de maio de 2024

arte afro-brasileira: estéticas e poéticas do sagrado


<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Datas: 08, 10, 15, 17, 22 e 24 de abril de 2024<br>Segundas e quartas-feiras<br>Horário: das 10h às 12h<br>Duração: 06 encontros<br>Público: interessados em geral<br>Investimento: R$ 480,00</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online<br>Ao vivo, via plataforma de videoconferência<br>Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado<br>Curso contempla certificado no final</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<div class="wp-block-buttons is-layout-flex">
<div class="wp-block-button"><a class="wp-block-button__link wp-element-button" href="https://www.sympla.com.br/evento-online/curso-online-producao-de-exposicoes-nos-museus-de-arte-com-claudia-vendramini-reis/2377657?referrer=www.google.com" target="_blank" rel="noreferrer noopener"><strong>inscrições aqui</strong></a></div>
</div>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>O curso tem como objetivo apresentar o processo de desenvolvimento de exposições nos museus de arte e os desafios das etapas de pré-produção, produção e pós-produção.</p>



<p>Do projeto curatorial à experiência de visitar exposições de arte, os participantes do curso vão descobrir o passo a passo da produção artística e executiva. As aulas serão expositivas com conteúdo em formato digital, indicações de leituras e tempo reservado para estudos de casos e troca de experiências.</p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-medium-font-size"><strong>Programação</strong></p>



<p><strong>Aula 1 &#8211; Introdução sobre museus de arte e a diversidade de exposições</strong></p>



<ul>
<li>Apresentação do conteúdo do curso, da professora e dos participantes</li>



<li>Indicação de bibliografia</li>



<li>Introdução: museus de arte e exposições de longa, média e curta duração</li>



<li>Projeto curatorial e expográfico</li>



<li>O produtor de projetos artísticos e culturais: área de atuação com foco nas exposições de arte nos museus</li>
</ul>



<p><strong>Aula 2 – Quando inicia e termina a produção artística e executiva?</strong></p>



<ul>
<li>As relações do produtor com profissionais, equipes e instituições: curadores, arquitetos, artistas, colecionadores, designers, museólogos, educadores, entre outros</li>



<li>Da elaboração do projeto a sua realização: pré-produção, produção executiva e pós-produção</li>
</ul>



<p><strong>Aula 3 &#8211; Pré-produção</strong></p>



<ul>
<li>Acompanhamento de pesquisa, produção de conteúdos e elaboração de lista de obras</li>



<li>Documentação de empréstimo temporário de obras de arte, obras comissionadas, banco de dados e seus desafios</li>



<li>Carta de apresentação da exposição, carta convite, solicitação de empréstimos e seguro de obras de arte</li>



<li>Documentação referente aos espaços expositivos e condições de exibição de obras de arte (Facility Report)</li>
</ul>



<p><strong>Aula 4 – Produção executiva</strong></p>



<ul>
<li>Elaboração de orçamentos, cronogramas, fluxos de desembolso</li>



<li>Processos de tomada de preços/cotações, contratação de prestadores de serviços, aquisição de materiais, equipamentos e/ou locação</li>



<li>Logística de transporte, embalagem de obras de arte, seguro e acompanhamento museológico e laudos de estado de conservação das obras</li>
</ul>



<p><strong>Aula 5 – Produção executiva | Interface com equipes</strong></p>



<ul>
<li>Interface com as equipes responsáveis pela concepção e execução de projetos expográfico, luminotécnico, identidade visual, design gráfico, comunicação e publicações</li>



<li>Montagem, desmontagem e manutenção de exposições</li>



<li>Interface com equipes de projetos educativo, acessibilidade, orientação de públicos, segurança e outros serviços</li>
</ul>



<p><strong>Aula 6 – Pós-produção</strong></p>



<ul>
<li>Pesquisas de opinião e processos de avaliação do projeto executado</li>



<li>Prestação de contas durante e ao final do projeto</li>



<li>Elaboração de relatórios parciais e finais</li>



<li>Avaliação do curso junto aos participantes</li>
</ul>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>


    <div class="mam-artist-list">
                <div class="mam-artist page-collapse-parent">
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                <div>
                    <h5>Cláudia Vendramini Reis</h5>
                                    </div>
                    <div class="collapse-control">
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                                        <div class="text">
                        
<p>Cláudia Vendramini Reis é professora na pós-graduação do Centro de Estudos Latino-Americanos sobre Cultura e Comunicação, CELACC – núcleo de apoio a pesquisa da ECA-USP, no qual ministra a disciplina Gestão de Projetos Culturais, desde 2016. É mestre em Museologia pelo PPGMUS-USP, na linha de pesquisa História dos processos museológicos, coleções e acervos. Foi coordenadora de produção da 29a Bienal de São Paulo (2010) e gerente do programa educativo da Fundação Bienal de São Paulo (2017-2019). É membro do ICOM Brasil e da Comissão de Ética Profissional do Conselho Regional de Museologia da 4ª Região – COREM 4R.</p>
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<div style="height:50px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p><strong>Amigo MAM tem 20% de desconto. <a href="https://amigo.mam.org.br/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Faça parte</a>!<br>Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto</strong><br>Dúvidas:<br><a href="cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br<br></a>WhatsApp: <a href="https://wa.me/5511997743987" target="_blank" rel="noreferrer noopener">11 99774 3987</a></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (<a href="mailto:cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br</a>).</strong></p>



<hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" />



<p class="has-small-font-size"><strong>créditos</strong><br>Atrás da porta (2007), de Rivane Neuenschwander | Coleção MAM São Paulo</p>


produção de exposições nos museus de arte


<p class="has-small-font-size">com <strong>Lorenzo Merlino</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Datas: 09, 16, 23 de abril, 07, 14 e 21 de maio de 2024<br>Terças-feiras<br>Horário: das 19h às 21h<br>Duração: 06 encontros<br>Público: interessados em geral<br>Investimento: R$ 480,00</strong><br><br><strong>Curso online<br>Ao vivo, via plataforma de videoconferência<br>Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado<br>Curso contempla certificado no final</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<div class="wp-block-buttons is-layout-flex">
<div class="wp-block-button"><a class="wp-block-button__link wp-element-button" href="https://www.sympla.com.br/evento-online/curso-online-do-renascimento-ao-moderno-com-lorenzo-merlino/2377567?referrer=www.google.com" target="_blank" rel="noreferrer noopener"><strong>inscrições aqui</strong></a></div>
</div>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>O curso tem como objetivo explorar as mudanças cruciais na Arte Ocidental desde o início do Renascimento até o surgimento da Arte Moderna no início do século XX, destacando suas relações e independências com a Estética. Além disso, serão abordadas as interações com o Design, Moda e sua influência em áreas como Cinema, Dança, Teatro e Literatura. Destinado a todos os interessados em Arte, Moda e Design, o curso não requer formação prévia.</p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-medium-font-size"><strong>Programação</strong></p>



<p class="has-regular-font-size"><strong>Aula 1</strong></p>



<ul>
<li>Os primeiros Renascimentos à margem da Revolução Gótica</li>



<li>Renascimento Pleno – da Vinci, Rafael, Michelangelo</li>



<li>Maneirismo e o início do Barroco</li>
</ul>



<p><strong>Aula 2</strong></p>



<ul>
<li>Barroco, a Academia e o Classicismo do Grande Século</li>



<li>O início da preponderância francesa</li>



<li>Rococó e o ocaso da aristocracia</li>
</ul>



<p><strong>Aula 3</strong></p>



<ul>
<li>Neoclássico, o primeiro Moderno?</li>



<li>A Primeira Revolução Industrial na Inglaterra e suas influências</li>



<li>Nobreza e Burguesia, ousadia e conservadorismo</li>



<li>Romantismo e Realismo — o início dos ‘ismos’</li>
</ul>



<p><strong>Aula 4</strong></p>



<ul>
<li>Impressionismo, Neoimpressionismo e Pós-Impressionismo — o surgimento da Modernidade</li>



<li>As Exposições Universais e o surgimento da globalização</li>
</ul>



<p><strong>Aula 5</strong></p>



<ul>
<li>Arts and Crafts e o surgimento do Design</li>



<li>Gesamtkunstwerk, a Arte Total de Wagner</li>



<li>O contato com o Oriente — japonismos e os Balés Russos</li>
</ul>



<p><strong>Aula 6</strong></p>



<ul>
<li>A Modernidade e as Vanguardas europeias</li>



<li>O Primitivo no Moderno</li>



<li>Fauvismo, Cubismo, Orfismo, Futurismo, Suprematismo e Expressionismo</li>



<li>Surrealismo e a volta do figurativo</li>
</ul>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>


    <div class="mam-artist-list">
                <div class="mam-artist page-collapse-parent">
            <div class="artist-header">
                <div>
                    <h5>Lorenzo Merlino</h5>
                                    </div>
                    <div class="collapse-control">
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                <div class="bio">
                                        <div class="text">
                        
<p>É pós-graduado em História da Arte pela FAAP e mestre e doutorando em História da Arte pela UNICAMP, atualmente encontra-se na Inglaterra onde cumpre uma bolsa de doutorado-sanduíche na University of Brighton. Com mais de 25 anos de experiência no mundo da moda, integrou por seis anos o SPFW. Indicado ao XIV Prêmio Carlos Gomes em 2011 por melhor figurino e escolhido melhor figurinista de óperas do Brasil em 2015. Professor na FAAP, ministra também cursos no MAM, no MASP, no Adelina Instituto, na Superbacana+, na Casa do Saber, na Unibes Cultural, no SENAC e no SESC. Desde 2016 é embaixador de Flandres para as Artes e a Moda no Brasil.</p>
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<div style="height:50px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p><strong>Amigo MAM tem 20% de desconto. <a href="https://amigo.mam.org.br/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Faça parte</a>!<br>Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto</strong><br>Dúvidas:<br><a href="cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br<br></a>WhatsApp: <a href="https://wa.me/5511997743987" target="_blank" rel="noreferrer noopener">11 99774 3987</a></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (<a href="mailto:cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br</a>). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.</strong></p>



<hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" />



<p class="has-small-font-size"><strong>créditos</strong><br>L.H.O.O.Q. (1919), de Marcel Duchamp. | Fonte: Wikipédia</p>


09, 16, 23 de abril, 07, 14, 21 de maio de 2024

do renascimento ao moderno


<p class="has-small-font-size">com <strong>Juliana Monteiro</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Datas: 15, 22, 29 de abril e 06 de maio de 2024<br>Segundas-feiras<br>Horário: das 19h às 21h<br>Duração: 04 encontros<br>Público: interessados em geral<br>Investimento: R$ 320,00</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online<br>Ao vivo, via plataforma de videoconferência<br>Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado<br>Curso contempla certificado no final</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<div class="wp-block-buttons is-layout-flex">
<div class="wp-block-button"><a class="wp-block-button__link wp-element-button" href="https://www.sympla.com.br/evento-online/curso-online-encontros-entre-a-fotografia-e-a-literatura-com-juliana-monteiro/2377601" target="_blank" rel="noreferrer noopener"><strong>inscrições aqui</strong></a></div>
</div>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>A partir de livros de fotografia e de textos literários, os participantes são convidados a ampliar suas reflexões e seu olhar sobre a fotografia como linguagem artística, como texto e como processo de construção poética sobre as relações cotidianas.</p>



<p>Cada encontro apresenta um eixo temático que norteará as confluências e algumas possibilidades de diálogo entre essas duas linguagens.</p>



<p>De que maneira os escritores abordam as questões que permeiam o universo da fotografia? Como escritores e fotógrafos retratam a si mesmos?</p>



<p>De forma dialógica, tentaremos responder a essas e a outras questões, juntos, a partir de autores clássicos e contemporâneos da literatura e da fotografia, como os escritores Machado de Assis, Marília Garcia, Ana Martins Marques, Ricardo Aleixo, Orides Fontela e os fotógrafos Carlos Moreira, Robert Frank, André Penteado, Reymond Meeks, Masahisa Fukase, entre outros.</p>



<p>Os temas e as referências, além de serem a base do conteúdo apresentado, servem como ponto de partida para práticas fotográficas que serão propostas e discutidas durante os encontros.</p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-medium-font-size"><strong>Programação</strong></p>



<p><strong>Encontro 1 &#8211; o olhar</strong></p>



<p><strong>Encontro 2 &#8211; olhar para si</strong></p>



<p><strong>Encontro 3 &#8211; olhar para o outro</strong></p>



<p><strong>Encontro 4 &#8211; olhar para o seu lugar no mundo</strong></p>



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    <div class="mam-artist-list">
                <div class="mam-artist page-collapse-parent">
            <div class="artist-header">
                <div>
                    <h5>Juliana Monteiro</h5>
                                        <div class="location-birth">(Rio de Janeiro, 1981 &#8211; vive e trabalha em São Paulo, SP)</div>
                                    </div>
                    <div class="collapse-control">
        <button type="button" class="closed">
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                <div class="bio">
                                        <div class="text">
                        
<p>Juliana Monteiro investiga a poética dos dias, das relações e da existência humana a partir de diferentes mídias e suportes. O caráter universal do que é íntimo, a impermanência e a dinâmica entre palavra e imagem são eixos presentes em sua observação artística, que se vale da fotografia e da palavra como principais instrumentos do dizer. Nascida no Rio de Janeiro, em 1981, vive e trabalha em São Paulo, onde se formou em Linguística e em Comunicação e, desde então, tece relações entre diferentes linguagens. Além de participar de exposições coletivas, publicou os livros de artista <em>Pandora</em> (2020), <em>Aprendiz</em> (2021), <em>Queira receber como recordação </em>(2022), entre outros. Em 2017, juntamente com o escritor <strong>João Anzanello Carrascoza</strong>, publicou o livro <em>Catálogo de Perdas</em> (SESI-SP), composto por 40 fotografias e 40 contos. Essa obra foi finalista do prêmio Jabuti e vencedora do prêmio FNLIJ nas categorias leitor adulto e projeto editorial. Pela Maralto, em 2023, publicou <em>Fronteiras visíveis</em>, também com o escritor<strong> João Carrascoza</strong>.</p>
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<p><strong>Amigo MAM tem 20% de desconto. <a href="https://amigo.mam.org.br/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Faça parte</a>!<br>Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto</strong><br>Dúvidas:<br><a href="cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br<br></a>WhatsApp: <a href="https://wa.me/5511997743987" target="_blank" rel="noreferrer noopener">11 99774 3987</a></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (<a href="mailto:cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br</a>). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.</strong></p>



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<p class="has-small-font-size"><strong>créditos</strong><br>Foto: Juliana Monteiro</p>


fotografia

literatura

encontros entre a fotografia e a literatura

curadores


<p>Natural de Serra dos Carajás (PA),&nbsp;<strong>Germano Dushá</strong>&nbsp;é curador, escritor, crítico e agente cultural. Graduado em Direito (FGV-SP) e pós-graduado em Arte: Crítica e Curadoria (PUC-SP), ele vive e trabalha em São Paulo. Sua pesquisa traz o cruzamento entre estética, crítica e tradições esotéricas, e sua prática assume múltiplas formas — em experimentações curatoriais, literárias e hipermídias — para investigar imaginários sociais, e a energia ligada às experiências subjetivas radicais e aos processos de transmutação. Ao longo de sua trajetória, vem colaborando com instituições, galerias e publicações em diferentes países. Entre as exposições mais recentes em que assinou curadoria, estão<em>&nbsp;Esfíngico Frontal</em>, da Galeria Mendes Wood DM (São Paulo) e&nbsp;<em>Arqueia mas não quebra</em>, da Almeida &amp; Dale (São Paulo), ambas de 2023;&nbsp;<em>Calor Universal,&nbsp;</em>na Pace Gallery (Hamptons) e<em>&nbsp;Semana sim, Semana não</em>, da Casa Zalszupin (São Paulo) em 2022; e&nbsp;<em>A Hora Instável</em>, na Bruno Múrias (Lisboa), em 2019. Atualmente é coordenador do Fora, organização pluridisciplinar fundada em 2018 que trabalha com projetos culturais e estratégias institucionais.</p>


Germano Dushá


<p><strong>Thiago de Paula Souza</strong>&nbsp;é curador e educador. Sua pesquisa perpassa o desejo de ampliar e reelaborar o formato expositivo, e a potência da arte contemporânea e da educação ao repensarem o passado e produzirem novos códigos éticos. A prática de Thiago cruza diferentes configurações de conhecimento e poder, articulando a construção de infraestruturas para imaginar um mundo em que a violência não é mais seu fundamento. É formado em Ciências Sociais pela Unesp e doutorando pela HDK-Valand na Universidade de Gotemburgo, Suécia. Entre os projetos institucionais em que já atuou estão:&nbsp;<em>While We Are Embattled</em>&nbsp;(2022), do Para Site, em Hong Kong, onde foi co-curador; e&nbsp;<em>Atos de revolta</em>, no MAM Rio; integrou equipes curatoriais da 3ª edição da&nbsp;<em>Frestas — Trienal de Artes&nbsp;</em>(2020 &#8211; 2021), organizada pelo Sesc São Paulo;&nbsp;<em>We don’t need another hero</em>&nbsp;— 10ª Bienal de Berlim (2018); e foi consultor curatorial da 58ª Carnegie International (2012/2022). Entre 2022 e 2023 foi co-curador do Nomadic Program da Vleeshal Center for Contemporary Art na Holanda. Atualmente integra o comitê de curadores da Ners Foundation Sua mais recente exposição foi Some May Work as Symbols: Art Made in Brazil, 1950-1970.</p>


Thiago de Paula Souza


<p><strong>Ariana Nuala</strong>&nbsp;nasceu em Recife (PE), onde vive e trabalha. É educadora, pesquisadora e curadora que se envolve com coletivos artísticos para discutir dinâmicas de poder, impermanência e diáspora. Ela combina estratégias que surgem do corpo para seu exercício na escrita, moldando sua prática curatorial de forma poética. Tem formação em Lic. em Artes Visuais pela UFPE e atualmente é mestranda em História da Arte na UFPB, com experiências acadêmicas na UNAM e CLACSO. Ocupa o cargo de Gerente de Educação e Pesquisa na Oficina Francisco Brennand, instituição onde já foi curadora, e também já foi Coordenadora de Educação no Museu Murillo La Greca (2018-2020). Foi curadora da exposição&nbsp;<em>Invenção dos Reinos</em>&nbsp;em conjunto com Marcelo Campos na Oficina Francisco Brennand. Colaborou com galerias como Marco Zero (PE) nas exposições&nbsp;<em>As Janelas de Bajado.&nbsp;</em>de Bajado, e&nbsp;<em>Festa para o Caçador</em>, de Gilvan Samico; com a Verve na exposição&nbsp;<em>Vira-casaca</em>, de Fefa Lins (SP); com a Almeida e Dale (SP) na exposição coletiva&nbsp;<em>Arqueia mas não quebra</em>, em colaboração com Germano Dushá e Rafael RG; com a Cavalo na exposição&nbsp;<em>Labirintos Vivos</em>, de Ana Clara Tito (RJ); com a Nara Roesler (SP) na exposição&nbsp;<em>Infinito outros</em>, de José Patrício, entre outras colaborações, como na curadoria da exposição&nbsp;<em>Além. Aquém. Aqui.&nbsp;</em>de Abiniel João Nascimento no Centre d&#8217;Art Contemporain Paradise (França) e na curadoria da exposição coletiva&nbsp;<em>Estratégias para o contorno&nbsp;</em>&nbsp;que circulou em várias unidades do SESC PE. Foi também orientadora da residência PEMBA no projeto DOS BRASIS e colabora em júris artísticos e na criação de residências para agentes das artes.</p>


Ariana Nuala


<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="is-style-default">O <em>38º Panorama da Arte Brasileira: 1000º</em> tem, como mote, a ideia de uma temperatura oposta ao zero absoluto, uma temperatura máxima intransponível, cuja incidência resulta numa agitação molecular total, ou seja, capaz de derreter qualquer matéria existente. Esse conceito serve como ponto de imaginação para pensar contextos com alta taxa de variação ambiental e situações envolvendo processos de combustão, eletricidade e atrito. Nesse sentido, o projeto orienta-se pelo interesse por formulações ligadas à experimentação, ao risco intenso, às situações radicais, às condições extremas marcadas pelo calor — metafísico, metafórico e climático —, e aos estados — da alma e da matéria — que nos põem diante da transmutação como destino inevitável e imediato.</p>



<hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" />



<p class="has-small-font-size"><strong>Artistas: Adriano Amaral (SP) | Advânio Lessa (MG) | Ana Clara Tito (RJ) | Antonio Tarsis (BA) | Davi Pontes (RJ) | Dona Romana (TO) | Frederico Filippi (SP) | Gabriel Massan (RJ) | Ivan Campos (AC) | Jayme Fygura (BA) | Jonas Van &amp; Juno B. (CE) | José Adário dos Santos (BA) | Joseca Mokahesi Yanomami (RR) | Labō (PA) &amp; Rafaela Kennedy (AM) | Laís Amaral (RJ) | Lucas Arruda (SP) | Marcus Deusdedit (MG) | Maria Lira Marques (MG) | Marina Woisky (SP) | Marlene Costa de Almeida (PB) | Melissa de Oliveira (RJ) | Mestre Nado (PE) | MEXA (SP) | Noara Quintana (SC) | Paulo Nimer Pjota (SP) | Paulo Pires (MT) | Rafael RG (SP) | Rebeca Carapiá (BA) | Rop Cateh &#8211; Alma pintada em Terra de Encantaria dos Akroá Gamella (MA) &#8211; em colaboração com Gê Viana (MA) e Thiago Martins de Melo (MA) | Sallisa Rosa (GO) | Solange Pessoa (MG) | Tropa do Gurilouko (RJ) | Zahy Tentehar (MA) | Zimar (MA)</strong></p>



<p></p>


futuras

03 de outubro, 2024 a 26 de janeiro, 2025

Sala Milú Villela

Germano Dushá, Thiago de Paula Souza e Ariana Nuala

03 de outubro de 2024 a 26 de janeiro de 2025

Parque Ibirapuera (Av. Pedro Álvares Cabral, s/nº - acesso pelos portões 1 e 3)

terça a domingo, das 10h às 18h (com a última entrada às 17h30)

R$30,00 inteira e R$15,00 meia-entrada. Aos domingos, a entrada é gratuita e o visitante pode contribuir com o valor que quiser. Para ingressos antecipados, acesse mam.org.br/visite

38º Panorama da Arte Brasileira: 1000º

<p>&nbsp;</p>
<h3><span style="font-weight: 400;">entrevista realizada pela equipe de Comunicação do MAM São Paulo com os curadores do </span><i><span style="font-weight: 400;">38º Panorama da Arte Brasileira: 1000º</span></i><span style="font-weight: 400;"> acerca da lista de artistas da exposição. </span></h3>
<p><b>Comunicação MAM: Como se deu o processo de seleção de artistas?</b><span style="font-weight: 400;"><br />
</span></p>
<p><b>Curadoria 38º Panorama:</b><span style="font-weight: 400;"> Apesar de longo, o processo de seleção não foi muito complicado, provavelmente devido às nossas afinidades e ao entendimento coletivo que temos sobre o projeto. Quando a exposição abrir em outubro, terão passado dois anos desde a ideia embrionária e as primeiras conversas ao projeto final. Uma parte da lista é formada por artistas ou coletivos que já havíamos trabalhado antes ou tínhamos interesse em desenvolver algum projeto junto. Vários outros são frutos de uma pesquisa voltada especificamente para 1000°. No fim, são artistas que a gente pensa, mas também sente e intui, que carregam uma certa energia que tem tudo a ver com os fundamentos e a visão do projeto. São artistas cujas práticas representam e incorporam o senso de urgência que queremos abordar.</span><span style="font-weight: 400;"><br />
</span><span style="font-weight: 400;">Um critério menos propriamente conceitual foi a decisão de focarmos em artistas em vida, atuantes, privilegiando pessoas que não participaram da Bienal de São Paulo ou não estiveram em edições anteriores do Panorama. </span></p>
<p><b>C.M: Como esse conjunto de artistas traça o que é o “Panorama da Arte Brasileira” atual?</b></p>
<p><b>C.P: </b><span style="font-weight: 400;">Assim como outras curadorias que vieram antes de nós, sabemos que traçar um &#8220;Panorama da arte brasileira&#8221; é uma tarefa impossível já de partida. Seria muita pretensão imaginar que uma exposição de arte contemporânea, ainda mais diante dos limites de tempo, espaço, recursos, etc. e das balizas do próprio projeto (conceito, temas, etc), poderia dar conta da dimensão de um país continental, com profundas complexidades sociais e culturais, como o Brasil. Nosso projeto curatorial levou isso em consideração e aceitamos o fato de que nossas perspectivas nunca seriam capazes de cobrir a multiplicidade de práticas artísticas que emergem no país neste momento. </span></p>
<p><span style="font-weight: 400;">Tendo isso em mente, procuramos compor uma lista de artistas que fosse o mais plural e interseccional possível. Foi um exercício que buscou a constante expansão de perspectivas. O projeto será uma leitura provisória do que entendemos como retrato de um panorama cultural e da cena artística brasileira diante dos conceitos que elegemos para fundamentar o projeto. E claro, sabendo que quaisquer escolhas desse tipo sempre implicam em inúmeras ausências, e que existem muitos outros caminhos e abordagens possíveis para buscar isso.</span></p>
<p><span style="font-weight: 400;">Dito isso, em meio a toda essa pluralidade, será possível encontrar uma energia compartilhada, alguns nortes comuns e certas zonas de interesse: há vários artistas trabalhando com matéria orgânica bruta e elementos telúricos; que se relacionam direta ou indiretamente com a dimensão espiritual e as práticas esotéricas; há a presença do corpo e do erótico em uma relacao direta com os fluxos e riscos urbanos; e também uma visão ecológica ampliada e que compreende a interconectividade de tudo, e se coloca para muito além de falsas dicotomias como natureza e cultura, natural e artificial, orgânico e tecnológico.</span><span style="font-weight: 400;"><br />
</span></p>
<p><b>C.M: O partido curatorial indica o desejo de trabalhar com artistas de diferentes gerações, mídias e naturalidades. Podem falar um pouco sobre o porque isso é caro ao projeto?</b><b></b></p>
<p><b>C.P:</b><span style="font-weight: 400;"> Está na gênese do projeto a vontade de propor um diálogo tão amplo e diverso quanto possível. Nossa lista é composta por artistas de todas as regiões e de 16 estados do Brasil, há um número expressivo de pessoas nascidas na década de 40, e depois há várias outras gerações, até chegar em outros nascidos no fim dos anos 1990 e até 2000. O mesmo pode se dizer da vontade de trabalhar com diferentes contextos, pesquisas e práticas. E, naturalmente, com diversas linguagens e modos de pensar e fazer arte. A ideia de certa urgência, de uma temperatura máxima, de situações extremas e da transformação como destino inescapável funciona então como uma base comum, sobre a qual gostaríamos de experimentar sob muitas perspectivas</span><span style="font-weight: 400;"><br />
</span></p>
<p><b>C.M: E em relação a técnicas e processos artísticos, como se dá essa diversidade, do barro às novas tecnologias?</b><b></b></p>
<p><b>C.P: </b><span style="font-weight: 400;">A diversidade de mídias e linguagens é um reflexo final dessa pluralidade que orientou a formulação do projeto. Nesse sentido, teremos artistas que trabalham com matérias orgânicas e mídias tradicionais, alguns com práticas espontâneas ligadas a conhecimentos tradicionais e outros mais vinculados a formações acadêmicas, até artistas que estão na franja das experimentações com novas mídias, tecnologias que são pouco convencionais ao circuito artístico, recursos e imagens digitais, equipamentos industriais e materiais artificiais. </span></p>
<p><span style="font-weight: 400;">O projeto curatorial respeita e chama para um diálogo quente — de forma não condescendente — as matrizes de pensamento e modos de fazer centenários ao passo que traz experimentações com novas tecnologias, cenários urbanos e elaborações de futuros. A ideia é estabelecer certa coesão energética a partir do encontro entre diferenças, flexionando noções enrijecidas sobre o espaço e o tempo, e experimentando como as coisas podem se conectar e coexistir por vias não lineares. Nos interessa refletir se — e como — artistas de contextos tão díspares, com práticas tão distintas, podem se aproximar de uma mesma vibração energética. E não para termos uma visão totalizante e acachapante das coisas, pelo contrário: para entendermos a igualdade na diferença, e os muitos, e sempre renovados, modos de elaborar a realidade, exercitar a imaginação, fazer arte, viver junto, etc. </span><span style="font-weight: 400;"><br />
</span></p>
<p><b>C.M: Dona Romana é mais conhecida como líder espiritual e não como artista. Como vocês entendem isso e qual a importância de sua figura neste Panorama?</b><span style="font-weight: 400;">  </span></p>
<p><b>C.P</b><span style="font-weight: 400;">: A dimensão espiritual, não apenas em seu sentido religioso, mas também como uma maneira de entender as relações entre os diferentes seres que habitam nosso mundo, é um dos eixos fundamentais do projeto, e temos um interesse por refletir sobre o entrelaçamento entre práticas esotéricas e o fazer artístico. Há artistas que lidam com isso de modo mais indireto, nos quais enxergamos essa dimensão ainda que seja de maneira velada, e outros que de fato são sacerdotes ou exercem uma função propriamente espiritual.</span><span style="font-weight: 400;"><br />
</span></p>
<p><span style="font-weight: 400;">Dona Romana de Natividade, ou Mãe Romana como também é chamada, não se enxerga como artista. É uma pessoa que recebeu uma missão espiritual e cuja prática envolve criações em escultura, desenho e pintura. É natural que haja um interesse estético pela qualidade de sua obra, que não apenas carrega uma profunda carga vital dada a sua natureza mística e religiosa, mas que tem um grande poder formal e visual. No entanto, suas obras nem mesmo podem deixar o lugar onde estão, devido a ancoragem espiritual. Ainda assim, decidimos insistir em sua participação, mesmo que por via de uma documentação visual ou escrita. Ela tem sido uma figura central no desenvolvimento do projeto, então sua participação é uma reverência e um modo de trazer a força única de sua criação como fundamento da exposição</span><span style="font-weight: 400;"><br />
</span></p>
<p><b>C.M: Além de Dona Romana, também temos outros nomes que carregam uma certa aura de “mestre”, como Mestre Zimar, Maria Lira Marques, José Adário dos Santos e Mestre Nado. Fale um pouco da presença deles neste conjunto.</b><b></b></p>
<p><b>C.P:</b><span style="font-weight: 400;"> São figuras de grande estatura, com trabalhos profundos, que há muitas décadas se dedicam a suas obras. Naturalmente, são pessoas que orientam nosso pensamento e fundamentaram a formulação do projeto. Esses artistas são mesmo pilares de força, que embasam o projeto pela carga vital de suas obras e toda áurea que as envolve. Ao mesmo tempo, suas presenças em um Panorama é uma oportunidade de criar diálogos complexos com gente mais jovem e práticas muito distintas, o que naturalmente reafirma a importância de suas obras, já que ao lado de práticas emergentes suas obras resplandecem frescor e se mostram irrefutavelmente atuais. Há um processo que nos interessa também, que é o de tensionar categorias da arte que fixam esses artistas em um único ponto. Muitos deles acabam no limite do que outro dia se convencionou chamar de &#8216;arte popular&#8217;, que é também uma ficção e nomenclatura que não nos interessa e recusamos. Importa-nos estar atentos às diferenças,  nos interessa combater leituras atávicas de modo que cada trabalho artístico tenha seu campo de força dentro do mesmo magnetismo, sem necessariamente serem posicionadas em uma determinada categoria por conta de marcadores raciais e de classe.</span><span style="font-weight: 400;"><br />
</span></p>
<p><b>C.M: A artista Gê Viana participou do 36º Panorama e agora volta em um projeto colaborativo com Thiago Martins de Melo e Território/Povo/Comunidade Akroá Gamella. Conte um pouco sobre a diferença entre os trabalhos que ela exibiu em 2019 e o trabalho que será feito agora, e por que trazer ela novamente ao Panorama.</b><b></b></p>
<p><b>C.P:</b><span style="font-weight: 400;"> Nesse caso consideramos como participante o território ou a comunidade Akroá Gamella, que fica na baixada maranhense. A participação da comunidade, sob o nome de &#8220;Rop Cateh &#8211; Alma pintada em Terra de Encantaria dos Akroá Gamella, terá como colaboração trabalhos de Gê Viana e Thiago Martins de Melo, artistas que já participaram, respectivamente, de outro Panorama e da Bienal de São Paulo. São artistas que se conectam muito com a visão curatorial, e que  têm vivências pregressas com a comunidade Akroá Gamella. Em 2019, Gê focou seu trabalho na história do Capelobo, entidade maranhense meio gente, meio bicho, e criou imagens a partir de autorretratos que sugerem inverter uma lógica de dominação. Para esta edição que estamos construindo, ainda não sabemos como será, mas a ideia é que ela traga fundamentos da sua prática, que envolve pesquisas em arquivos e práticas relacionais. Compreendendo que o território tem uma memória documental a partir de registros, sejam eles mapas, escrituras ou imagens fotográficas, feitas por pessoas não-indígenas e que muitas vezes não condizem com a história que reflete a própria comunidade em seu resgate oral, gestual e também documental, criado com suas próprias ciências e diretrizes. Nesse ponto, tanto Gê quanto Thiago podem somar para somar na apresentação dos Gamella, que poderá envolver fotografias, desenhos, objetos, etc. bem como obras desses dois artistas conectadas às experiências e relações com a comunidade e o território. </span><span style="font-weight: 400;"><br />
</span></p>
<p><b>C.M: Jayme Fygura é o único artista falecido na lista. Sua presença na exposição será uma espécie de homenagem? Qual o papel dele neste Panorama?</b><b></b></p>
<p><b>C.P: </b><span style="font-weight: 400;">O caso do Jayme Fygura é a única exceção, pois o nome dele esteve presente desde o princípio do projeto. É alguém que acompanhamos há muito tempo e com quem já trabalhamos antes, e sua passagem se deu poucos meses antes da definição da lista, ou seja, no meio do nosso processo. Sendo assim, acreditamos que seria justo mantê-lo, como homenagem, mas sobretudo por ser um artista emblemático para o norte curatorial, fundamental ao nosso pensamento neste projeto, e cuja trajetória e obra se conectam profundamente com muitos dos assuntos que queremos tratar. E é um artista único, com uma obra poderosa, e que nem de longe teve em vida o reconhecimento devido. </span><span style="font-weight: 400;"><br />
</span></p>
<p><b>C.M: Há artistas na lista que são pouco conhecidos no circuito das artes, como MEXA, Melissa de Oliveira e Zimar. Como vocês os conheceram e há quanto tempo os acompanham?</b><b></b><b></b></p>
<p><b>C.P:</b><span style="font-weight: 400;"> Na verdade são artistas que já circulam bastante por certos canais, apesar de não estarem no núcleo do sistema da arte contemporânea, por assim dizer. São artistas que acompanhamos há algum tempo, alguns são mais próximos, com os quais já trabalhamos algumas vezes, e outros que apareceram em nossa pesquisa e decidimos encarar os riscos de uma primeira colaboração. Acreditamos que trazer artistas ainda pouco presentes no sistema é parte fundamental de um Panorama, pois faz com que novas energias adentrem um debate maior, ao passo que oferece ao público, mesmo aquele habitual do sistema das artes, a oportunidade de conhecer novas práticas. </span><b><br />
</b></p>
<p><b>C.M: Ao mesmo tempo, temos uma artista bastante celebrada, que é a Solange Pessoa. Fale um pouco sobre a inclusão dela neste Panorama.</b><b></b></p>
<p><b>C.P:</b><span style="font-weight: 400;"> A amplitude desse espectro — artistas que ainda tem pouca visibilidade no circuito, e nomes mais notórios e celebrados — revela a vontade do projeto de somar diferentes trajetórias. O caso da Solange Pessoa é bastante específico, pois trata-se de uma artista que participou de grandes mostras mundo afora, mas nunca teve a devida acolhida institucional aqui no Brasil, de modo que nunca participou de uma Bienal ou de um Panorama. Nesse sentido, para nós é uma tremenda oportunidade de incluí-la, tanto pela grandeza de sua obra, quanto pela conexão profunda com os fundamentos conceituais e formais do projeto, e pelas relações que o trabalho dela estabelece, por diferentes vias, com muitos dos outros artistas. </span><span style="font-weight: 400;"><br />
</span></p>
<p><b>C.M: O trabalho de artistas como Jonas Van &amp; Juno B. e Gabriel Massan tem algo de futurista. Fale um pouco sobre esse aspecto no Panorama. </b><b></b></p>
<p><b>C.P:</b><span style="font-weight: 400;"> Há um aspecto importante no nosso projeto que é a vontade de elaborar um recorte do imaginário social do Brasil no século XXI: um país que está intensamente online, imerso numa cultura cibernética, cuja invenção digital se formula de modo vibrante nas redes e também nas ruas, na arte, na moda, na música, etc. Desde o começo sabíamos que queríamos trabalhar com artistas que criam imaginários por meio do uso de novas tecnologias e modos de produção de imagens. Isso significa também que queremos olhar para a  quem está produzindo e puxando os limites de uma discussão que nunca se encerra: a relação entre arte e tecnologia, especialmente se oferecerem também perspectivas que ampliam os parâmetros estabelecidos pelo Norte Global. Se as ideias sobre o futuro perpassam a transformação entre saberes, e muitas vezes estão ligadas a uma temporalidade mais turva e curva do que estamos condicionados a perceber, podemos também considerar que as obras de artistas como Zimar ou Advânio Lessa, ou mesmo o projeto da Comunidade Akroá Gamella também traçam perspectivas de possíveis futuros.</span><span style="font-weight: 400;"><br />
</span></p>
<h4><b>sobre a ampliação da equipe de curadoria</b></h4>
<p><b>C.M: Como se deu a entrada de Ariana Nuala no time curatorial deste Panorama e qual será sua contribuição? </b></p>
<p><b>C.P: </b><span style="font-weight: 400;">A Ariana Nuala é alguém com quem já havíamos trabalhado individualmente e que estávamos em diálogo há um tempo. Ao mesmo tempo que ela tem uma formação ligada a organizações independentes, também acumula experiências institucionais, e nos últimos anos também tem tido um trânsito por diferentes regiões do Brasil, e sabemos que ela acompanha de perto muitos artistas e movimentos que nos interessam. Em algum momento achamos que ter um terceiro olhar de alguém que confiamos e que poderia somar com outras experiências e perspectivas seria importante, e o nome dela foi o primeiro que nos acometeu. Se mostrou uma escolha feliz, pois sentimos que chegamos num bom equilíbrio entre nossas visões e vontades. Sua contribuição tem sido de máxima importância e, a grosso modo, influenciará em todos os aspectos do projeto, já que ela trabalhou ativamente para a definição da maior parte da lista de artistas, e agora nos apoiará no acompanhamento dos processos de criação das obras, no pensamento expográfico, na elaboração dos textos, na organização editorial das publicações, e nos demais desdobramentos da exposição.</span></p>


entrevista com os curadores

38º Panorama da Arte Brasileira: 1000º

artista


<p>George Leary Love, nasceu em 24 de maio de 1937 nos Estados Unidos. Formado em Matemática, filosofia, filosofia da arte, economia, informática, entre 1953 e 1956, estudou no Programa de Iniciação Precoce da Fundação Ford da Universidade de Atlanta e, entre 1960 e 1962, na Nova Escola de Pesquisa Social.<br>Entre 1957 e 1959, trabalhou como auxiliar no Programa dos Estados Unidos de assistência a universidades na Indonésia, com sede em Jacarta e atuando em todo o país. Em 1960, viajou para a Índia, Tailândia e Malásia.</p>



<p>Durante esse período, desenvolveu um fascínio pela fotografia, tendo registrado especialmente o monumento Borobudur, no centro-sul de Java. Após deixar o serviço governamental dos Estados Unidos, viajou pela Europa e se estabeleceu em Nova York. Nessa época, George Love começa a estudar fotografia e se torna membro, chegando a ser presidente [vice-presidente], da Associação dos Heliógrafos, um grupo americano que estabeleceu uma galeria de fotografia durante o renascimento do interesse pela fotografia como forma de arte nos anos 1960 e incluía nomes como Paul Caponigro, Minor White, Wynn Bullock, Walter Chappell, Larry Clark, Syl Labrot, entre outros.<br>Durante o mesmo período, organizou uma pequena equipe de campo de fotógrafos para o Comitê de Coordenação dos Estudantes Não Violentos, um grupo americano de direitos civis, com o objetivo de documentar as mudanças sociais nos Estados Unidos, operando a partir de Atlanta, Geórgia.</p>



<p>Entre 1961 e 1965, dividiu seu tempo entre Nova York e Atlanta, organizando e montando exposições para a Associação de Heliógrafos e apoiando o SNCC na produção de filmes educacionais sobre direitos eleitorais, no desenvolvimento de um arquivo de fotografias e entrevistas gravadas, entre outras atividades. Um dos frutos desse esforço foi a organização da exposição Now, na Escola de Estudos Visuais em Nova York, da qual o artista também participou.</p>



<p>Em 1962, viajou para o Brasil a fim de observar a construção de Brasília e, a partir dessa experiência, desenvolveu um interesse crescente pela América Latina.<br>Em 1966, se mudou para São Paulo, Brasil, e continuou trabalhando tanto na América Latina quanto em outras regiões. Seu trabalho se dividiu entre projetos editoriais e corporativos para publicidade e, nessa época, começa se concentrar no centro da cidade de São Paulo e na Bacia Amazônica. Durante quase dez anos, George Love se dedicou a documentar a bacia através de fotografia aérea de baixa altitude e também registrou o crescimento urbano de São Paulo.<br>Fez diversas experimentações com imagens fotográficas em espaços construídos, explorando transparência, movimento, óptica e fotoquímica, com especial interesse na durabilidade do processo colorido.</p>



<p>Por volta de 1981/1982, o artista colabora com o Studio 5, em São Paulo, na produção de imagens impressas de alta durabilidade. Em 1981, iniciou seu trabalho para a companhia de energia elétrica de São Paulo, que, na época, possuía um extenso arquivo fotográfico, iniciado nos anos 1890 e que continuou até cerca de 1950. A partir desse ponto houve um hiato na documentação, que estava ficando cada vez mais longo com o passar do tempo. O artista foi convidado para “preencher” essa lacuna com trabalhos produzidos entre 1966 e 1982 e para treinar um grupo documental na empresa, que se encarregaria de registrar o desenvolvimento da cidade até o ano 2000. Esse objetivo foi alcançado com a publicação de dois livros: um com trabalhos e outro no qual Love foi responsável pelos métodos de restauração utilizados.<br>De 1983 até seu falecimento, em 1995, George Love trabalhou em diversas áreas, focando principalmente em aumentar a versatilidade e reduzir os custos da fotografia e da comunicação visual em geral. Além disso, desenvolveu um interesse incipiente nas interações entre texto e imagem e também nas ciências físicas. Exemplos do trabalho nessa área incluem uma exposição que ilustrava trechos dos Diários de Franz Kafka e pesquisas extensivas no uso de filmes de pequeno formato e baixo custo, como o 110.</p>


George Love

videoguia | George Love: além do tempo - Amazônia/Alma

videoguia | George Love: além do tempo - Amazônia/Livro

videoguia | George Love: além do tempo - Amazônia/Contato

videoguia | George Love: além do tempo - Artista livre

videoguia | George Love: além do tempo - Apresentação

videoguia | George Love: além do tempo - Amazônia/Realidade

1. Apresentação da exposição "George Love: Além do Tempo"

2. Descrição do espaco expositivo

3. Amazônia - Rio Negro - Anavilhanas

4. Amazônia - CAPA - Jovem indígena na rede

5. Retrato no Estúdio Abril

6. Criança Xicrin - Adornos Coloridos

7. Amazônia - Floresta Queimada

8. Amazonia Service Order - 8696 - Rio Sinuoso

9. Sanduíche azul

10. Cemitério Solarizado

11. George Love e Rosilis

12. Núcleo Fotografo Editorial

13. Monte Roraima

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<p>No despertar da cultura fotográfica brasileira na segunda metade do século XX, um nome figura entre as maiores referências: George Love. Artista carismático, ele sempre foi cercado por uma aura de mistério, que beirava a lenda, de tão conhecido quanto enigmático que era, pelo tanto que ele foi exposto e como ficou escondido.</p>



<p>Atuando em uma era de efervescência intelectual, de questionamento comportamental e de transição de costumes, George exibia um intenso brilho em suas realizações, na interação profissional e no convívio particular. A luz que trazia ao ambiente extravasava paredes e repercutia na atmosfera e nas pessoas, que vislumbravam as infinitas possibilidades de um marcante meio de expressão. Suas ações no meio cultural, editorial e corporativo expandiam os horizontes da fotografia, abrindo caminhos adiante do seu tempo. Conscientemente ou não, gerações de fotógrafos brasileiros seguem sua inspiração e seu modelo, que se realça entre as raízes de nossa contemporaneidade.</p>



<p>Chamá-lo de gênio também não é hipérbole. George Leary Love nasceu em 24 de maio de 1937, em Charlotte, Carolina do Norte, Estados Unidos. Negro, filho único em uma família simples e culta, concluiu seus primeiros estudos superiores antes dos 20 anos. Adotou a câmera fotográfica também cedo, vislumbrando a possibilidade profissional no segmento de fotografia de viagem, representado por arquivos de imagens, um mercado importante na época, com o qual se manteria ligado por toda sua vida profissional. Fixando-se em Nova York para mais estudos, logo passou a se dedicar à fotografia como criação autoral, tendo suas primeiras mostras em galerias de Manhattan, dando cursos e palestras. Assim, foi aceito como um dos mais jovens participantes da Association of Heliographers, um grupo restrito de expoentes da fotografia americana que promovia a arte, propunha sua expansão e inovava no uso de impressões coloridas no meio expositivo. George Love se identificava com a proposta, de forma que o ideário dessa associação é chave importante para compreender a obra que desenvolveu por toda a sua vida. Em pouco tempo, o jovem fotógrafo se tornou vice-presidente e coordenador da galeria da associação. Foram dois anos intensos, entre 1963 e o fim de 1965, até o encerramento da entidade, por carência de recursos.</p>



<p>A perspectiva de um novo rumo lhe foi oferecida por uma rara heliógrafa estrangeira, que o estimulou a se aventurar pelo continente sul-americano. Em janeiro de 1966, George juntava-se a Claudia Andujar em Belém para uma inusitada expedição no interior da Amazônia, verdadeira epopeia até a terra dos Xicrin. Voltaram para Belém, subiram pelo rio até Iquitos, depois Lima e Bolívia, e entraram de volta no Brasil pelo famoso “trem da morte”. Fixaram-se em São Paulo, no apartamento da Avenida Paulista, casaram-se… e, então, o resto é história.</p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Zé De Boni (curador)</strong></p>



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<p class="has-small-font-size"><strong>Nota da Curadoria do MAM São Paulo:</strong> <br>O MAM tem conhecimento da complexidade e sensibilidade em exibir imagens de pessoas indígenas não identificadas, sobretudo quando tais registros foram realizados por pessoas não pertencentes à etnia ou cultura. O museu emprega esforços para identificar as pessoas indígenas retratadas por meio de pesquisas e o setor de Curadoria MAM São Paulo está à total disposição de quem eventualmente queira se manifestar a respeito da identificação e/ou direitos de uso de imagem dessas pessoas.</p>



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em cartaz

Museu de Arte Moderna de São Paulo (sala Milú Villela)

Parque Ibirapuera (Av. Pedro Álvares Cabral, s/nº – Portões 1 e 3)

R$30,00 inteira e R$15,00 meia-entrada. Aos domingos, a entrada é gratuita e o visitante pode contribuir com o valor que quiser.

George Love: além do tempo

Artista


<p>Nascido em 1996 em Isaías Coelho, no Piauí, Santídio Pereira vive e trabalha em São Paulo. Estudou&nbsp;História da Arte com o crítico e curador Rodrigo Naves, e é graduado em Artes Visuais pela Fundação Armando Álvares Penteado, em São Paulo.</p>



<p>A trajetória de Santídio Pereira tem sido permeada pela experimentação e estudo constante sobre os preceitos artísticos, impulsionando um desejo de criação e inovação dos padrões pré-estabelecidos, tanto no aspecto formal, quanto conceitual das linguagens artísticas. Seu trabalho já foi exibido em instituições brasileiras como Fundação Iberê Camargo (Porto Alegre), Centro Cultural São Paulo, Paço das Artes, MuBE &#8211; Museu Brasileiro da Escultura e Ecologia, e MAM &#8211; Museu de Arte Moderna de São Paulo (todos em São Paulo) em exposições de espaços e instituições internacionais como a Galería Xippas (Punta del Este, Uruguay),&nbsp; b[x] Gallery (Nova York, EUA), Bortolami Gallery (Nova York, EUA), Fondation Cartier pour l’Art Contemporain &#8211; Triennale di Milano (Milão, Itália), Fondation Cartier pour l’Art Contemporain (Paris, França), Power Station of Art (Xangai, China), dentre outros. Seu trabalho integra em coleções importantes, como Pinacoteca do Estado de São Paulo (Brasil), Coleção Cisneros (EUA), Acervo Sesc de Artes (Brasil), Museu de Arte do Rio – MAR (Brasil) e Fondation Cartier pour l’Art Contemporain (França). Santídio também foi contemplado com o Prêmio Piza (2021, Paris, França), além de ter participado da AnnexB Residência Artística (2019, Nova York, EUA).</p>


Santídio Pereira

<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p><strong>Santídio Pereira</strong> nasceu no interior do Piauí, no nordeste do Brasil, em 1996, numa área caracterizada pelo ecossistema semiárido. Nesse período, tal como em décadas anteriores, houve fluxos migratórios para o sudeste do país. Embora a região seja comumente descrita por suas condições climáticas com temperaturas elevadas e chuvas escassas, o povoado em que o artista nasceu, Curral Comprido, no município de Isaías Coelho, está em suas lembranças como um lugar de chuvas fortes, especialmente no inverno. Nessa época, a paisagem é tomada pelo capim-do-pendão-rosa, como é conhecida, na região, a espécie de origem do sul da África, com nome científico Melinis repens.</p>



<p>As lembranças do artista, além de se manifestarem em seus desenhos, se materializam no canteiro de capim construído pelo artista no espaço expositivo. Trata-se de um índice da vida, uma espécie de origem do mundo. Sua forma circular, como se fosse um umbigo gigante, aponta para a natureza cíclica da vida. O capim é o início do processo de nascimento, crescimento e renovação. É o começo de uma cadeia alimentar em que ocorre a transferência de energia por diferentes espécies. Os herbívoros alimentam-se do capim e são consumidos por carnívoros. Além de estar na origem da carne, do leite, do couro e do sebo, o capim é o responsável por alimentar os cavalos, um meio de transporte importante, ainda hoje, na região.</p>



<p>A experiência de <strong>Santídio Pereira</strong>, como ele mesmo observa, é diferente daquela do retirante apresentado na obra literária de <strong>Graciliano Ramos</strong>, em Vidas secas, da década de 1930, marcada pelas lutas e falta de perspectiva diante da escassez de chuva e da pobreza. Santídio, ao contrário, aponta para a multiplicidade de caatingas (baixões, chapadas, malhadas, passagem molhada), para a riqueza da região, em vez de enfatizar o solo como infértil. Seu trabalho também não se aproxima das pinturas de <strong>Candido Portinari</strong>, em que migrantes nordestinos, fugindo da seca rumo aos centros urbanos, são representados de modo edificante, como exemplos que podem nos instruir sobre as questões sociais e humanas enfrentadas pela população durante a estiagem. <strong>Santídio Pereira</strong> se recorda dos diferentes tipos de chuva e das transformações da flora, conforme as estações do ano. As folhas e flores, em períodos mais úmidos, são abundantes, e os verdes, intensos. Sua obra é de uma vitalidade extraordinária; ela enfrenta o lugar-comum do Piauí como árido e inóspito, ao apresentar uma atmosfera alegre, prazerosa e com cores vibrantes.</p>



<p>Em vez de retratar um ambiente árido, desolado, com a terra seca, rachada e com animais mortos, a gravura e pintura recentes de Santídio elegem a vegetação como motivo central. As plantas, em geral, surgem isoladas de seu bioma de origem. Elas flutuam, não como ideias, mas como se estivessem acima das circunstâncias geográficas e meteorológicas. Construídas a partir da memória, suas imagens possuem aspectos exuberantes, estão plenas, muitas vezes em época de floração. Mas se afastam do gênero da natureza-morta. Elas não são lembranças sobre a efemeridade da vida, mas elogios à força vital das plantas. A linguagem gráfica de <strong>Santídio</strong> é direta, sem excessos ou dramas, mas recusa a objetividade cientificista. Aos poucos, o artista foi simplificando seu vocabulário, recorrendo a poucos recursos, mas para chegar ao elementar, usou diversas nuances de luzes e sutilezas cromáticas.</p>



<p>Na sua série de pássaros de 2017 e 2018, eram frequentes as sobreposições de cores. O artista recorreu a várias camadas quase transparentes, uma por cima da outra, em que plantas se somavam a pássaros. Aos poucos, principalmente desde 2022, ele foi reduzindo as sobreposições, e o que era fundo se tornou figura. Folhas azuis, amarelas, vermelhas ou rosa vieram para o primeiro plano e tornaram-se protagonistas da gravura. O que antes era apenas parte da composição, preparação para uma imagem que seria aplicada por cima, se tornou tema central e, aos poucos, ganhou uma série de variações. Conforme o estudo que o artista fez de variadas espécies da caatinga (mandacaru, xique-xique) ou da mata atlântica (em especial, das bromélias), seus desenhos foram se tornando massas de cor. Uma mesma matriz pode gerar impressões de diferentes tons, mas Santídio faz com que cada impressão e cada gravura seja diferente da outra, com tiragem única.</p>



<p>Muitas de suas primeiras gravuras traziam o preto. Algumas tinham cores sobrepostas, mas, nos trabalhos recentes, o preto é raro. As cores na obra de <strong>Santídio</strong>, em geral, são solares; elas emanam uma luz intensa e forte. Suas cores, misturadas a partir das tintas de offset usadas em grandes gráficas, não se restringem à representação do mundo, ou seja, não apontam para uma correspondência direta com o percebido. Uma flor pode ser azul ou verde, já que seu compromisso é a correspondência entre suas lembranças e sensações que quer imprimir. O artista se aproxima do decorativo, mas sem buscar regras universais ou o lugar-comum; ao contrário, ele se baseia em suas experiências subjetivas e não habituais. Quanto mais íntimas e singulares são suas intenções, mais elas reverberam nos outros.</p>



<p>Em seu fazer, a referência a uma espécie de planta específica, que está disponível aos seus olhos, não se opõe à imaginação, ou seja, à mentalização de algo que não está presente. É como se ele interpretasse o que viu e o que lembra do que viu, mas de modo diferente, novo, já que vai além do que se passou e do que se recorda.</p>



<p>Em suas gravuras de paisagens, mais que usar as ferramentas tradicionais da gravura, como a goiva para as incisões sobre a madeira ou compensado,<strong> Santídio</strong> usa recursos da marcenaria, em especial o recorte da madeira e o posterior encaixe dela na hora da impressão. O que possibilita uma série enorme de variações e combinações.</p>



<p>Em suas paisagens, a linha é suave e fluida. <strong>Santídio</strong> aproxima as montanhas do horizonte e umas das outras, sem recorrer ao desenho tradicional. As linhas que surgem entre duas placas são linhas que marcam o encontro, e não exatamente a incisão na madeira. O contorno branco surge do encaixe, local em que a tinta não chega. Em vez de um desenho feito com o gesto e o movimento da mão, a linha indica uma aproximação, um encaixe e um diálogo com o que está próximo. A linha marca uma distância e, ao mesmo tempo, une diferentes tons. É como se cada montanha respondesse ao sol com seu próprio timbre, e o branco ao redor fosse uma espécie de brilho, uma qualidade intangível da atmosfera.</p>



<p>A amplidão é também um elogio à natureza e ao mundo gigante para se conhecer. Se as paisagens de <strong>Alberto da Veiga Guignard</strong>, nos anos 1950 e início dos 1960, costumam trazer névoas e mistérios, como se tudo estivesse suspenso ou em transformação, as vistas de <strong>Santídio</strong> são precisas e cristalinas, mas não deixam de apresentar algo fantasioso. Sejam as paisagens com tons quentes ou mais frios, elas são nítidas, como se nossos olhos pudessem vê-las completamente, sem ilusionismos. Mas, sob essa clareza, há algo de incerto, já que a luz unifica as montanhas e o horizonte. Não se trata de uma luz impressionista que reflete ou atravessa os objetos, mas de uma luz que emana das próprias montanhas. É como se a claridade viesse do interior delas, mas sem qualquer conotação espiritual. As paisagens são planas, e a ambiguidade surge quando o céu pouco contrasta com a cordilheira; ele aparece como continuidade tranquila, com nuances coerentes, com praticamente a mesma cor das montanhas, em vez de se comportar como um pano de fundo.</p>



<p>A paisagem brasileira foi elemento central nas investigações de vários artistas, desde os viajantes e colonizadores dos séculos 17, 18 e 19 até pintores modernos. O artista, paisagista e cientista amador <strong>Roberto Burle Marx</strong> está entre os grandes investigadores da paisagem. Ao longo de sua trajetória, trabalhou com plantas do cerrado, amazônicas e do sertão nordestino, valorizando espécies nativas pouco trabalhadas até então. Assim como para <strong>Burle Marx</strong>, <strong>Santídio</strong> não aborda a paisagem e as espécies brasileiras como exóticas. Ao se afastar do olhar estereotipado sobre o Brasil e sua flora, a paisagem é vivida por ele como necessidade humana imprescindível para nossa existência.</p>



<p>O interesse de <strong>Santídio</strong> pela botânica é evidente, assim como pela sua terra natal. Além de organizar uma residência artística e oficinas que visam colaborar com a formação dos habitantes do povoado em que nasceu, ele faz viagens, espécies de expedições. Nelas, ele busca a aproximação com a paisagem natural e visões para a prática do desenho. Sua postura diante da natureza não é a de um predador ou daquele que apenas retira a imagem que interessa. Tampouco se comporta como o turista que faz uma fotografia e parte para o próximo destino, como um explorador descompromissado. Em vez de apenas sugar a informação relevante, o modo como o artista se coloca diante do mundo se dá a partir de trocas, de afetos e de experiências significativas.</p>



<p>Se alguns esboços, anotações gráficas, são feitos em seus pequenos cadernos, os trabalhos finais são bem maiores. A escala dos trabalhos de <strong>Santídio Pereira</strong> é a do corpo humano. Impressas sem o uso de prensa, o artista se debruça sobre cada gravura usando ferramentas, como colheres, para que a tinta se fixe no papel. Muitas de suas obras são gigantes, e isso faz com que nosso contato com elas não seja apenas com os olhos, mas com o corpo todo. Os grandes formatos, além de indicar essa vontade de superar o desafio físico e manual, apontam para uma ambição de figurar o mundo numa escala mais próxima possível do 1 x 1, sem reduzir as imagens a miniaturas.</p>



<p>De um tempo para cá, <strong>Santídio </strong>vem mostrando também trabalhos em madeira. Em vez de trabalhos impressos ou pintados em papel, a própria matriz é tratada como um objeto. As madeiras possuem uma presença física e um peso maior que os papéis. Diferentes espécies de plantas são cortadas em seus formatos orgânicos, sem um anteparo ou fundo, pintadas e fixadas direto na parede. As peças são bem-acabadas e ficam entre a escultura e a matriz da xilogravura, por isso o artista prefere o termo objeto, que é amplo o suficiente para abarcar a pintura, o desenho e até aspectos da instalação. Esses objetos são também carregados de memória, tanto no sentido de tornar presente aquilo que não está próximo, como por possivelmente ter dado origem a xilogravuras.</p>



<p><strong>Santídio Pereira</strong> é um artista jovem, com um olhar atento e sensibilidade rara. A qualidade de sua obra também está ligada ao modo espontâneo e verdadeiro de ele se relacionar com o mundo. Sua história de vida é uma exceção, e a visibilidade que seu trabalho alcançou é atípica no meio da arte. Ele soube relacionar sua liberdade com aquilo que era, de fato, necessário para ele, apostando na invenção, mas sem renunciar ao trabalho ou abandonar suas origens. Nesse sentido, sua obra é também originária, ela recorre a referências do Piauí, assim como à tradição da gravura e pintura modernas, para projetar horizontes fecundos e paisagens férteis.</p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Cauê Alves (curador-chefe do MAM São Paulo)</strong></p>



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Sala Paulo Figueiredo

Museu de Arte Moderna de São Paulo (sala Paulo Figueiredo)

Santídio Pereira: paisagens férteis


<p>Formou-se em arquitetura pela Universidade Federal do Pará (UFPA) em 1975. Teve mostras retrospectivas, dentre as quais Lataria Espacial, Museu de Arte do Rio, Rio de Janeiro, RJ (2022); EN: 81-18, Estação Pinacoteca, São Paulo, SP (2018); A Poesia da Gambiarra, com curadoria de Denise Mattar, Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro, RJ, e Brasília, DF (2003); e Museu de Arte Moderna de São Paulo, SP (1998). Também realizou individuais em diferentes instituições, como: Millan, São Paulo, SP (2016, 2013, 2010, 2008, 2005, 2003); Museu Castro Maya, Rio de Janeiro, RJ (2013); Centro Municipal de Arte Hélio Oiticica, Rio de Janeiro, RJ (2012): Centro Universitário Maria Antonia, São Paulo, SP (2009); Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, SP (2003).</p>



<p>Entre as mostras coletivas de que participou, se destacam I Bienal das Amazônias, Belém, Brasil; Brasil Futuro: as formas da democracia, Museu Nacional da República, Brasília, DF e Espaço Cultural Casa das Onze Janelas, Belém, PA, em 2023; Desvairar 22, Sesc Pinheiros, São Paulo, SP (2022); Crônicas Cariocas, Museu de Arte do Rio, Rio de Janeiro, RJ (2021); Língua Solta, Museu da Língua Portuguesa, São Paulo, SP (2021); Potência e Adversidade, Pavilhão Branco e Pavilhão Preto, Campo Grande, Lisboa, Portugal (2017); Aquilo que Nos Une, Caixa Cultural Rio de Janeiro, RJ (2016); 140 Caracteres, Museu de Arte Moderna de São Paulo, SP (2014); O Abrigo e o Terreno, Museu de Arte do Rio, RJ (2013); Ensaios de Geopoética, 8ª Bienal do Mercosul, Porto Alegre, RS (2011); VI Bienal Internacional de Estandartes, Tijuana, México (2010); Fotografia Brasileira Contemporânea, Neuer Berliner Kunstverein, Berlim, Alemanha (2006); Brasil + 500 – Mostra do Redescobrimento, Fundação Bienal de São Paul, SP (2000); 6ª Bienal de Cuenca, Equador (1998); 24ª e 20ª Bienal de São Paulo, SP (1998 e 1989); representação brasileira na Bienal de Veneza, Itália (1993); U-ABC, Stedelijk Museum, Amsterdã, Holanda; e a 3ª Bienal de Havana, Cuba (1989).</p>



<p>Suas obras integram coleções como a Colección Patricia Phelps de Cisneros, Nova York, EUA, e Caracas, Venezuela; Museu de Arte Moderna de São Paulo, São Paulo; Museu de Arte de São Paulo, São Paulo; Museu de Arte do Rio, Rio de Janeiro; Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro; Museu de Arte Contemporânea de Niterói, Niterói; Instituto Figueiredo Ferraz, Ribeirão Preto, e University Essex Museum, Inglaterra.</p>


Emmanuel Nassar

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<p>Os avanços tecnológicos da corrida espacial entre os Estados Unidos e a antiga União Soviética, que culminou com a chegada do homem à Lua em 1969, estão no imaginário de <strong>Emmanuel Nassar</strong>. Mas o título de sua instalação <em>Lataria Espacial</em>, além dos aspectos científico e político, traz também um termo informal, que se refere a estruturas metálicas de veículos motorizados. Para o artista, lataria está associada ao termo “lata velha”, geralmente usado para designar o estado precário de grandes máquinas deterioradas.</p>



<p>O trabalho aproxima opostos: a lataria envelhecida e com sinais de desgaste, o que há de primitivo e popular nas funilarias do subúrbio às missões espaciais e altamente tecnológicas que colaboraram para o desenvolvimento das comunicações via satélite. Há, nessa justaposição, algo do sonho e da fantasia de voar. Mas se o voo está ligado à imagem da liberdade que tanto aviões quanto pássaros evocam, uma das asas de<em> Lataria Espacial </em>está decepada, como se estivesse incrustada na parede. Dentro da Sala de Vidro do MAM São Paulo, a obra parece tratar mais da impossibilidade de levantar voos do que da completa realização do desejo de liberdade.</p>



<p>O artista projetou e construiu seu próprio jato particular, que se assemelha aos aviões de brinquedo, mas é inspirado no modelo Phenom 300, da Embraer, que está entre os jatos executivos mais vendidos no mundo. Mas, em vez de fazer um elogio à alta performance e ao poder que uma aeronave de pequeno porte carrega, o artista aponta de modo irônico para as contradições sociais do país e para o contraste entre o imaginário da elite e do povo, justamente mostrando que essa separação já não é tão clara.</p>



<p><strong>Emmanuel Nassar</strong> valoriza as cores das chapas metálicas publicitárias e o que há de popular na periferia de centros urbanos, em especial de Belém do Pará. Embora, no presente trabalho, ele não se aproprie das placas descartadas, recorrendo ao zinco galvanizado, o conjunto de pinturas que formam o avião ecoa o improviso das soluções inventivas. Entre as marcas da poética de <strong>Emmanuel Nassar</strong> está o reconhecimento das gambiarras, as engenhocas provisórias, realizadas com poucos recursos, que resolvem problemas práticos do cotidiano.</p>



<p><em>Lataria Espacial</em> permite que os diversos públicos do MAM se divirtam ao serem recebidos com o prestígio e status de um tapete vermelho, brinquem, tirem selfies com a bagagem, como se estivessem prestes a embarcar num sonho que, embora não decole de modo literal, realiza-se na experiência única e generosa que a obra proporciona.</p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Cauê Alves (Curador-chefe do MAM São Paulo)</strong></p>



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Sala de Vidro

Parque Ibirapuera (Av. Pedro Álvares Cabral, s/nº - Portões 1 e 3)

 terça a domingo, das 10h às 18h (com a última entrada às 17h30)

R$30,00 inteira e R$15,00 meia-entrada. Aos domingos, a entrada é gratuita e o visitante pode contribuir com o valor que quiser. Limite até 10 pessoas por vez na sala expositiva

Emmanuel Nassar: Lataria Espacial


<p><strong>Rodrigo Sassi</strong> nasceu em 1981 na cidade de São Paulo, local onde vive e trabalha. Na adolescência se interessou pelo grafite, prática que o levou a cursar Artes Visuais na FAAP durante os anos de 2001 a 2006. Neste período de formação e experimentação, o trabalho de pintura, até então desenvolvido nas ruas, se desdobra tecnicamente para outras mídias, assumindo a Intervenção Urbana como sua principal linha de pensamento e atuação artística.</p>



<p>No decorrer de sua trajetória, as referências urbanas de<strong> Rodrigo Sassi</strong> se mesclam com interesses voltados para a arquitetura e construção civil, bem como no modo de vida das pessoas e como elas se relacionam, moldam seu entorno e se adaptam ao ambiente em que vivem.</p>



<p>Sua obra, dedicada principalmente ao tridimensional, se apropria de materiais encontrados na cidade, aos quais, anula suas funcionalidades, explora suas memórias, reformula conceitos e transforma suas características físicas ao ponto de total abstração do objeto &#8211; metáfora para a dinâmica e, muitas vezes, desorientadas transformações das cidades e da própria sociedade.</p>



<p><strong>Sassi</strong> vem participando com seu trabalho de exposições individuais e coletivas em museus e galerias, tanto no Brasil quanto no exterior. Integra coleções públicas em instituições como a do MAR, MAB, Museu da Inconfidência, FAMA, Museu Nacional da República, entre outros. Já participou de importantes residências artísticas como a Cité internationale des arts de Paris, Sculpture Space em NY e CAMPO Garzon, no Uruguai. Também possui esculturas públicas permanentes na cidade de São Paulo.</p>


Rodrigo Sassi

videoguia | projeto parede: "Rizoma", de Rodrigo Sassi

01. Apresentação do Projeto Parede - Rizoma, Rodrigo Sassi (2024)

02. Audiodescrição do espaço e obra- Rizoma, Rodrigo Sassi (2024)

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<p>O modernismo, especialmente no campo da arquitetura, seguiu princípios funcionais com ênfase na racionalidade e no uso de formas geométricas simples. Além disso, incorporou materiais como o concreto, o que permitiu novas perspectivas construtivas. R<strong>odrigo Sassi</strong> dialoga com ideias modernistas, mas em vez de recusar o decorativo em busca de uma aparência mais limpa, explora outras possibilidades do ornamento.</p>



<p>Em obra recente realizada no Museu da Inconfidência, em Ouro Preto, MG, instituição parceira do MAM São Paulo neste projeto, o artista atualizou noções sobre o barroco a partir da perspectiva da arte contemporânea. É justamente do cruzamento entre arte moderna e arte colonial que seu trabalho se desenvolveu. Com referências aos painéis de <strong>Burle Marx</strong> e de <strong>Athos Bulcão</strong>, típicos da arquitetura moderna de <strong>Rino Levi</strong> e <strong>Oscar Niemeyer</strong>, o artista também explora contradições do projeto moderno. Entre elas está a ênfase no trabalho operário, sempre pouco valorizado, mas fundamental para qualquer construção. Por isso, o artista produz artesanalmente módulos de concreto usando técnicas tradicionais.</p>



<p>A obra se apresenta como um grande relevo construído com fôrmas de madeira que servem de molde temporário para cada um dos módulos. Com elas, é possível modelar o concreto, material característico da construção civil e que suporta altas cargas. A partir de uma linha horizontal central, formas sinuosas, cinzas como o cimento, serpenteiam a parede em configurações de diferentes tamanhos. Dez peças distintas podem se encaixar umas nas outras, criando padrões variados.</p>



<p>Em vez de se mesclar com a parede ao fundo, o concreto preso por parafusos se sobressai e se destaca. Conforme o visitante caminha, as peças se revelam e, aos poucos, intervalos e respiros ficam evidentes. O contraste entre o plano e o espaço tridimensional se acentua e as formas orgânicas, caracterizadas pelas linhas curvas encontradas na natureza, se fundem com os volumes da geometria regular, comum na arquitetura de concreto.</p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Cauê Alves (curador-chefe do MAM São Paulo)</strong></p>



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Projeto Parede

Museu de Arte Moderna de São Paulo (Projeto Parede) 

Rodrigo Sassi: Rizoma


<p>Sérgio Milliet (São Paulo, SP, 1898 – São Paulo, SP, 1966) foi um dos protagonistas da primeira fase da história do MAM São Paulo, e além de escritor e crítico, foi também um pintor relevante. Participante ativo da Semana de Arte Moderna de 1922, Milliet foi um dos expoentes do modernismo brasileiro. A sua relação com o MAM se inicia no momento de gênese desse museu, do qual foi um dos mais ativos idealizadores e organizadores. Foi um dos fundadores e o primeiro presidente da ABCA (Associação Brasileira dos Críticos de Arte). Foi o segundo diretor artístico do MAM, entre 1952 e 1957, quando realizou a primeira retrospectiva de Tarsila do Amaral, além de ter exercido o papel de diretor artístico da Bienal de São Paulo entre 1953 e 1958, sendo responsável pela 2ª, 3ª e 4ª edições. Alguns anos após seu falecimento em 1966, o MAM organizou uma exposição de suas pinturas, prestando grandes homenagens à trajetória e vida de Sérgio Milliet.</p>



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<p class="has-small-font-size">Foto: Dulce Carneiro</p>


Sérgio Milliet

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<p>Sérgio Milliet (São Paulo, SP, 1898 – São Paulo, SP, 1966) ocupa um lugar particular na história da arte brasileira. Além de ser um dos protagonistas do modernismo brasileiro, produzindo literatura, poesia, crítica e pintura, Milliet também foi um dos agentes decisivos na primeira fase da história do Museu de Arte Moderna de São Paulo. Em 2024, um autorretrato feito por ele foi doado por Maria Lúcia de Araújo Cintra ao acervo do museu.</p>



<p>A pintura a óleo sobre madeira de Sérgio Milliet está em exposição na Biblioteca Paulo Mendes de Almeida do MAM e apresenta autorretratos com diferentes acabamentos nas duas superfícies do suporte. Em ambos os lados, os elementos faciais do autor são formados ou atravessados por linhas curvas e diagonais, que também estruturam o espaço circundante. Na face mais acabada da obra, todos os planos fragmentados são preenchidos por cores, mas em um dos planos centrais, que corresponde a um lado do rosto, falta um olho e a pouca coloração indica que essa também não seria a versão final da pintura. O autorretrato na outra face do suporte é colorido apenas parcialmente nos planos superiores, mas também contém os traços do rosto que reaparecem no lado oposto.</p>



<p><br>A formação na Suíça e em Paris no início do século 20 ofereceram a Milliet contato com transformações artísticas e científicas que foram determinantes ao ocidente. Nesse período, ele adquiriu uma familiaridade com o modernismo que contribuiu para a difusão da arte das vanguardas europeias no Brasil entre as décadas de 1920 e 1960. Com a sua poesia, ele participou da Semana de Arte Moderna de 1922 em São Paulo. Além disso, foi relevante a contribuição de Milliet para o processo de institucionalização da arte moderna no Brasil. Realizações como a Seção de Arte da Biblioteca Municipal Mário de Andrade, inaugurada em 1945; a ABCA (Associação Brasileira de Críticos de Arte), criada em 1949; o Museu de Arte Moderna de São Paulo, fundado em 1948, e a Bienal de São Paulo devem à presença e participação ativa de Sérgio Milliet em suas trajetórias. Nas duas últimas, ele desempenhou o papel de diretor artístico respectivamente em 1952–57 e 1953–58.</p>



<p><br>Em 1969, o MAM São Paulo apresentou a exposição Homenagem a Sérgio Milliet, onde reuniu pinturas que estavam espalhadas em coleções de amigos do artista. Por ocasião do encerramento, o crítico Geraldo Ferraz publicou um artigo no Estado de S. Paulo sugerindo que Milliet “não foi um simples pintor de domingo”, mas as suas diversas ocupações teriam sido a causa da ausência de um feito criativo de maior relevância. No artigo, que está disponível para consulta na Biblioteca do MAM, Ferraz também sumariza os principais conjuntos da obra, destacando os retratos e as paisagens.</p>



<p>De modo geral, a pintura de Milliet apresenta traços simples e claros que, em muitos casos, circunscrevem seu esforço por um uso mais formal da cor. São comuns os planos fracionados com diferentes cores e luminosidades, remetendo aos ideais estéticos do cubismo e ao exercício cromático do expressionismo francês. Isso é notável nas seis pinturas de Sérgio Milliet que o MAM já possui no seu acervo e também nesse autorretrato frente-e-verso recém adquirido.</p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Gabriela Gotoda<br>Curadoria MAM São Paulo</strong></p>



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Biblioteca

 Museu de Arte Moderna de São Paulo (Biblioteca Paulo Mendes de Almeida)

 terça-feira a sábado, das 10h às 12h30 e das 13h30 às 18h

R$30,00 inteira e R$15,00 meia-entrada. Aos domingos, a entrada é gratuita e o visitante pode contribuir com o valor que quiser. Verifique a classificação indicativa

Nova aquisição: Sérgio Milliet

curadoria


<p>Gabriela Gotoda é pesquisadora e curadora de artes visuais, graduada em arte: história, crítica e curadoria pela PUC São Paulo. Desde 2022, integra o setor de curadoria do MAM São Paulo, com passagens anteriores em setores de curadoria e pesquisa de outras instituições de arte da cidade de São Paulo.</p>


Gabriela Gotoda

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<p>O Clube de Colecionadores do Museu de Arte Moderna de São Paulo foi fundado em 1986 com o objetivo de estimular a produção artística contemporânea, além de incentivar e democratizar o colecionismo de arte. Desde então, os formatos e as proposições das obras comissionadas para o Clube buscam dialogar com as mudanças próprias da arte e da modernidade, assim como incorporar reflexões sobre a reprodução técnica de imagens e a sua influência no olhar e na experiência do espectador.</p>



<p>Inicialmente dedicado apenas à gravura, o Clube de Colecionadores do MAM sempre teve como premissa incentivar os artistas convidados a ultrapassarem os limites tradicionais dessa linguagem e de suas diferentes técnicas de reprodução, contribuindo, assim, para discussões ainda atuais que questionam os estatutos definitivos da arte. Foi com esse mesmo espírito experimental que o MAM criou no ano 2000 um segundo Clube, focado somente em fotografia. O surgimento e a disseminação das técnicas fotográficas transformaram radicalmente as possibilidades de produção e reprodução de imagens. Para além dos fatores técnicos, a fotografia oferece novas formas de agência ao espectador, já que no processo de interpretação de uma imagem fotográfica coloca-se em jogo referências pessoais e associações coletivas que derivam das mais diversas realidades. </p>



<p>Com a crescente interdisciplinaridade da produção artística e a superação efetiva das fronteiras entre diferentes linguagens, esvaziou-se o sentido de existirem dois Clubes separados. Em 2022, portanto, o MAM São Paulo aliou essas iniciativas num único Clube de Colecionadores.</p>



<p>O conjunto de trabalhos apresentado aqui é composto majoritariamente por obras comissionadas para o Clube na última década. Sejam elas definidas como gravuras, fotografias, ou qualquer outra descrição técnica, essas obras se relacionam pelas maneiras através das quais buscam desviar, defletir, ou divergir das expectativas tradicionais sobre a arte e, em especial, a arte reprodutível.</p>



<p>Lançando mão de conceitos que colocam as linguagens artísticas num diálogo tenso, mas direto — como a reprodução e a repetição, o espelhamento e o corte, a matriz e o negativo, a impressão e a positivação, a pré-edição e a pós-edição, a superfície e o volume, o plano e o fundo, a luz e a sombra — essas obras sugerem que a diversão é uma característica própria da arte contemporânea. Seja no sentido de divertir-se diante de uma provocação criativa, de surpreender-se com as viradas de direção no interior de uma composição visual estática, ou de distrair-se com formas e cores que despertam diferentes sensações, as técnicas de diversão empregadas pela arte podem oferecer ao público certo alívio da responsabilidade de demarcar sentidos decisivos. Sobretudo num mundo onde as definições são cada vez mais imprecisas e dispensáveis.</p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Gabriela Gotoda<br>Curadoria MAM São Paulo </strong></p>



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Exposição externa

MAM São Paulo em parceria com Canopy by Hilton São Paulo Jardins

R. Saint Hilaire, 40 - Jardim Paulista, São Paulo - SP, 01423-040

técnicas de diversão na arte contemporânea

Técnicas de diversão na arte contemporânea

Faça parte do clube de colecionadores do mam e contribua para a produção artística brasileira através do colecionismo.

clube de  colecionadores

O Jardim de Esculturas foi projetado por Roberto Burle Marx para receber obras da coleção do MAM. Inaugurado em 1993, ele abriga 30 esculturas numa área de 6 mil metros quadrados, sendo um dos principais acervos brasileiros expostos a céu aberto. Visitas educativas acontecem regularmente.

jardim de esculturas

<p>A divulgação dos projetos de pesquisa selecionados a partir das submissões ao Edital (encerrado em 25/03) foi adiada. O volume de submissões excedeu o previsto e, para que seja possível uma seleção justa, o processo de avaliação será estendido.</p>
<p>Os projetos de pesquisa selecionados para o Laboratório de Pesquisa MAM São Paulo serão divulgados publicamente a partir do dia 03/05. Agradecemos a compreensão de todos.</p>
