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Nasceu em Nova Friburgo, RJ, Brasil (1896) e faleceu em Belo Horizonte, MG, Brasil (1962). Formou-se em pintura na Europa, estudando em academias prestigiadas de Munique e Florença antes de retornar ao Brasil em 1929. Atuou como pintor, desenhista, ilustrador e professor, sendo reconhecido como um dos grandes nomes do modernismo brasileiro. Destacam-se em sua obra as paisagens de Ouro Preto e outras cidades históricas de Minas Gerais, em que igrejas barrocas, casarios coloniais e balões festivos surgem em atmosferas oníricas e poéticas. Também produziu retratos de familiares, amigos e figuras culturais, notáveis pela delicadeza do traço e riqueza decorativa. Criou a Escola Guignard, em Belo Horizonte, por onde passaram artistas como Amilcar de Castro e Lygia Clark. Entre suas retrospectivas recentes, destacam-se Guignard: a memória plástica do Brasil moderno, no MAM São Paulo (2015), e A paixão segundo Guignard, no Palácio das Artes, Belo Horizonte (2024).

Alfredo Ceschiatti nasceu em Belo Horizonte, MG, Brasil (1918) e faleceu no Rio de Janeiro, RJ, Brasil (1989). Ingressou na Escola Nacional de Belas Artes no Rio de Janeiro (1940) e estudou escultura sob a orientação de Corrêa Lima. Na mesma época, frequentou o curso de desenho de Cândido Portinari. Recebeu o prêmio de viagem ao exterior do Salão Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro (1945) pelo painel em bronze que desenvolveu, a pedido de Oscar Niemeyer, para a Igreja de São Francisco de Assis, na Pampulha, em Belo Horizonte. Interessado pelo barroco mineiro e por obras renascentistas, Ceschiatti trabalhou com materiais como bronze, granito e mármore para criar simplificações formais da figura humana. Suas representações de formas femininas curvilíneas e arredondadas, por vezes cobertas parcialmente por tecidos drapeados, estão presentes em inúmeros edifícios públicos. Entre suas esculturas mais conhecidas estão A Justiça (1961), localizada no Supremo Tribunal Federal, Os anjos (1970), na Catedral de Brasília, e a icônica Duas amigas (1966), no Palácio Itamaraty. Participou de importantes exposições como a 2ª e a 3ª Bienal de São Paulo (1953 e 1955); o 4º e 7º Panorama da Arte Brasileira (1972 e 1975). Realizou uma mostra retrospectiva no MAM São Paulo (1976) e suas obras integram a coleção do museu.

Amelia Toledo nasceu em São Paulo, SP, Brasil (1926) e faleceu em Cotia, SP, Brasil (2017). A partir do final da década de 1930, passou a frequentar o ateliê de Anita Malfatti. Nos anos 1940, teve aulas com Yoshiya Takaoka e Waldemar da Costa, e trabalhou como desenhista no escritório do arquiteto Vilanova Artigas. Deu continuidade aos seus estudos na London County Council Central School of Arts and Crafts, em Londres, Reino Unido. De volta ao Brasil, estudou gravura em metal (1960). Investigando de forma expandida as possibilidades artísticas, Toledo produziu esculturas, pinturas, desenhos e instalações utilizando materiais industriais e orgânicos. O uso de elementos geométricos e regulares transformam-se durante a década de 1970 em uma pesquisa voltada às formas da natureza, fazendo da paisagem um elemento central de sua produção. Suas obras integram importantes coleções, como a do MASP, Pinacoteca do Estado de São Paulo e do MAM São Paulo – com destaque para sua obra 7 ondas (1995) no Jardim de Esculturas do museu.

Antonio Henrique Amaral nasceu e faleceu em São Paulo, SP, Brasil (1935–2015). Iniciou sua formação na Escola do MASP (1952), e se aprofundou estudando gravura com Lívio Abramo no MAM São Paulo (1956). A partir dos anos 1960, aproximou-se da nova figuração, incorporando elementos da publicidade, da cultura de massa e do grafite em obras de forte carga política. Nesse contexto, a banana tornou-se uma imagem marcante de sua produção. Frequentemente representada cortada, amarrada ou transpassada por facas, a fruta é trabalhada como síntese visual crítica de tensões da ditadura militar, metáfora econômica e cultural do Brasil, ou até imagem de conotação erótica. Em paralelo, desenvolveu também retratos marcados por rostos fragmentados e distorcidos, explorando uma frente mais experimental e expressionista de sua pintura. Entre mostras recentes, destacam-se Aglomeração – Antonio Henrique Amaral, Instituto Tomie Ohtake (2020), e Antonio Henrique Amaral: Pelo Avesso, Casa Triângulo (2021). Suas obras integram coleções como do MAM São Paulo, MAM Rio, Acervo Sesc de Arte e Itaú Cultural.

Artur Barrio nasceu em Porto, Portugal (1945) e se mudou para o Rio de Janeiro, RJ, Brasil (1955), onde frequentou a Escola Nacional de Belas Artes (1967). Mobilizando pintura, desenho, vídeo, fotografia, escultura, performance e instalação, a produção do artista é reconhecida como disruptiva e contestatória. A radicalidade de sua prática pode ser percebida tanto pelo uso de materiais não convencionais, quanto pelos temas – por vezes violentos – presentes em suas obras, especialmente aquelas desenvolvidas no período da ditadura militar no Brasil. A rejeição de Barrio às convenções do campo artístico desmistificam e tensionam o espaço expositivo por meio da utilização de materiais efêmeros e perecíveis, como lixo, materiais orgânicos e carne putrefata. Seu trabalho mais conhecido são as Trouxas ensanguentadas (1970), dezenas de pacotes manchados de sangue e repletos de carnes e ossos em alusão ao desaparecimento de corpos e à violência estatal nos anos duros da ditadura militar brasileira. Integrou a exposição do As fronteiras do vazio (1995), no MAM São Paulo. Suas obras estão presentes nas coleções do MAM São Paulo, Acervo Sesc de Arte, Pinacoteca do Estado de São Paulo, Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA), nos Estados Unidos, Centro Georges Pompidou, em Paris, entre outras.

Brígida Baltar nasceu e faleceu no Rio de Janeiro, RJ, Brasil (1959–2022). Frequentou no final dos anos 1980 a Escola de Artes Visuais do Parque Lage e integrou o coletivo Visorama. Considerada pioneira no conceito de escultura transitória no Brasil – um tipo de escultura marcada pela impermanência, cuja existência está ligada a processos efêmeros –, a produção multimídia de Baltar transitou entre linguagens como vídeo, fotografia, performance, instalação, desenho e escultura. Suas obras exploram questões oníricas, fabulações e narrativas do corpo através da coleta de materiais naturais e transitórios. Inicialmente dedicada à reunião de elementos da vida doméstica – como a água acumulada em seu telhado ou a poeira dos tijolos na parede de sua casa –, a artista expandiu o exercício para o ambiente exterior, dedicando-se à tarefa de capturar o intangível. Participou do 25º e 30º Panorama da Arte Brasileira do MAM São Paulo (1997 e 2007). Suas obras estão presentes em acervos como do MAM São Paulo, MASP, MAM Rio, Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP) e Pinacoteca do Estado de São Paulo.

Cao Guimarães nasceu em Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil (1965). O artista plástico e cineasta trabalha com fotografia e transita entre a película e o vídeo para criar suas peças audiovisuais. Suas obras documentam situações e objetos comuns, que se movem ou são captados enfatizando o instante, mas que são ressignificados a partir da exploração, duração, foco e do movimento autônomo de pessoas ou coisas. Entre suas exposições, destacamos as individuais Ver é uma fábula. Mostra Cao Guimarães, Itaú Cultural, São Paulo (2013); Espera, no Instituto Moreira Salles (IMS-Paulista), São Paulo (2018); Cao Guimarães – Ciclo de filmes, no Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia (MAAT), Lisboa, Portugal (2020); e sua presença em três edições do Panorama da Arte Brasileira, MAM São Paulo (2001, 2011 e 2015); e em duas edições da Bienal de São Paulo (2002 e 2006).

Carlos Zilio nasceu no Rio de Janeiro, RJ, Brasil (1944). Frequentou o Instituto de Belas Artes do Rio de Janeiro (1963), onde estudou pintura com Iberê Camargo. Formado em Psicologia pela Universidade Federal do Rio de Janeiro (1973), mudou-se como exilado para Paris, França, após dois anos preso devido ao seu envolvimento na luta armada contra a ditadura militar. Permaneceu na capital francesa até a conclusão de seu doutorado (1980). Artista plástico e professor, Zilio participou de importantes correntes artísticas da segunda metade do século XX, como a Nova Figuração e a arte conceitual. Sua produção é diversificada e marcada pelo engajamento político e a experimentação estética, aliando suas investigações geométricas a um discurso crítico e combativo em relação à ditadura militar. Em 1997, o MAM São Paulo organizou a exposição retrospectiva Carlos Zilio: arte e política 1966-1976. Seus trabalhos estão presentes em instituições como o MAM São Paulo, Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP), Museu de Arte Contemporânea de Niterói (MAC Niterói), Pinacoteca do Estado de São Paulo, MAM Rio e Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA), nos Estados Unidos.

Cássio Vasconcellos nasceu em São Paulo, SP, Brasil (1965). Iniciou sua trajetória artística como fotógrafo, frequentando cursos na Escola Imagem-Ação (1981). Atuou como fotojornalista para veículos de comunicação e montou um estúdio próprio especializado em fotografias aéreas. Tendo como tema a paisagem urbana, Vasconcellos se afasta da fotografia documental para propor uma aproximação da fotografia com linguagens como pintura, gravura, cinema e artes gráficas. Ao explorar diferentes escalas, profundidades e padronagens, o artista cria espaços imaginários e ficções a partir de elementos da realidade. Suas obras fazem parte de inúmeras coleções institucionais, como MAM São Paulo, Acervo Sesc de Arte, MASP, Museo Nacional de Bellas Artes, em Buenos Aires, Argentina; Bibliothèque Nationale, em Paris, França; e Museum of Fine Arts Houston (MFAH), nos Estados Unidos.

Claudio Tozzi nasceu em São Paulo, SP, Brasil (1944). Doutor pela Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (FAU/USP) e bacharel pela mesma instituição, Tozzi iniciou sua carreira como artista gráfico na década de 1960, dedicando-se posteriormente à pintura. Influenciado pela arte pop, o artista apropria-se de imagens retiradas de histórias em quadrinhos e dos meios de comunicação de massa para tratar de temáticas políticas e urbanas. Após uma viagem de estudos para a Europa (1969), passa a se preocupar com elementos plásticos da pintura, desenvolvendo pesquisas cromáticas. Na década de 1980, retorna à figuração apresentando tendências à geometrização das formas, agregando textura e volumetria às obras. Realizou painéis em diversos espaços públicos, como na Praça da República e nas estações de metrô Sé e Barra Funda, na cidade de São Paulo; na Faculdade de Direito da USP, no campus de Ribeirão Preto, e na sede do Programa das Nações Unidas para o Desenvolvimento da UNESCO, em Brasília. Suas obras integram coleções como do MAM São Paulo, Acervo Sesc de Arte, Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP) e MASP.

Cleber Machado nasceu em Porto Alegre, RS, Brasil (1937) e faleceu em São Paulo, SP, Brasil (2020). Mudou-se para o Rio de Janeiro no início da década de 1960 e iniciou sua trajetória artística como pintor e joalheiro. Expandindo a tridimensionalidade das joias para a produção de móbiles, Machado interessava-se pelo equilíbrio da forma no espaço, compreendendo a exterioridade como um elemento ativo em relação à materialidade de suas obras tridimensionais. Trabalhou a partir de simplificações geométricas, evocando a linguagem escultórica inclusive em sua produção gráfica, a partir da volumetria e da presença de materiais metálicos. Participou de inúmeras edições do Panorama da Arte Brasileira (1972, 1975, 1978, 1988 e 1991) e sua escultura Árvore (1991) faz parte do Jardim de Esculturas do MAM São Paulo. Outra obra do artista localizada em um espaço público é Homenagem a Galileu Galilei II (2007), na estação Vila Mariana do metrô, em São Paulo. Suas obras estão presentes em acervos como do MAM São Paulo, Acervo Sesc de Arte, MAM Rio, Museu de Arte Brasileira de Brasília e no Arquivo do Estado de São Paulo.

Eduardo Coimbra nasceu no Rio de Janeiro, RJ, Brasil. Graduado em Engenharia pela PUC-Rio e com pós-graduação em História da Arte e Arquitetura no Brasil pela mesma instituição, Coimbra produz fotografias, esculturas, objetos, maquetes, instalações e filmes. Iniciou sua carreira artística no início dos anos 1990 e abordou a noção de paisagem em ambientes internos e externos pela associação de cadeias de imagens e objetos. Realizou trabalhos em importantes espaços públicos, como a Praça XV de Novembro e Praça Tiradentes, no Rio de Janeiro, e a Praça Charles Miller e Largo da Batata, em São Paulo. Participou do 27º Panorama da Arte Brasileira do MAM São Paulo (2001) e integra a coleção de instituições como MAM Rio, Acervo Sesc de Arte, Museu de Arte Contemporânea do Paraná, Itaú Cultural e Pinacoteca do Estado de São Paulo.

Emanoel Araujo nasceu em Santo Amaro da Purificação, BA, Brasil (1940) e faleceu em São Paulo, SP, Brasil (2022). Durante os anos de 1960, mudou-se para Salvador e estudou gravura na Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Bahia (UFBA), momento em que produz artes gráficas e cenografia para teatros. Na década seguinte passa a realizar obras abstratas tridimensionais, aproximando-se da vertente construtivista ao explorar a presença da herança africana na cultura brasileira a partir de geometrias modulares e cores vivas. Além de artista, Araujo foi um importante curador e gestor cultural, atuando como diretor do Museu de Arte da Bahia e da Pinacoteca do Estado de São Paulo. Foi responsável pela fundação e direção do Museu Afro Brasil. Sua atuação, tanto como artista quanto como curador e gestor cultural, impactou significativamente no reconhecimento e na valorização da herança africana na arte contemporânea no Brasil e no exterior. Organizou a emblemática exposição A Mão Afro-Brasileira no MAM São Paulo (1988) e sua obra Aranha (1981) integra o Jardim de Esculturas do museu. Sua produção está presente em coleções como do MAM São Paulo, Museu Afro Brasil Emanoel Araujo, MASP e Pinacoteca do Estado de São Paulo.

Foto: Museu Afro Brasil/Divulgação

Franz Weissmann nasceu em Knittelfeld, Áustria (1911) e faleceu no Rio de Janeiro, RJ, Brasil (2005). Chegou ao Brasil em 1921 e estudou na Escola Nacional de Belas Artes, que abandonou pelo caráter excessivamente acadêmico, complementando sua formação em ateliês e na Escola do Parque, em Belo Horizonte. Integrou o Grupo Frente e foi um dos fundadores do neoconcretismo. Foi um dos principais inovadores da escultura brasileira, desenvolvendo uma linguagem de abstração geométrica marcada pelo uso de chapas metálicas submetidas a cortes, dobras e sobreposições. Suas esculturas incorporam o vazio como elemento ativo da construção da forma, articulando espaço e matéria, e empregam cores chapadas para intensificar volumes, ritmos e tensões visuais. O artista também realizou obras de grande escala em praças e edifícios públicos, concebendo trabalhos que não apenas ocupam, mas redesenham o espaço urbano. Entre exposições recentes, destacam-se as retrospectivas Franz Weissmann: o vazio como forma, Itaú Cultural (2019), e Franz Weissmann: ritmo e movimento, Casa França-Brasil (2023).

German Lorca nasceu em São Paulo, SP, Brasil, em 1922, e faleceu na mesma cidade, em 2021. Formou-se em Contabilidade pelo Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo (1940), realizando uma formação autodidata paralela em fotografia, que culminaria no seu ingresso no prestigiado Foto Cine Clube Bandeirantes (1947). Um dos principais nomes da fotografia moderna brasileira, foi fotógrafo oficial das comemorações do IV Centenário da Cidade de São Paulo (1954), e ficou conhecido por composições arrojadas e generosas que documentaram o crescimento da cidade de São Paulo na segunda metade do século XX, nas quais ângulos inusitados e contrastes marcados de claro-escuro retratam a paisagem urbana paulistana em transformação, com destaque para a ascensão da arquitetura moderna no centro da cidade e nas modificações socioculturais nos bairros periféricos. Sua obra constitui um amplo amplo repertório de registros simultaneamente documentais, íntimos e cívicos da cidade. Seu trabalho está em grandes coleções estrangeiras, como as do MoMA, em Nova York, e da Tate Modern, na Inglaterra. O MAM São Paulo possuí mais de 50 obras do artista na sua coleção.

Giuliana Segre Giorgi nasceu e faleceu em Turim, Itália (1911–2009). Pintora e ativista antifascista, mudou-se para São Paulo (1939) com seu então marido, o escultor ítalo-brasileiro Bruno Giorgi, após ter sido presa pelo regime de Mussolini. De volta a Turim (1969), atuou como tradutora, sendo responsável pela tradução de inúmeros clássicos brasileiros para o italiano, como Memorial de Aires, de Machado de Assis (1908), Macunaíma, de Mário de Andrade (1928), e Avalovara, de Osman Lins (1973). As pinturas à óleo de Giorgi incluem principalmente retratos, paisagens e naturezas mortas, realizadas sobre tela ou madeira. Desenvolveu um mural religioso para a Capela Cristo Operário, localizada na zona sul de São Paulo. Patrimônio cultural do Estado de São Paulo, o projeto da capela envolve paisagismo de Roberto Burle Marx, obras de Alfredo Volpi, Geraldo de Barros, entre outros, indicando um diálogo entre Giorgi e seus contemporâneos. Participou do 33º Panorama da Arte Brasileira do MAM São Paulo (2013) com a pintura Retrato de Tamagni (1946), que também integra a coleção do museu.

Heitor dos Prazeres nasceu e faleceu na cidade do Rio de Janeiro, RJ, Brasil (1898–1966). Filho de pai marceneiro e clarinetista, o artista iniciou sua trajetória profissional como cantor, compositor, letrista e instrumentista, tendo participado da fundação das escolas de samba Portela (1923) e Estação Primeira da Mangueira (1928). Artista autodidata, começou a trabalhar com pintura no final da década de 1930, tendo produzido principalmente óleos sobre tela, madeira e alguns mobiliários. Consagrado como uma das principais figuras da chamada arte popular brasileira do século XX, Prazeres recebeu o prêmio de terceiro lugar na 1ª Bienal Internacional do Museu de Arte Moderna de São Paulo (1951) e, na edição seguinte, ganhou uma sala especial na exposição (1953). Assim como suas canções, as pinturas do artista retratam, de modo sensível e quase antropológico, o mundo do samba, das favelas, das festas populares, das celebrações afro-brasileiras e do cotidiano de pessoas negras no Brasil. Suas obras estão presentes no acervo de instituições como o MAM São Paulo, MASP, Museu de Arte do Rio (MAR) e Museu Afro Brasil Emanoel Araujo.

Iran do Espírito Santo nasceu em Mococa, SP, Brasil (1963). Formou-se em Licenciatura em Artes Plásticas pela FAAP (1986). Desenvolve uma produção centrada no desenho, na escultura e na instalação, investigando as relações entre percepção visual, objeto e espaço. Seu trabalho frequentemente parte de objetos cotidianos, reinterpretados com forte precisão formal e diálogo com o vocabulário do desenho industrial. A economia de meios, a apropriação de objetos e o deslocamento do seu contexto original de uso e a redução cromática, frequentemente baseada em branco, cinza e preto, são elementos recorrentes em sua pesquisa. Suas obras integram coleções institucionais nacionais como as do MASP, MAM São Paulo, Acervo Sesc de Arte, MAC USP, Instituto Inhotim, além de coleções internacionais, como as do Museu de Arte Latino-Americana de Buenos Aires (MALBA), Argentina; e do MoMA, Nova York, Estados Unidos.

Labö nasceu em Belém, PA, Brasil (1995) e Rafaela Kennedy em Manaus, AM, Brasil (1994). A dupla desenvolve trabalhos colaborativos, frequentemente realizados em fotografias, criando narrativas visuais a partir de elementos naturais e culturais de suas cidades de origem. Labö, que trabalha principalmente com indumentárias, esculturas e instalações, une-se a Kennedy, que ancora sua pesquisa na fotografia, moda e performance, para propor momentos de emancipação de corpos dissidentes e não normativos, utilizando a paisagem amazônica como cenário. Desafiando noções fixas sobre ecologia, tecnologia e gênero, suas colaborações apresentam vestimentas complexas, confeccionadas com materiais orgânicos, fundindo elementos do cotidiano com o fantástico. Participaram do 38º Panorama da Arte Brasileira (2024) e integram o acervo do MAM São Paulo.

Laura Vinci nasceu em São Paulo, SP, Brasil (1962). Formada em Artes Plásticas pela FAAP (1987) e mestre em Artes Plásticas pela Universidade de São Paulo (2000), é artista multimídia e trabalha com escultura, pintura, desenho, gravura e instalações. Trabalhou com cenografia e direção artística para inúmeras peças, incluindo produções no Teatro Oficina, onde também participou do Projeto Residência (2000–2001). Em sua prática artística, o espaço apresenta-se como um elemento complexo, mediador de relações entre o corpo e a passagem do tempo. Explorando a mutabilidade e a efemeridade da matéria, estimula o público a relacionar-se com o ambiente propondo novas percepções. Expôs o trabalho Folhas avulsas e galhos em exposição individual na sala de vidro do MAM São Paulo (2019). Suas obras estão presentes em acervos como do MAM São Paulo, Inhotim, Museu de Arte do Rio (MAR) e Pinacoteca do Estado de São Paulo.

Lenora de Barros nasceu em São Paulo, SP, Brasil (1953). Artista plástica e poeta, formou-se em Linguística pela Universidade de São Paulo no final da década de 1970, mesmo período em que iniciou sua trajetória artística. Influenciada pela arte conceitual, pop e pelos grupos concretistas brasileiros, produz obras que libertam a palavra para fora das páginas através da fala, escrita, colagem, performance, fotografia, vídeo e instalação, ressignificando paradigmas do movimento concretista a partir de dimensões de gênero e do corpo. Também atuou como editora de fotografia no jornal Folha de S. Paulo e como diretora de arte para a revista Placar. Expôs poemas visuais na 17ª Bienal de São Paulo (1983) em uma seção dedicada ao videotexto e retornou à mostra na 24ª e 30ª edição do evento (1998 e 2013). Apresentou Retromemória na sala de vidro do MAM São Paulo (2022), escultura metálica com espelhos que refletiam uma escritura na parede, dialogando diretamente com a obra Aranha (1996) de Louise Bourgeois – exibida por cerca de 20 anos nesse mesmo local. Sua produção integra importantes acervos, como do MAM São Paulo, Centro Cultural São Paulo (CCSP) e Museu d’Art Contemporani em Barcelona, Espanha.

Lothar Charoux nasceu em Viena, Áustria (1912), e faleceu em São Paulo, SP, Brasil (1987). Radicado no Brasil desde 1928, estudou no Liceu de Artes e Ofícios, onde também lecionou desenho. Após uma fase inicial voltada a retratos e paisagens, passou a explorar questões abstratas e co-fundou, em 1952, o Grupo Ruptura, referência do concretismo no país. Sua produção é marcada por linhas trabalhadas com luz e ritmo visual, especialmente destacadas em suas experiências que unem profundidade óptica a composições geométricas. Fundou a Associação de Artes Visuais Novas Tendências (1963) e foi tema de retrospectivas no MAM São Paulo e MAM Rio (1974). Participou de diversas edições do Panorama da Arte Brasileira, entre a década de 1970 e 1980, e das primeiras nove edições da Bienal de São Paulo (1951–1967).

Gisela Motta e Leandro Lima nasceram em São Paulo, SP, Brasil (1976). Formaram-se em Artes Plásticas pela FAAP (1999), onde se conheceram e iniciaram sua colaboração em 1997. Desenvolvem uma prática conjunta que transita entre vídeo, fotografia, e instalação, frequentemente explorando sistemas construtivos e dispositivos técnicos. Seus trabalhos investigam os mecanismos de produção de imagens, muitas vezes por meio de estruturas artificiais e construções que produzem efeitos ópticos ou espaciais. Suas obras integram coleções institucionais como as do MAM São Paulo, da Pinacoteca do Estado de São Paulo, do Acervo Sesc de Arte, do Instituto Inhotim, do Instituto Figueiredo Ferraz, do Museu Nacional da República, e do Museu de Arte Contemporânea de Goiás.

Nelson Leirner nasceu em São Paulo, SP, Brasil (1932) e faleceu no Rio de Janeiro, RJ, Brasil (2020). Filho da escultora Felícia Leirner e do empresário e colecionador Isaí Leirner, ambos envolvidos na fundação do MAM São Paulo, cresceu em um ambiente próximo ao meio artístico. Desenvolveu uma trajetória prolífica marcada pela crítica institucional e por uma postura irônica, inquieta e sarcástica em relação ao sistema da arte. Trabalhou com pintura, desenho, gravura, instalação, happening e objetos, frequentemente apropriando-se de imagens e materiais da cultura de massa. Em muitas obras, reorganiza esses elementos em composições acumulativas e irônicas que questionam os valores do mercado, da autoria e da própria noção de obra de arte. Em 1966, co-fundou, junto a outros artistas, o Grupo Rex, que criou a Rex Gallery & Sons e o jornal Rex Time como alternativas às instituições tradicionais. Nas décadas de 1970 e 1980, aprofundou seu trabalho conceitual, estimulando a participação do público e a reflexão sobre os circuitos da arte. A partir da década de 1980, atuou também como docente na FAAP e na Escola de Artes Visuais do Parque Lage. Suas obras integram coleções institucionais como as do MAM São Paulo, MASP, Acervo Sesc de Arte, MAC USP e Pinacoteca de São Paulo.

Paulo Bruscky nasceu em Recife, PE, Brasil (1949). Cursou Comunicação Social na Universidade Católica de Pernambuco (Unicap), formação que se desdobrou em uma prática artística voltada para a circulação de mensagens e os meios de reprodução e difusão da informação. É um dos principais nomes da arte conceitual e da arte postal no Brasil, com atuação em linguagens e suportes diversos, como fotografia, performance, poesia visual, vídeo e xerografia. Sua obra investiga os limites entre arte, linguagem e tecnologia, utilizando recursos como carimbos, fax e filmes em Super-8 para explorar os vínculos entre corpo, máquina e discurso. Destacam-se suas individuais Art is our Last Hope, no Bronx Museum, nos Estados Unidos (2013), e Paulo Bruscky, no MAM São Paulo (2014). Também participou da 57ª Bienal de Veneza (2017), e de diversas edições da Bienal de São Paulo (1981,1989, 2004 e 2010) e do Panorama da Arte Brasileira (1984, 2002 e 2005). Suas obras integram acervos como do MAM São Paulo, Acervo Sesc de Arte, Pinacoteca do Estado de São Paulo, e Guggenheim Museum e Museum of Modern Art (MoMA), em Nova York, Estados Unidos.

Paulo Nenflídio nasceu em São Bernardo do Campo, SP, Brasil (1976). Formado em Artes Plásticas pela Escola de Comunicação e Artes da Universidade de São Paulo (2004) e em Eletrônica pela Escola Técnica Estadual Lauro Gomes (1994), o artista cria esculturas, instalações, objetos e desenhos. A partir da união entre artes visuais, música e tecnologia, Nenflídio produz as chamadas “engenhocas” que se assemelham com bichos, instrumentos e máquinas que emergem da ficção científica. Participou de diversas exposições coletivas do MAM São Paulo, como Diálogos com Palatnik (2004) e 30º Panorama da Arte Brasileira (2007). Suas obras fazem parte da coleção de instituições como MAM São Paulo, MAC USP, Pinacoteca do Estado de São Paulo, Museu da Energia, Inhotim, Centro Cultural São Paulo (CCSP) e MAM Rio.

Pedro Motta nasceu em Belo Horizonte, MG, Brasil (1977), onde vive e trabalha. Formado em Desenho pela Escola de Belas Artes da Universidade Federal de Minas Gerais (2002), utiliza a fotografia como suporte para sua produção, que nasce do interesse pelas relações entre a natureza, cultura, indivíduos e a cidade. Por vezes intervindo nas imagens com colagens, desenhos e materiais naturais – como terra –, Motta busca na paisagem monumentos e esculturas anônimas, formas que possuem certa obstrução de sua configuração original. Publicou os livros Temprano, pela Funarte (2010), e Natureza das Coisas, pela Editora Ubu (2018). Participou do 32º Panorama da Arte Brasileira (2011). Suas obras estão presentes em coleções como do MAM São Paulo, MAM Rio, MAM Bahia, Museu de Arte do Rio (MAR) e Itaú Cultural.

Rodrigo Andrade nasceu em São Paulo, SP, Brasil (1962). Iniciou sua trajetória artística estudando gravura no ateliê de Sérgio Fingermann em São Paulo (1977) e desenho com Carlos Fajardo. Frequentou o Studio of Graphic Arts, na Escócia (1978) e participou de cursos de gravura e pintura na École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, em Paris (1981–1982). Foi um dos fundadores do importante grupo artístico paulista Casa 7, na década de 1980. Conhecido principalmente por sua produção enquanto pintor, Andrade realiza obras em diferentes escalas, tanto abstratas quanto figurativas, que têm em comum o uso de cores contrastantes e pinceladas amplas. Na virada para o século XXI, sua prática passa por mudanças, inclinando-se para a abstração geométrica e recuperando sua formação como artista gráfico. Desenvolveu um Projeto Parede para o MAM São Paulo (2000) e participou do 24º, 29º e 31º Panorama da Arte Brasileira (1995, 2005 e 2008). Suas obras integram coleções de importantes instituições, como MAM São Paulo, Acervo Sesc de Arte, Itaú Cultural, Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP) e Pinacoteca do Estado de São Paulo.

Rosângela Rennó nasceu em Belo Horizonte, MG, Brasil (1962). Artista multidisciplinar e fotógrafa, vive e trabalha no Rio de Janeiro. Formada em Arquitetura pela Universidade Federal de Minas Gerais (1986) e em Artes Plásticas pela Escola Guignard (1987), obteve o título de doutora em Artes pela Universidade de São Paulo (1997). A partir da apropriação de imagens descartadas e coletadas nas ruas, mercados e antiquários, Rennó ressignifica a função da fotografia estabelecendo diálogos entre a memória e o esquecimento. A recontextualização de imagens em suas fotografias, objetos, vídeos, instalações e livros, permite ao público refletir sobre a função social das representações, símbolos e narrativas, colocando em disputa a realidade objetiva atribuída à fotografia. Participou do 25º e do 29º Panorama da Arte Brasileira (1997 e 2005). Suas obras integram importantes coleções nacionais e internacionais, como do MAM São Paulo, MASP, Pinacoteca do Estado de São Paulo, Centre Georges Pompidou, na França; Guggenheim Museum e Museum of Modern Art (MoMA), em Nova York, Estados Unidos; e Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, em Madri, Espanha.

Rubens Gerchman nasceu no Rio de Janeiro, RJ, Brasil (1942) e faleceu em São Paulo, SP, Brasil (2008). Frequentou aulas de desenho no Liceu de Artes e Ofícios do Rio de Janeiro (1957) e estudou na Escola Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro (1960–1961). Morou em Nova York (1968–1972) após ser premiado pelo Salão Nacional de Arte Moderna e foi diretor do então Instituto de Belas Artes da Escola de Artes Visuais, conhecido hoje como Escola de Artes Visuais do Parque Lage. Pintor, gravador, escultor e desenhista, Gerchman foi um importante artista brasileiro ligado a influências da arte pop no Brasil, além de ter contribuído nos movimentos da arte concreta, neoconcreta e nova figuração. Em suas obras, apropriou-se de ícones do futebol, televisão e política, criando retratos coloridos da metrópole e de seus problemas através da união de figuras anônimas e elementos da vida urbana. Realizou exposições retrospectivas no MAM São Paulo e no MAM Rio (1973) e participou do 17º e 23º Panorama da Arte Brasileira (1986 e 1993). Suas obras estão presentes em coleções como do MAM São Paulo, MAM Rio, Acervo Sesc de Arte, Pinacoteca do Estado de São Paulo e Museu de Arte de Toronto, no Canadá.

Sara Ramo nasceu em Madri, Espanha (1975). Formada em Artes Visuais na Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG), a artista ressignifica objetos do cotidiano ao colocá-los em lugares inusitados e transformá-los em instalações, esculturas ou assemblages para abordar novas formas de ver e lidar com a realidade e a relação entre o visível e o invisível. Entre suas exposições, destacamos a individual lindaviejalocabruja, no Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofía, em Madri, Espanha (2019); suas participações em dois Panoramas da Arte Brasileira (2003 e 2011); e em duas edições da Bienal de São Paulo (2010 e 2019).

Xadalu Tupã Jekupé é um artista mestiço que usa elementos da serigrafia, pintura, fotografia e objetos para abordar em forma de arte urbana o tensionamento entre a cultura indígena e ocidental nas cidades. Sua obra, resultado das vivências nas aldeias e das conversas com sábios em volta da fogueira, tornou-se um dos recursos mais potentes das artes visuais contra o apagamento da cultura indígena no Rio Grande do Sul. O diálogo e a integração com a comunidade Guarani Mbyá permitiram ao artista o resgate e reconhecimento da própria ancestralidade. Xadalu tem origem ligada aos indígenas que historicamente habitavam as margens do Rio Ibirapuitã. As águas que banharam sua infância carregam a história de Guaranis Mbyá, Charruas, Minuanos, Jaros e Mbones — assim como dos bisavós e trisavós do artista. A obra feita para o Clube de Colecionadores apresenta uma cabeça indígena, tal como aquelas esculpidas na base na catedral de Porto Alegre, que simbolizam o domínio do cristianismo sobre a cultura indígena e o extermínio dos povos originários. Em guarani o artista escreve “Existe uma cidade sobre nós”, em clara alusão ao território indígena soterrado e aos vestígios arqueológicos encontrados na região.

Euzimar Meireles Gomes nasceu em Matinha, MA, Brasil (1959). Seu trabalho vem de sua ligação vital com o Bumba Meu Boi, importante manifestação cultural da Baixada Maranhense, onde vive e trabalha. Além de artista, Zimar é brincante do Boi e incorpora o personagem Cazumbá, figura misteriosa, travessa e imprevisível que veste ornamentos detalhados e máscaras – também chamadas de “caretas” ou “queixos”. Manejando diferentes materiais, como PVC, pó de serra, borracha, ossos, materiais recicláveis, capacetes e peças de bicicletas, Zimar começou a produzir suas próprias caretas no início dos anos 2000, buscando torná-las mais confortáveis para uso. Ao misturar formas humanas e animais, o artista renovou a tradição das caretas de Cazumbá, criando personagens fantásticos e expressivos. Participou do 38º Panorama da Arte Brasileira (2024–2025) e suas obras integram o acervo do MAM São Paulo, Museu Afro Brasil Emanoel Araujo e Museu de Arte Popular Casa do Pontal.