Aparelho cinecromático

O colecionador

Estrelas azuis (para sol)

Sem repressão há ordem

O telhado

Couros

Paisagem

Castro, Amilcar de

Flexor, Samson

Sem título

Metaesquema

Ferrari, León

Sacilotto, Luiz

Milhazes, Beatriz

Leonilson, José

Farkas, Thomaz

Barros, Geraldo de

Ohtake, Tomie


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<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online<br>Datas: 23, 30 de setembro, 07 e 14 de outubro<br>Sábados<br>Horário: das 10h às 12h<br>Duração: 4 encontros<br>Público: interessados em geral<br>Investimento: R$ 320</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao vivo, via plataforma de videoconferência<br>Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado<br>Contempla certificado no final</strong></p>



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<div class="wp-block-buttons is-layout-flex">
<div class="wp-block-button"><a class="wp-block-button__link wp-element-button" href="https://www.sympla.com.br/evento-online/curso-online--dante-e-as-artes-visuais-com-valentina-cantori/2102038" target="_blank" rel="noreferrer noopener"><strong>inscrições aqui</strong></a></div>
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<p>Dante Alighieri (1265-1321) escreveu uma das obras mais importantes de todos os tempos, deixando à posteridade um repertório poético e imagético vastíssimo. O Inferno, o Purgatório e o Paraíso inspiraram ao longo dos séculos inúmeras representações: das miniaturas medievais aos quadros renascentistas; das obras plásticas do século XIX às ilustrações contemporâneas.</p>



<p>A partir da leitura de fragmentos selecionados, este curso se propõe a abordar as diversas maneiras de representar a Comédia de Dante, refletindo sobre a relação entre palavra e imagem, sobre a passagem da linguagem textual para aquela das artes visuais.</p>



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<p class="has-medium-font-size"><strong>Programação</strong></p>



<p><strong>Aula 1 – <em>A Idade Média e o Renascimento</em></strong></p>



<p>Neste primeiro encontro abordaremos a figura de Dante Alighieri (1265-1321) e seu contexto histórico; falaremos da Divina Comédia, analisando suas fontes, estrutura e características principais. A partir da leitura de trechos selecionados, pensaremos na relação que se estabelece entre escrita e artes visuais, tomando como referência as imagens dos manuscritos medievais — as primeiras ilustrações do texto dantesco — e as representações de Sandro Botticelli (1445-1510).</p>



<p><strong>Aula 2 – <em>O século XIX</em></strong></p>



<p>O segundo encontro será dedicado a Dante e à arte do século XIX, época em que se registra um interesse crescente em relação à Comédia; quem dedica os últimos anos de sua vida a ilustrar essa obra é o poeta William Blake (1757-1827), mas há também Gustave Doré (1832-1883) e Auguste Rodin (1840-1917). A partir da análise de episódios escolhidos, falaremos sobre esses artistas e seus diferentes modos de olhar para a obra de Dante; consideraremos as transformações ocorridas ao longo dos séculos, das primeiras ilustrações até as interpretações românticas.</p>



<p><strong>Aula 3 – <em>O Novecento</em></strong></p>



<p>Obras inspiradas na Comédia se intensificaram ao longo do século XX, envolvendo novas linguagens artísticas — o cinema, por exemplo — e novas abordagens. Neste encontro falaremos de Amos Nattini (1892-1985) e de artistas coevos que se dedicaram a ilustrar esse texto; analisaremos o trabalho de Salvador Dalí (1904-1989) e seu caráter inovador, que, remetendo também à psicanálise, abre espaço para novas percepções.</p>



<p><strong>Aula 4 – <em>Dante e os contemporâneos</em><br></strong>Entre a segunda metade do século XX e o início do novo século, muitos foram os artistas que se dedicaram a Dante e à Comédia: neste último encontro abordaremos as obras de Lorenzo Mattotti (1954), Milton Glaser (1929-2020) e Moebius (1938-2012), que ilustraram respectivamente o Inferno, o Purgatório e o Paraíso; falaremos de Agostino Arrivabene (1967) e de outros artistas contemporâneos, das visões múltiplas que o texto dantesco inspira.</p>



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                    <h5>Valentina Cantori</h5>
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                                        <div class="text">
                        
<p>É pesquisadora e tradutora. Formada em Literatura Italiana e Linguística pela Universidade de Roma La Sapienza, é doutora em Filologia e Linguística Românica pela Universidade de Macerata e pela Universidade Hebraica de Jerusalém. Concluiu na USP um projeto de pós-doutorado sobre literatura italiana e judaísmo; atualmente é pós-doutoranda na UFPR, pesquisando poesia italiana e tradução. Traduziu <em>Ancestral</em> de Goliarda Sapienza ( yiné, 2020); traduz literatura italiana para o português e poetas da América Latina para o italiano.</p>
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<p><strong>Amigo MAM tem 20% de desconto. <a href="https://amigo.mam.org.br/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Faça parte</a>!<br>Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto</strong><br>Dúvidas:<br><a href="cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br<br></a>WhatsApp: <a href="https://wa.me/5511997743987" target="_blank" rel="noreferrer noopener">11 99774 3987</a></p>



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<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (<a href="mailto:cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br</a>). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.</strong></p>



<hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" />



<p class="has-small-font-size"><strong>créditos</strong><br>Giovanni di Paolo,<em> Divine Comedy, Paradiso, Beatrice explaining some scientific theories to Dante, including the appearance of the moon</em> (1444-50), British Library.</p>


artes visuais

online

teóricos

23, 30 de setembro, 07, 14 de outubro de 2023

De 23 de setembro a 14 de outubro de 2023

dante e as artes visuais, com Valentina Cantori


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<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online<br>Datas: 09, 16, 23 e 30 de outubro<br>Segundas-feiras<br>Horário: das 19h às 21h<br>Duração: 4 encontros<br>Público: interessados em geral<br>Investimento: R$ 320,00</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao vivo, via plataforma de videoconferência<br>Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado<br>Contempla certificado no final</strong></p>



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<div class="wp-block-buttons is-layout-flex">
<div class="wp-block-button"><a class="wp-block-button__link wp-element-button" href="https://www.sympla.com.br/evento-online/curso-online-fotografia-poesia-e-narrativas-contemporaneas-com-juliana-monteiro/2127054" target="_blank" rel="noreferrer noopener"><strong>inscrições aqui</strong></a></div>
</div>



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<p>Neste curso, diálogos entre a fotografia e a literatura servirão como base para construir caminhos de compreensão sobre a experiência leitora e o texto visual.</p>



<p>O que acontece quando acolhemos, em um mesmo livro, fotografia e literatura? As narrativas fotográficas e as literárias apresentam elementos em comum? De que forma essas linguagens são articuladas para provocar, no leitor, uma experiência costurada entre foto e palavra? Fotografia pode ser poesia?</p>



<p>Esses questionamentos conduzirão os quatro encontros em que obras de <strong>Orides Fontela</strong>, <strong>Natália Ginzburg</strong>, <strong>Adolfo Navas</strong>, <strong>Luciana di Leone</strong>, <strong>James Wood</strong>, <strong>Marvel Harris</strong>, <strong>Annie Ernaux</strong>, <strong>Maureen Bisilliat</strong>, <strong>Byung-Hun Min</strong> e <strong>Graciela Iturbide</strong> serão ponto de partida.</p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-medium-font-size"><strong>Programação</strong></p>



<p><strong>Aula 1 <strong><strong>–</strong></strong> Olhar entre</strong></p>



<ul>
<li>Fotografia e poesia</li>



<li>A imagem do poeta, a palavra do fotógrafo</li>



<li>Reflexões da literatura sobre a fotografia</li>
</ul>



<p><strong>Aula 2 <strong><strong>–</strong></strong> Olhar para</strong></p>



<ul>
<li>Perspectivas poéticas, cruzamento de olhares</li>



<li>Livros em diálogo</li>



<li>Reflexões sobre fotos dos participantes</li>
</ul>



<p><strong>Aula 3 – Olhar com</strong></p>



<ul>
<li>Narratividade</li>



<li>Fotografia com narrativa</li>



<li>Reflexões da literatura sobre a fotografia</li>
</ul>



<p><strong>Aula 4 – Olhar para</strong></p>



<ul>
<li>perspectivas narrativas, cruzamento de olhares</li>



<li>livros em diálogo</li>



<li>reflexões sobre fotos dos participantes</li>
</ul>



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                <div>
                    <h5>Juliana Monteiro</h5>
                                        <div class="location-birth">(Rio de Janeiro, 1981 &#8211; vive e trabalha em São Paulo, SP)</div>
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                                        <div class="text">
                        
<p>Juliana Monteiro investiga a poética dos dias, das relações e da existência humana a partir de diferentes mídias e suportes. O caráter universal do que é íntimo, a impermanência e a dinâmica entre palavra e imagem são eixos presentes em sua observação artística, que se vale da fotografia e da palavra como principais instrumentos do dizer. Nascida no Rio de Janeiro, em 1981, vive e trabalha em São Paulo, onde se formou em Linguística e em Comunicação e, desde então, tece relações entre diferentes linguagens. Além de participar de exposições coletivas, publicou os livros de artista <em>Pandora</em> (2020), <em>Aprendiz</em> (2021), <em>Queira receber como recordação </em>(2022), entre outros. Em 2017, juntamente com o escritor <strong>João Anzanello Carrascoza</strong>, publicou o livro <em>Catálogo de Perdas</em> (SESI-SP), composto por 40 fotografias e 40 contos. Essa obra foi finalista do prêmio Jabuti e vencedora do prêmio FNLIJ nas categorias leitor adulto e projeto editorial. Pela Maralto, em 2023, publicou <em>Fronteiras visíveis</em>, também com o escritor<strong> João Carrascoza</strong>.</p>
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<div style="height:50px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p><strong>Amigo MAM tem 20% de desconto. <a href="https://amigo.mam.org.br/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Faça parte</a>!<br>Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto</strong><br>Dúvidas:<br><a href="cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br<br></a>WhatsApp: <a href="https://wa.me/5511997743987" target="_blank" rel="noreferrer noopener">11 99774 3987</a></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (<a href="mailto:cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br</a>). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.</strong></p>



<hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" />



<p class="has-small-font-size"><strong>créditos</strong><br>Foto: Juliana Monteiro</p>


fotografia

fotografia, poesia e narrativas contemporâneas, com Juliana Monteiro


<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online<br>Datas: 10, 17, 24 e 31 de outubro e 07 de novembro<br>Terças-feiras<br>Horário: das 19h às 21h30<br>Duração: 5 encontros<br>Público: interessados em geral<br>Investimento: R$ 400,00</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao vivo, via plataforma de videoconferência<br>Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado<br>Contempla certificado no final</strong></p>



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<div class="wp-block-buttons is-layout-flex">
<div class="wp-block-button"><a class="wp-block-button__link wp-element-button" href="https://www.sympla.com.br/evento-online/curso-online-arte-afrobrasileira-perspectivas-e-desafios-com-claudinei-roberto-da-silva/2127034" target="_blank" rel="noreferrer noopener"><strong>inscrições aqui</strong></a></div>
</div>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>O atual momento testemunha a ascensão de agentes sociais historicamente excluídos, que emergem, reivindicam e propõem pautas buscando atenuar o déficit de cidadania reconhecido nesses setores. Por sua vez, a expressão simbólica desses agentes insurgentes reflete suas experiências, acumuladas ao longo de séculos, traduzindo-se em obras de arte de densidade estética impressionante e profunda relevância ética. Essa produção contribui de forma fundamental para a compreensão da história passada e presente desses grupos.</p>



<p><em>Arte afrobrasileira: perspectivas e desafios</em>, com o professor e curador Claudinei Roberto da Silva, é um curso que mergulha nas ricas expressões artísticas que ecoam essa história de luta por reconhecimento. Explorando temas que vão desde a emergência e insurgência até a consolidação de conquistas, examina a intersecção entre arte e história, a partir de pintores negros do século XIX, da influência do modernismo e da vital contribuição das mulheres artistas para a arte brasileira.</p>



<p>Este curso é destinado a todos que buscam compreender a história da arte afrobrasileira como um campo de afirmação, para além dos epistemicídios que permeiam a disciplina, reconhecendo as contribuições de artistas e pensadores da cultura como Chico Science, Lima Barreto, Racionais MC&#8217;s, Rebeca Carapiá e Rosana Paulino, entre outras figuras que contribuíram para uma visão mais complexa da busca pelo direito à vida.</p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-medium-font-size"><strong>Programação</strong></p>



<p><strong>Aula 1 <strong>–</strong> Educação para conhecer, reconhecer e reparar &#8211; Emergência, insurgência, afirmação</strong></p>



<ul>
<li>Emergência &#8211; Emergência entendida como ascensão que se traduz na busca pelo direito a vida e direitos civis;</li>



<li>Insurgência &#8211; Insurgência se traduz também por resistência e rebelião contra forças opressivas que suprimem e interditam o desenvolvimento dos divergentes;</li>



<li>Afirmação &#8211; Afirmação também entendida como consolidação de processos e conquistas nos campos da arte.</li>
</ul>



<p><strong>Aula 2 – “Rios, pontes e overdrives, impressionantes esculturas de lama” (Chico Science e Nação Zumbi) &#8211; Madeira e Barro, Brasil feito à mão</strong></p>



<ul>
<li>Arte Colonial e gambiarra;</li>



<li>Um certo Barroco;</li>



<li>Ecos no presente os escultores: Araújos, Emanoel e Maurino.</li>
</ul>



<p><strong>Aula 3 <strong>–</strong> Pintores negros do XIX &#8211; “O trânsito e o transe acadêmico”</strong></p>



<ul>
<li>O caso “Estevão Roberto da Silva”;</li>



<li>O caso Tebas e a arquitetura popular;</li>



<li>Belle Époque, Tia Ciata, Lima Barreto e O caso dos “Irmãos Timótheo”.</li>
</ul>



<p><strong>Aula 4 <strong>–</strong> Modernismo desde aqui &#8211; “Os silêncios da história e a história do silêncio”</strong></p>



<p>Modernismo desde aqui: Da lama ao Caos do Caos a Lama Chico Science &#8211; Lampião e o banditismo social: capoeiras, João Candido, Bezerra da Silva e Racionais MC’s.</p>



<p><strong>Aula 5 <strong>–</strong> Mulheres, desafio maior</strong></p>



<ul>
<li>Tópicos a serem abordados:</li>



<li>Rebeca Carapia &#8211; Trabalhar com ferro.</li>



<li>Rosana Paulino &#8211; Clássico contemporâneo</li>



<li>Natália Marques Emaye &#8211; Slam da cana.</li>
</ul>



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    <div class="mam-artist-list">
                <div class="mam-artist page-collapse-parent">
            <div class="artist-header">
                <div>
                    <h5>Claudinei Roberto da Silva</h5>
                                        <div class="location-birth">(São Paulo, SP, 1963 &#8211; vive e trabalha em São Paulo)</div>
                                    </div>
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<p>Professor, curador e artista visual, nasceu em 1963 em São Paulo, onde vive e trabalha. Graduado pelo Departamento de Arte da Universidade de São Paulo. Como curador realizou de diversas exposições, entre elas: <em>Sidney Amaral “O Banzo, o amor e a Cozinha” 1º prêmio Funart para artistas e curadores negros</em> – Museu Afro Brasil – São Paulo 2014. A 13ª Bienal Naïfs do Brasil <em>Todo Mundo é, exceto quem não é</em>, com Clarissa Diniz e Sandra Leibovici, no Sesc Piracicaba, 2016. <em>Pretatitude. Insurgências, emergências e afirmações. Arte afro-brasileira contemporânea</em> em várias unidades do Sesc São Paulo, 2019-2021. Curador da exposição <em>Modernismo desde aqui</em>, Paço das Artes São Paulo, 2022. <em>Quero viver até o fim o que me cabe &#8211; Sidney Amaral, uma aproximação</em>, Sesc Jundiaí e Belenzinho, 2021/2023.</p>



<p>Coordenou o Núcleo Educativo do Museu Afro Brasil, foi coordenador Artístico Pedagógico do projeto multinacional <em>A Journey trough African diáspora</em>, do American Aliance of Museuns, em parceria com o Museu Afro Brasil e Prince George African American Museum, 2011. Subcoordenador do Educativo da Fundação Bienal durante a 27ª Bienal de São Paulo 2007.</p>



<p>Bolsista Programa <em>International Visitor Leadership Program</em>, do Departamento de Estado do Governo dos Estados Unidos. Bolsista CNPq com a pesquisa <em>Desenho, fundador de linguagens</em>, orientado pelo professor doutor <strong>Jorge Aristides Carvajal</strong>, 2002. Faz parte do Conselho Curatorial do Museu de Arte Moderna de São Paulo na gestão 2019-2023 e do comitê curatorial do <em>37º Panorama da Arte do Museu de Arte Moderna de São Paulo</em> 2022/23. É membro da ABCA Academia Brasileira de Críticos de Arte.</p>
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<p><strong>Amigo MAM tem 20% de desconto. <a href="https://amigo.mam.org.br/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Faça parte</a>!<br>Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto</strong><br>Dúvidas:<br><a href="cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br<br></a>WhatsApp: <a href="https://wa.me/5511997743987" target="_blank" rel="noreferrer noopener">11 99774 3987</a></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (<a href="mailto:cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br</a>). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.</strong></p>



<hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" />



<p class="has-small-font-size"><strong>créditos</strong><br>Imagem do livro &#8220;Cortiços: uma realidade que ninguém vê&#8221;, cedida pelo fotógrafo Wagner Celestino. Ano: 1998.</p>


10, 17, 24, 31 de outubro, 07 de novembro de 2023

De 10 de outubro a 07 de novembro de 2023

arte afrobrasileira: perspectivas e desafios, com Claudinei Roberto da Silva


<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online<br>Datas: 19 e 26 de outubro, 09, 16, 23 e 30 de novembro<br>Quintas-feiras<br>Horário: das 19h às 21h<br>Duração: 6 encontros<br>Público: interessados em geral<br>Investimento: R$520,00</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao vivo, via plataforma de videoconferência<br>Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado<br>Contempla certificado no final</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<div class="wp-block-buttons is-layout-flex">
<div class="wp-block-button"><a class="wp-block-button__link wp-element-button" href="https://www.sympla.com.br/evento-online/curso-online-arte-contemporanea-modos-de-usar-com-paula-braga/2125180" target="_blank" rel="noreferrer noopener"><strong>inscrições aqui</strong></a></div>
</div>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>O curso baseia-se no livro <em>Arte Contemporânea: modos de usar</em>, de <strong>Paula Braga</strong>, publicado pela editora Elefante em 2021. Ao longo das aulas, serão discutidas algumas passagens da produção filosófica de <strong>Friedrich Nietzsche</strong>, <strong>Gilles Deleuze</strong>, <strong>Giorgio Agamben</strong>, <strong>Byung-Chul Han</strong> e <strong>Jacques Rancière</strong> para investigar a proposta de que a vida é uma obra de arte e que, portanto, cada um é o artista compositor de uma obra.</p>



<p>O livro que embasa as discussões abre cada capítulo com uma crônica, um relato de alguma vivência banal que, ao ser elaborada em conversas imaginárias com uma rede de filósofos e artistas, insufla no dia-a-dia a intensidade da arte.</p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-medium-font-size"><strong>Programação</strong></p>



<p><strong>Aula 1</strong></p>



<ul>
<li>A cidade e o corpo no espaço comum</li>



<li>Andando por aí: o espaço estriado e o espaço liso em Gilles Deleuze</li>



<li>O delirium ambulatorium em Hélio Oiticica</li>
</ul>



<p><strong>Aula 2</strong></p>



<ul>
<li>O que é o contemporâneo</li>



<li>Giorgio Agamben e o contemporâneo</li>



<li>Byung-Chul Han e o excesso de positividade</li>
</ul>



<p><strong>Aula 3</strong></p>



<ul>
<li>O que é o ato de criação</li>



<li>Deleuze e a resistência da arte</li>



<li>Cildo Meireles e as inserções em circuitos ideológicos</li>
</ul>



<p><strong>Aula 4</strong></p>



<ul>
<li>Nietzsche e a transvaloração</li>



<li>Apolo e Dionísio</li>



<li>Eu só acreditaria em um deus que soubesse dançar</li>



<li>Hélio Oiticica e a dança</li>
</ul>



<p><strong>Aula 5</strong></p>



<ul>
<li>Jacques Rancière e a partilha do sensível</li>



<li>Emancipação e embrutecimento</li>



<li>A partilha do sensível</li>



<li>Os regimes da arte</li>
</ul>



<p><strong>Aula 6</strong></p>



<ul>
<li>Jacques Rancière e o espectador emancipado</li>



<li>O espectador emancipado</li>



<li>Arte, política e o regime estético</li>
</ul>



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                <div class="mam-artist page-collapse-parent">
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                <div>
                    <h5>Paula Braga</h5>
                                    </div>
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                <div class="bio">
                                        <div class="text">
                        
<p>É professora de Estética e Filosofia da Arte na UFBAC. Graduada em Ciência da Computação pela USP e em Artes Visuais pela University of Illinois, concluiu mestrado em História da Arte na University of Illinois e doutorado em Filosofia na USP. É autora de <em>Hélio Oiticica: singularidade, multiplicidade</em> (Ed. Perspectiva, 2013) e de <em>Arte Contemporânea: modos de usar</em> (Ed. Elefante, 2021). Também organizou a coletânea <em>Fios soltos: a arte de Hélio Oiticica</em> (Ed. Perspectiva, 2008) e contribui com artigos em revistas acadêmicas e de divulgação.</p>
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<div style="height:50px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p><strong>Amigo MAM tem 20% de desconto. <a href="https://amigo.mam.org.br/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Faça parte</a>!<br>Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto</strong><br>Dúvidas:<br><a href="cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br<br></a>WhatsApp: <a href="https://wa.me/5511997743987" target="_blank" rel="noreferrer noopener">11 99774 3987</a></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (<a href="mailto:cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br</a>). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.</strong></p>



<hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" />



<p class="has-small-font-size"><strong>créditos</strong><br>Reprodução da obra <em>Vai passar?</em>, de <strong>Marcos Chaves</strong>, que aparece na capa do livro <em>Arte contemporânea: modos de usar</em>, de <strong>Paula Braga</strong>.</p>


19, 26 de outubro, 09, 16, 23, 30 de novembro de 2023

De 19 de outubro a 30 de novembro de 2023

arte contemporânea: modos de usar, com Paula Braga


<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online<br>Datas: 27 de outubro, 03, 10 e 17 de novembro<br>Sextas-feiras<br>Horário: das 19h às 21h<br>Duração: 4 encontros<br>Público: interessados em geral<br>Investimento: R$ 320,00</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao vivo, via plataforma de videoconferência<br>Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado<br>Contempla certificado no final</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<div class="wp-block-buttons is-layout-flex">
<div class="wp-block-button"><a class="wp-block-button__link wp-element-button" href="https://www.sympla.com.br/evento-online/curso-online-roupa-de-artista-a-moda-nas-vanguardas-modernistas-com-brunno-almeida-maia/2125240" target="_blank" rel="noreferrer noopener"><strong>inscrições aqui</strong></a></div>
</div>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>Este curso tem como objetivo geral explorar e discutir o conceito moderno de moda, relacionando-o com as noções de arte na modernidade e no modernismo. Utilizando uma extensa bibliografia filosófica, sociológica, histórica e iconográfica, o curso busca analisar as interações entre moda, arte e design presentes nas obras de movimentos e artistas ligados às vanguardas modernistas do século 20.</p>



<p>Dentro desse contexto, os modernistas propuseram a dissolução das fronteiras existentes entre as linguagens artísticas por meio da criação da “roupa de artista”, ou seja, a concepção de vestimentas a partir do conteúdo estético-político de seus movimentos. Essas vanguardas buscavam aproximar a roupa do corpo da pintura, escultura, literatura e arquitetura. Exemplos incluem os estudos de pintura fauvista de <strong>Raoul Dufy</strong>, que se transformaram em estampas para a maison Paul Poiret; os vestidos de <strong>Robert </strong>e<strong> Sonia Delaunay</strong>, que criavam verdadeiros poemas têxteis sobre o corpo; o futurismo italiano e suas ideias arquitetônicas que influenciaram a forma das vestimentas; e o surrealismo francês, com a transposição onírica das esculturas e pinturas de Dalí, que reimaginavam os objetos vestíveis propostos pela costureira Elsa Schiaparelli. Todos esses exemplos eram capazes de expressar, como linguagem não-verbal da vestimenta, a experiência interior do sujeito moderno.</p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-medium-font-size"><strong>Programação</strong></p>



<p><strong>Aula 1 – Moda, modernidade e modernismo</strong></p>



<ul>
<li>Os conceitos e as noções de moda e sua relação com o moderno, a modernidade e o modernismo;</li>



<li>O costureiro como artista;</li>



<li>O que significa dizer que a moda é uma arte?</li>
</ul>



<p><strong>Aula 2 – O modernismo como problema das Formas</strong></p>



<ul>
<li>Do representativo ao abstracionismo: as influências de Picasso e Braque no corte do vestido;</li>



<li>Relações entre a moda modernista e a literatura, a poesia e as artes visuais;</li>



<li>Moda, arte e modernismo: Paul Poiret e as estampas de Raoul Dufy, Chanel e o design moderno, o geometrismo art déco de Jean Patou nas fotografias de George Hoyningen-Huene, os drapeados gregos em Madeleine Vionnet e Mariano Fortuny, entre outros.</li>
</ul>



<p><strong>Aula 3 – A roupa de artista nas vanguardas modernistas</strong></p>



<ul>
<li>O futurismo italiano e as vestes de Giacomo Balla;</li>



<li>A moda surrealista em Elsa Schiaparelli;</li>



<li>O construtivismo russo e a moda: Liubov Popova e Varvara Stepanov;</li>
</ul>



<p><strong>Aula 4 – A roupa de artista no pós-modernismo;</strong></p>



<ul>
<li>Os concretistas brasileiros e as vestimentas (diálogos com o acervo do MAM-SP);</li>



<li>Os parangolés de Oiticica;</li>



<li>Os trajes de Joseph Beuys;</li>



<li>O manto sagrado de Arthur Bispo do Rosário;</li>
</ul>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>


    <div class="mam-artist-list">
                <div class="mam-artist page-collapse-parent">
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                <div>
                    <h5>Brunno Almeida Maia</h5>
                                    </div>
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                <div class="bio">
                                        <div class="text">
                        
<p><strong>Brunno Almeida Maia</strong> é um pesquisador em filosofia e teoria da Moda pela Universidade Federal de São Paulo (Unifesp). Ele atuou como curador da exposição <em>Ema e a Moda no século XX: as roupas e a caligrafia dos gestos</em>, realizada na Casa Museu Ema Klabin, bem como do Ciclo de Conferências A<em> atualidade de Marcel Proust (1871-1922)</em>, no Centro de Pesquisa e Formação do Sesc SP. Além disso, atua como professor convidado em diversas instituições, como a Universidade de São Paulo (USP), Fundação Armando Alvares Penteado (Faap), Istituto Europeo di Design (IED) e Centro Universitário Belas Artes. No momento, <strong>Brunno Almeida Maia</strong> está trabalhando em seu próximo livro intitulado <em>Tempos de exceção: ensaios sobre o contemporâneo</em> (Editora Cosmos, a ser lançado em breve).</p>
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<div style="height:50px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p><strong>Amigo MAM tem 20% de desconto. <a href="https://amigo.mam.org.br/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Faça parte</a>!<br>Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto</strong><br>Dúvidas:<br><a href="cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br<br></a>WhatsApp: <a href="https://wa.me/5511997743987" target="_blank" rel="noreferrer noopener">11 99774 3987</a></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (<a href="mailto:cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br</a>). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.</strong></p>



<hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" />



<p class="has-small-font-size"><strong>créditos</strong><br>Luiz Braga, <em>Rosa no arraial</em>, 1990. fotografia colorida sobre papel. Coleção MAM São Paulo.</p>


moda

27 de outubro, 03, 10, 17 de novembro de 2023

De 27 de outubro a 17 de novembro de 2023

roupa de artista: a moda nas vanguardas modernistas, com Brunno Almeida Maia


<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online<br>Datas: 09, 16, 23, 30 de agosto, 06, 13, 20, 27 de setembro, 04, 11, 18, 25 de outubro, 01, 08, 22 e 29 de novembro</strong><br><strong>Duração: 16 encontros<br>Público: interessados em geral<br>Investimento: R$ 1.280,00</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado<br>Contempla certificado no final</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<div class="wp-block-buttons is-layout-flex">
<div class="wp-block-button"><a class="wp-block-button__link wp-element-button" href="https://www.sympla.com.br/evento-online/curso-online-fotografia-autoral-com-marcelo-greco/2065133" target="_blank" rel="noreferrer noopener"><strong>inscrições aqui</strong></a></div>
</div>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>Neste curso, são apresentados os trabalhos de fotógrafos renomados para contribuir com o entendimento e desenvolvimento da autoria na fotografia, inserindo o trabalho dos autores nas condições socioculturais que os influenciaram.</p>



<p>Em um segundo momento de cada aula, são discutidos os materiais apresentados pelos alunos, buscando, por meio das reflexões do grupo, quais questões pertinentes são expostas no material apresentado e quais caminhos são sugeridos ao autor.</p>



<p>O curso de fotografia autoral é voltado para fotógrafos que desejam aprimorar e aprofundar sua criatividade, explorando as narrativas visuais presentes nas imagens e desenvolvendo formas de expressão artística.</p>



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                <div>
                    <h5>Marcelo Greco</h5>
                                        <div class="location-birth">(1966 &#8211; )</div>
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                    <g id="Componente_20_52" data-name="Componente 20 – 52" transform="translate(0 1.5)"><path id="Caminho_24" data-name="Caminho 24" d="M0,0V63.437" transform="rotate(-90)" fill="none" stroke="currentColor" stroke-width="3"/></g>
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                                        <div class="text">
                        
<p>Nascido em 1966, Marcelo Greco trabalha com fotografia desde 1996. Desenvolve projetos nos principais museus do país, como MAM e MASP. Fez diversas exposições individuais e coletivas no Brasil e no exterior. Faz parte de algumas coleções como da Coleção Joaquim Paiva, Fundação Cultural de Curitiba, Pinacoteca do Estado de SP, etc. Foi curador geral do Festival Paraty em Foco em 2008. Em 2009, criou a Schoeler Editions.</p>
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<p><strong>Amigo MAM tem 20% de desconto. <a href="https://amigo.mam.org.br/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Faça parte</a>!<br>Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto</strong><br>Dúvidas:<br><a href="cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br<br></a>WhatsApp: <a href="https://wa.me/5511997743987" target="_blank" rel="noreferrer noopener">11 99774 3987</a></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (<a href="mailto:cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br</a>). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.</strong></p>



<hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" />



<p class="has-small-font-size"><strong>créditos</strong><br>Foto: Marcelo Greco</p>


cursos

09, 15, 22, 29 de agosto, 06, 13, 20, 27 de setembro, 04, 11, 18, 25 de outubro, 01, 08, 22, 29 de novembro de 2023

fotografia autoral, com Marcelo Greco


<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online<br>Datas: 14, 21, 28 de setembro e 05 de outubro<br>Quintas-feiras<br>Horário: das 19h às 21h<br>Duração: 04 encontros<br>Público: interessados em geral<br>Investimento: R$ 320,00</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência<br>Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado<br>Curso contempla certificado no final</strong></p>



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<div class="wp-block-buttons is-layout-flex">
<div class="wp-block-button"><a class="wp-block-button__link wp-element-button" href="https://www.sympla.com.br/evento-online/curso-online-mulheres-na-historia-da-arte/1949647" target="_blank" rel="noreferrer noopener"><strong>inscrições aqui</strong></a></div>
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<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>O curso busca elucidar as transformações na Arte Ocidental, focando especialmente nas trajetórias femininas que, frequentemente, foram esquecidas ou apagadas ao longo do tempo.</p>



<p>A História da Arte raramente foi analisada sob a perspectiva da atuação feminina, que vai além de meras representações temáticas. Nesse sentido, o curso tem como objetivo exemplificar e demonstrar tais ocorrências, destacando a atuação das grandes mulheres artistas do Ocidente.</p>



<p>O público-alvo é composto por interessados em artes e discussões de gênero, que desejam compreender e valorizar as contribuições das mulheres na história artística.</p>



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<p class="has-medium-font-size"><b>Programação</b></p>



<p><strong>Aula 1 – com Lorenzo Merlino<br></strong>Desde a Pré-História, a participação das mulheres na História da Arte foi frequentemente esquecida. No entanto, desde os primórdios, sua atuação foi crucial e determinante, mesmo na Idade Média, apesar do senso comum incorreto que limitava suas possibilidades.</p>



<p><strong>Aula 2 – com Maíra Canina Silvestrin<br></strong>Apresentação de artistas do Renascimento e do Barroco: Sofonisba Anguissola, Lavinia Fontana e Artemisia Gentileschi.</p>



<p><strong>Aula 3 – com Patrícia Helena Soares Fonseca Rossi de Resende<br></strong>Apresentação de artistas do Neoclássico, como Angelica Kauffman, Adélaïde Labille-Guiard e Élisabeth Vigée Le Brun.</p>



<p><strong>Aula 4 – com Carolina Vieira Filippini Curi<br></strong>O machismo estrutural no advento da modernidade, as mulheres no suprematismo e questões que ainda precisam ser superadas na contemporaneidade para uma História da Arte mais inclusiva.</p>



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                    <h5>Carolina Vieira Filippini Curi</h5>
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<p>Doutoranda em Artes Visuais pelo Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais da Universidade Estadual de Campinas (IA/UNICAMP) e desenvolve pesquisa com foco em <em>Circulações e redes de contato: artistas sul-americanas associadas à arte pop e à nova figuração nas décadas de 1960 e 1970</em>, com apoio da CAPES e período sanduíche na Universidade da Califórnia Riverside pela Fulbright (set.2021-jun.2022). Possui mestrado em Estudos Curatoriais pela Universidade de Coimbra (Colégio das Artes/UC) e bacharelado em Comunicação Social pela Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro. Durante o mestrado, realizou estágio no exterior junto à La Maison Rouge Paris e a Collection Antoine de Galbert, via acordo Université Paris 1 Panthéon Sorbonne-Universidade de Coimbra.</p>
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                    <h5>Lorenzo Merlino</h5>
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                                        <div class="text">
                        
<p>É pós-graduado em História da Arte pela FAAP e mestre e doutorando em História da Arte pela UNICAMP, atualmente encontra-se na Inglaterra onde cumpre uma bolsa de doutorado-sanduíche na University of Brighton. Com mais de 25 anos de experiência no mundo da moda, integrou por seis anos o SPFW. Indicado ao XIV Prêmio Carlos Gomes em 2011 por melhor figurino e escolhido melhor figurinista de óperas do Brasil em 2015. Professor na FAAP, ministra também cursos no MAM, no MASP, no Adelina Instituto, na Superbacana+, na Casa do Saber, na Unibes Cultural, no SENAC e no SESC. Desde 2016 é embaixador de Flandres para as Artes e a Moda no Brasil.</p>
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                    <h5>Maíra Canina Silvestrin</h5>
                                    </div>
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<p>Doutoranda em História da Arte pelo Programa de Pós-Graduação em História da Universidade Estadual de Campinas (UNICAMP), com uma pesquisa sobre pintura e cultura veneziana do século XVIII, com ênfase em questões de gênero e tendo como principal objeto de análise a obra da pintora veneziana <strong>Rosalba Carriera</strong>. Mestre em História da Arte pela mesma Universidade (2013), com uma pesquisa sobre o <em>Retrato de Homem</em> conservado no Museu de Arte de São Paulo (MASP) e atribuído ao pintor italiano <strong>Paris Bordon</strong> (bolsa FAPESP). Possui graduação em Desenho Industrial &#8211; Programação Visual pela Universidade Estadual de Londrina (2004). No período entre abril e junho de 2009, realizou estágios de pesquisa no Kunsthistorisches Institut em Florença, na Itália. Entre janeiro e março de 2012, durante o mestrado, realizou estágio de pesquisa na Scuola Normale Superiore de Pisa, Itália (SNS). Também realizou pesquisas sobre retrato e pintura italiana do século XVIII nas bibliotecas do Getty Research Institute &#8211; Los Angeles &#8211; entre fevereiro e maio de 2015. Em Janeiro e Fevereiro de 2023, como parte da pesquisa do doutorado em andamento, realizou estágio de pesquisa na Università Ca&#8217; Foscari de Veneza.</p>
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                    <h5>Patrícia Helena Soares Fonseca Rossi de Resende</h5>
                                    </div>
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                                        <div class="text">
                        
<p>Doutora em Educação, Arte e História da Cultura pela Universidade Presbiteriana Mackenzie (2014) e mestre em Textiles Design for Fashion pela Central Saint Martin&#8217;s School of Art and Design, Londres (1990). Possui graduação em Bacharelado em Comunicação Visual pela Fundação Mineira de Arte Aleijadinho (1986). Atualmente é professora no Centro Universitário Armando Álvares Penteado e no Centro Universitário Belas Artes de São Paulo. Sua área de pesquisa e experiência é a interdisciplinaridade entre Moda, Arte e Design contemporâneos. É autora do livro <em>Os caminhos do sistema da Moda: diálogos com a arte e seus disfarces</em> (ed. Liberars, 2017).</p>
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<p><strong>Amigo MAM tem 20% de desconto. <a href="https://amigo.mam.org.br/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Faça parte</a>!<br>Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto</strong><br>Dúvidas:<br><a href="cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br<br></a>WhatsApp: <a href="https://wa.me/5511997743987" target="_blank" rel="noreferrer noopener">11 99774 3987</a></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (<a href="mailto:cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br</a>). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.</strong></p>



<hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" />



<p class="has-small-font-size"><strong>créditos da imagem<br></strong>Título: Autorretrato com duas pupilas, Marie Gabrielle Capet (1761–1818) e Marie Marguerite Carreaux de Rosemond (falecida em 1788)<br>Artista: Adélaïde Labille-Guiard (França, Paris 1749–1803 Paris)<br>Ano: 1785<br>Pintura<br>Dimensões: 210.8 x 151.1 cm<br>Fonte: Met Museum</p>


14, 21, 28 de setembro, 05 de outubro de 2023

De 14 de setembro a 05 de outubro de 2023

mulheres na história da arte

<p class="has-small-font-size"><strong>Semana Sinais da Arte</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>Celebrando o protagonismo da comunidade surda, a mostra de curtas com Surdos Fazem Cinema exibe curtas metragens de autoria de alunos surdos da rede pública de ensino. A mostra conta com os filmes <em>A Dança de Marina</em>, <em>Futebol Surdo</em>, <em>Harry, O Estranho</em> e <em>Amei Te Ver</em>. Após a exibição haverá roda de conversa sobre o projeto.</p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Filmes</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>1 &#8211; <em>A Dança de Marina</em><br></strong>Uma dançarina surda deseja vencer seu primeiro concurso de dança, porém o seu nervosismo, uma competidora rival e a presença do crush farão disso uma tarefa desafiadora. Inspirado na obra de Chaplin.<br><strong>Ano de produção:</strong> 2022<br><strong>Duração: </strong>4:41<br><strong>Faixa etária: </strong>Livre<br><strong>Gênero:</strong> Comédia, Romance.<br><strong>Coordenação Geral de Ricardo Garcia<br>Professora responsável pela turma: </strong>Katia Cristina<br><strong>Diretores: </strong>Kethelyn Moreira e Larissa Ferreira<br><strong>Elenco:</strong><br>Claudia Stefany<br>Mariane Costa<br>Kaique Barboza<br>Marcos Silva<br>Jennifer Santos<br>Sandro Santos<br>Katia Cristina<br>Robert Brito<br>Eduardo Rocha<br>Priscila Zaniratto</p>



<p class="has-small-font-size"><strong>2 &#8211; <em>Futebol Surdo</em><br></strong>Um jogador de futebol quer fazer um golaço e ficar muito famoso no Instagram. O problema é que ele não sabe chutar.<br><strong>Ano de produção: </strong>2022<br><strong>Duração:</strong> Aprox 5 min.<br><strong>Faixa etária:</strong> Livre<br><strong>Gênero:</strong> Comédia<br><strong>Diretores: </strong>Débora Guimarães<br><strong>Elenco:</strong><br>Emanuel Lourenço<br>Gustavo Vitorio<br>Priscila Santos<br>Jonatas Lima<br>Dandara Rodrigues<br>Pietro Anjos<br>Beatriz Silva<br>Kamille Carvalho<br>Débora Guimarães<br>Katia Cristina<br>Cintia Marques</p>



<p class="has-small-font-size"><strong>3 &#8211; <em>Harry, O Estranho</em><br></strong>Harry é um garoto tímido e atrapalhado, surdo que sofre bullying em meio a ouvintes. Estes só não esperavam pelo momento da revanche.<br><strong>Ano de produção:</strong> 2022<br><strong>Duração: </strong>Aprox. 5 minutos<br><strong>Faixa etária:</strong> Livre<br><strong>Gênero:</strong> Comédia, Terror<br><strong>Diretores: </strong>Kaique Barboza e Kamille Carvalho<br><strong>Elenco</strong>:<br>Henrique Martinez<br>Claudia Stefany<br>Kethelyn Moreira<br>Pietro Anjos<br>Robert Brito</p>



<p class="has-small-font-size"><strong>4 &#8211; <em>Amei Te Ver</em><br></strong>Um garotinho surdo se apaixona por uma garota cega. Agora, ele precisa descobrir como se comunicar com ela, enquanto acompanhamos radicalmente a percepção de mundo de cada um. Na perspectiva dele, o filme não tem som. Na dela, não há imagem.</p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>


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                    <h5>Projeto Surdos Fazem Cinema</h5>
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                                        <div class="text">
                        
<p>É uma iniciativa que pretende ampliar de maneira prática a inclusão da Comunidade Surda na atividade artística audiovisual, com aulas presenciais de Introdução ao Cinema destinadas a esse público, seguidas da produção prática de curtas-metragens pelos alunos, que contam com orientação especializada e equipamentos profissionais. O projeto foi criado pelo diretor, roteirista e ator Ricardo Garcia, premiado em diversos concursos por seu roteiro <em>Amei Te Ver</em>. O projeto atendeu alunos da rede pública de ensino matriculados na EMEF Candida Dora Pino Pretini, parte do complexo correspondente ao CEU São Rafael, durante o ano de 2022. E o plano de seus organizadores é expandi-lo para que possa capacitar mais surdos a contarem suas próprias histórias no cinema e ocupar esse lugar de fala tão essencial.</p>
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<div style="height:50px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Atividade presencial, para crianças de todas as idades, acompanhadas de seus responsáveis. </strong><br><strong>Inscrições com 30 minutos de antecedência com o MAM Educativo na recepção do MAM. </strong><br><strong>Para intérprete de Libras ou audiodescrição, solicitar pelo e-mail <a href="mailto:educativo@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">educativo@mam.org.br</a> com até 48h de antecedência. </strong><br><strong>Informamos que a participação na atividade garante gratuidade nas exposições.</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>Essa atividade faz parte do programa <strong>Família MAM</strong>.</p>


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atividades presenciais

educativo

Mostra de curtas, com Surdos Fazem Cinema

<p class="has-small-font-size"><strong>Semana Sinais na arte</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>Nesta oficina, os participantes aprenderão possibilidades de dobras para fazer o próprio livreto artístico. A ideia é aproveitar as dobras no papel para criar movimento, sobreposições, encaixes, sequências e diferentes possibilidades com desenhos que façam referência a sinais da Libras ou não, misturando palavra e imagem, datilologia e sinal. Cada participante pensará num sinal, imagem e/ou tema de afeto, e a partir disso escolhemos ou criamos uma dobra que se relacione com a escolha.</p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>


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                    <h5>Coletivo Mão Dupla</h5>
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                <div class="bio">
                                        <div class="text">
                        
<p>É o trânsito entre língua de sinais e artes visuais. É um coletivo de artistas surdos e ouvintes que desenvolve pesquisas teóricas e práticas através da visualidade. Com o objetivo de propor encontros entre surdos e ouvintes, divulgar a Libras e as culturas surdas, cultivar a acessibilidade na cultura para além dos eixos centrais e estimular a produção artística de pessoas surdas, realiza diversas ações. Dentre elas, publicações, oficinas, murais, poesias, Slam e rodas de conversa. Em 2019, o projeto foi contemplado pelo edital Aluno-Artista do SAE-Unicamp, e em 2020 realizou uma parceria com o projeto Ainda Algo Antes de Deitar, de <strong>Lucas Michelani</strong>, pelo ProAC. Em 2021 participou da programação artística do Festival de Culturas Surdas do Itaú Cultural.</p>
                    </div>
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                <div>
                    <h5>JP Acciar</h5>
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                <div class="bio">
                                        <div class="text">
                        
<p>Surdo de nascença e usuário de implante coclear desde os 5 anos de idade. Vive em Campinas e é formado em Design Gráfico desde 2019. Cresceu convivendo com a família e amigos ouvintes, até que aos 17 anos teve um melhor contato com a língua de sinais (Libras), quando ficou fluente e começou a transitar entre os universos ouvinte e surdo. Desde criança gosta de desenhar, pintar, e de todos os tipos de artes. Atualmente trabalha como designer e ilustrador. É poeta VV e artista integrante do coletivo Mão Dupla.</p>
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                <div>
                    <h5>Isart Silva</h5>
                                    </div>
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<p>Ouvinte sinalizante. Vive em São Paulo e graduou-se em Artes Visuais na Unicamp (2020). Sua produção como artista está entre o desenho e a poesia, no papel e no corpo. Pesquisa sobre arte, educação e acessibilidade, na busca por espaços artísticos e culturais mais acessíveis e anticapacitistas. Hoje trabalha como educadore bilíngue-Libras no Museu das Favelas. Integra o coletivo Projeto Mão Dupla, sendo uma das criadoras do projeto em 2019.</p>
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<div style="height:50px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Atividade presencial, para crianças de todas as idades, acompanhadas de seus responsáveis. </strong><br><strong>Inscrições com 30 minutos de antecedência com o MAM Educativo na recepção do MAM. </strong><br><strong>Para intérprete de Libras ou audiodescrição, solicitar pelo e-mail <a href="educativo@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">educativo@mam.org.br </a>com até 48h de antecedência. </strong><br><strong>Informamos que a participação na atividade garante gratuidade nas exposições.</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>Essa atividade faz parte do programa <strong>Família MAM</strong>.</p>


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Oficina Livreto de Dobras com Coletivo Mão Dupla


<p class="has-small-font-size"><strong>teatro no mam</strong></p>



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<p class="has-small-font-size"><strong>Dias: 30 de setembro, 01, 07, 08 e 12 de outubro (sábados e domingos)<br>Horários: 11h e 15h<br>Local: Auditório Lina Bo Bardi (MAM São Paulo)</strong><br><strong>Ingressos: R$ 50,00 (inteira), R$25,00 (meia-entrada) e R$15,00 (amigo mam)<br>Classificação: <strong>recomendado para adultos e crianças a partir de 02 (dois) anos</strong></strong><br><strong>Duração: 50 minutos</strong></p>



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<div class="wp-block-buttons is-layout-flex">
<div class="wp-block-button"><a class="wp-block-button__link wp-element-button" href="https://site.bileto.sympla.com.br/museudaartemodernadesaopaulo/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">adquira seu ingresso</a></div>
</div>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>Trata-se de um espetáculo dramático-musical dividido em duas partes. A primeira é uma apresentação de músicas infantis e histórias musicais. As músicas são apresentadas ao vivo com o acompanhamento de flauta transversal, flauta doce, pandeiro e violão, com a participação da platéia. A segunda parte é uma adaptação para teatro de bonecos da história <em>O Macaco e a Velha</em>. A história gira em torno da velha Firinfinfelha, que tem em seu sítio um lindo bananal. No mato mora o macaco Simão que sempre rouba as bananas da velha. Cansada dessa situação, ela resolve tomar uma atitude que terá conseqüências engraçadíssimas para a platéia. Na trilha sonora são utilizadas músicas de João de Barro, o Braguinha, da versão do Teatro Disquinho.</p>



<p><em>O Macaco Simão, Outras Histórias e Outras Canções</em> transcende o universo exclusivamente infantil e atinge também o público adulto. Isso acontece porque os personagens têm defeitos e qualidades, como qualquer um de nós. Os conflitos entre natureza e cultura, o velho e o novo, verdade e mentira, e, finalmente, entre discórdia e conciliação, são apresentados numa linguagem simples e acessível, privilegiando sempre a improvisação e a participação da platéia. Talvez por isso o espetáculo atinja também públicos das mais distintas classes sociais. Essa versatilidade não aparece apenas no Brasil. Na Irlanda e na Escócia, com <em>Simon the Monkey</em>, e em vários países de língua espanhola (Espanha, Colômbia, Bolívia e Venezuela), com <em>El Mono Simón</em>, o espetáculo recebe sempre excelentes respostas do público e da crítica.</p>



<p>Em 1999, <em>O Macaco Simão, Outras Histórias e Outras Canções</em> foi escolhido pelo júri infantil como um dos três melhores espetáculos do Festival Internacional de Títeres de Tolosa (Espanha).</p>



<figure class="wp-block-embed is-type-video is-provider-youtube wp-block-embed-youtube wp-embed-aspect-16-9 wp-has-aspect-ratio"><div class="wp-block-embed__wrapper">
<iframe loading="lazy" title="Teaser  – Mini Mostra Furunfunfum" width="500" height="281" src="https://www.youtube.com/embed/z4VeK9W_-_M?feature=oembed" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen></iframe>
</div></figure>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<div class="wp-block-group alignfull mam-group-collapse" id="estagiário-administrativo-financeiro"><div class="wp-block-group-collapse-control"><h2>ficha técnica</h2>    <div class="collapse-control">
        <button type="button" class="closed">
            <div class="toggleicon minus">
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<p class="has-small-font-size"><strong>Estreou em: Março de 1992, no SESC Pompéia</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p><strong>Concepção/Direção/Atuação<br></strong>Marcelo Zurawski e Paula Zurawski<br>Bonecos<br>Sérgio Serrano<br>Cenografia<br>Amarílis Arruda e Sérgio Serrano</p>



<p><strong>Músicas<br></strong>João de Barro (Braguinha)</p>



<p><strong>Música Incidental/Play-back<br></strong>Marcelo Zurawski</p>


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                    <h5>Furunfunfum</h5>
                                        <div class="location-birth">(1992 &#8211; )</div>
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<p>O grupo teatral Furunfunfum, fundado em 1992, mistura o teatro e a música em suas apresentações, fazendo a alegria tanto das crianças quanto dos adultos. Ao longo de seus 29 anos, produziram 16 espetáculos, viajaram em turnê por 5 países e conquistaram vários prêmios, menções e indicações como: Coca-Cola Femsa, APCA e o Festival Internacional de Títeres de Tolosa na Espanha.</p>
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outros

O Macaco Simão, Outras Histórias e Outras Canções

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<p>Desde seu encontro com <strong>Ismael Nery</strong>, em 1921, até sua morte em 1975, <strong>Murilo Mendes </strong>foi uma das figuras mais influentes da vida artística brasileira. Foi crítico de arte, colecionador, organizador de exposições, além de poeta. Exerceu papel determinante na formação de toda uma geração de críticos, de <strong>Mario Pedrosa a Antônio Bento</strong> e <strong>Rubens Navarra</strong> e foi interlocutor de <strong>Mário de Andrade </strong>no que diz respeito à arte carioca. Essa importância, no entanto, raramente lhe é reconhecida.</p>



<p>Seu pensamento crítico encontra-se espalhado em jornais e revistas, em muitos poemas e prosas poéticas, entretanto somente no fim da vida Murilo organizou parte de seus textos críticos em um volume publicado postumamente, A invenção do finito. Em 1994, sua coleção de arte foi adquirida pela Universidade Federal de Juiz de Fora, que criou o Museu de Arte Murilo Mendes (MAMM) e desde então organiza mostras e publicações sobre o acervo. Esta exposição teria sido impossível sem o trabalho rigoroso que o MAMM vem desenvolvendo há décadas.</p>



<p>A exposição está dividida em três blocos: o primeiro aborda o círculo de Murilo Mendes e <strong>Ismael Ner</strong>y no Rio de Janeiro nas décadas de 1920 e 1930, com alguns desdobramentos na década seguinte. Nessa fase, <strong>Murilo</strong> apoia um conjunto de artistas como o próprio <strong>Nery</strong>, <strong>Cícero Dias</strong>, <strong>Alberto da Veiga Guignard </strong>e <strong>Jorge de Lima</strong>, que cultivam uma relação estreita entre artes plásticas e poesia, próximos das poéticas surrealistas e metafísicas, mas com divergências. Por outro lado, opõe-se às tendências dominantes na época, realistas e defensoras de uma volta ao métier, a serviço do nacionalismo e do engajamento social. É a fase “rebelde” de Murilo.</p>



<p>O segundo bloco da exposição abrange de meados da década de 1930 até sua mudança para a Itália em 1957. <strong>Mendes</strong> já é um poeta famoso e um crítico influente. Seu leque de interesses se amplia: <strong>Lasar Segall</strong>, <strong>Bruno Giorgi</strong>,<strong> Maria Martins</strong>, <strong>Alberto Magnelli</strong>. Começa a montar uma coleção de arte que reunia várias obras adquiridas em suas viagens à Europa.</p>



<p>De grande importância, nessa fase, é a convivência com artistas que chegaram ao Rio de Janeiro da Europa fugindo do nazismo, em particular com o casal <strong>Maria Helena Vieira da Silva</strong> e<strong> Arpad Szenes</strong>. O círculo que se forma em volta desses artistas inclui <strong>Milton Dacosta, Djanira, Ione Saldanha, Almir Mavignier, Carlos Scliar, Fayga Ostrower</strong>, entre outros. <strong>Murilo</strong> passa a se interessar por poéticas abstracionistas, mas não adere ao concretismo.</p>



<p>O terceiro bloco abrange o período em que <strong>Murilo</strong> viveu em Roma, a partir de 1957, onde leciona literatura brasileira na universidade. Lá aproxima-se do crítico de arte <strong>Giulio Carlo Argan</strong>, com quem compartilha o interesse por artistas italianos que praticavam um abstracionismo não geométrico, sem aderir de todo ao informalismo. Interessa-se pela arte optical e cinética e colabora com artistas como <strong>Alberto Magnelli, Lucio Fontana </strong>e<strong> Soto</strong> em mostras e publicações. Organiza exposições de artistas brasileiros contemporâneos na galeria da Embaixada do Brasil em Roma, incluindo <strong>Volpi, Goeldi, Weissmann, Mavignier</strong> entre outros. O ápice dessa última fase talvez seja a curadoria da representação brasileira na Bienal de Veneza de 1964, a primeira em que o Brasil conta com seu próprio pavilhão. Com esta exposição espera-se que o espaço reservado a Murilo Mendes crítico de arte e colecionador, tanto na sua biografia como na história da crítica brasileira, se afirme e se expanda.</p>



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<p class="has-small-font-size"><strong>Lorenzo Mammì<br>Maria Betânia Amoroso<br>Taisa Palhares<br>curadores</strong></p>



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em cartaz

06 de setembro, 2023 a 28 de janeiro, 2024

Sala Milú Villela

Lorenzo Mammì, Maria Betânia Amoroso e Taisa Palhares

6 de setembro de 2023 a 28 de janeiro de 2024

Museu de Arte Moderna de São Paulo (sala Milú Villela)

Parque Ibirapuera (Av. Pedro Álvares Cabral, s/nº – Portões 1 e 3)

terça a domingo, das 10h às 18h (com a última entrada às 17h30)

R$30,00 inteira e R$15,00 meia-entrada. Aos domingos, a entrada é gratuita e o visitante pode contribuir com o valor que quiser.

Murilo Mendes, poeta crítico: o infinito íntimo


<p>O <a href="https://www.coletivocoletoresnft.com/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Coletivo Coletores</a> foi formado em 2008 na periferia da Zona Leste da cidade de São Paulo pelos artistas e pesquisadores <strong>Toni Baptiste</strong> e <strong>Flávio Camargo</strong>. O projeto tem como proposta pensar as cidades como meio e suporte para suas ações utilizando diferentes linguagens visuais e tecnológicas, discutindo temáticas ligadas às periferias, apagamentos históricos/culturais, assim como o direito à cidade.</p>



<p>Os artistas já participaram de diferentes projetos ligados à tecnologia, arte e cidade com exposições e projetos em instituições, dentre elas, Museu da Língua Portuguesa, FILE, FONLAD – Portugal e a Bienal Internacional de Arquitetura de São Paulo. São ganhadores do Prêmio Pipa 2022, o mais relevante prêmio brasileiro de artes visuais.</p>


Coletivo Coletores


<p>É doutor em Meios e Processos Audiovisuais pela Universidade de São Paulo. Desde 2001 cria intervenções e interferências no espaço urbano e desenvolve pesquisas relacionadas à mídia, questões raciais e processos educacionais. É membro fundador dos coletivos A Revolução Não Será Televisionada, Política do Impossível e Frente 3 de Fevereiro, além de dirigir a produtora e editora Invisíveis Produções. Entre suas exposições recentes estão <em>Terra de Gigantes</em> (SESC Guarulhos, 2023), <em>Palavras Cruzadas</em> (SESC Vila Mariana, 2018), <em>Não Vamos Obedecer &#8211; cartografia Nou Pap Obeyi</em> (Ateliê 397, 2016) e <em>Entreolhares -­ Conversas com a 32ª Bienal de São Paulo</em> (Itaú Cultural, 2016).</p>



<p><strong><a href="https://www.danielcflima.com/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Daniel </a></strong>é também vencedor de prêmios como o Prêmio de Artes Plásticas Marcantonio Vilaça, Programa Rede Nacional Funarte Artes Visuais, Prêmio Economia Criativa do Ministério da Cultura, Rumos Cinema e Vídeo / Instituto Itaú Cultural, Prêmio Funarte Artes Cênicas na Rua, entre outros.</p>


Daniel Lima


<p>É artista multimídia, músico, compositor, performer, produtor musical, diretor artístico do selo de arte sonora e música experimental ALEA e professor da Pós Graduação em Imagem e Som da Faculdade Santa Marcelina. <strong>Tsuda</strong> é, também, doutor pelo programa de Artes Visuais do Instituto de Artes da UNESP-SP e ganhou uma bolsa de estágio de pesquisa no programa Screen Cultures and Curatorial Studies da Queen’s University, em Kingston, Canadá. Ao longo de sua trajetória, realizou programas de residência artística, exposições, intervenções urbanas, performances e concertos, e foi contemplado por bolsas e prêmios em diferentes países como França, Japão, Colômbia, Canadá, Bolívia, Espanha, Alemanha e Brasil em instituições como a Biennal of Mercosur (Porto Alegre/Brasil), Biennal Siart of La Paz (La Paz/Bolívia), Museu de Arte Moderna de São Paulo (São Paulo / Brasil), IRCAM/Centre Georges Pompidou (Paris/França), TOKAS (Tokyo/Japan) e Goethe Institut (Munique/Alemanha).</p>


Dudu Tsuda


<p>É videoartista, cineasta, roteirista e designer gráfico. Foi um dos pioneiros da arte multimídia no Brasil e é reconhecido mundialmente por desenvolver projetos híbridos que mesclam artes visuais, cinema, teatro, vídeo e novas mídias. Sua trajetória confunde-se com o início da produção audiovisual nas artes plásticas nos anos 1980, entre o padrão estabelecido pelas televisões e as experimentações com vídeo amador. Vencedor de diversos prêmios no Brasil e no exterior, participou de diversas edições do World Wide Video Festival (Amsterdam, Holanda), do Videobrasil e da Bienal de São Paulo. Suas obras integram importantes coleções de instituições brasileiras e internacionais, tais como a Coleção Itaú, os Museus de Arte Moderna da Bahia, de São Paulo e do Rio de Janeiro, o Museu de Arte Moderna de Nova York (MOMA), o Centre Georges Pompidou (Paris, França) e a Cisneros Fontanals Art Foundation (Miami, Estados Unidos). Eder Santos tem ainda uma premiada carreira como realizador e diretor de cinema e TV: é autor de 15 curtas-metragens e 3 longas, além de séries para televisão.</p>


Eder Santos


<p>É artista, curador e professor. Em seu trabalho, investiga os dispositivos técnicos enquanto agentes mediadores da percepção, com particular interesse nas estruturas, dinâmicas e narrativas que dão lugar aos paradigmas vigentes. <a href="https://fernandovelazquez.art/" target="_blank" rel="noreferrer noopener"><strong>Velázquez</strong></a> também destaca os processos criativos emergentes e generativos, e as metodologias transdisciplinares. Sua produção inclui instalações, objetos, vídeos, performances audiovisuais e imagens geradas com recursos algorítmicos, que operam como suporte de narrativas que estimulam o espectador a um envolvimento ativo, por vezes interativo e ritualístico. Participou de exposições como <em>Mundo de redes</em> (Centre Pompidou, França, 2022), <em>The Matter of Photography in the Americas</em> (Cantor Arts Center, Stanford University, EUA, 2018), <em>Emoção Art.Ficial</em>, Bienal de Arte y Tecnologia (Itaú Cultural, Brasil, 2012) e Bienal do Mercosul (Brasil, 2009). Atualmente, é professor da pós EAD em Arte Contemporânea a audiovisual expandido da FAAP/Uol. Entre 2015 e 2018 foi curador e diretor artístico do Red Bull Station.</p>


Fernando Velázquez


<p>É artista e professora da FAU-USP. É autora de <em>Políticas da imagem: vigilância e resistência na dadosfera</em> (UBU Editora, 2021) e <em>Memória da amnésia: políticas do esquecimento</em> (Edições Sesc, 2019), entre outros. Suas obras artísticas integram acervos de museus no Brasil e no exterior, como o ZKM (Alemanha), o Jewish Museum Berlin, o MAC-USP e a Pinacoteca de São Paulo. Em seus projetos recentes investiga a construção do imaginário colonialista das artes e das ciências com recursos de Inteligência Artificial.</p>


Giselle Beiguelman


<p>É artista, poeta e professora titular da Escola de Comunicação da Universidade Federal do Rio de Janeiro. Seu trabalho desenvolve-se por uma variedade de meios: poesia, fotografia, cinema, vídeo, performance, objetos e instalação. <a href="https://katiamaciel.net/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">A artista</a> está sempre investigando uma imagem que nunca coincide com seu referente, interrompe a si mesma, suspende seu próprio movimento, gera sua própria desilusão e por vezes nem se faz imagem sem um corpo em aparição.</p>



<p>Seus trabalhos estiveram em exposições no Brasil e no exterior. Publicou diversos livros sobre o pensamento da imagem contemporânea e sete livros de poesia. Em 2018, a editora Cobogó publicou <em>Katia Maciel, uma antologia com a obra da artista</em>. As obras da artista encontram-se nas coleções Gilberto Chateaubriand, Museu de Arte do Rio, Museu de Arte Moderna de São Paulo, Oi Futuro do Rio de Janeiro, Maison Européenne de la Photographie, entre outras.</p>


Katia Maciel


<p>É <a href="http://www.lucasbambozzi.net/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">artista multimídia</a> e pesquisador em novos meios. Produz vídeos, instalações, performances audiovisuais e projetos interativos, tendo trabalhos exibidos em mais de 45 países. Conduziu atividades pioneiras ligadas à arte na internet no Brasil entre 1995 e 1999,na Casa das Rosas, e no campo das mídias móveis entre 2007 e 2016. Dentre seus projetos mais recentes estão o filme <em>Lavra</em> (2021) lançado nos cinemas em 2022 e a exposição individual <em>Solastalgia</em> (2023) no MAC USP. É professor na FAAP nos cursos de artes visuais e na pós-graduação em arte contemporânea e cinema expandido.</p>


Lucas Bambozzi


<p>É artista, pesquisadora e professora de Artes, Estéticas e Materialidades na Universidade Federal da Bahia (UFBA). Sua produção prática e teórica envolve processos de autoria coletiva e desdobra-­se entre filmes, instalações e performances, explorando através da materialidade dos suportes as relações entre corpo, território e imagem. Como cineasta, recebeu prêmios em Oberhausen e Buenos Aires e exibiu seus filmes em diversos festivais internacionais. Desde 2010, desenvolve trabalhos de vídeo-intervenção no espaço público, tendo participado de Festivais como Live Performers Meeting em Roma, Vorspiel/ Transmediale em Berlim e Eletronika BH em Belo Horizonte. Entre suas obras recentes estão <em>Lettre à mes frères du Bénin</em> (2023), <em>Fantasmagorias Dahomeanas</em> (2022), <em>Pergunte às palmeiras</em> (2020), <em>Desfile Fantasmagorista Amigos do Alheio</em> (2018), <em>Roma Cidade Aberta</em> (2018), <em>Ocupação Rumor Salvador</em> (2018) e <em>Electric Ladies and the Cooking Orchestra</em> (2017).</p>


Paola Barreto


<p>É graduada em Artes Plásticas pelo Instituto de Artes da UFRGS (1959), além de ter um mestrado (1980) e Ph.D. (1984) na Escola de Comunicação e Artes da USP &#8211; Universidade de São Paulo. A artista participou de várias bienais, como Bienal de São Paulo (1981, 1983, 1998, 2021); Bienal Internacional de Curitiba (2013, 2015); Bienal do Mercosul (2001, 2011), em Porto Alegre e Bienal de La Habana, em Cuba (1986, 1998 e 2015). Algumas de suas exposições coletivas mais recentes são <em>Walking through Walls</em> (Martin Gropius Bau, Alemanha, 2019) e <em>Radical Women: Latin American Art</em>, 1960-1985 (Hammer Museum, EUA, 2017). As últimas exposições individuais de Regina são: <em>Limiares</em> (Paço das Artes, Brasil, 2020); <em>Up There</em> (Farol Santander, Brasil, 2019); <em>EXIT</em> (MuBE, Brasil, 2018); <em>Unrealized / NãoFeito</em> (Alexander Gray Associates, EUA, 2019); <em>Todas As Escadas</em> (Instituto Figueiredo Ferraz, Brasil, 2018), e <em>Crash</em> (Museu Oscar Niemeyer, Brasil, 2015). Entre outros, recebeu os prêmios Prêmio MASP (2013), Prêmio APCA pela trajetória (2011) e Prêmio Fundação Bunge (2009). <a href="https://reginasilveira.com/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">A artista</a> também recebeu bolsas da Fundação John Simon Guggenheim (1990), Fundação Pollock-Krasner (1993) e Fundação Fulbright (1994).</p>


Regina Silveira

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<p>O título da exposição, <em>Realidades e Simulacros</em>, explora a pluralidade que surge como resultado do uso do “s” ao final das palavras e a aparente oposição entre a realidade e a ficção. Durante muito tempo as pessoas acreditaram na existência de uma realidade única, objetiva. Mas o fato é que esta realidade não existe. Existem muitas realidades que se sobrepõem, se complementam, se anulam, se contradizem. <em>Realidades e Simulacros</em> são dimensões de uma mesma experiência.</p>



<p>Olhar para o mundo é como vestir uma lente de linguagem, fazendo com que as coisas apareçam conforme a visão de mundo da pessoa. Existem muitos condicionantes que regulam o alcance e o escopo dessas lentes: culturais, geográficos, políticos, biológicos, sociais, tecnológicos. Geralmente elas são invisíveis, mas a tecnologia contemporânea tem lhes emprestado concretude. Por meio de um avatar, navegando em um ambiente, sobrepondo uma existência digital ao mundo ao redor, é possível vestir as lentes de uma realidade alternativa à realidade percebida apenas por meio dos meus sentidos.</p>



<p><em>Realidades e Simulacros</em> reúne dez artistas que criaram experiências digitais de diferentes perfis como forma de contribuir para este jogo de multiplicidades. Ver um outro mundo, uma outra cultura, uma outra geografia, uma outra política, uma outra biologia, uma outra sociedade, uma outra tecnologia. Ao explorar a realidade aumentada como uma possibilidade de interferência na paisagem do Ibirapuera, a exposição estimula essa dinâmica. O visitante é então convidado a perceber a realidade ao redor de outra maneira e sobrepor outras camadas de realidade à sua existência.</p>



<p>As obras criadas especialmente para a exposição permitem o contato com diferentes realidades e/ou simulacros. O simulacro também é uma realidade. Uma realidade lúdica. Uma realidade política. Uma realidade fantástica. Uma realidade contraditória. Uma realidade biológica. Uma realidade invisível. Uma realidade decolonial. Um mosaico de existências que se sobrepõe a um ambiente complexo e diverso. Uma experiência de camadas que tornam possíveis novas formas de ver e ouvir.</p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Cauê Alves<br>Marcus Bastos<br>curadores</strong></p>



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<p class="has-small-font-size"><strong>Artistas: Coletivo Coletores | Daniel Lima | Dudu Tsuda | Eder Santos | Fernando Velázquez | Giselle Beiguelman | Katia Maciel | Lucas Bambozzi | Paola Barreto</strong> | <strong>Regina Silveira</strong></p>



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Parque Ibirapuera

Realidades e Simulacros


<p><strong>Antônio José de Barros Carvalho e Mello Mourão</strong>, o <strong>Tunga</strong>, nasceu em 1952, em Palmares, Pernambuco, viveu e trabalhou no Rio de Janeiro.</p>



<p>Foi o primeiro artista contemporâneo a exibir sua obra na pirâmide do Louvre, além de ter participado de exposições como a Bienal de Veneza, em 1982, e Documenta de Kassel, em 1992. Hoje, o trabalho do artista está nos acervos do MoMA, em Nova York; do Museum of Fine Arts de Houston; do Centre Pompidou, em Paris; do Barcelona Museum of Contemporary Art, e da Tate Modern, em Londres.</p>


Tunga

1 - Apresentação da Obra "Eu, Você e a Lua", de Tunga, na Sala de Vidro

2 - Descrição da obra

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<p class="has-small-font-size"><strong>permanência a transformação</strong></p>



<p><em>Eu, Você e a Lua</em> é um trabalho de<strong> Tunga</strong> inédito no Brasil e está entre as últimas obras realizadas pelo artista que iniciou sua produção na segunda metade dos anos de 1960. Ao longo de sua trajetória, <strong>Tunga</strong> se interessou pela alquimia, pela psicanálise, pelas ciências e pela filosofia. Ele construiu uma mitologia singular com imagens simbólicas e materiais em que as noções de permanência e transformação são fundamentais. É recorrente em sua obra a ideia de que “o trabalho é um conjunto de trabalhos”.</p>



<p>Mesmo com a profusão de objetos e materiais, em <em>Eu, Você e a Lua</em> há uma forte coerência entre as partes. Alguns elementos são recorrentes no vocabulário poético do artista, como garrafas de cristal, de gesso ou de resina, tanto ocas como sólidas. Espelhos, cristais, pedras, pratos presos em aros e hastes, além de correntes ou alças de couro fixadas em tripés também aparecem em outras obras de <strong>Tunga</strong>. Ao lado de um tronco petrificado de milhares de anos, o uso desses materiais pode evocar o orgânico e o inorgânico ou o natural e o artificial.</p>



<p>O fóssil de uma árvore que se manteve intacto, como se o tempo estivesse suspenso, convive com uma essência de âmbar, uma fragrância com toques amadeirados que goteja como se uma ampulheta marcasse a passagem do tempo e a transformação da matéria. Recorrendo ao olfato e à visão, os elementos originários e pré-históricos na obra de <strong>Tunga</strong> se fundem ao contemporâneo e à presença efêmera do perfume.</p>



<p>Fragmentos agigantados de um corpo humano, dedos polegares de bronze patinado apontam para baixo, enquanto espelhos arredondados e prateados como a lua refletem a luz que vem de cima. Escultura de dedos, como se estivessem duplicados, apontam para lados contrários, para o céu e para o solo. Uma delas de pedra, na horizontal, alinhada ao tronco, indica sentidos opostos e apontam para o eu e para o outro. O olhar de dois sujeitos pode atravessar o fóssil e se encontrar num único. Os dois lados já não parecem se opor. Na poética de <strong>Tunga</strong>, o que está no planeta Terra ou fora dele, o interno e o externo, assim como eu, você e a lua, formam um todo indivisível.</p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Cauê Alves<br>(curador-chefe do MAM São Paulo)</strong></p>



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Sala de Vidro

Parque Ibirapuera (Av. Pedro Álvares Cabral, s/nº - Portões 1 e 3)

até 10 pessoas por vez na sala expositiva

Eu, Você e a Lua, Tunga

Eu, Você e a Lua


<p>Nasceu em Neuchatel (Suíça), em 1931. Após a Segunda Guerra Mundial, imigrou para os EUA e, em 1955, imigrou para o Brasil. Desde então, a artista vive e trabalha em São Paulo. Durante a década de 70, Andujar recebeu bolsas da John Simon Guggenheim Foundation, e da Fundação de Apoio a Pesquisa (FAPESP), para fotografar e estudar a cultura Yanomami. De 1978 a 2000, <strong>Andujar</strong> trabalhou para a Comissão de Pró-Yanomami e coordenou a campanha para a demarcação do território Yanomami na Amazônia, criado em 1993. Em 2000, ela recebeu o Prêmio Anual de Liberdade Cultural [Fotografia] como defensora dos Direitos Humanos da Lannan Foundation, no Novo México (EUA). Em 2003, recebeu o Prêmio Severo Gomes da Comissão Teotônio Vilela de Direitos Humanos, São Paulo (Brasil), e em 2005, o Prêmio de Fotografia da APCA [Associação Paulista dos Críticos de Arte], pela exposição Vulnerabilidade do Ser, realizada na Pinacoteca do Estado de São Paulo. Em 2008, foi homenageada pelo Ministério da Cultura com a Ordem do Mérito Cultural 2008. Em 2010, recebeu o Prêmio Kassel Photobook Award pelo livro Marcados (CosacNaify), em Kassel, e em 2018 a Goethe-Medaille 2018, em Weimar, ambos na Alemanha.</p>


Claudia Andujar

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<p>A trajetória de <strong>Claudia Andujar </strong>(Suíça, 1931), que fugiu da perseguição nazista durante a Segunda Guerra Mundial, revela o modo como conflitos políticos interferem na vida de diversos povos. A artista chegou ao Brasil em 1955, país em que vive até hoje e onde se naturalizou em 1976. Sua vida é marcada pela luta por demarcação de terras Yanomami e por uma série de ensaios fotográficos dedicados aos povos indígenas no Brasil. <strong>Claudia Andujar</strong> se identifica com a vulnerabilidade do povo Yanomami e nos ensina que o outro é aquele que nos ajuda a entender quem somos.</p>



<p>A série <em>Sonhos Yanomami</em>, de 2002, foi elaborada a partir de seu acervo de imagens, da sobreposição de cromos e negativos realizados desde 1971, ocasião de sua primeira viagem para a bacia do rio Catrimani, em Roraima, território Yanomami homologado pelo governo brasileiro apenas em 1992. Trata-se de uma obra do período maduro da artista, que já possuía grande intimidade com a cultura do povo que a acolheu.</p>



<p>As imagens revelam algo dos rituais dos líderes espirituais Yanomami e a importância do sonho em sua cosmologia. Os xamãs, diferente dos demais, se deslocam durante o sonho na companhia dos espíritos, dos xapiri, que podem trazer conhecimento, cura e proteção para a comunidade. O sonho, longe de ser um fato banal que é esquecido depois de despertarem, é uma conexão profunda com os espíritos, que viajam para além do céu, da terra e do mundo subterrâneo, e voltam com ensinamentos sobre o que viram.</p>



<p>O trabalho de <strong>Claudia Andujar</strong> se comunica com a cosmologia Yanomami e sua sabedoria ancestral por meio de imagens. Corujas, garças, macacos e retratos de indígenas se mesclam com luzes, texturas de pedras e árvores, resultando em fotografias fantasmagóricas dos sonhos de um povo com uma cultura sofisticada.</p>



<p>No período em que foi revelado ao mundo mais um genocídio contra os Yanomami, cometido entre 2019 e 2022, devido ao incentivo ao garimpo ilegal e ao uso de armas, a mostra adquire um caráter simbólico para dar visibilidade aos valores indígenas. Essa também é uma história de aproximadamente 50 anos: os Yanomami vêm sendo dizimados ao menos desde 1973 com a construção da Rodovia Perimetral Norte (BR-210) e da abertura de dezenas de pistas de pouso de aeronaves.</p>



<p>A sobrevivência dos Yanomami, além de uma questão humanitária, assegura a proteção da floresta, a sustentabilidade ambiental e a vida no planeta. Os xamãs, os únicos que conseguem sonhar mais longe e ouvir as vozes dos espíritos da floresta, impedem a queda do céu, sustentado pelos xapiri, que mantêm o equilíbrio e a ordem do universo. O fim do mundo, o desabamento do céu, ocorrerá quando a floresta for exterminada e o último xamã morrer. O tempo para reverter a grande catástrofe está se esgotando.</p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Cauê Alves</strong></p>


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Projeto Parede

06 de setembro de 2023 a 28 de janeiro 2024

Museu de Arte Moderna de São Paulo (Projeto Parede)

 Parque Ibirapuera (Av. Pedro Álvares Cabral, s/nº – Portões 1 e 3)

Claudia Andujar no Projeto Parede

Sonhos Yanomami

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<p>O espaço ocupado por um museu de arte não é como outro qualquer. Especialmente os museus de arte moderna, já que foram em grande parte instalados em edifícios construídos especialmente para eles. Foi justamente através de projetos para esses museus que grandes nomes da arquitetura estabeleceram seus legados. Esse é o caso de <strong>Lina Bo Bardi</strong> (1914 – 1992), a arquiteta ítalo-brasileira responsável pelo projeto arquitetônico do MASP, do MAM Bahia e do atual edifício do MAM São Paulo, seu último trabalho museográfico.</p>



<p>Mesmo sendo um dos primeiros museus de arte moderna do mundo, o MAM São Paulo nunca teve uma sede construída especialmente para ele, ocupando ao longo de sua história uma série de espaços adaptados. Durante os primeiros anos, foi instalado no edifício dos Diários Associados na Rua Sete de Abril, num espaço projetado pelo arquiteto Vilanova Artigas. Depois, o MAM ocupou uma parte do Pavilhão Matarazzo, quando a Bienal de São Paulo ainda era um evento do museu. Após um período de reorganização devido à doação do seu acervo à USP em 1963, o MAM retomou suas atividades em 1969 numa nova sede: o edifício sob a marquise do Parque Ibirapuera.</p>



<p>Este espaço integra o conjunto arquitetônico do Parque desde a sua fundação em 1954. Após abrigar o Museu de Cera até, ao menos, o ano seguinte, recebeu a exposição Bahia no Ibirapuera de <strong>Lina Bo Bardi</strong> e <strong>Martim Gonçalves</strong> em 1959, e, depois, foi usado por quase uma década como depósito da Bienal. A partir da concessão para uso do edifício atribuída pela prefeitura em 1968, o MAM convidou <strong>Giancarlo Palanti </strong>para reformar o pavilhão que se tornaria a sede do museu. Mas foi apenas com a reforma projetada por Lina Bo Bardi (com colaboração de André Vainer e Marcelo Ferraz) em 1982 – entregue em 1983 – que o MAM executou a fachada de vidro que transformaria a sua relação com o Parque Ibirapuera.</p>



<p>Em 2023, o MAM identificou um desenho da arquiteta em meio aos documentos guardados pela biblioteca e retomou a pesquisa sobre a reforma realizada por <strong>Lina Bo Bardi</strong> há quarenta anos. Trata-se de um estudo para um dispositivo expográfico que ela propôs com o projeto da reforma em 1982. Os painéis desse dispositivo seguiriam uma espécie de linha paralela à fachada do museu, enfatizando a continuidade do espaço expositivo. Considerando as limitações que esses painéis fixos trariam para as exposições, a diretoria do museu à época optou por não realizá-los.</p>



<p>Dada a importância deste desenho para o legado da arquiteta e da sua relação com o edifício ocupado pelo MAM, o museu decidiu incorporá-lo ao acervo, junto às demais obras em papel da sua coleção. Na exposição, ele é apresentado com outros materiais referentes à reforma de <strong>Lina Bo Bardi</strong> no MAM, incluindo estudos em planta, fotos de maquete, e outros documentos que registram o estado anterior e posterior do edifício. Com isso, além de promover a pesquisa em torno da arquitetura de museus e, especialmente, da arte moderna, buscamos compreender melhor o trabalho e a herança deixada por <strong>Lina</strong>, que, com o êxito da sua marca museográfica, transformou o MAM num espaço contínuo com o Parque Ibirapuera.</p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Gabriela Gotoda<br>Pedro Nery<br>curadoria</strong></p>



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<p class="has-small-font-size"><strong>Agradecimento especial ao Instituto Bardi / Casa de Vidro e à sua equipe.</strong></p>



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<p></p>


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Biblioteca

06 de setembro de 2023 a 28 de janeiro de 2024

Museu de Arte Moderna de São Paulo (Biblioteca Paulo Mendes de Almeida)

Lina Bo Bardi e o MAM no Parque

Lina Bo Bardi e o MAM no parque


<p>Tem participado de exposições incluindo <em>Quando for sair lá fora</em> (BH, 2023), <em>Torso Pedra</em> (SP, 2021), <em>Efeito Tyndall</em> (SP, 2020), <em>Dear Amazon: Korea x Brazil</em> (Coréia do Sul, 2019); <em>In Memoriam</em> (RJ, 2017); <em>66º Salão Paranaense</em> (PR, 2017); <em>60 Anos Museu + Residência</em> (MG, 2017); <em>Bolsa Pampulha 2015/2016</em> (MG, 2016); <em>Some False Moves</em> (EUA, 2015); <em>Taipa Tapume</em> (SP, 2014); <em>Batalhão de Telegrafistas</em> (SP, 2014); 1<em>5º, 17º e 18º Festival Internacional SESC Videobrasil</em> (SP, 2005, 2011 e 2013); <em>Bienal de Filmes de Arte de Colônia</em> (Alemanha, 2005). Realizou as exposições individuais <em>Penca</em> (Projeto Jardim de esculturas / MAM &#8211; SP, 2023), <em>Outras naturezas</em> (SP, 2023), <em>Experimentos com o acaso</em> (França, 2016), <em>Chão</em> (SP, 2015); <em>Alexandre Brandão &#8211; II Mostra do CCSP</em> (SP, 2014), <em>Efeito sem causa</em> (SP, 2013), <em>Quase sombra</em> (SP, 2012) e<em> Entrebranco</em> (BH, 2006). Premiado na &#8220;5ª Bienal Interamericana de Videoarte&#8221; (EUA, 2010); em 2014 com a &#8220;Bolsa de Residência Artística ICCo / SP-Arte &#8211; Residency Unlimited&#8221; (NY/EUA) e em 2015 com a &#8220;6ª Bolsa Pampulha&#8221;, programa de residência do Museu de Arte da Pampulha (BH/MG). Em 2017, integrou os programas de residência JACA (MG) e Pivô Pesquisa em 2018 (SP).</p>


Alexandre Brandão


<p><strong>Angela Detanico </strong>e <strong>Rafael Lain</strong> trabalham juntos desde 1996. Semiologista e designer gráfico, nascidos respectivamente em 1974 e 1973, em Caxias do Sul (RS), moram e atuam em Paris. Seus trabalhos, em grande parte conceituais, mesclam gráficos, textos, sons e vídeos, quase sempre imbuídos de referências científicas, matemáticas e literárias.</p>



<p>Em 2002, a dupla participou de uma residência artística na capital francesa, no Palais de Tokyo. Dois anos depois, venceu o Nam June Paik, um dos mais prestigiados prêmios internacionais. No mesmo ano, em 2004, <strong>Angela</strong> e <strong>Rafael</strong> participam da Bienal de São Paulo, feito que se repete nas duas edições seguintes, em 2006 e 2008. Nesse meio tempo, em 2007, representaram o Brasil na 52ª Bienal de Arte de Veneza.</p>



<p>Uma seleção de shows solo inclui <em>Between Yesterday and Tomorrow </em>(2019), The Club, Tokio<em>; Archipel </em>(2018), Musée de l’Abbaye Sainte-Croix, Les Sables-d’Olonne, <em>Alfabeto Infinito</em> (2013), Fundação Iberê Camargo, Porto Alegre, <em>Um dado tempo um dado lugar</em> (2008), Museu de Arte da Pampulha, Belo Horizonte; <em>Inverse Times</em> (2007), Musée Zadkine, Paris; <em>After Utopia</em> (2006), Pharos Center for Contemporary Art, Nicósia.</p>



<p>Uma seleção de shows coletivos inclui: <em>The Moon</em> (2019), Grand Palais, Paris (França); <em>Unpacking My Library</em> (2018), Museu Nacional de Arte Contemporânea, Atenas (Grécia); <em>Paisagem Incompleta</em>, Centro Cultural Usiminas (2010), Ipatinga (Brasil); <em>Undefined borders for unlimited perceptions</em> (2009), Blindarte Contemporanea, Nápoles (Itália); <em>10ª Bienal Habana – Integración y resistencia en la era global </em>(2009), Havana (Cuba); MASH UP, Artspace (2009), Auckland (Nova Zelândia); <em>Volume V – I think I remember</em> (2009), Temple Bar Gallery, Dublin (Irlanda); <em>Programme “Satélite” Terrains de jeux ¾</em> (2008), Jeu de Paume, Paris (França); <em>Um dado tempo um dado lugar</em> (2008), Museu de Arte da Pampulha, Belo Horizonte (Brasil); <em>Inverse Times</em> (2007) Musée Zadkine, Paris (França); <em>Detanico, Lain, Optica Centre d’Art Contemporain</em> (2007) Montreal (Canadá); <em>3rd Media City</em> (2004), Seoul Museum of Art, Seoul (South Corea).</p>



<p>Suas obras fazem parte de coleções como Musée du Louvre, Paris (França); FNAC (França); FMAC (França); FRAC île-de-france, Le Plateau, Paris, (França); Musée d’Art modern et Contemporain, Abbaye Sainte-Croix, Les Sables d’Olonne, (França); Coleção de Arte Taguchi (Japão); Museu Municipal de Arte da Toyota, Tóquio (Japão); Centro Calego de Arte Contemporânea, Santiago de Compostela (Espanha); Cifo-Cisneros Fontanals Art Foundation (EUA); Colección Isabel y Agustin Coppel, CDMX (México); Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo (Brasil); MAMAM, Recife (Brasil); Instituto Figueiredo Ferraz, IFF, Ribeirão Preto (Brasil). Museu de Arte da Pampulha, Belo Horizonte (Brasil).</p>


Detanico Lain


<p>Formado em Artes Visuais e pós graduando em <em>Estudos Brasileiros: sociedade, educação e cultura</em>. Desde 2008, atua com educação não formal em contextos de vulnerabilidade social ou de disputas políticas, como Fundação CASA, Cracolândia e Albergues. Também ajudou a fundar diversos coletivos e movimentos sociais na região da Cracolândia como ativista. A atuação, nesses contextos, serve como pesquisa e, muitas vezes, ativação do trabalho que desenvolve.</p>



<p>Sua pesquisa é pautada pelas relações de classe, pretendendo dissolver uma lógica moral da sociedade em relação aos moradores de rua, usuários de droga e grupos periféricos. Deste modo, usa as instituições e o seu trabalho como ferramentas de fomento e educação, mediando os espaços de dentro e fora do circuito. Como ativadores dessa mediação, usa de estratégias de comunicação, economia solidária, substâncias psicoativas e ações de um cotidiano cultural invisibilizado e/ou marginalizado.</p>



<p>Já participou de exposições como <em>13a Bienal do Mercosul</em>, <em>36º Panorama da Arte Brasileira</em>, Museu de Arte Moderna de São Paulo (2019), <em>Quem não Luta tá Morto</em>, Museu de Arte do Rio (2018), <em>São Paulo não é uma cidade: invenções do centro</em>, SESC 24 de Maio (2017), <em>Metrópole: Experiência Paulistana</em>, Pinacoteca do Estado de São Paulo (2017) <em>X Bienal de Arquitetura de São Paulo</em>, Centro Cultural São Paulo (São Paulo, 2013).</p>


Raphael Escobar

Jardim de Esculturas

Jardim de Esculturas - Museu de Arte Moderna de São Paulo

Jardim de Esculturas: novas obras

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clube de  colecionadores

O Jardim de Esculturas foi projetado por Roberto Burle Marx para receber obras da coleção do MAM. Inaugurado em 1993, ele abriga 30 esculturas numa área de 6 mil metros quadrados, sendo um dos principais acervos brasileiros expostos a céu aberto. Visitas educativas acontecem regularmente.

jardim de esculturas

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