Aparelho cinecromático

O colecionador

Estrelas azuis (para sol)

Sem repressão há ordem

O telhado

Couros

Paisagem

Castro, Amilcar de

Flexor, Samson

Sem título

Metaesquema

Ferrari, León

Sacilotto, Luiz

Milhazes, Beatriz

Leonilson, José

Farkas, Thomaz

Barros, Geraldo de

Ohtake, Tomie


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<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online<br>Datas: 24 de novembro, 01, 08 e 15 de dezembro<br>Sextas-feiras<br>Horário: das 18h às 20h<br>Duração: 4 encontros<br>Público: interessados em geral<br>Investimento: R$ 350,00</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao vivo, via plataforma de videoconferência<br>Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado<br>Curso contempla certificado no final</strong></p>



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<div class="wp-block-buttons is-layout-flex">
<div class="wp-block-button"><a class="wp-block-button__link wp-element-button" href="https://www.sympla.com.br/evento-online/curso-online-a-arte-cura-com-katia-canton/2195444?referrer=www.google.com" target="_blank" rel="noreferrer noopener"><strong>inscrições aqui</strong></a></div>
</div>



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<p>O postulado da arte como cura tem se destacado cada vez mais nas discussões contemporâneas, especialmente após a pandemia. Mas de que tipo de cura estamos falando, e a que arte estamos nos referindo?</p>



<p>Partindo destas perguntas, este curso teórico busca explorar narrativas diversas relacionadas a esse tema, percorrendo construções que articulam a ideia de cura ou transformação por meio da produção e apreciação de diversas expressões artísticas.</p>



<p>As quatro aulas propostas servirão como estruturas panorâmicas para estimular debates sobre as diferentes interpretações do termo “cura”, analisando a arte de uma maneira transdisciplinar.</p>



<p>Este curso está aberto a todos os interessados no assunto, não sendo necessário possuir conhecimentos prévios para participar das aulas.</p>



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<p class="has-medium-font-size"><strong>Programação</strong></p>



<p><strong>Aula 1</strong></p>



<ul>
<li>Arte-cura e o zeitgeist do agora</li>



<li>Estética, cuidado de si, política e liberdade</li>



<li>Narrativas enviesadas de um uso da arte em pesquisas recentes nas áreas de saúde e neurociência</li>



<li>O surgimento da neuroestética e seus desdobramentos</li>



<li>Reflexões pós-pandêmicas sobre os lugares da arte</li>
</ul>



<p><strong>Aula 2</strong></p>



<ul>
<li>Uma pequena história da arte como história de cura e transcendência</li>



<li>A Grécia Antiga e seus métodos de cura</li>
</ul>



<p><strong>Aula 3</strong></p>



<ul>
<li>O pioneirismo de Osório César</li>



<li>A revolução de Nise da Silveira</li>



<li>O surgimento da arte-terapia e suas interfaces com a arte-educação: experiências, invenções e a arte como política de liberdade</li>
</ul>



<p><strong>Aula 4</strong></p>



<p>Apresentação de artistas, inventores-sobreviventes, protagonistas de uma arte curativa: olhando para a produção de Hilma von Klimt, Leonora Carrington, Jean Dubuffet, Arthur Bispo do Rosário, Aurora Cursino, Ann Halprin, Maria Fux, Marina Abramović, Lygia Clark, Tunga, Ernesto Neto, entre outros.</p>



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                <div>
                    <h5>Katia Canton</h5>
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                                        <div class="text">
                        
<p>Artista visual, escritora, psicanalista, professora e curadora. Estudou arquitetura, dança e formou-se jornalista pela ECA USP, em São Paulo. Também estudou literatura e civilização francesas no curso de estudos superiores dado pela Aliança Francesa juntamente com a Universidade de Nancy II. Em 1984 transferiu-se para Paris, com uma bolsa de estudos de dança moderna no estúdio Peter Goss.<br>Viveu em Nova York por oito anos, onde trabalhou como repórter para vários jornais e revistas e realizou mestrado e doutorado na New York University. Sua pesquisa acadêmica é interdisciplinar e relaciona as artes e os contos de fadas, de várias épocas e culturas do mundo. Trabalhou um ano e meio como bolsista no MoMA, de Nova York, criando projetos de arte e narrativa no departamento de educação. De volta ao Brasil, ingressou como docente na Universidade de São Paulo, sendo professora associada do Museu de Arte Contemporânea (onde foi vice-diretora) e do programa de pós-graduação Interunidades em Estética e História da Arte.<br>Seu trabalho artístico é multimídia, incluindo desenho, pintura, fotografia e objetos, e conceitualmente se liga a questões sobre sonho, desejos e narrativas. Tem realizado exposições em museus, galerias e instituições culturais no Brasil e no exterior, desde 2008.<br>Como autora, além de escrever livros sobre arte, criou mais de 50 livros ilustrados para o público infantil e juvenil, tendo recebido vários prêmios, no Brasil e no exterior. Entre eles, recebeu por três vezes o prêmio Jabuti, prêmios da Fundação Nacional do Livro Infantil e Juvenil.</p>
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<p><strong>Amigo MAM tem 20% de desconto. <a href="https://amigo.mam.org.br/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Faça parte</a>!<br>Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto</strong><br>Dúvidas:<br><a href="cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br<br></a>WhatsApp: <a href="https://wa.me/5511997743987" target="_blank" rel="noreferrer noopener">11 99774 3987</a></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (<a href="mailto:cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br</a>). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.</strong></p>



<hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" />



<p class="has-small-font-size"><strong>créditos</strong><br>Fonte: Katia Canton</p>


artes visuais

cursos

online

teóricos

24 de novembro, 01, 08, 15 de dezembro de 2023

De 24 de novembro a 15 de dezembro de 2023

a arte cura?, com Katia Canton


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<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online<br>Datas: 09, 16, 23, 30 de agosto, 06, 13, 20, 27 de setembro, 04, 11, 18, 25 de outubro, 01, 08, 22 e 29 de novembro</strong><br><strong>Duração: 16 encontros<br>Público: interessados em geral<br>Investimento: R$ 1.280,00</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado<br>Contempla certificado no final</strong></p>



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<div class="wp-block-buttons is-layout-flex">
<div class="wp-block-button"><a class="wp-block-button__link wp-element-button" href="https://www.sympla.com.br/evento-online/curso-online-fotografia-autoral-com-marcelo-greco/2065133" target="_blank" rel="noreferrer noopener"><strong>inscrições aqui</strong></a></div>
</div>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>Neste curso, são apresentados os trabalhos de fotógrafos renomados para contribuir com o entendimento e desenvolvimento da autoria na fotografia, inserindo o trabalho dos autores nas condições socioculturais que os influenciaram.</p>



<p>Em um segundo momento de cada aula, são discutidos os materiais apresentados pelos alunos, buscando, por meio das reflexões do grupo, quais questões pertinentes são expostas no material apresentado e quais caminhos são sugeridos ao autor.</p>



<p>O curso de fotografia autoral é voltado para fotógrafos que desejam aprimorar e aprofundar sua criatividade, explorando as narrativas visuais presentes nas imagens e desenvolvendo formas de expressão artística.</p>



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                    <h5>Marcelo Greco</h5>
                                        <div class="location-birth">(1966 &#8211; )</div>
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                                        <div class="text">
                        
<p>Nascido em 1966, Marcelo Greco trabalha com fotografia desde 1996. Desenvolve projetos nos principais museus do país, como MAM e MASP. Fez diversas exposições individuais e coletivas no Brasil e no exterior. Faz parte de algumas coleções como da Coleção Joaquim Paiva, Fundação Cultural de Curitiba, Pinacoteca do Estado de SP, etc. Foi curador geral do Festival Paraty em Foco em 2008. Em 2009, criou a Schoeler Editions.</p>
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<p><strong>Amigo MAM tem 20% de desconto. <a href="https://amigo.mam.org.br/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Faça parte</a>!<br>Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto</strong><br>Dúvidas:<br><a href="cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br<br></a>WhatsApp: <a href="https://wa.me/5511997743987" target="_blank" rel="noreferrer noopener">11 99774 3987</a></p>



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<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (<a href="mailto:cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br</a>). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.</strong></p>



<hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" />



<p class="has-small-font-size"><strong>créditos</strong><br>Foto: Marcelo Greco</p>


fotografia

09, 15, 22, 29 de agosto, 06, 13, 20, 27 de setembro, 04, 11, 18, 25 de outubro, 01, 08, 22, 29 de novembro de 2023

fotografia autoral, com Marcelo Greco


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<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online<br>Datas: 19 e 26 de outubro, 09, 16, 23 e 30 de novembro<br>Quintas-feiras<br>Horário: das 19h às 21h<br>Duração: 6 encontros<br>Público: interessados em geral<br>Investimento: R$520,00</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao vivo, via plataforma de videoconferência<br>Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado<br>Contempla certificado no final</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<div class="wp-block-buttons is-layout-flex">
<div class="wp-block-button"><a class="wp-block-button__link wp-element-button" href="https://www.sympla.com.br/evento-online/curso-online-arte-contemporanea-modos-de-usar-com-paula-braga/2125180" target="_blank" rel="noreferrer noopener"><strong>inscrições aqui</strong></a></div>
</div>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>O curso baseia-se no livro <em>Arte Contemporânea: modos de usar</em>, de <strong>Paula Braga</strong>, publicado pela editora Elefante em 2021. Ao longo das aulas, serão discutidas algumas passagens da produção filosófica de <strong>Friedrich Nietzsche</strong>, <strong>Gilles Deleuze</strong>, <strong>Giorgio Agamben</strong>, <strong>Byung-Chul Han</strong> e <strong>Jacques Rancière</strong> para investigar a proposta de que a vida é uma obra de arte e que, portanto, cada um é o artista compositor de uma obra.</p>



<p>O livro que embasa as discussões abre cada capítulo com uma crônica, um relato de alguma vivência banal que, ao ser elaborada em conversas imaginárias com uma rede de filósofos e artistas, insufla no dia-a-dia a intensidade da arte.</p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-medium-font-size"><strong>Programação</strong></p>



<p><strong>Aula 1</strong></p>



<ul>
<li>A cidade e o corpo no espaço comum</li>



<li>Andando por aí: o espaço estriado e o espaço liso em Gilles Deleuze</li>



<li>O delirium ambulatorium em Hélio Oiticica</li>
</ul>



<p><strong>Aula 2</strong></p>



<ul>
<li>O que é o contemporâneo</li>



<li>Giorgio Agamben e o contemporâneo</li>



<li>Byung-Chul Han e o excesso de positividade</li>
</ul>



<p><strong>Aula 3</strong></p>



<ul>
<li>O que é o ato de criação</li>



<li>Deleuze e a resistência da arte</li>



<li>Cildo Meireles e as inserções em circuitos ideológicos</li>
</ul>



<p><strong>Aula 4</strong></p>



<ul>
<li>Nietzsche e a transvaloração</li>



<li>Apolo e Dionísio</li>



<li>Eu só acreditaria em um deus que soubesse dançar</li>



<li>Hélio Oiticica e a dança</li>
</ul>



<p><strong>Aula 5</strong></p>



<ul>
<li>Jacques Rancière e a partilha do sensível</li>



<li>Emancipação e embrutecimento</li>



<li>A partilha do sensível</li>



<li>Os regimes da arte</li>
</ul>



<p><strong>Aula 6</strong></p>



<ul>
<li>Jacques Rancière e o espectador emancipado</li>



<li>O espectador emancipado</li>



<li>Arte, política e o regime estético</li>
</ul>



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                <div>
                    <h5>Paula Braga</h5>
                                    </div>
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                <div class="bio">
                                        <div class="text">
                        
<p>É professora de Estética e Filosofia da Arte na UFBAC. Graduada em Ciência da Computação pela USP e em Artes Visuais pela University of Illinois, concluiu mestrado em História da Arte na University of Illinois e doutorado em Filosofia na USP. É autora de <em>Hélio Oiticica: singularidade, multiplicidade</em> (Ed. Perspectiva, 2013) e de <em>Arte Contemporânea: modos de usar</em> (Ed. Elefante, 2021). Também organizou a coletânea <em>Fios soltos: a arte de Hélio Oiticica</em> (Ed. Perspectiva, 2008) e contribui com artigos em revistas acadêmicas e de divulgação.</p>
                    </div>
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<p><strong>Amigo MAM tem 20% de desconto. <a href="https://amigo.mam.org.br/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Faça parte</a>!<br>Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto</strong><br>Dúvidas:<br><a href="cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br<br></a>WhatsApp: <a href="https://wa.me/5511997743987" target="_blank" rel="noreferrer noopener">11 99774 3987</a></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (<a href="mailto:cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br</a>). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.</strong></p>



<hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" />



<p class="has-small-font-size"><strong>créditos</strong><br>Reprodução da obra <em>Vai passar?</em>, de <strong>Marcos Chaves</strong>, que aparece na capa do livro <em>Arte contemporânea: modos de usar</em>, de <strong>Paula Braga</strong>.</p>


19, 26 de outubro, 09, 16, 23, 30 de novembro de 2023

De 19 de outubro a 30 de novembro de 2023

arte contemporânea: modos de usar, com Paula Braga


<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Curso  online<br>Datas: 06, 13 e 27 de novembro e 04, 11 e 18 de dezembro<br>Segundas-feiras<br>Horário: das 19h às 21h<br>Duração: 6 encontros<br>Público: interessados em geral<br>Investimento: R$520,00</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao vivo, via plataforma de videoconferência<br>Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado<br>Contempla certificado no final</strong></p>



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<div class="wp-block-buttons is-layout-flex">
<div class="wp-block-button"><a class="wp-block-button__link wp-element-button" href="https://www.sympla.com.br/evento-online/curso-online-artes-incoerentes-cubismo-dadaismo-abstracionismo-surrealismo-com-denis-molino/2195665?referrer=www.google.com" target="_blank" rel="noreferrer noopener"><strong>inscrições aqui</strong></a></div>
</div>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>As &#8220;Artes Incoerentes&#8221; referem-se a um grupo inusitado de jovens artistas, desde caricaturistas até teatrólogos, que deixaram sua marca no cenário cultural de Paris nos anos 1880 por meio de exposições cheias de comédia e iconoclastia. Nessas exposições, pinturas, esculturas e desenhos muitas vezes se misturavam com materiais e suportes incomuns, posteriormente conhecidos como &#8220;técnica mista&#8221;. Curiosamente, os Incoerentes, liderados por <strong>Jules Lévy</strong>, não são mencionados nos manuais de história da arte, sendo completamente desconhecidos no Brasil e ainda pouco discutidos na França até hoje.</p>



<p>No entanto, é importante notar que algumas técnicas e expressões libertárias associadas aos movimentos de arte das primeiras décadas do século XX, como ação performática, monocromia, colagem, assemblage e objet trouvé, já estavam presentes nas manifestações dos Incoerentes, mesmo que esses termos ou conceitos não fossem utilizados por eles.</p>



<p>Este curso tem um duplo propósito. Em primeiro lugar, visa apresentar os principais membros do grupo, como <strong>Jules Lévy, Émile Goudeau, Alphonse Allais, Eugène Mesplès, Bridet </strong>e <strong>Sapeck</strong>, juntamente com suas ideias artísticas. Isso será feito levando em consideração documentos da época, como textos de jornais e catálogos de exposições, além de depoimentos dos próprios artistas e análises das poucas obras que sobreviveram. Em segundo lugar, o curso pretende destacar as semelhanças entre as Artes Incoerentes e certas vanguardas artísticas, como os Dadaístas e Surrealistas. Mesmo que esses movimentos não tenham necessariamente adotado as técnicas introduzidas pelos Incoerentes, estes últimos proclamaram ironicamente, desde 1882, a &#8220;morte do desenho! Morte da linha! Morte da forma! &#8211; Viva a ideia!&#8221;.</p>



<p>O curso será dividido em seis encontros, sendo os três primeiros focados na discussão sobre os Incoerentes e suas práticas. Durante essas sessões, serão examinadas as cerca de meia dúzia de exposições do grupo, que contaram com a participação de mais de quinhentos artistas. Os três últimos encontros serão dedicados a investigar as inovações introduzidas pelos Incoerentes em artistas tão diversos quanto <strong>Picasso, Maliévitch, Duchamp, Picabia </strong>e<strong> Yves Klein</strong>, entre outros.</p>



<p>Destacar o poder provocativo das Artes Incoerentes convida à reavaliação dos cânones e suposições que sustentam parte das artes modernas, desafiando discursos consolidados sobre a força inaugural atribuída às chamadas &#8220;Vanguardas Europeias&#8221;.</p>



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                    <h5>Denis Bruza Molino</h5>
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<p>Doutor e mestre em Filosofia pela USP. Foi curador-assistente do MASP (2008 &#8211; 2014) e fez a curadoria do Acervo Artístico da Câmara Municipal de São Paulo (2016). Como professor de história da arte e de mitologia greco-latina, tem ministrado cursos em diversos museus desde de 2007. Atua também como palestrante em centros culturais, galerias e ateliês de arte.</p>
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<p><strong>Amigo MAM tem 20% de desconto. <a href="https://amigo.mam.org.br/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Faça parte</a>!<br>Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto</strong><br>Dúvidas:<br><a href="cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br<br></a>WhatsApp: <a href="https://wa.me/5511997743987" target="_blank" rel="noreferrer noopener">11 99774 3987</a></p>



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<p class="has-small-font-size"><strong>Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (<a href="mailto:cursos@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">cursos@mam.org.br</a>). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.</strong></p>



<hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" />



<p class="has-small-font-size"><strong>créditos</strong><br>Pablo Picasso. Paysage aux deux figures, 1908. Musée Picasso, Paris, France. 60 x 73 cm</p>


06, 13, 27 de novembro, 04, 11, 18 de dezembro de 2023

De 06 de novembro a 18 de dezembro de 2023

artes incoerentes: cubismo, dadaísmo, abstracionismo, surrealismo, com Denis Molino


<p class="has-regular-font-size"><strong>Datas: </strong>09, 16, 23, 30 de agosto, 06, 13, 20, 27 de setembro, 04, 11, 18, 25 de outubro, 01, 08, 22 e 29 de novembro de 2023<br><strong>Horário:</strong> Quartas-feiras, das 15h às 17h, presencial<br><strong>Professora: </strong>Laura Teixeira</p>



<p class="has-small-font-size"></p>



<p class="has-regular-font-size">Espaço de pesquisa em desenho e outras linguagens gráficas, envolvendo colagem e impressão com diversos materiais, onde as propostas serão muitas vezes norteadas pelo diálogo com materiais específicos – utilizados tradicionalmente para desenho ou não – levando em conta suas restrições e possibilidades. Teremos certa flexibilidade no planejamento dos encontros semanais de modo a incorporar eventuais demandas específicas do grupo, em práticas individuais e coletivas.</p>



<p class="has-regular-font-size"><strong>mais informações</strong><br>igualdiferente@mam.org.br ou Whatsapp: (11) 99850-3213<br>(somente mensagens – texto, áudio ou vídeo)</p>



<p></p>



<p><strong>Inscrições abertas a partir do dia 11 de julho</strong></p>



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                    <h5>Laura Teixeira</h5>
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                    <div class='photo'><img src='https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/04/laura-teixeira-440x440.jpg' alt='Laura Teixeira' /></div>                    <div class="text">
                        
<p>Artista, ilustradora e educadora. Fez mestrado em design de livros na FAU-USP e, em 2004, especializou-se na Eina-UAB (Barcelona). Publicou, entre outros títulos, “Pássaro-desenho” e “Bolinha branca” (Mov Palavras, 2015). Ilustrou textos de Hilda Hilst, John Williams, John Banville e Raimundo Carrero. Colaborou com as editoras Cosac Naify e Biblioteca Azul, além de jornais e revistas como Folha de São Paulo, Le Monde Diplomatique, Quatro cinco um e Cult. Dá aulas no programa Igual Diferente do MAM São Paulo e na graduação da EBAC – Escola Britânica de Artes Criativas, onde é Module Leader do BA Illustration Programme.</p>
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<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230419-170046.jpg"><img decoding="async" loading="lazy" width="1920" height="1299" src="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230419-170046-1920x1299.jpg" alt="" class="wp-image-139334" srcset="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230419-170046-1920x1299.jpg 1920w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230419-170046-1232x834.jpg 1232w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230419-170046-281x190.jpg 281w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230419-170046-440x298.jpg 440w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230419-170046-950x643.jpg 950w" sizes="(max-width: 1920px) 100vw, 1920px" /></a></figure>



<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-1133562.jpg"><img decoding="async" loading="lazy" width="1031" height="1746" src="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-1133562.jpg" alt="" class="wp-image-139355" srcset="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-1133562.jpg 1031w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-1133562-281x476.jpg 281w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-1133562-440x745.jpg 440w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-1133562-950x1609.jpg 950w" sizes="(max-width: 1031px) 100vw, 1031px" /></a></figure>



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<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-122953.jpg"><img decoding="async" loading="lazy" width="1765" height="1279" src="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-122953.jpg" alt="" class="wp-image-139354" srcset="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-122953.jpg 1765w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-122953-1232x893.jpg 1232w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-122953-281x204.jpg 281w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-122953-440x319.jpg 440w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-122953-950x688.jpg 950w" sizes="(max-width: 1765px) 100vw, 1765px" /></a></figure>



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<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-122524.jpg"><img decoding="async" loading="lazy" width="1576" height="1116" src="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-122524.jpg" alt="" class="wp-image-139352" srcset="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-122524.jpg 1576w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-122524-1232x872.jpg 1232w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-122524-281x199.jpg 281w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-122524-440x312.jpg 440w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-122524-950x673.jpg 950w" sizes="(max-width: 1576px) 100vw, 1576px" /></a></figure>



<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-113031.jpg"><img decoding="async" loading="lazy" width="1383" height="1972" src="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-113031.jpg" alt="" class="wp-image-139351" srcset="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-113031.jpg 1383w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-113031-1232x1757.jpg 1232w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-113031-281x401.jpg 281w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-113031-440x627.jpg 440w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-113031-950x1355.jpg 950w" sizes="(max-width: 1383px) 100vw, 1383px" /></a></figure>



<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-121533.jpg"><img decoding="async" loading="lazy" width="1131" height="809" src="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-121533.jpg" alt="" class="wp-image-139350" srcset="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-121533.jpg 1131w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-121533-281x201.jpg 281w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-121533-440x315.jpg 440w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-121533-950x680.jpg 950w" sizes="(max-width: 1131px) 100vw, 1131px" /></a></figure>



<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-115838.jpg"><img decoding="async" loading="lazy" width="1547" height="1206" src="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-115838.jpg" alt="" class="wp-image-139348" srcset="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-115838.jpg 1547w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-115838-1232x960.jpg 1232w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-115838-281x219.jpg 281w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-115838-440x343.jpg 440w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-115838-950x741.jpg 950w" sizes="(max-width: 1547px) 100vw, 1547px" /></a></figure>



<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-121325.jpg"><img decoding="async" loading="lazy" width="1865" height="770" src="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-121325.jpg" alt="" class="wp-image-139349" srcset="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-121325.jpg 1865w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-121325-1232x509.jpg 1232w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-121325-281x116.jpg 281w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-121325-440x182.jpg 440w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-121325-950x392.jpg 950w" sizes="(max-width: 1865px) 100vw, 1865px" /></a></figure>



<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-115045.jpg"><img decoding="async" loading="lazy" width="1141" height="1538" src="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-115045.jpg" alt="" class="wp-image-139347" srcset="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-115045.jpg 1141w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-115045-281x379.jpg 281w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-115045-440x593.jpg 440w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-115045-950x1281.jpg 950w" sizes="(max-width: 1141px) 100vw, 1141px" /></a></figure>



<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-114705.jpg"><img decoding="async" loading="lazy" width="1425" height="2047" src="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-114705.jpg" alt="" class="wp-image-139346" srcset="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-114705.jpg 1425w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-114705-1232x1770.jpg 1232w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-114705-281x404.jpg 281w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-114705-440x632.jpg 440w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-114705-950x1365.jpg 950w" sizes="(max-width: 1425px) 100vw, 1425px" /></a></figure>



<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-114440.jpg"><img decoding="async" loading="lazy" width="1920" height="1376" src="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-114440-1920x1376.jpg" alt="" class="wp-image-139344" srcset="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-114440-1920x1376.jpg 1920w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-114440-1232x883.jpg 1232w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-114440-281x201.jpg 281w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-114440-440x315.jpg 440w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-114440-950x681.jpg 950w" sizes="(max-width: 1920px) 100vw, 1920px" /></a></figure>



<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230614-163601.jpg"><img decoding="async" loading="lazy" width="1882" height="2465" src="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230614-163601.jpg" alt="" class="wp-image-139342" srcset="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230614-163601.jpg 1882w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230614-163601-1232x1614.jpg 1232w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230614-163601-281x368.jpg 281w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230614-163601-440x576.jpg 440w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230614-163601-950x1244.jpg 950w" sizes="(max-width: 1882px) 100vw, 1882px" /></a></figure>



<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230315-164638-scaled.jpg"><img decoding="async" loading="lazy" width="1920" height="1083" src="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230315-164638-1920x1083.jpg" alt="" class="wp-image-139340" srcset="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230315-164638-1920x1083.jpg 1920w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230315-164638-1232x695.jpg 1232w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230315-164638-281x158.jpg 281w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230315-164638-440x248.jpg 440w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230315-164638-950x536.jpg 950w" sizes="(max-width: 1920px) 100vw, 1920px" /></a></figure>



<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-113234-scaled.jpg"><img decoding="async" loading="lazy" width="1920" height="1385" src="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-113234-1920x1385.jpg" alt="" class="wp-image-139338" srcset="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-113234-1920x1385.jpg 1920w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-113234-1232x888.jpg 1232w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-113234-281x203.jpg 281w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-113234-440x317.jpg 440w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-113234-950x685.jpg 950w" sizes="(max-width: 1920px) 100vw, 1920px" /></a></figure>



<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-112854.jpg"><img decoding="async" loading="lazy" width="1385" height="1971" src="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-112854.jpg" alt="" class="wp-image-139336" srcset="https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-112854.jpg 1385w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-112854-1232x1753.jpg 1232w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-112854-281x400.jpg 281w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-112854-440x626.jpg 440w, https://admin.mam.org.br/wp-content/uploads/2023/07/20230627-112854-950x1352.jpg 950w" sizes="(max-width: 1385px) 100vw, 1385px" /></a></figure>
</figure>
</div>


2º semestre

igual diferente

Linguagens Gráficas com Laura Teixeira

<p class="has-small-font-size">com <strong>MAM Educativo</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>&#8220;Para ler junto&#8221; é um espaço de encontro dedicado às mais diversas formas de leitura que inspiram a exposição <em><a href="https://mam.org.br/exposicao/maos-35-anos-da-mao-afro-brasileira">Mãos: 35 anos da Mão Afro-Brasileira</a></em>. É proposto que estas leituras ocorram de maneira coletiva e dinâmica para que, juntos, ampliemos nossas compreensões sobre arte e os temas relacionados à exposição.</p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p class="has-small-font-size"><strong>Atividade presencial, gratuita e livre para todos os públicos. </strong><br><strong>Inscrições com 30 minutos de antecedência com o MAM Educativo na recepção do MAM. </strong><br><strong>Para intérprete de Libras ou audiodescrição, solicitar pelo e-mail <a href="mailto:educativo@mam.org.br" target="_blank" rel="noreferrer noopener">educativo@mam.org.br</a> com até 48h de antecedência. </strong><br><strong>A participação nas atividades educativas garantem a gratuidade nas exposições do MAM.</strong></p>



<div style="height:20px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>Essa atividade faz parte do <strong>Programa de Visitação</strong>.</p>


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                    patrocínio&nbsp;
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            </div>
        
    </div>
    
</div>

atividades presenciais

educativo

Para ler junto na exposição “Mãos: 35 anos da Mão Afro-Brasileira”

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<p>Em 1988, celebrou-se entre nós o centenário da Abolição da Escravidão, e várias iniciativas, de caráter público ou privado, foram promovidas para festejar a efeméride. O mesmo ano via surgir a nova carta magna da República, a Constituição que ampliava ou instituía direitos até então recusados a mulheres, negros, negras e originários. A celebração também deu ensejo a protestos daqueles que, justamente, entendiam ser pífios os avanços do combate às desigualdades de raça, gênero e classe, profunda e historicamente arraigadas na sociedade brasileira.</p>



<p>Nessa ocasião, tanto a exposição <em>A Mão Afro-Brasileira – Significado da contribuição artística e histórica</em>, organizada por <strong>Emanoel Araujo </strong>e realizada no MAM, quanto a nova Constituição foram resultados da luta obstinada daqueles que entendiam a necessidade de construir uma sociedade que, por ser justa e igualitária, seria também mais comprometida com a democracia.</p>



<p>O lapso de tempo que separa a exposição de 1988 desta, <em>Mãos: 35 anos da Mão Afro-Brasileira</em>, foi repleto de acontecimentos historicamente significativos, que acabaram por confirmar a relevância das instituições culturais do país, pois afirmam, igualmente, a importância central que a educação (formal e não formal) ocupa no combate às mazelas que secularmente nos assombram. Entre elas, o racismo estrutural que, apesar dos avanços que paulatina e lentamente vão sendo feitos, permanece, infelizmente, como característica comum ao cotidiano de milhões de afrodescendentes que são por ele infelicitados.</p>



<p>Entre as importantes conquistas observadas está, justamente, o debate sobre a constituição dos acervos dos nossos museus e sobre como eles espelham, ou não, a diversidade étnica, de gênero e classe da população do país. No momento em que se estabelece o necessário e profícuo debate sobre a relevância e circulação da produção intelectual e artística de minorias secularmente excluídas, convém lembrar a importância pioneira da mostra de 1988.</p>



<p>A exposição<em> Mãos</em> acaba por celebrar a memória de <strong>Emanoel Araujo</strong> – criador do Museu Afro Brasil, que hoje recebe seu nome –, um polímata que, falecido há um ano, no dia 7 de setembro de 2022, catalisou, a partir da sua pioneira e corajosa atuação, a vontade de todos os que desejam a promoção da cultura afro-diaspórica, por entendê-la parte valiosa e inextrincável de um patrimônio que pertence a toda a humanidade.</p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Claudinei Roberto da Silva<br>curador</strong></p>



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<p class="has-small-font-size"><strong>Artistas</strong></p>



<p class="has-small-font-size"><strong>MAM São Paulo (Sala Paulo Figueiredo)<br></strong>Agnaldo Manuel dos Santos, Aline Bispo, Almandrade, André Ricardo, Arthur Timótheo da Costa, Betto Souza, Claudio Cupertino, Cosme Martins, Denis Moreira, Diogo Nógue, Edival Ramosa, Edu Silva, Emanoel Araujo, Emaye &#8211; Natalia Marques, Eneida Sanches, Estevão Roberto da Silva, Flávia Santos, Genilson Soares, Heitor dos Prazeres, João Timótheo da Costa, Jorge dos Anjos, José Adário dos Santos, Leandro Mendes, Luiz 83, Maria Lídia Magliani, Maurino de Araújo, May Agontinmé, Mestre Didi, Néia Martins, Nivaldo Carmo, Otávio Araújo, Paulo Nazareth, Peter de Brito, Rebeca Carapiá, Rommulo Vieira Conceição, Rosana Paulino, Rubem Valentim, Sérgio Adriano H, Sidney Amaral, Sonia Gomes, Taygoara Schiavinoto, Wilson Tibério e Yêdamaria.</p>



<p class="has-small-font-size"><strong>MAB Emanoel Araujo (Biblioteca Carolina Maria de Jesus)<br></strong>Emanoel Araujo, Denis Moreira, May Agontinmé, Juliana dos Santos, Lidia Lisbôa e Renata Felinto.</p>



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em cartaz

Sala Paulo Figueiredo

20 de outubro de 2023 a 03 de março de 2024

Museu de Arte Moderna de São Paulo (sala Paulo Figueiredo) e Museu Afro Brasil Emanoel Araujo

Parque Ibirapuera (Av. Pedro Álvares Cabral, s/nº – Portões 1 e 3)

terça a domingo, das 10h às 18h (com a última entrada às 17h30)

R$30,00 inteira e R$15,00 meia-entrada. Aos domingos, a entrada é gratuita e o visitante pode contribuir com o valor que quiser.

Parque Ibirapuera (Av. Pedro Álvares Cabral, s/nº - acesso pelo portão 10)

terça a domingo, das 10h às 17h (com permanência até às 18h)

R$15,00 inteira e R$7,50 meia-entrada. Às quartas-feiras a entrada é gratuita para todos os públicos. Para ingressos antecipados, acesse: https://museuafrobrasil.byinti.com/#/ticket/

Mãos: 35 anos da Mão Afro-Brasileira

01 - Apresentação da exposição "Murilo Mendes, poeta crítico o infinito íntimo"

02 - Descrição do Espaço Expositivo

03 - Retrato de Murilo Mendes - Alberto da Veiga Guignard

04 - Sem título - Ismael Nery

05 - O Circo - Djanira da Motta e Silva

06 - Interior (Casa da Artista em Santa Teresa - RJ) - Maria Helena Vieira da Silva

07 - Ciclistas - Milton Dacosta

08 - Manequins - Giorgio de Chirico

09 - Concetto Spaziale, Attese - Lucio Fontana

10 - Relevo n. 1 - Frans Krajcberg

11 - Situação 1, 2 e 3 - Maria Bonomi

12 - Figura - Bruno Giorgi

13 - O paraquedista - Oswaldo Goeldi

14 - Banhista no trampolim - Giuseppe Capogrossi

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<p>Desde seu encontro com <strong>Ismael Nery</strong>, em 1921, até sua morte em 1975, <strong>Murilo Mendes </strong>foi uma das figuras mais influentes da vida artística brasileira. Foi crítico de arte, colecionador, organizador de exposições, além de poeta. Exerceu papel determinante na formação de toda uma geração de críticos, de <strong>Mario Pedrosa a Antônio Bento</strong> e <strong>Rubens Navarra</strong> e foi interlocutor de <strong>Mário de Andrade </strong>no que diz respeito à arte carioca. Essa importância, no entanto, raramente lhe é reconhecida.</p>



<p>Seu pensamento crítico encontra-se espalhado em jornais e revistas, em muitos poemas e prosas poéticas, entretanto somente no fim da vida Murilo organizou parte de seus textos críticos em um volume publicado postumamente, A invenção do finito. Em 1994, sua coleção de arte foi adquirida pela Universidade Federal de Juiz de Fora, que criou o Museu de Arte Murilo Mendes (MAMM) e desde então organiza mostras e publicações sobre o acervo. Esta exposição teria sido impossível sem o trabalho rigoroso que o MAMM vem desenvolvendo há décadas.</p>



<p>A exposição está dividida em três blocos: o primeiro aborda o círculo de Murilo Mendes e <strong>Ismael Ner</strong>y no Rio de Janeiro nas décadas de 1920 e 1930, com alguns desdobramentos na década seguinte. Nessa fase, <strong>Murilo</strong> apoia um conjunto de artistas como o próprio <strong>Nery</strong>, <strong>Cícero Dias</strong>, <strong>Alberto da Veiga Guignard </strong>e <strong>Jorge de Lima</strong>, que cultivam uma relação estreita entre artes plásticas e poesia, próximos das poéticas surrealistas e metafísicas, mas com divergências. Por outro lado, opõe-se às tendências dominantes na época, realistas e defensoras de uma volta ao métier, a serviço do nacionalismo e do engajamento social. É a fase “rebelde” de Murilo.</p>



<p>O segundo bloco da exposição abrange de meados da década de 1930 até sua mudança para a Itália em 1957. <strong>Mendes</strong> já é um poeta famoso e um crítico influente. Seu leque de interesses se amplia: <strong>Lasar Segall</strong>, <strong>Bruno Giorgi</strong>,<strong> Maria Martins</strong>, <strong>Alberto Magnelli</strong>. Começa a montar uma coleção de arte que reunia várias obras adquiridas em suas viagens à Europa.</p>



<p>De grande importância, nessa fase, é a convivência com artistas que chegaram ao Rio de Janeiro da Europa fugindo do nazismo, em particular com o casal <strong>Maria Helena Vieira da Silva</strong> e<strong> Arpad Szenes</strong>. O círculo que se forma em volta desses artistas inclui <strong>Milton Dacosta, Djanira, Ione Saldanha, Almir Mavignier, Carlos Scliar, Fayga Ostrower</strong>, entre outros. <strong>Murilo</strong> passa a se interessar por poéticas abstracionistas, mas não adere ao concretismo.</p>



<p>O terceiro bloco abrange o período em que <strong>Murilo</strong> viveu em Roma, a partir de 1957, onde leciona literatura brasileira na universidade. Lá aproxima-se do crítico de arte <strong>Giulio Carlo Argan</strong>, com quem compartilha o interesse por artistas italianos que praticavam um abstracionismo não geométrico, sem aderir de todo ao informalismo. Interessa-se pela arte optical e cinética e colabora com artistas como <strong>Alberto Magnelli, Lucio Fontana </strong>e<strong> Soto</strong> em mostras e publicações. Organiza exposições de artistas brasileiros contemporâneos na galeria da Embaixada do Brasil em Roma, incluindo <strong>Volpi, Goeldi, Weissmann, Mavignier</strong> entre outros. O ápice dessa última fase talvez seja a curadoria da representação brasileira na Bienal de Veneza de 1964, a primeira em que o Brasil conta com seu próprio pavilhão. Com esta exposição espera-se que o espaço reservado a Murilo Mendes crítico de arte e colecionador, tanto na sua biografia como na história da crítica brasileira, se afirme e se expanda.</p>



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<p class="has-small-font-size"><strong>Lorenzo Mammì<br>Maria Betânia Amoroso<br>Taisa Palhares<br>curadores</strong></p>



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06 de setembro, 2023 a 28 de janeiro, 2024

Sala Milú Villela

Lorenzo Mammì, Maria Betânia Amoroso e Taisa Palhares

6 de setembro de 2023 a 28 de janeiro de 2024

Museu de Arte Moderna de São Paulo (sala Milú Villela)

Murilo Mendes, poeta crítico: o infinito íntimo


<p>O <a href="https://www.coletivocoletoresnft.com/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Coletivo Coletores</a> foi formado em 2008 na periferia da Zona Leste da cidade de São Paulo pelos artistas e pesquisadores <strong>Toni Baptiste</strong> e <strong>Flávio Camargo</strong>. O projeto tem como proposta pensar as cidades como meio e suporte para suas ações utilizando diferentes linguagens visuais e tecnológicas, discutindo temáticas ligadas às periferias, apagamentos históricos/culturais, assim como o direito à cidade.</p>



<p>Os artistas já participaram de diferentes projetos ligados à tecnologia, arte e cidade com exposições e projetos em instituições, dentre elas, Museu da Língua Portuguesa, FILE, FONLAD – Portugal e a Bienal Internacional de Arquitetura de São Paulo. São ganhadores do Prêmio Pipa 2022, o mais relevante prêmio brasileiro de artes visuais.</p>


Coletivo Coletores


<p>É doutor em Meios e Processos Audiovisuais pela Universidade de São Paulo. Desde 2001 cria intervenções e interferências no espaço urbano e desenvolve pesquisas relacionadas à mídia, questões raciais e processos educacionais. É membro fundador dos coletivos A Revolução Não Será Televisionada, Política do Impossível e Frente 3 de Fevereiro, além de dirigir a produtora e editora Invisíveis Produções. Entre suas exposições recentes estão <em>Terra de Gigantes</em> (SESC Guarulhos, 2023), <em>Palavras Cruzadas</em> (SESC Vila Mariana, 2018), <em>Não Vamos Obedecer &#8211; cartografia Nou Pap Obeyi</em> (Ateliê 397, 2016) e <em>Entreolhares -­ Conversas com a 32ª Bienal de São Paulo</em> (Itaú Cultural, 2016).</p>



<p><strong><a href="https://www.danielcflima.com/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Daniel </a></strong>é também vencedor de prêmios como o Prêmio de Artes Plásticas Marcantonio Vilaça, Programa Rede Nacional Funarte Artes Visuais, Prêmio Economia Criativa do Ministério da Cultura, Rumos Cinema e Vídeo / Instituto Itaú Cultural, Prêmio Funarte Artes Cênicas na Rua, entre outros.</p>


Daniel Lima


<p>É artista multimídia, músico, compositor, performer, produtor musical, diretor artístico do selo de arte sonora e música experimental ALEA e professor da Pós Graduação em Imagem e Som da Faculdade Santa Marcelina. <strong>Tsuda</strong> é, também, doutor pelo programa de Artes Visuais do Instituto de Artes da UNESP-SP e ganhou uma bolsa de estágio de pesquisa no programa Screen Cultures and Curatorial Studies da Queen’s University, em Kingston, Canadá. Ao longo de sua trajetória, realizou programas de residência artística, exposições, intervenções urbanas, performances e concertos, e foi contemplado por bolsas e prêmios em diferentes países como França, Japão, Colômbia, Canadá, Bolívia, Espanha, Alemanha e Brasil em instituições como a Biennal of Mercosur (Porto Alegre/Brasil), Biennal Siart of La Paz (La Paz/Bolívia), Museu de Arte Moderna de São Paulo (São Paulo / Brasil), IRCAM/Centre Georges Pompidou (Paris/França), TOKAS (Tokyo/Japan) e Goethe Institut (Munique/Alemanha).</p>


Dudu Tsuda


<p>É videoartista, cineasta, roteirista e designer gráfico. Foi um dos pioneiros da arte multimídia no Brasil e é reconhecido mundialmente por desenvolver projetos híbridos que mesclam artes visuais, cinema, teatro, vídeo e novas mídias. Sua trajetória confunde-se com o início da produção audiovisual nas artes plásticas nos anos 1980, entre o padrão estabelecido pelas televisões e as experimentações com vídeo amador. Vencedor de diversos prêmios no Brasil e no exterior, participou de diversas edições do World Wide Video Festival (Amsterdam, Holanda), do Videobrasil e da Bienal de São Paulo. Suas obras integram importantes coleções de instituições brasileiras e internacionais, tais como a Coleção Itaú, os Museus de Arte Moderna da Bahia, de São Paulo e do Rio de Janeiro, o Museu de Arte Moderna de Nova York (MOMA), o Centre Georges Pompidou (Paris, França) e a Cisneros Fontanals Art Foundation (Miami, Estados Unidos). Eder Santos tem ainda uma premiada carreira como realizador e diretor de cinema e TV: é autor de 15 curtas-metragens e 3 longas, além de séries para televisão.</p>


Eder Santos


<p>É artista, curador e professor. Em seu trabalho, investiga os dispositivos técnicos enquanto agentes mediadores da percepção, com particular interesse nas estruturas, dinâmicas e narrativas que dão lugar aos paradigmas vigentes. <a href="https://fernandovelazquez.art/" target="_blank" rel="noreferrer noopener"><strong>Velázquez</strong></a> também destaca os processos criativos emergentes e generativos, e as metodologias transdisciplinares. Sua produção inclui instalações, objetos, vídeos, performances audiovisuais e imagens geradas com recursos algorítmicos, que operam como suporte de narrativas que estimulam o espectador a um envolvimento ativo, por vezes interativo e ritualístico. Participou de exposições como <em>Mundo de redes</em> (Centre Pompidou, França, 2022), <em>The Matter of Photography in the Americas</em> (Cantor Arts Center, Stanford University, EUA, 2018), <em>Emoção Art.Ficial</em>, Bienal de Arte y Tecnologia (Itaú Cultural, Brasil, 2012) e Bienal do Mercosul (Brasil, 2009). Atualmente, é professor da pós EAD em Arte Contemporânea a audiovisual expandido da FAAP/Uol. Entre 2015 e 2018 foi curador e diretor artístico do Red Bull Station.</p>


Fernando Velázquez


<p>É artista e professora da FAU-USP. É autora de <em>Políticas da imagem: vigilância e resistência na dadosfera</em> (UBU Editora, 2021) e <em>Memória da amnésia: políticas do esquecimento</em> (Edições Sesc, 2019), entre outros. Suas obras artísticas integram acervos de museus no Brasil e no exterior, como o ZKM (Alemanha), o Jewish Museum Berlin, o MAC-USP e a Pinacoteca de São Paulo. Em seus projetos recentes investiga a construção do imaginário colonialista das artes e das ciências com recursos de Inteligência Artificial.</p>


Giselle Beiguelman


<p>É artista, poeta e professora titular da Escola de Comunicação da Universidade Federal do Rio de Janeiro. Seu trabalho desenvolve-se por uma variedade de meios: poesia, fotografia, cinema, vídeo, performance, objetos e instalação. <a href="https://katiamaciel.net/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">A artista</a> está sempre investigando uma imagem que nunca coincide com seu referente, interrompe a si mesma, suspende seu próprio movimento, gera sua própria desilusão e por vezes nem se faz imagem sem um corpo em aparição.</p>



<p>Seus trabalhos estiveram em exposições no Brasil e no exterior. Publicou diversos livros sobre o pensamento da imagem contemporânea e sete livros de poesia. Em 2018, a editora Cobogó publicou <em>Katia Maciel, uma antologia com a obra da artista</em>. As obras da artista encontram-se nas coleções Gilberto Chateaubriand, Museu de Arte do Rio, Museu de Arte Moderna de São Paulo, Oi Futuro do Rio de Janeiro, Maison Européenne de la Photographie, entre outras.</p>


Katia Maciel


<p>É <a href="http://www.lucasbambozzi.net/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">artista multimídia</a> e pesquisador em novos meios. Produz vídeos, instalações, performances audiovisuais e projetos interativos, tendo trabalhos exibidos em mais de 45 países. Conduziu atividades pioneiras ligadas à arte na internet no Brasil entre 1995 e 1999,na Casa das Rosas, e no campo das mídias móveis entre 2007 e 2016. Dentre seus projetos mais recentes estão o filme <em>Lavra</em> (2021) lançado nos cinemas em 2022 e a exposição individual <em>Solastalgia</em> (2023) no MAC USP. É professor na FAAP nos cursos de artes visuais e na pós-graduação em arte contemporânea e cinema expandido.</p>


Lucas Bambozzi


<p>É artista, pesquisadora e professora de Artes, Estéticas e Materialidades na Universidade Federal da Bahia (UFBA). Sua produção prática e teórica envolve processos de autoria coletiva e desdobra-­se entre filmes, instalações e performances, explorando através da materialidade dos suportes as relações entre corpo, território e imagem. Como cineasta, recebeu prêmios em Oberhausen e Buenos Aires e exibiu seus filmes em diversos festivais internacionais. Desde 2010, desenvolve trabalhos de vídeo-intervenção no espaço público, tendo participado de Festivais como Live Performers Meeting em Roma, Vorspiel/ Transmediale em Berlim e Eletronika BH em Belo Horizonte. Entre suas obras recentes estão <em>Lettre à mes frères du Bénin</em> (2023), <em>Fantasmagorias Dahomeanas</em> (2022), <em>Pergunte às palmeiras</em> (2020), <em>Desfile Fantasmagorista Amigos do Alheio</em> (2018), <em>Roma Cidade Aberta</em> (2018), <em>Ocupação Rumor Salvador</em> (2018) e <em>Electric Ladies and the Cooking Orchestra</em> (2017).</p>


Paola Barreto


<p>É graduada em Artes Plásticas pelo Instituto de Artes da UFRGS (1959), além de ter um mestrado (1980) e Ph.D. (1984) na Escola de Comunicação e Artes da USP &#8211; Universidade de São Paulo. A artista participou de várias bienais, como Bienal de São Paulo (1981, 1983, 1998, 2021); Bienal Internacional de Curitiba (2013, 2015); Bienal do Mercosul (2001, 2011), em Porto Alegre e Bienal de La Habana, em Cuba (1986, 1998 e 2015). Algumas de suas exposições coletivas mais recentes são <em>Walking through Walls</em> (Martin Gropius Bau, Alemanha, 2019) e <em>Radical Women: Latin American Art</em>, 1960-1985 (Hammer Museum, EUA, 2017). As últimas exposições individuais de Regina são: <em>Limiares</em> (Paço das Artes, Brasil, 2020); <em>Up There</em> (Farol Santander, Brasil, 2019); <em>EXIT</em> (MuBE, Brasil, 2018); <em>Unrealized / NãoFeito</em> (Alexander Gray Associates, EUA, 2019); <em>Todas As Escadas</em> (Instituto Figueiredo Ferraz, Brasil, 2018), e <em>Crash</em> (Museu Oscar Niemeyer, Brasil, 2015). Entre outros, recebeu os prêmios Prêmio MASP (2013), Prêmio APCA pela trajetória (2011) e Prêmio Fundação Bunge (2009). <a href="https://reginasilveira.com/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">A artista</a> também recebeu bolsas da Fundação John Simon Guggenheim (1990), Fundação Pollock-Krasner (1993) e Fundação Fulbright (1994).</p>


Regina Silveira

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<p>O título da exposição, <em>Realidades e Simulacros</em>, explora a pluralidade que surge como resultado do uso do “s” ao final das palavras e a aparente oposição entre a realidade e a ficção. Durante muito tempo as pessoas acreditaram na existência de uma realidade única, objetiva. Mas o fato é que esta realidade não existe. Existem muitas realidades que se sobrepõem, se complementam, se anulam, se contradizem. <em>Realidades e Simulacros</em> são dimensões de uma mesma experiência.</p>



<p>Olhar para o mundo é como vestir uma lente de linguagem, fazendo com que as coisas apareçam conforme a visão de mundo da pessoa. Existem muitos condicionantes que regulam o alcance e o escopo dessas lentes: culturais, geográficos, políticos, biológicos, sociais, tecnológicos. Geralmente elas são invisíveis, mas a tecnologia contemporânea tem lhes emprestado concretude. Por meio de um avatar, navegando em um ambiente, sobrepondo uma existência digital ao mundo ao redor, é possível vestir as lentes de uma realidade alternativa à realidade percebida apenas por meio dos meus sentidos.</p>



<p><em>Realidades e Simulacros</em> reúne dez artistas que criaram experiências digitais de diferentes perfis como forma de contribuir para este jogo de multiplicidades. Ver um outro mundo, uma outra cultura, uma outra geografia, uma outra política, uma outra biologia, uma outra sociedade, uma outra tecnologia. Ao explorar a realidade aumentada como uma possibilidade de interferência na paisagem do Ibirapuera, a exposição estimula essa dinâmica. O visitante é então convidado a perceber a realidade ao redor de outra maneira e sobrepor outras camadas de realidade à sua existência.</p>



<p>As obras criadas especialmente para a exposição permitem o contato com diferentes realidades e/ou simulacros. O simulacro também é uma realidade. Uma realidade lúdica. Uma realidade política. Uma realidade fantástica. Uma realidade contraditória. Uma realidade biológica. Uma realidade invisível. Uma realidade decolonial. Um mosaico de existências que se sobrepõe a um ambiente complexo e diverso. Uma experiência de camadas que tornam possíveis novas formas de ver e ouvir.</p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Cauê Alves<br>Marcus Bastos<br>curadores</strong></p>



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<p class="has-small-font-size"><strong>Artistas: Coletivo Coletores | Daniel Lima | Dudu Tsuda | Eder Santos | Fernando Velázquez | Giselle Beiguelman | Katia Maciel | Lucas Bambozzi | Paola Barreto</strong> | <strong>Regina Silveira</strong></p>



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Parque Ibirapuera

Realidades e Simulacros


<p><strong>Antônio José de Barros Carvalho e Mello Mourão</strong>, o <strong>Tunga</strong>, nasceu em 1952, em Palmares, Pernambuco, viveu e trabalhou no Rio de Janeiro.</p>



<p>Foi o primeiro artista contemporâneo a exibir sua obra na pirâmide do Louvre, além de ter participado de exposições como a Bienal de Veneza, em 1982, e Documenta de Kassel, em 1992. Hoje, o trabalho do artista está nos acervos do MoMA, em Nova York; do Museum of Fine Arts de Houston; do Centre Pompidou, em Paris; do Barcelona Museum of Contemporary Art, e da Tate Modern, em Londres.</p>


Tunga

1 - Apresentação da Obra "Eu, Você e a Lua", de Tunga, na Sala de Vidro

2 - Descrição da obra

videoguia | Tunga: Eu, Você e a Lua

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<p class="has-small-font-size"><strong>permanência a transformação</strong></p>



<p><em>Eu, Você e a Lua</em> é um trabalho de<strong> Tunga</strong> inédito no Brasil e está entre as últimas obras realizadas pelo artista que iniciou sua produção na segunda metade dos anos de 1960. Ao longo de sua trajetória, <strong>Tunga</strong> se interessou pela alquimia, pela psicanálise, pelas ciências e pela filosofia. Ele construiu uma mitologia singular com imagens simbólicas e materiais em que as noções de permanência e transformação são fundamentais. É recorrente em sua obra a ideia de que “o trabalho é um conjunto de trabalhos”.</p>



<p>Mesmo com a profusão de objetos e materiais, em <em>Eu, Você e a Lua</em> há uma forte coerência entre as partes. Alguns elementos são recorrentes no vocabulário poético do artista, como garrafas de cristal, de gesso ou de resina, tanto ocas como sólidas. Espelhos, cristais, pedras, pratos presos em aros e hastes, além de correntes ou alças de couro fixadas em tripés também aparecem em outras obras de <strong>Tunga</strong>. Ao lado de um tronco petrificado de milhares de anos, o uso desses materiais pode evocar o orgânico e o inorgânico ou o natural e o artificial.</p>



<p>O fóssil de uma árvore que se manteve intacto, como se o tempo estivesse suspenso, convive com uma essência de âmbar, uma fragrância com toques amadeirados que goteja como se uma ampulheta marcasse a passagem do tempo e a transformação da matéria. Recorrendo ao olfato e à visão, os elementos originários e pré-históricos na obra de <strong>Tunga</strong> se fundem ao contemporâneo e à presença efêmera do perfume.</p>



<p>Fragmentos agigantados de um corpo humano, dedos polegares de bronze patinado apontam para baixo, enquanto espelhos arredondados e prateados como a lua refletem a luz que vem de cima. Escultura de dedos, como se estivessem duplicados, apontam para lados contrários, para o céu e para o solo. Uma delas de pedra, na horizontal, alinhada ao tronco, indica sentidos opostos e apontam para o eu e para o outro. O olhar de dois sujeitos pode atravessar o fóssil e se encontrar num único. Os dois lados já não parecem se opor. Na poética de <strong>Tunga</strong>, o que está no planeta Terra ou fora dele, o interno e o externo, assim como eu, você e a lua, formam um todo indivisível.</p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Cauê Alves<br>(curador-chefe do MAM São Paulo)</strong></p>



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Sala de Vidro

Parque Ibirapuera (Av. Pedro Álvares Cabral, s/nº - Portões 1 e 3)

até 10 pessoas por vez na sala expositiva

Eu, Você e a Lua, Tunga

Eu, Você e a Lua


<p>Nasceu em Neuchatel (Suíça), em 1931. Após a Segunda Guerra Mundial, imigrou para os EUA e, em 1955, imigrou para o Brasil. Desde então, a artista vive e trabalha em São Paulo. Durante a década de 70, Andujar recebeu bolsas da John Simon Guggenheim Foundation, e da Fundação de Apoio a Pesquisa (FAPESP), para fotografar e estudar a cultura Yanomami. De 1978 a 2000, <strong>Andujar</strong> trabalhou para a Comissão de Pró-Yanomami e coordenou a campanha para a demarcação do território Yanomami na Amazônia, criado em 1993. Em 2000, ela recebeu o Prêmio Anual de Liberdade Cultural [Fotografia] como defensora dos Direitos Humanos da Lannan Foundation, no Novo México (EUA). Em 2003, recebeu o Prêmio Severo Gomes da Comissão Teotônio Vilela de Direitos Humanos, São Paulo (Brasil), e em 2005, o Prêmio de Fotografia da APCA [Associação Paulista dos Críticos de Arte], pela exposição Vulnerabilidade do Ser, realizada na Pinacoteca do Estado de São Paulo. Em 2008, foi homenageada pelo Ministério da Cultura com a Ordem do Mérito Cultural 2008. Em 2010, recebeu o Prêmio Kassel Photobook Award pelo livro Marcados (CosacNaify), em Kassel, e em 2018 a Goethe-Medaille 2018, em Weimar, ambos na Alemanha.</p>


Claudia Andujar

01 - Apresentação do Projeto Parede “Sonhos Yanomami”

02 - Descrição do espaço e da obra “Desabamento do céu, O fim do mundo”

videoguia | Claudia Andujar: Sonhos Yanomami

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<p>A trajetória de <strong>Claudia Andujar </strong>(Suíça, 1931), que fugiu da perseguição nazista durante a Segunda Guerra Mundial, revela o modo como conflitos políticos interferem na vida de diversos povos. A artista chegou ao Brasil em 1955, país em que vive até hoje e onde se naturalizou em 1976. Sua vida é marcada pela luta por demarcação de terras Yanomami e por uma série de ensaios fotográficos dedicados aos povos indígenas no Brasil. <strong>Claudia Andujar</strong> se identifica com a vulnerabilidade do povo Yanomami e nos ensina que o outro é aquele que nos ajuda a entender quem somos.</p>



<p>A série <em>Sonhos Yanomami</em>, de 2002, foi elaborada a partir de seu acervo de imagens, da sobreposição de cromos e negativos realizados desde 1971, ocasião de sua primeira viagem para a bacia do rio Catrimani, em Roraima, território Yanomami homologado pelo governo brasileiro apenas em 1992. Trata-se de uma obra do período maduro da artista, que já possuía grande intimidade com a cultura do povo que a acolheu.</p>



<p>As imagens revelam algo dos rituais dos líderes espirituais Yanomami e a importância do sonho em sua cosmologia. Os xamãs, diferente dos demais, se deslocam durante o sonho na companhia dos espíritos, dos xapiri, que podem trazer conhecimento, cura e proteção para a comunidade. O sonho, longe de ser um fato banal que é esquecido depois de despertarem, é uma conexão profunda com os espíritos, que viajam para além do céu, da terra e do mundo subterrâneo, e voltam com ensinamentos sobre o que viram.</p>



<p>O trabalho de <strong>Claudia Andujar</strong> se comunica com a cosmologia Yanomami e sua sabedoria ancestral por meio de imagens. Corujas, garças, macacos e retratos de indígenas se mesclam com luzes, texturas de pedras e árvores, resultando em fotografias fantasmagóricas dos sonhos de um povo com uma cultura sofisticada.</p>



<p>No período em que foi revelado ao mundo mais um genocídio contra os Yanomami, cometido entre 2019 e 2022, devido ao incentivo ao garimpo ilegal e ao uso de armas, a mostra adquire um caráter simbólico para dar visibilidade aos valores indígenas. Essa também é uma história de aproximadamente 50 anos: os Yanomami vêm sendo dizimados ao menos desde 1973 com a construção da Rodovia Perimetral Norte (BR-210) e da abertura de dezenas de pistas de pouso de aeronaves.</p>



<p>A sobrevivência dos Yanomami, além de uma questão humanitária, assegura a proteção da floresta, a sustentabilidade ambiental e a vida no planeta. Os xamãs, os únicos que conseguem sonhar mais longe e ouvir as vozes dos espíritos da floresta, impedem a queda do céu, sustentado pelos xapiri, que mantêm o equilíbrio e a ordem do universo. O fim do mundo, o desabamento do céu, ocorrerá quando a floresta for exterminada e o último xamã morrer. O tempo para reverter a grande catástrofe está se esgotando.</p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Cauê Alves</strong></p>


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06 de setembro, 2023 a 03 de março, 2024

Projeto Parede

06 de setembro de 2023 a 03 de março de 2024

Museu de Arte Moderna de São Paulo (Projeto Parede)

 Parque Ibirapuera (Av. Pedro Álvares Cabral, s/nº – Portões 1 e 3)

Claudia Andujar no Projeto Parede

Sonhos Yanomami

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<p>O espaço ocupado por um museu de arte não é como outro qualquer. Especialmente os museus de arte moderna, já que foram em grande parte instalados em edifícios construídos especialmente para eles. Foi justamente através de projetos para esses museus que grandes nomes da arquitetura estabeleceram seus legados. Esse é o caso de <strong>Lina Bo Bardi</strong> (1914 – 1992), a arquiteta ítalo-brasileira responsável pelo projeto arquitetônico do MASP, do MAM Bahia e do atual edifício do MAM São Paulo, seu último trabalho museográfico.</p>



<p>Mesmo sendo um dos primeiros museus de arte moderna do mundo, o MAM São Paulo nunca teve uma sede construída especialmente para ele, ocupando ao longo de sua história uma série de espaços adaptados. Durante os primeiros anos, foi instalado no edifício dos Diários Associados na Rua Sete de Abril, num espaço projetado pelo arquiteto Vilanova Artigas. Depois, o MAM ocupou uma parte do Pavilhão Matarazzo, quando a Bienal de São Paulo ainda era um evento do museu. Após um período de reorganização devido à doação do seu acervo à USP em 1963, o MAM retomou suas atividades em 1969 numa nova sede: o edifício sob a marquise do Parque Ibirapuera.</p>



<p>Este espaço integra o conjunto arquitetônico do Parque desde a sua fundação em 1954. Após abrigar o Museu de Cera até, ao menos, o ano seguinte, recebeu a exposição Bahia no Ibirapuera de <strong>Lina Bo Bardi</strong> e <strong>Martim Gonçalves</strong> em 1959, e, depois, foi usado por quase uma década como depósito da Bienal. A partir da concessão para uso do edifício atribuída pela prefeitura em 1968, o MAM convidou <strong>Giancarlo Palanti </strong>para reformar o pavilhão que se tornaria a sede do museu. Mas foi apenas com a reforma projetada por Lina Bo Bardi (com colaboração de André Vainer e Marcelo Ferraz) em 1982 – entregue em 1983 – que o MAM executou a fachada de vidro que transformaria a sua relação com o Parque Ibirapuera.</p>



<p>Em 2023, o MAM identificou um desenho da arquiteta em meio aos documentos guardados pela biblioteca e retomou a pesquisa sobre a reforma realizada por <strong>Lina Bo Bardi</strong> há quarenta anos. Trata-se de um estudo para um dispositivo expográfico que ela propôs com o projeto da reforma em 1982. Os painéis desse dispositivo seguiriam uma espécie de linha paralela à fachada do museu, enfatizando a continuidade do espaço expositivo. Considerando as limitações que esses painéis fixos trariam para as exposições, a diretoria do museu à época optou por não realizá-los.</p>



<p>Dada a importância deste desenho para o legado da arquiteta e da sua relação com o edifício ocupado pelo MAM, o museu decidiu incorporá-lo ao acervo, junto às demais obras em papel da sua coleção. Na exposição, ele é apresentado com outros materiais referentes à reforma de <strong>Lina Bo Bardi</strong> no MAM, incluindo estudos em planta, fotos de maquete, e outros documentos que registram o estado anterior e posterior do edifício. Com isso, além de promover a pesquisa em torno da arquitetura de museus e, especialmente, da arte moderna, buscamos compreender melhor o trabalho e a herança deixada por <strong>Lina</strong>, que, com o êxito da sua marca museográfica, transformou o MAM num espaço contínuo com o Parque Ibirapuera.</p>



<p class="has-small-font-size"><strong>Gabriela Gotoda<br>Pedro Nery<br>curadoria</strong></p>



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<p class="has-small-font-size"><strong>Agradecimento especial ao Instituto Bardi / Casa de Vidro e à sua equipe.</strong></p>



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<p></p>


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Biblioteca

06 de setembro de 2023 a 28 de janeiro de 2024

Museu de Arte Moderna de São Paulo (Biblioteca Paulo Mendes de Almeida)

terça-feira a sábado, das 10h às 12h30 e das 13h30 às 18h

Lina Bo Bardi e o MAM no Parque

Lina Bo Bardi e o MAM no parque


<p>Tem participado de exposições incluindo <em>Quando for sair lá fora</em> (BH, 2023), <em>Torso Pedra</em> (SP, 2021), <em>Efeito Tyndall</em> (SP, 2020), <em>Dear Amazon: Korea x Brazil</em> (Coréia do Sul, 2019); <em>In Memoriam</em> (RJ, 2017); <em>66º Salão Paranaense</em> (PR, 2017); <em>60 Anos Museu + Residência</em> (MG, 2017); <em>Bolsa Pampulha 2015/2016</em> (MG, 2016); <em>Some False Moves</em> (EUA, 2015); <em>Taipa Tapume</em> (SP, 2014); <em>Batalhão de Telegrafistas</em> (SP, 2014); 1<em>5º, 17º e 18º Festival Internacional SESC Videobrasil</em> (SP, 2005, 2011 e 2013); <em>Bienal de Filmes de Arte de Colônia</em> (Alemanha, 2005). Realizou as exposições individuais <em>Penca</em> (Projeto Jardim de esculturas / MAM &#8211; SP, 2023), <em>Outras naturezas</em> (SP, 2023), <em>Experimentos com o acaso</em> (França, 2016), <em>Chão</em> (SP, 2015); <em>Alexandre Brandão &#8211; II Mostra do CCSP</em> (SP, 2014), <em>Efeito sem causa</em> (SP, 2013), <em>Quase sombra</em> (SP, 2012) e<em> Entrebranco</em> (BH, 2006). Premiado na &#8220;5ª Bienal Interamericana de Videoarte&#8221; (EUA, 2010); em 2014 com a &#8220;Bolsa de Residência Artística ICCo / SP-Arte &#8211; Residency Unlimited&#8221; (NY/EUA) e em 2015 com a &#8220;6ª Bolsa Pampulha&#8221;, programa de residência do Museu de Arte da Pampulha (BH/MG). Em 2017, integrou os programas de residência JACA (MG) e Pivô Pesquisa em 2018 (SP).</p>


Alexandre Brandão


<p><strong>Angela Detanico </strong>e <strong>Rafael Lain</strong> trabalham juntos desde 1996. Semiologista e designer gráfico, nascidos respectivamente em 1974 e 1973, em Caxias do Sul (RS), moram e atuam em Paris. Seus trabalhos, em grande parte conceituais, mesclam gráficos, textos, sons e vídeos, quase sempre imbuídos de referências científicas, matemáticas e literárias.</p>



<p>Em 2002, a dupla participou de uma residência artística na capital francesa, no Palais de Tokyo. Dois anos depois, venceu o Nam June Paik, um dos mais prestigiados prêmios internacionais. No mesmo ano, em 2004, <strong>Angela</strong> e <strong>Rafael</strong> participam da Bienal de São Paulo, feito que se repete nas duas edições seguintes, em 2006 e 2008. Nesse meio tempo, em 2007, representaram o Brasil na 52ª Bienal de Arte de Veneza.</p>



<p>Uma seleção de shows solo inclui <em>Between Yesterday and Tomorrow </em>(2019), The Club, Tokio<em>; Archipel </em>(2018), Musée de l’Abbaye Sainte-Croix, Les Sables-d’Olonne, <em>Alfabeto Infinito</em> (2013), Fundação Iberê Camargo, Porto Alegre, <em>Um dado tempo um dado lugar</em> (2008), Museu de Arte da Pampulha, Belo Horizonte; <em>Inverse Times</em> (2007), Musée Zadkine, Paris; <em>After Utopia</em> (2006), Pharos Center for Contemporary Art, Nicósia.</p>



<p>Uma seleção de shows coletivos inclui: <em>The Moon</em> (2019), Grand Palais, Paris (França); <em>Unpacking My Library</em> (2018), Museu Nacional de Arte Contemporânea, Atenas (Grécia); <em>Paisagem Incompleta</em>, Centro Cultural Usiminas (2010), Ipatinga (Brasil); <em>Undefined borders for unlimited perceptions</em> (2009), Blindarte Contemporanea, Nápoles (Itália); <em>10ª Bienal Habana – Integración y resistencia en la era global </em>(2009), Havana (Cuba); MASH UP, Artspace (2009), Auckland (Nova Zelândia); <em>Volume V – I think I remember</em> (2009), Temple Bar Gallery, Dublin (Irlanda); <em>Programme “Satélite” Terrains de jeux ¾</em> (2008), Jeu de Paume, Paris (França); <em>Um dado tempo um dado lugar</em> (2008), Museu de Arte da Pampulha, Belo Horizonte (Brasil); <em>Inverse Times</em> (2007) Musée Zadkine, Paris (França); <em>Detanico, Lain, Optica Centre d’Art Contemporain</em> (2007) Montreal (Canadá); <em>3rd Media City</em> (2004), Seoul Museum of Art, Seoul (South Corea).</p>



<p>Suas obras fazem parte de coleções como Musée du Louvre, Paris (França); FNAC (França); FMAC (França); FRAC île-de-france, Le Plateau, Paris, (França); Musée d’Art modern et Contemporain, Abbaye Sainte-Croix, Les Sables d’Olonne, (França); Coleção de Arte Taguchi (Japão); Museu Municipal de Arte da Toyota, Tóquio (Japão); Centro Calego de Arte Contemporânea, Santiago de Compostela (Espanha); Cifo-Cisneros Fontanals Art Foundation (EUA); Colección Isabel y Agustin Coppel, CDMX (México); Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo (Brasil); MAMAM, Recife (Brasil); Instituto Figueiredo Ferraz, IFF, Ribeirão Preto (Brasil). Museu de Arte da Pampulha, Belo Horizonte (Brasil).</p>


Detanico Lain


<p>Raphael Escobar é artista visual formado em artes visuais pelo Centro Universitário Belas Artes de São Paulo e pós-graudando em Estudos Brasileiros: sociedade, educação e cultura pela Fundação Escola de Sociologia e Política. Desde 2008, atua com educação não formal em contextos de vulnerabilidade social ou de disputas políticas, como Fundação CASA, Cracolândia e Albergues. Sua pesquisa lida com as relações de classe, pretendendo dissolver uma lógica moral da sociedade em relação aos moradores de rua, usuários de drogas e grupos periféricos. Já participou de expsoições como 36º Panorama da Arte Brasileira, Museu de Arte Moderna de São Paulo (2019), Quem não luta tá morto, Museu de Arte do Rio (2018), São Paulo não é uma cidade: invenções do centro, SESC 24 de Maio (2017), entre outras.</p>


Raphael Escobar


<p>Trabalha predominantemente com escultura, mas também com desenho e gravura, técnicas com as quais a produção escultórica estabelece certa relação formal. Frequentemente utiliza materiais industrializados, como filamentos de ferro e aço, placas e vergalhões, muitas vezes oxidados, em contraste com elementos naturais, como pedra e madeira, tornando visível a contradição entre a impessoalidade da matéria e a delicadeza de suas esculturas. Em seu vocabulário formal, são reconhecíveis as estruturas que remetem a redemoinhos, emaranhados e até mesmo destroços, como os fios delgados de metal embolados e aparentemente frágeis, mas que no processo acumulatório criam volumes rígidos onde a matéria mais leve parece sustentar a mais pesada, revelando o interesse da artista por questões relacionadas ao equilíbrio e ao desequilíbrio. As esculturas de <strong>Baranek</strong> podem assumir configurações diferentes em cada espaço onde são remontadas, investindo-se de uma indeterminação morfológica que convida à participação.</p>



<p><strong>Frida Baranek </strong>estudou escultura com <strong>João Carlos Goldberg </strong>e<strong> Tunga </strong>na Escola de Artes Visuais do Parque Lage e no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. Formou-se em arquitetura pela Universidade Santa Úrsula, no Rio de Janeiro, em 1984. Cursou pós-graduação em escultura pela Parsons School of Design, em Nova York, e mestrado em Design Industrial na Central Saint Martins, em Londres. Mudou-se para Paris na década de 1990, em seguida para Berlim e, em 2002, para Nova York.</p>



<p>Em 2013, o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro apresentou a exposição <em>Confrontos</em>, uma retrospectiva do trabalho de <strong>Baranek</strong>. Participou de exposições na Bienal de São Paulo (1989); Bienal de Veneza (1990); Museu de Arte Moderna de São Paulo (1995,1988); Museu Ludwig (Alemanha, 2005), além de muitas outras. Faz parte de coleções públicas e privadas, como a coleção de Patrícia Phelps de Cisneros (EUA); National Museum of Women in the Arts (EUA); LEF Foundation (EUA); BusanPusan Metropolitan Art Museum (Coreia do Sul); Museus de Arte Moderna do Rio de Janeiro e de São Paulo; Museu de Arte do Rio, entre outras. A Galeria Raquel Arnaud representa Frida Baranek desde 1990.</p>


Frida Baranek

Jardim de Esculturas

Jardim de Esculturas - Museu de Arte Moderna de São Paulo

Jardim de Esculturas: novas obras

Faça parte do clube de colecionadores do mam e contribua para a produção artística brasileira através do colecionismo.

clube de  colecionadores

O Jardim de Esculturas foi projetado por Roberto Burle Marx para receber obras da coleção do MAM. Inaugurado em 1993, ele abriga 30 esculturas numa área de 6 mil metros quadrados, sendo um dos principais acervos brasileiros expostos a céu aberto. Visitas educativas acontecem regularmente.

jardim de esculturas

<p>Esse tanto doloris ipsum non etiam quod potuit optimis singulos dici et quis optimis adipiscing iacere triarius possit dominante. De quis doctissimos tecum et doloris nulla igitur aliquid non. Magis eius et dolere meum publicae peripateticis accessit inflammat traditur modo publicae ipsum quis adiit positum neglegendi ratio non adipiscing familiares.</p>
