com Daniela Avelar
Datas: 08, 15, 22 de fevereiro, 08 de março
Sábados
Horário: das 10h às 13h
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00
Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Contempla certificado no final
Como pensar a escrita enquanto ponto de partida sem que exista um destino preciso? Neste curso, serão apresentadas referências das artes visuais e literatura aliadas a exercícios para movimentar diferentes possibilidades da escrita. Um retorno a uma escrita “analógica”, explorando sua materialidade junto ao movimento do corpo pelo Parque do Ibirapuera, no entorno do Museu de Arte Moderna de São Paulo.
Programação
Aula 01 – Como escrever?
- Retorno à escrita “analógica” (ou, escrever à mão)
- Como eu escrevo? Qual material e qual suporte eu uso? Quais outros posso usar?
- Exercícios para experimentação de materiais e superfícies
Aula 02 – O que escrever?
- Desviando da página em branco
- Exercícios de escrita com assuntos inusitados
- Em busca do infraordinário (em oposição ao extraordinário)
Aula 03 – Onde escrever?
- Corpo e materialidade da escrita
- Explorando diferentes pontos de vista de observação
- Exercícios de experimentação da posição do corpo enquanto escreve
Aula 04 – O tempo da escrita
- Temporalidade da escrita
- Exercícios de escrita em diferentes tempos e velocidades
- Observação da produção de textos ao longo dos encontros e encerramento
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Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto
Dúvidas:
cursos@mam.org.br
WhatsApp: 11 99774 3987
Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br)
com Thierry Chemalle
Datas: 12, 19, 26 de fevereiro, 12 e 19 de março
Quartas-feiras
Horário: das 19h30 às 21h30
Duração: 5 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00
Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
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O curso oferece uma abordagem conceitual sobre as dinâmicas econômicas que permeiam o universo artístico, explorando o valor da arte, o comportamento dos colecionadores e o impacto das inovações tecnológicas. Em cinco aulas, os participantes serão introduzidos aos fundamentos da economia da arte, discutindo teorias clássicas de valor, relatos de coleções reais, as implicações de novas tecnologias, e o papel das ciências comportamentais na compreensão do mercado. Voltado para artistas, galeristas, art advisors e profissionais ligados a museus e instituições culturais, bem como profissionais de segmentos correlatos que queiram aprofundar seus conhecimentos sobre a economia da arte, o curso busca ampliar a compreensão sobre o segmento da arte e seus principais agentes, conectando aspectos econômicos e culturais.
Programação
Aula 01 – Introdução à Economia da Arte
Introdução, conceitos fundamentais e principais números da Economia da Arte
Similaridades da Economia da Arte com outros segmentos
Aula 02 – O Valor da Arte
Adam Smith: O paradoxo da Água e Diamante
Uma breve história da precificação
Aula 03 – Colecionismo
Coleções reais
Uma abordagem ESG do colecionismo
Aula 04 – Arte e Tecnologia
Breve relato sobre a história da Tecnologia na Arte
Novas tecnologias e a Economia da Arte
Aula 05 – Arte e Ciência Comportamental
Breve história sobre o encontro da economia com as ciências comportamentais
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com Eder Aleixo
Datas: 18, 20, 25 e 27 de fevereiro
Terças e quintas-feiras
Horário: das 19h âs 21h
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00
Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
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Byung-Chul Han é conhecido por sua crítica incisiva à sociedade contemporânea, que é marcada pela obsessão com produtividade, autoexploração, individualismo e narcisismo. Mas como essas pressões impactam a criação artística?
Em suas obras, Han propõe que a arte pode servir como uma alternativa, oferecendo resistência e um meio de superação.
Este curso, ministrado por Eder Aleixo, explora a visão de Han sobre a arte e como ela precisa se libertar das amarras modernas e capitalistas para realizar seu verdadeiro potencial.
Serão discutidos temas como a oposição entre arte e informação, a relação da arte com rituais que dão sentido à vida, e as principais problemáticas da arte contemporânea em relação ao capitalismo e à sociedade da informação.
Além disso, serão abordados possíveis caminhos para revitalizar a arte diante das demandas sociais e tecnológicas que a ameaçam.
O objetivo principal é articular as ideias de Han com uma proposta que avance em direção à superação da crise que ele identifica na arte.
Programação
Aula 01 – Byung-Chul Han e a Arte: perspectivas iniciais
- Quem é Byung-Chul Han? Biografia e principais questões filosóficas
- Positividade e negatividade: o Outro na sociedade contemporânea e na arte
- As concepções de arte de Byung-Chul Han: o ponto de partida
Aula 02 – Momentos críticos ou construindo um cenário de crise
- As críticas de Han à arte e à estética da modernidade
- A passagem do sujeito moderno ao contemporâneo
- A arte e a criação contemporâneas no capitalismo
Aula 03 – Arte e informação: conflitos e desafios e impactos e… resistências
O que é informação?
- Arte vs. Informação: sociedade da informação e tempo
- O barulho e a atenção na sociedade da informação
- Idiotismo: resistindo a sociedade da transparência.
Aula 04 – O tempo na arte: rituais, narrativas e esperança
- Os tempos da arte
- O tempo do outro, um outro tempo: rituais e a arte
- É tempo de narrar o outro e o novo
- A arte como o espirito da esperança
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com Ana Lira
Datas: 15, 22, 29 de janeiro e 05 de fevereiro
Quartas-feiras
Horário: das 19h às 21h30
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00
Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
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Este curso propõe um diálogo sobre a criação de obras de arte que têm a escuta e/ou o som como elementos centrais e os desafios de sua inclusão em exposições de artes visuais.
Em um momento em que obras sonoras ganham destaque e a escuta se torna fundamental na interação entre artistas e o público em museus, centros culturais e outros espaços expositivos, a proposta é observar como essas obras são instaladas e como o público se relaciona com elas.
Serão apresentadas diferentes obras sonoras para discutir seus contextos de criação, estratégias de produção, formas de instalação nos espaços e como o público interage com elas. O curso também abordará as condições físicas e simbólicas que influenciam o processo criativo dessas obras.
Cada encontro incluirá uma atividade prática para explorar formas de melhorar a interação do público com as obras e suas condições de acesso.
O curso será online, em formato de grupo de estudo e trabalho, voltado para todos os interessados no tema, especialmente aqueles ligados a artes, tecnologias sonoras, tradução de Libras, práticas corporais e áreas relacionadas ao som.
Programação
Encontro 01
- Sonoridades em território de predominância da visualidade
- Principais referências de uma escuta-presença
- Quando a sociedade demanda escuta sem escuta?
- Os sabotadores da escuta: uma revisão crítica das tecnologias de aceleração
- Impactos nas construções das obras de arte
Encontro 02
- Estudo de caso I
- Grupo de trabalho I: possibilidades de construção
- Esmiuçando o caso I: primeira roda de escuta
- Formação como estratégia diplomática entre artistas / [instituição] e público
- Desejo-som manifestado em projetos: artista é solução e não problema
- Orçamentos como resultados políticos e conceituais na materialização dos projetos
Encontro 03
- Estudo de caso II
- Grupo de trabalho II: possibilidades de construção
- Esmiuçando o caso II: segunda roda de escuta
- Discussões artísticas sobre políticas e práticas de acesso
- Experiências de amadurecimento das relações entre obra e público
Encontro 04
- Estudo de caso III
- Grupo de trabalho III: possibilidades de construção
- Esmiuçando o caso III: terceira roda de escuta
- Sintetizando os protocolos de trabalho
É artista visual, curadora, rádio host, fotógrafa, escritora e editora baseada no Brasil. É especialista em comunicação social pela UFPE com ênfase em Teoria e Crítica de Cultura. Possui uma prática baseada em processos coletivos e parcerias há mais de duas décadas. Nestas iniciativas, dedica-se a fortalecer práticas colaborativas de criação, as escutas das coletividades em que está envolvida, as dinâmicas culturais relacionadas com as sensibilidades cotidianas e as entrelinhas das relações de poder que afetam nosso processo de comunicação e a forma como produzimos conhecimento no mundo.
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com Adriana Maciel
Datas: 21, 28 de janeiro, 04, 11 e 18 de fevereiro
Terças-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 5 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00
Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Contempla certificado no final
Tudo o que vemos e ouvimos, além das letras no papel, são textos. A escrita se faz no gesto, na escuta, na fala, na visão, no corpo. É uma inscrição – escava a linguagem e se apropria de diferentes fontes, mídias e suportes. Na contemporaneidade, os gêneros pelos quais a arte se move são permeáveis – quando não, indistinguíveis –, e seus significados são, muitas vezes, fluidos.
O curso apresenta textos artísticos de diferentes linguagens – artes visuais, textos escritos e arte sonora – buscando entender seus procedimentos e o modo como agem performaticamente, cavando e ampliando a possibilidade de sentidos. A cada encontro, um exercício de escrita é sugerido – uma provocação, um disparador. A intenção é abrir e ampliar as possibilidades inventivas de cada participante. Pensar as escritas performáticas é desinformar a matéria, e nesse exercício, achar o estilo próprio ao que se deseja produzir. É exercitar outras formas de leitura da complexa realidade em que habitamos.
Como o curso funciona?
O curso é estruturado em cinco encontros, cada um com duração de duas horas. Cada aula combina a análise de textos artísticos, discussão coletiva e a realização de um exercício prático. Os participantes são incentivados a explorar diferentes formas de escrita e a compartilhar suas produções ao final de cada encontro.
Programação
Aula 01 – Invenção e procedimentos
- Experiências artísticas das vanguardas do início do século 20
- Exercícios 1
Aula 02 – O atravessamento das linguagens
- O rompimento com a representação e a fricção de sentidos
- Exercícios 2
Aula 03 – John Cage – pensar com as mãos
- John Cage a as diversas formas de escrita
- Exercícios 3
Aula 04 – Ruptura
- Invenção de itinerários
- Exercícios 4
Aula 5 – Escritas performáticas
- Escritas das bordas: apresentação e discussão dos trabalhos
Doutora e Mestra pelo Programa de Pós-Graduação em Letras da PUC-Rio, Adriana Maciel é bacharel em Produção Textual também pela PUC-Rio e tem pós-doutorado com a pesquisa Escritas performáticas. Coordena e dá aulas na especialização Escritas Performáticas – Invenção e procedimentos artísticos do CCE da PUC-Rio desde 2019. É, também, professora na especialização Formação do escritor do CCE da PUC-Rio e da especialização Gestão e Produção cultural da FACHA, na disciplina Produção editorial. Professora horista da graduação na PUC-Rio no departamento de Letras, é sócia-fundadora, diretora e editora da Numa Editora desde 2015.
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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br)
com Daniela Lima
Datas: 23, 30 de janeiro, 06 e 13 de fevereiro
Quintas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 350,00
Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Contempla certificado no final
Neste curso, partimos da conferência radiofônica “O Corpo Utópico” (1966), proferida por Michel Foucault, para refletir sobre a relação entre corpo, espaço e imagem. Através do conceito de corpo como lugar de aprisionamento e de utopia como o “lugar fora de todos os lugares”, exploramos o paradoxo identificado por Foucault: toda utopia surge a partir do corpo e parece se voltar contra ele. A fotografia será mobilizada como meio de capturar essa dualidade, ao simultaneamente fixar e transfigurar o corpo, produzindo uma tensão entre rigidez e fluidez em suas imagens.
O curso tem como objetivo examinar a concepção foucaultiana de “corpo utópico” em diálogo com as obras de Francesca Woodman, Alix Cléo Roubaud e Iole de Freitas, que utilizam a imagem para explorar as fronteiras e possibilidades do corpo no espaço. Destinado a estudantes e interessados em arte contemporânea, teorias dos corpos e filosofia, este ciclo de aulas busca proporcionar uma reflexão crítica e estética em torno do corpo enquanto “ator principal de todas as utopias”.
Programação
Aula 01 – Introdução: O Corpo Utópico de Foucault
Análise da conferência radiofônica “O Corpo Utópico” (1966)
O corpo como ator de todas as utopias: paradoxo entre aprisionamento e transfiguração
O corpo que se projeta para além de seus limites e habita espaços outros – reais e imaginários: implicações e apontamentos sobre a imagem fotográfica
Aula 2 – Francesca Woodman: O corpo fantasmagórico
Análise de imagens selecionadas de Francesca Woodman, em especial da série Spaces (segunda metade da década de 1970)
A relação entre corpo, espaço vazio e efemeridade na fotografia de Woodman
A dissolução e o desaparecimento do corpo nas fotografias e a tensão entre utopia corporal e fantasmagoria nos autorretratos de Woodman
Aula 3 – Alix Cléo Roudbaud: Corpo e temporalidade
Análise de obras selecionadas de Alix Roubaud, em especial da série 15 minutes: la nuit au rythme de la respiration (início da década de 1980)
A relação entre corpo, espaço e temporalidade na fotografia de Roubaud
A presença do corpo, os movimentos corporais e sua interferência no processo fotográfico
Aula 4 – Iole de Freitas: Corpo em Movimento e em Expansão
Análise de imagens selecionadas de Iole de Freitas, em especial da série Spectro (década de 1970)
A captura do movimento e a expansão do corpo no espaço
O impacto dos procedimentos de corpo-câmera e de gesto-presença na fotografia espectral de Iole de Freitas
Daniela Lima Barros é doutoranda em Filosofia pela Universidade Federal Fluminense (UFF), em regime de co-tutela na Universidade de Lisboa (ULisboa). Realizou estágio de doutorado-sanduíche no Centro de Filosofia da ULisboa (CFUL), junto ao grupo Praxis (Practical Philosophy Research Group). Possui formação em Fotografia com ênfase em Artes Visuais pelo Ateliê da Imagem (RJ). Desenvolve pesquisas na área de filosofia francesa contemporânea, com ênfase no pensamento de Michel Foucault, sendo integrante do diretório de pesquisadores do Centre Michel Foucault (CMF-IMEC). Autora de, entre outros, “Corpo-vetor e Corpo-utópico” (In: Pandemia Crítica, Editora N-1, 2021) e “A relação entre a água e a loucura em Histoire de la Folie” (Revista Kriterion). Em Portugal, publicou o ensaio “A questão do estrangeiro: um duplo-convite ao espanto” (In: Volta Para Tua Terra – 50 anos da Revolução dos Cravos, Editora Urutau, 2024). Escreveu ensaios para diversos espaços, entre os quais o Instituto Moreira Salles (IMS-RJ).
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com José Augusto Ribeiro
Quintas-feiras
Duração: 6 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00
Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
O termo “escrito de artista” não constitui gênero literário ou discursivo por abranger formas diversas: carta, tratado, manifesto, crítica, aforismo, ensaio, ficção. Mas, em geral, esse texto exprime as ideias que impregnam a realização da obra de seu autor.
A partir dos anos 1960, principalmente, o escrito de artista passa não só a sistematizar em palavras o pensamento do trabalho de arte, como passa a integrar ou a ser o próprio trabalho. Outras vezes, o texto assume a forma de conto, poesia ou romance, com maior ou menor vínculo com a obra de artes visuais.
O curso considera, então, essas várias possibilidades da escrita, ao selecionar para análise um conjunto de textos de artistas brasileiros, publicados a partir da metade do século XX, a fim de estabelecer um campo de pensamento sobre a produção contemporânea em que convergem aspectos da literatura, da filosofia e da política, junto com noções das disciplinas de teoria, história e crítica de arte.
Programação
Aula 01 – Os escritos teóricos de Waldemar Cordeiro, Hélio Oiticica e Lygia Clark
Aula 02 – Textos de intervenção publicados entre 1970 e 1990, no jornal Opinião e nas revistas Malasartes, A parte do fogo e Arte em revista
Aula 03 – A palavra nas obras de Artur Barrio e Waltercio Caldas
Aula 04 – Contos e poemas de Anna Maria Maiolino, Iberê Camargo e Antonio Lizárraga
Aula 05 – As narrativas ficcionais de Tunga e os fragmentos autobiográficos de José Leonilson
Aula 06 – Literatura e artes visuais nas produções de Nuno Ramos e Aline Motta
José Augusto Pereira Ribeiro é mestre e doutor em Teoria, História e Crítica de Arte pela Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo. Trabalhou como curador sênior da Pinacoteca de São Paulo, de 2012 a 2022, e diretor de artes visuais do Centro Cultural São Paulo, entre 2010 e 2012.
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com Helena Obersteiner
Terças-feiras
Duração: 5 encontros
Público: interessados em geral
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Curso online
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Este curso propõe uma postura investigativa sobre a interseção entre desenho e escrita. Inspirado pela dinâmica do jogo de pingue-pongue, o curso convida os participantes a mergulharem em um diálogo constante, explorando como essas práticas podem se entrelaçar e estimular mutuamente processos de pesquisa e criação.
Ao longo dos encontros, analisaremos obras de artistas do acervo do MAM-SP, refletiremos e realizaremos exercícios que enfatizam o afeto entre as práticas, além de investigar poéticas individuais que emergem a partir da convivência coletiva.
Programação
Aula 01 – Metodologia pingue-pongue
- Observação imparcial
- Importância de práticas transdisciplinares
- Borrar fronteiras
Aula 02 – Investigações a partir de obras do acervo do MAM-SP
- Artistas: Leonilson, Rivane Neuenschwander, Tadaskia, Xadalu Tupã Jekupé e Mira Schendel
- Elaboração de exercícios baseados na análise das obras
Aula 03 – Ultrapassar convenções: intersecção entre texto e imagem
- Consciência corporal e pesquisa de materiais riscantes
- Coreografias e roteiros no espaço
- Ilustração e lettering
Aula 04 – Reorganização de textos
- Convivência entre referências
- Decoupage de texto e pesquisa de imagens
Aula 05 – Pesquisa de palavras em órbita
- Memória, reconhecimento e afeto
- Relatos escritos de experiências
É artista visual e tem o desenho como investigação. Através da prática de observação interage, de maneira empírica, com materiais e máquinas que afetam e constroem superfícies. Em seus trabalhos, dialoga com tecido, gesso, látex e papel, assim como máquinas de tatuagem costura e tapeçaria. Em 2019, criou o curso Desenhos Feios, realizado em parceria com Espaço.CC, que contou com mais de dez turmas, entre formatos on-line e presenciais. Ao longo dos anos, realizou diversas aulas e palestras em instituições parceiras, como IED-SP, EBAC, Faculdade Santa Marcelina, entre outras. Atualmente, também realiza cursos regulares em seu ateliê.
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com Lorenzo Merlino
Terças-feiras
Duração: 6 encontros
Público: interessados em geral
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Curso online
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Este curso oferece uma análise inter-relacional entre a História da Moda e a História da Arte, destacando suas conexões com o contexto histórico, social, político e econômico. Frequentemente ensinadas de maneira dissociada, ambas as disciplinas são aqui exploradas como manifestações que se influenciam e refletem o espírito de sua época. Por meio de uma exposição cronológica e crítica, o curso visa proporcionar ao aluno uma compreensão ampliada dos movimentos artísticos e suas correspondências na moda. Incentivando um exercício relacional, o curso capacita os participantes a identificar e analisar novas relações, aplicáveis a diferentes áreas de estudo e trabalho.
Programação
Aula 01 – Apresentação e metodologia
- A Moda através da História da Arte
- Pré-História e as primeiras manifestações
- A Antiguidade e o surgimento do vestuário
- Roma e o apogeu da Antiguidade
- Antiguidade tardia e as novas perspectivas
- Bizâncio e a permanência de Roma
Aula 02 – Era Medieval – Renascimento Carolíngio, estilos Românico e Gótico
- O início da diferenciação por gênero
- Cruzadas e o aporte da opulência
- Os vários Renascimentos
- O humano no centro e o início da Moda – alteração de silhueta
Aula 03 – Barroco e Rococó
- Decoração, exagero e lisonja
- Os Habsburgo e Flandres, rigor e constrição
- A Academia e o Classicismo do Grande Século
- O início da preponderância francesa
Aula 04 – A Primeira Revolução Industrial
- A Inglaterra e suas influências
- Neoclassicismo – nobreza e burguesia, ousadia e conservadorismo
- Deformação do corpo e construção de silhueta
- As Revoluções e a influência inglesa – o câmbio da silhueta
- De fornecedores a artífices, e a disseminação da roupa
Aula 05 – O longo século 19 e o final de uma Era
- As bases do Moderno
- Restauração, Romantismo, Realismo – o começo dos ismos
- Revoluções Sociais e a Segunda Revolução Industrial
- Grandes Magazines e as mudanças no fornecimento da Moda
- O surgimento da Alta-Costura
Aula 06 – A aceleração do tempo e a aceleração da Moda
- Final de Século e o início do Moderno
- Impressionismo, Neoimpressionismo e Pós-Impressionismo
- A Modernidade e as Vanguardas europeias
- A Alta-Costura e o prêt-à-porter, e as primeiras relações diretas com a Arte
- A Segunda Guerra e a mudança de eixo
- Chanel e a invenção do estilismo
É pós-graduado em História da Arte pela FAAP e mestre e doutorando em História da Arte pela UNICAMP, atualmente encontra-se na Inglaterra onde cumpre uma bolsa de doutorado-sanduíche na University of Brighton. Com mais de 25 anos de experiência no mundo da moda, integrou por seis anos o SPFW. Indicado ao XIV Prêmio Carlos Gomes em 2011 por melhor figurino e escolhido melhor figurinista de óperas do Brasil em 2015. Professor na FAAP, ministra também cursos no MAM, no MASP, no Adelina Instituto, na Superbacana+, na Casa do Saber, na Unibes Cultural, no SENAC e no SESC. Desde 2016 é embaixador de Flandres para as Artes e a Moda no Brasil.
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com Alexandre Villares
Segundas-feiras
Duração: 06 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00
Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
Desde a década de 60, artistas produzem imagens escrevendo programas de computador. Neste curso serão apresentadas obras pioneiras e contemporâneas, assim como ideias recorrentes na prática da chamada programação criativa, servindo para reflexão e inspiração de atividades práticas de experimentação dos participantes.
Trata-se de uma introdução ao desenho com programação que ensina, sem pré-requisitos, elementos essenciais da linguagem de programação Python e do vocabulário de desenho de processing, uma plataforma de programação amplamente utilizada por artistas.
O curso visa promover a familiarização dos participantes com ideias da arte computacional, guiar os primeiros passos na programação com Python, estimular a análise e reflexão sobre obras construídas com código, assim como estimular a experimentação neste meio de expressão. É aberto a todas as pessoas interessadas na intersecção da arte e da tecnologia, com curiosidade em aprender sobre programação de computadores e sua utilização com fins estéticos, expressivos e poéticos.
Metodologia
- Apresentação de conceitos e procedimentos, por meio da técnica do live coding
- Demonstração ao vivo da escrita de um programa, ou trecho de código
- Exercícios de experimentação
- Discussão e esclarecimento de dúvidas
Equipamento necessário
Computador com teclado, mouse e acesso à internet.
Programação
Aula 01 – Apresentação do curso: primeiro vocabulário de desenho
- Alguns precedentes de arte com programação
- Uma ferramenta de desenho com Python
- Sistema de coordenadas, formas elementares, cor
- Aleatoriedade e execução condicional
Aula 02 – Definindo novas funções
- Vera Molnar, a grande dama da arte computacional
- Organizando o código com funções
- Transformações do sistema de coordenadas
Aula 03 – Laços de repetição e recursividade
- Frieder Nake e Georg Nees (obra Shotter)
- Repetição de formas, filas e colunas de elementos
- Recursão e seu efeitos visuais
Aula 04 – Estruturas de dados
- Data art ou visualização de dados?
- Registro de um gesto e mais opções de interação
Aula 05 – Orientação a objetos, um primeiro contato
- Usando objetos de uma classe (instâncias, atributos e métodos)
- Desdobramentos do uso de programação nas artes visuais
Aula 06 – Explorações finais e encerramento
- Orientação a objetos: definindo uma nova classe
- Indicações para futuros estudos
- Devolutivas e considerações finais das pessoas participantes
Professor, artista visual e consultor em projetos de design e novas mídias. Pesquisa práticas artísticas que se valem de meios computacionais e o ensino de programação em contextos visuais. Graduado em arquitetura e urbanismo pela FAU-USP (2000) e mestre pela FECFAU-Unicamp (2019). Co-organizador da Noite de Processing em São Paulo, evento mensal sobre arte e programação que acontece desde janeiro de 2016.
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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br).
com Tálisson Melo
Terças e quintas-feiras
Duração: 04 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00
Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
Este curso parte de uma revisão da historiografia sobre a arte brasileira nos anos 1980, propondo uma perspectiva sociológica para análise da narrativa elaborada em torno da noção de geração, bem como suas implicações em termos de centralização e apagamentos.
Abordando exposições de artes visuais realizadas no Brasil entre o final dos anos 1970 e 1980, o curso discute as principais transformações nas condições da produção, mediação e circulação da arte no país, considerando sua relação com as instituições (museus, universidades, centros culturais, bienais e salões), a imprensa e o mercado de arte. Também propõe destrinchar acontecimentos e aspectos que revelam a complexidade e diversidade de manifestações culturais do período, opondo-se às visões que retratam esse momento da história brasileira como “década perdida”, demonstrando, assim, a importância e necessidade de se revisar o período.
Em especial, ressalta-se o papel dos artistas e instituições da década de 1980 na consolidação da arte contemporânea brasileira, incluindo a emergência da curadoria de exposições, a consolidação dos cursos de arte, a formação de uma rede de mercado para a arte contemporânea, e a criação de políticas culturais voltadas às artes visuais. Tomando os Panoramas do Museu de Arte de São Paulo nos anos 1980, busca-se discutir a convivência entre gerações de artistas e aspectos da cena nacional, enquanto o caso da participação brasileira na exposição Magiciens de la Terre, realizada em Paris, em 1989, é analisado para se pensar a projeção da arte brasileira no cenário internacional, bem como os caminhos que se abrem para a década seguinte.
Programação
Aula 01 – Explode geração!
- Década perdida e a historiografia sobre os 1980
- Abordagem sociológica sobre a categoria “geração” nas artes
- Arte brasileira para além do projeto construtivo
Aula 02 – Como Vai Você, Geração 80?
- A emergência da curadoria de exposições
- Corpo, espaço, linguagem e os media na arte brasileira
- Instituições de formação artística e embates geracionais
Aula 03 – Utopia versus Realidade
- Museus imaginários, cultura visual e citações
- O retorno da pintura
- Artistas entre instituições e mercado
Aula 04 – A trama do gosto
- A arte contemporânea entre local e global nas Bienais
- Os panoramas do MAM-SP nos 1980, entre modernos e contemporâneos
- Magiciens de la Terre e caminhos para a projeção de uma arte brasileira
Tálisson Melo é curador, pesquisador e professor de artes. Atualmente é curador adjunto da exposição Fullgás – artes visuais e anos 1980 no Brasil (CCBB Rio de Janeiro, com Raphael Fonseca e Amanda Tavares). É pesquisador pós-doutorando no Instituto de Estudos Brasileiros da Universidade de São Paulo. Doutor em Sociologia e Antropologia pela Universidade Federal do Rio de Janeiro, com estágio de pesquisa na Yale University, EUA. Mestre em Artes, Cultura e Linguagens pela Universidade Federal de Juiz de Fora, onde também concluiu o bacharelado em Artes e Design, com concentração em história e teoria da arte pela Universidad de Salamanca, Espanha.
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com Cláudia Vendramini Reis
Terças e quintas-feiras
Duração: 06 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00
Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
O curso tem como objetivo apresentar o processo de desenvolvimento de exposições nos museus de arte e os desafios das etapas de pré-produção, produção e pós-produção.
Do projeto curatorial à experiência de visitar exposições de arte, os participantes do curso vão descobrir o passo a passo da produção artística e executiva. As aulas serão expositivas com conteúdo em formato digital, indicações de leituras e tempo reservado para estudos de casos e troca de experiências.
Programação
Aula 01 – Introdução sobre museus de arte e a diversidade de exposições
- Apresentação do conteúdo do curso, da professora e dos participantes
- Indicação de bibliografia
- Introdução: museus de arte e exposições de longa, média e curta duração
- Projeto curatorial e expográfico
- O produtor de projetos artísticos e culturais: área de atuação com foco nas exposições de arte nos museus
Aula 02 – Quando inicia e termina a produção artística e executiva?
- As relações do produtor com profissionais, equipes e instituições: curadores, arquitetos, artistas, colecionadores, designers, museólogos, educadores, entre outros
- Da elaboração do projeto a sua realização: pré-produção, produção executiva e pós-produção
Aula 03 – Pré-produção
- Acompanhamento de pesquisa, produção de conteúdos e elaboração de lista de obras
- Documentação de empréstimo temporário de obras de arte, obras comissionadas, banco de dados e seus desafios
- Carta de apresentação da exposição, carta convite, solicitação de empréstimos e seguro de obras de arte
- Documentação referente aos espaços expositivos e condições de exibição de obras de arte (Facility Report)
Aula 04 – Produção executiva
- Elaboração de orçamentos, cronogramas, fluxos de desembolso
- Processos de tomada de preços/cotações, contratação de prestadores de serviços, aquisição de materiais, equipamentos e/ou locação
- Logística de transporte, embalagem de obras de arte, seguro e acompanhamento museológico e laudos de estado de conservação das obras
Aula 05 – Produção executiva | Interface com equipes
- Interface com as equipes responsáveis pela concepção e execução de projetos expográfico, luminotécnico, identidade visual, design gráfico, comunicação e publicações
- Montagem, desmontagem e manutenção de exposições
- Interface com equipes de projetos educativo, acessibilidade, orientação de públicos, segurança e outros serviços
Aula 06 – Pós-produção
- Pesquisas de opinião e processos de avaliação do projeto executado
- Prestação de contas durante e ao final do projeto
- Elaboração de relatórios parciais e finais
- Avaliação do curso junto aos participantes
Cláudia Vendramini Reis é professora na pós-graduação do Centro de Estudos Latino-Americanos sobre Cultura e Comunicação, CELACC – núcleo de apoio a pesquisa da ECA-USP, no qual ministra a disciplina Gestão de Projetos Culturais, desde 2016. É mestre em Museologia pelo PPGMUS-USP, na linha de pesquisa História dos processos museológicos, coleções e acervos. Foi coordenadora de produção da 29a Bienal de São Paulo (2010) e gerente do programa educativo da Fundação Bienal de São Paulo (2017-2019). É membro do ICOM Brasil e da Comissão de Ética Profissional do Conselho Regional de Museologia da 4ª Região – COREM 4R.
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com Mirella Maria
Terças-feiras
Duração: 04 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 350,00
Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
Quais imagens vêm à mente quando você pensa na América Latina? Se aprofundarmos essa reflexão, conseguimos evocar cenários visuais ligados a artistas, exposições e obras de arte da região? Este curso propõe explorar essas questões, com o objetivo de analisar e apresentar as diversas narrativas visuais dos territórios geopoliticamente identificados como latinos.
Neste curso introdutório, focaremos nas narrativas visuais produzidas na América do Sul, no Caribe e no México, abrangendo principalmente o período do século XVIII ao XXI. Exploraremos diálogos interdisciplinares, utilizando uma variedade de mídias como leituras acadêmicas e materiais audiovisuais criados por estudiosos, ativistas, pensadores e artistas. A proposta é oferecer múltiplas perspectivas sobre a América Latina, enriquecendo a compreensão visual e promovendo um olhar além do senso comum.
O público-alvo deste curso são estudantes, profissionais das áreas de Humanas e a todos que se interessam por debates interdisciplinares, especialmente aqueles relacionados às Artes Visuais, Ciências Sociais, História, Geografia e afins.
Programação
Aula 01: De que História da Arte e América Latina estamos falando?
- Breve discussão sobre os conceitos de América Latina, Abya Yala e Améfrica Ladina
- Produção artística no período colonial nas Américas: arquitetura, pintura e escultura (foco em Brasil, Peru e México)
Aula 02: Narrativas visuais em instituições culturais e educacionais na América Latina
- Análise de museus, coleções e curadorias; construção de museus comunitários e virtuais
- Escolas e currículos, movimentos de integração de arte e educação em espaços educacionais
Aula 03: Movimentos de luta e resistência na História da Arte na América Latina
- Produções artísticas nos períodos de ditaduras no Brasil e Chile: Cildo Meirelles, Ilê Ayê, Arpilleras no Chile
- Mudanças climáticas e artes visuais: o contexto do Caribe
- Artistas em Cuba: Celia y Yunior
- Artistas em Porto Rico: Sofía Galissá Muriente e Javier Román
- Arte política: Tania Bruguera, Carlos Martiel, Vink Art y Torch Místico e Mori Vivi
Aula 04: As Relações do Brasil com o contexto latino-americano
- Compreensão e visualização das discussões sobre América Latina/Améfrica Ladina no contexto artístico brasileiro
- Análise das produções artísticas e artistas no Brasil nos séculos XX e XXI (artistas como Hélio Oiticica, Salissa Rosa e Paulo Nazareth)
Artista visual, pesquisadora e professora. Graduada em Artes Visuais e mestra em Arte Educação pela Universidade Júlio de Mesquita Filho – UNESP. Atuou como arte educadora, formadora e consultora em espaços como Museu Afro Brasil, SESC, Instituto Adelina, MASP SP, rede Sparks School (South Africa). Como artista visual, participou da XII Bienal do Mercosul. Atualmente, é professora de atendimento educacional especializado na Prefeitura Municipal de SP- PMSP e consultora educacional. Sua pesquisa é voltada para a produção artística contra-hegemônica, alinhando a epistemologias do Sul Global, questões étnico-raciais/gênero, estudos pós-coloniais.
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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br).
créditos: Geiger, Anna Bella Brasil, 1500-1996
com Juliana Monteiro
Segundas-feiras
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00
Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
Neste curso, diálogos entre a fotografia e a literatura servirão como base para construir caminhos de compreensão sobre a experiência leitora e o texto visual.
O que acontece quando acolhemos, em um mesmo livro, fotografia e literatura? As narrativas fotográficas e as literárias apresentam elementos em comum? De que forma essas linguagens são articuladas para provocar, no leitor, uma experiência costurada entre foto e palavra? Fotografia pode ser poesia?
Esses questionamentos conduzirão os quatro encontros em que obras de Orides Fontela, Natália Ginzburg, Adolfo Navas, Luciana di Leone, James Wood, Marvel Harris, Annie Ernaux, Maureen Bisilliat, Byung-Hun Min e Graciela Iturbide serão ponto de partida.
Programação
Aula 01 – OLHAR ENTRE
. fotografia e poesia
. a imagem do poeta, a palavra do fotógrafo
. reflexões da literatura sobre a fotografia
Aula 02 – OLHAR PARA
. perspectivas poéticas, cruzamento de olhares
. livros em diálogo
. reflexões sobre fotos dos participantes
Aula 03 – OLHAR COM
. narratividade
. fotografia com narrativa
. reflexões da literatura sobre a fotografia
Aula 04 – OLHAR PARA
. perspectivas narrativas, cruzamento de olhares
. livros em diálogo
. reflexões sobre fotos dos participantes
É museóloga formada pela UFBA, especialista em gestão pública pela FESPSP e mestra em Ciência da Informação pela ECA-USP. Trabalhou em instituições como Museu da Energia de São Paulo, Unidade de Preservação do Patrimônio Museológico da então Secretaria de Estado da Cultura de São Paulo e Museu da Imigração. É professora do curso técnico de Museologia da ETEC Parque da Juventude desde 2010. Atualmente, é diretora no Brasil da empresa Sistemas do Futuro, especializada em desenvolvimento de bancos de dados para coleções culturais. Também presta consultorias independentes em projetos de documentação. Foi membra da diretoria do capítulo brasileiro do Creative Commons entre 2019 e 2021 e colaboradora em diferentes frentes da campanha Art+Feminism entre 2018 e 2023.
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com Kátia Canton
Quartas-feiras
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 350,00
Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
O postulado da arte como cura tem se destacado cada vez mais nas discussões contemporâneas, especialmente após a pandemia. Mas de que tipo de cura estamos falando, e a que arte estamos nos referindo?
Partindo destas perguntas, este curso teórico busca explorar narrativas diversas relacionadas a esse tema, percorrendo construções que articulam a ideia de cura ou transformação por meio da produção e apreciação de diversas expressões artísticas.
As quatro aulas propostas servirão como estruturas panorâmicas para estimular debates sobre as diferentes interpretações do termo “cura”, analisando a arte de uma maneira transdisciplinar.
Este curso está aberto a todos os interessados no assunto, não sendo necessário possuir conhecimentos prévios para participar das aulas.
Programação
Aula 01
- Arte-cura e o zeitgeist do agora
- Estética, cuidado de si, política e liberdade
- Narrativas enviesadas de um uso da arte em pesquisas recentes nas áreas de saúde e neurociência
- O surgimento da neuroestética e seus desdobramentos
- Reflexões pós-pandêmicas sobre os lugares da arte
Aula 02
- Uma pequena história da arte como história de cura e transcendência
- A Grécia Antiga e seus métodos de cura
Aula 03
- O pioneirismo de Osório César
- A revolução de Nise da Silveira
- O surgimento da arte-terapia e suas interfaces com a arte-educação: experiências, invenções e a arte como política de liberdade
Aula 04
- Apresentação de artistas, inventores-sobreviventes, protagonistas de uma arte curativa: olhando para a produção de Hilma von Klimt, Leonora Carrington, Jean Dubuffet, Arthur Bispo do Rosário, Aurora Cursino, Ann Halprin, Maria Fux, Marina Abramović, Lygia Clark, Tunga, Ernesto Neto, entre outros.
Artista visual, escritora, psicanalista, professora e curadora. Estudou arquitetura, dança e formou-se jornalista pela ECA USP, em São Paulo. Também estudou literatura e civilização francesas no curso de estudos superiores dado pela Aliança Francesa juntamente com a Universidade de Nancy II. Em 1984 transferiu-se para Paris, com uma bolsa de estudos de dança moderna no estúdio Peter Goss.
Viveu em Nova York por oito anos, onde trabalhou como repórter para vários jornais e revistas e realizou mestrado e doutorado na New York University. Sua pesquisa acadêmica é interdisciplinar e relaciona as artes e os contos de fadas, de várias épocas e culturas do mundo. Trabalhou um ano e meio como bolsista no MoMA, de Nova York, criando projetos de arte e narrativa no departamento de educação. De volta ao Brasil, ingressou como docente na Universidade de São Paulo, sendo professora associada do Museu de Arte Contemporânea (onde foi vice-diretora) e do programa de pós-graduação Interunidades em Estética e História da Arte.
Seu trabalho artístico é multimídia, incluindo desenho, pintura, fotografia e objetos, e conceitualmente se liga a questões sobre sonho, desejos e narrativas. Tem realizado exposições em museus, galerias e instituições culturais no Brasil e no exterior, desde 2008.
Como autora, além de escrever livros sobre arte, criou mais de 50 livros ilustrados para o público infantil e juvenil, tendo recebido vários prêmios, no Brasil e no exterior. Entre eles, recebeu por três vezes o prêmio Jabuti, prêmios da Fundação Nacional do Livro Infantil e Juvenil.
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com Renata Beltrão
Segundas-feiras
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
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Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
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São poucas as instituições culturais brasileiras que podem contar com equipes profissionalizadas de comunicação ou com agências especializadas que as auxiliem na missão de se conectar com o público. Especialmente no caso das instituições de pequeno e médio porte, a missão de divulgar projetos e atividades acaba sendo desempenhada por pessoas sem formação específica em comunicação, e que muitas vezes acumulam outras funções.
Este curso tem o objetivo de ajudar esses profissionais a compreender o universo da comunicação digital em instituições culturais e descobrir técnicas e ferramentas para facilitar o dia a dia e promover uma comunicação eficiente – dentro das possibilidades reais de atuação de cada um. O curso será baseado em estudo de casos reais e recentes, ferramentas online gratuitas e exercícios práticos com base na realidade dos participantes.
Programação
Aula 01 – Calibrando o potencial de trabalho em comunicação
- Por que comunicar? E quem comunica?
- O que é necessário fazer x O que é possível fazer
- Onde estão os públicos e como chegar neles.
- PRÁTICA: Torne sua instituição “encontrável”: as possibilidades do Google My Business
Aula 02 – Consistência nas redes sociais: parte 1
- Esse tal de algoritmo: como funcionam as redes sociais
- Plataformas mais utilizadas e seu potencial hoje
- PRÁTICA: Construindo coerência na mensagem – Texto e Design utilizando ferramentas gratuitas como Chat GPT e Canva
- BÔNUS: Como utilizar imagens na internet sem infringir direitos autorais – bancos de imagem e Wikimedia Commons
Aula 03 – Consistência nas redes sociais: parte 2
- Entendendo o “funil de venda” na realidade da cultura
- PRÁTICA: Como criar uma linha editorial e um calendário de postagens
- Ferramentas (gratuitas e pagas) para agendamento de posts
- BÔNUS: Métricas em comunicação digital
Aula 04 – Se organizando para desorganizar: técnicas e ferramentas simples para planejamento pessoal
- Construa um “HD externo” para sua mente
- PRÁTICA: Use o Trello e o Notion para organizar as próprias ideias
- BÔNUS: Organização compartilhada: como estabelecer um processo em comunicação
Renata Beltrão é jornalista, especialista em gestão pública e mestre em Museologia. Tem mais de 20 anos de experiência em comunicação e, desde 2011, atua na área da cultura no Estado de São Paulo. Em 2019, assumiu a coordenação de Comunicação e Marketing do IDBrasil, organização social que gerencia o Museu do Futebol e o Museu da Língua Portuguesa. No momento, cursa o MBA em Marketing da Esalq/USP.
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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br).
com Patrícia Valim
Datas: 14, 21, 28 de agosto, 04 e 11 de setembro
Quartas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 5 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00
Curso online
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Manifestações artísticas têm denunciado o apagamento da epidemia de feminicídio em vários países, sobretudo no Brasil e em outros países da América Latina. Além de explicitar os mecanismos de reprodução de todo tipo de violência contra as mulheres, manifestações e intervenções artísticas feministas têm formado um contradiscurso que, simultaneamente, combate a cultura de violência contra as mulheres e constrói tecnologias sociais para uma sociedade com equidade de gênero e raça. O objetivo do curso é analisar relatos e intervenções artísticas de mulheres feministas, explicitando suas negações e construindo outras formas de viver em sociedade, criando, assim, novos futuros possíveis.
Programação
Aula 01: Mortas – artistas que denunciam formas de violências
- Ana Mendieta (Cuba)
- Elina Chauvet (México)
- Frida Kahlo (México)
Aula 02: Banho de sangue – artistas que denunciam formas de reprodução de violências
- Marcela Cantuária (Brasil)
- Panmela Castro (Brasil)
- Francesca Woodman (EUA)
Aula 03: Quando todos se calam – artistas que denunciam o pacto de silenciamento da sociedade em relação às múltiplas formas de violências contra as mulheres
- Berna Reale (Brasil)
- Eugênia França (Brasil)
- Regina Parra (Brasil)
Aula 04: Eu me levanto – artistas que propõem formas de combater as violências contra as mulheres
- Ana Maria Maiolino (Brasil)
- Lygia Pape (Brasil)
- Beth Moysés (Brasil)
Aula 05: A liberdade também é combate – artistas que desenvolvem tecnologias sociais para a construção de futuros
- Hariel Revignet (Brasil)
- Yasmin Formiga (Brasil)
- Cecilia Vicunã (Chile)
Patrícia Valim é mestre em História Social (2007) e doutora em História Econômica (2013), ambos pela Universidade de São Paulo. Desenvolveu dois estágios de pesquisa de pós-doutoramento em Programas de Pós-graduação em História: UFBA (2014) e UNIFESP (2019). Desde 2015, é Professora Adjunta de História do Brasil Colônia no Departamento de História e Pesquisadora Permanente do Programa de Pós-graduação em História da UFBA. Desde 2020, é pesquisadora permanente do Grupo de Pesquisa JIIAR: “Justiças e Impérios Ibéricos de Antigo Regime”; membra do grupo executivo da Rede Brasileira de Mulheres Cientistas (RBMC) e uma das embaixadoras no Nordeste do Parent in Science. Foi professora e pesquisadora em regime de cooperação técnica no Departamento de História e no Programa de Pós-graduação em História da Universidade Federal de Ouro Preto, durante o período de 2021-2022. Desde maio de 2023, idealizou, coordena e é uma das autoras da série histórica “Mátria Brasil”, publicada semanalmente na Folha de São Paulo. Tem experiência na área de História, com ênfase em História da Bahia, História do Brasil Colônia e Brasil Império, atuando principalmente nos seguintes temas: Conjuração Baiana de 1798; Lutas pela Independência Política na Bahia; História da Justiça e do Direito; Crimes e Castigos; História das Mulheres; Negacionismos e Usos da História.
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Créditos: Anna Maria Maiolino, Ecce homo, 1966. Coleção MAM São Paulo. Foto: Romulo Fialdini
com Zé De Boni
Datas: 06, 13, 17, 20 e 27 de agosto
Terças-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 5 encontros
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Importante: a visita presencial à exposição “George Love: além do tempo” não será gravada. Este encontro acontecerá no dia 17 de agosto, sábado, das 10h30 às 12h30.
Baseado em experiência prática e pessoal, este curso explora os desafios e soluções na conservação de fotografias. Com ênfase nos arquivos de colecionadores e autores, serão abordados diversos processos fotoquímicos e digitais.
Nos cinco encontros serão discutidos diversos exemplos, com destaque para o acervo de George Love, cuja retrospectiva está em exposição no Museu de Arte Moderna de São Paulo. Na terceira aula, será realizada uma visita guiada à exposição “George Love: além do tempo”, com o professor e curador da mostra, Zé de Boni.
Programação
Aula 01 – Por que conservar? Princípios e motivos
- Necessidade: sentimental, cultural, patrimonial
- Materiais: frágeis, vulneráveis, voláteis
- Processos fotográficos e preservação: história e casos
- Preservação da informação
Aula 02 – O que conservar? Processos e materiais
- Fotografia preto e branco
- Fotografia colorida
- Processos alternativos
- Fotografia digital
- Documentos complementares
Aula 03 – Visita à exposição “George Love: além do tempo”
- Exemplos e soluções
- Efeitos da exibição
Aula 04 – Como conservar? Equipamento e condições
- Materiais de conservação
- Instalações
- Climatização
Aula 05 – O acervo de George Love: um caso exemplar
- Estado original
- Identificação e organização
- Acondicionamento
- Reprodução
Zé De Boni é o curador da exposição “George Love: além do tempo”, realizada em 2024 no Museu de Arte Moderna de São Paulo. Com mais de 50 anos dedicados à fotografia, sempre envolvido com o aspecto cultural do meio. Em 1980, criou a Album, onde, por três anos, esteve na vanguarda da fotografia paulista, organizando exposições, palestras e cursos marcantes. Até 1994, atuou no suporte à produção de grandes nomes da fotografia brasileira com um laboratório especializado. Foi conselheiro da Coleção Pirelli-MASP de Fotografias. Pioneiro na promoção da preservação fotográfica, mantém um espaço dedicado à conservação de seu acervo desde a época da galeria.
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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br).
com Cauê Donato e Ivonei Souza Trindade
Datas: 15, 22 e 29 de julho, 05 e 12 de agosto
Segundas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 5 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00
Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Contempla certificado no final
A partir de reflexões inspiradas pelo livro “Decolonizar o museu: programa de desordem absoluta”, de Françoise Vergès, publicado pela Editora Ubu, o curso “Museologia, Direito e Decolonialidade” investiga a viabilidade de processos decoloniais em museus à luz da legalidade, com ênfase na interpretação de tratados internacionais, reconhecendo essa relação como complexa e multifacetada, permeada por questões de poder, representação e justiça social.
O crescente movimento de repatriação de bens culturais às suas origens, juntamente com o questionamento das definições de museu, desempenha um papel crucial na promoção da decolonização das instituições museológicas. Embora a intersecção entre Museologia e Direito seja essencial para esta discussão, muitas vezes não é evidente em publicações dessas áreas.
Frequentemente, a Museologia tradicional reflete e perpetua perspectivas coloniais, privilegiando narrativas eurocêntricas e silenciando vozes e perspectivas não ocidentais. Por outro lado, o Direito desempenha um papel significativo na proteção e gestão do patrimônio cultural, influenciando se os processos reforçam ou desmantelam a colonialidade.
Este curso convida à reflexão sobre a interseção entre Museologia, Direito e Decolonialidade no contexto das lutas por memória coletiva e representatividade nas instituições. Reconhecemos que este campo é dinâmico, apresentando desafios e complexidades específicas em diferentes contextos e políticas. Por isso, a interdisciplinaridade é essencial para avançar em direção a práticas éticas e justas na gestão do patrimônio cultural e na promoção da justiça social.
O curso é aberto a todos os interessados em museologia, direito, história, políticas culturais, teorias decoloniais, ativismo social e repatriação de bens culturais, não sendo necessária uma formação nas áreas para acompanhar as aulas.
Programação
Aula 01 – Aspectos Introdutórios de Museologia e de Direito Internacional Público
- Museologia
- Conceito de museu – epistemologia da palavra e relação com nossos dias
- Colecionismo e formação dos acervos museológicos
- Breve história das instituições museológicas
- Direito dos Tratados: conceito de um tratado internacional
- Direito dos Tratados: princípios de um tratado internacional
Aula 02 – Patrimônio e Bem Cultural no museu
- Patrimônio e Bem Cultural: conceitos e seus reflexos tanto na Museologia como no Direito Internacional do Patrimônio Cultural
- Institucionalização do Patrimônio Histórico e Cultural no Museu: panorama brasileiro
- Direito Internacional do Patrimônio Cultural: noções gerais, principais tratados internacionais sobre o tema; o retorno de bens culturais na perspectiva jurídica
Aula 03 – Estudos de casos: repatriação em seus aspectos jurídicos
- Jurisprudência sobre repatriação a partir de casos internacionais
- “Moai” – a internet como vetor de protesto no caso do povo chileno contra o Museu Britânico
- Brasil – Quais/Quantos são os patrimônios culturais saqueados? E onde estão?
Aula 04 – Estudos de casos: experiências brasileiras
- Manto Tupinambá – doação ou devolução?
- Caso Ubirajara (2023) – O esforço brasileiro para recuperação de itens saqueados
- Machado Krahô (1987) – prática de decolonização interna
- O canhão El Cristiano – quando o Brasil age como colonizador
Aula 05 – Sociomuseologia e Direito Internacional do Patrimônio Cultural como elementos para decolonizar o museu
- Tipologia de museus – Há algo além dos museus universais?;
- Museologia pós-moderna, as iniciativas da virada do século XX para século XXI
- Quem faz o museu? Participação de novos atores sociais na decolonização do museu
- Desafios modernos no Direito Internacional do Patrimônio Cultural
Ivonei Souza Trindade é advogado inscrito na OAB-RS, formado em Direito pela PUCRS, com estudos realizados na LMU-München. É professor de Direito Internacional dos Direitos Humanos no A PARI MUN – Instituto de Investigación y Debate en Derecho (Peru) e autor de livros e artigos nas áreas de Sistema Interamericano de Direitos Humanos e Direito Internacional do Patrimônio Cultural.
Cauê Donato é graduado em Museologia pela Universidade Federal de Ouro Preto (UFOP/2015), com pós-graduação em Educação Patrimonial pela Universidade Metropolitana de Santos (UNIMES/2021) e especialização em Docência no Ensino Superior pela Faculdade Focus (2023). Tem experiência em processos museológicos, com ênfase em Museologia Social, e atuou como educador social e arte-educador. Entre 2018 e 2021, integrou a equipe do Programa CCBB Educativo – Arte & Educação. Atualmente, é coordenador de Museologia no Museu Catavento (UPPM/SEC), gerindo o Programa de Acervos e o Programa Conexões Museus-SP. Foi professor no curso técnico em Museologia (Etec Parque da Juventude/CPS) entre 2021 e 2023.
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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.
créditos
com Guilherme Tosetto
Datas: 7, 14, 21, 28 de junho e 5 de julho
Sextas-feiras
Horário: das 18h às 20h
Duração: 05 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00
Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
O conjunto de fotografias do acervo do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP) compreende um período relevante da história recente da fotografia brasileira. De autores da fotografia modernista dos anos 1940 até a produção contemporânea, o MAM incorporou, por meio de diferentes meios, distintas linguagens, suportes e artistas, imagens que são testemunhas dos principais momentos da fotografia brasileira. O objetivo do curso é apresentar algumas características destas obras, e reconhecer a potencialidade do acervo do MAM a partir de recortes temáticos e históricos.
Com o apoio de catálogos de exposições, textos e livros, as aulas apresentam uma linha do tempo com os principais acontecimentos, autores e obras responsáveis pelo desenvolvimento da fotografia inserida no contexto da arte brasileira. Além do conhecimento histórico, os alunos poderão reconhecer no acervo a diversidade de visualidades das obras ali presentes. O público-alvo são pesquisadores e interessados em arte e fotografia contemporânea.
Programação
Aula 01 – As primeiras exposições de fotografia e o início da coleção
- Primeiros fotógrafos expositores Thomas Farkas, Fernando Lemos e German Lorca
- Os prêmios e as aquisições nas trienais e na quadrienal de fotografia
Aula 02 – As vanguardas históricas e as relações com o fotoclubismo
- Foto Cine Clube Bandeirantes e a II Bienal de São Paulo
- A recuperação das vanguardas históricas da fotografia
Aula 03 – A diversidade de linguagens fotográficas nas décadas de 80 e 90
- O documental e o poético: a fotografia e as artes conceituais
- A presença do fotojornalismo no museu
Aula 04 – Os caminhos e resultados alcançados pelo Clube de colecionadores de fotografia
- Pesquisa e colecionismo: a construção do clube de colecionadores de fotografia
- O panorama criado a partir das linhas de investigação e pelos curadores.
Aula 05 – O documental e o poético na fotografia contemporânea
- Experimentações técnicas e novas linguagens fotográficas
- Intersecções entre fotografia e arte contemporânea
Guilherme Tosetto é fotógrafo e pesquisador. Doutor em Belas Artes pela Universidade de Lisboa. Mestre em Multimeios pela Unicamp. Especialista em Fotografia e graduado em Comunicação Social/Relações Públicas pela Universidade de Londrina. Atualmente, é professor no Centro Universitário Belas Artes de São Paulo. Atua como editor de imagens, com passagens por veículos de comunicação como Folha de São Paulo e Editora Abril. Foi curador das exposições: “A exposição de fotografia que não aconteceu em 22” (2022), na Casa Guilherme de Almeida; “Realidade e Ficções Fotográficas” (2020) e “A menor Imagem” (2019), no Centro Universitário Belas Artes de São Paulo; “Territórios Íntimos” na Galeria 78/80, em Lisboa (2016); “Imagens Incendiárias” na Galeria da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa (2015) e “140 caracteres” no MAM-SP (2014).
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créditos
Parada militar de 7 de Setembro (1976), de Orlando Brito
com Renato Anelli
Datas: 13, 20, 27 de maio, 03, 10, 17, 24 de junho e 01 de julho
Segundas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 08 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 640,00
Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
O curso aborda o processo de formação e evolução da arquitetura moderna brasileira, situando-o dentro do contexto histórico da modernização do país desde a Abolição da Escravatura e a Proclamação da República até os dias atuais. Utiliza-se o método de interpretar o significado dessa arquitetura através da análise da forma e dos procedimentos que a geraram, considerando o momento histórico específico em que se desenvolveu. As narrativas da arte, da arquitetura e da sociedade se entrelaçam para explicar o processo de formação da arquitetura como um sistema representativo da cultura brasileira. Assim, serão discutidos temas como projeto arquitetônico, construção, uso, integração urbana e sua relação com as artes plásticas, cinema e teatro. A arquitetura é compreendida como parte integrante da cultura que molda um país, tanto simbólica quanto materialmente.
Programação
Aula 1 – Modernismo e Modernização
Aula introdutória ao curso, desenvolvendo a conceituação de Marshal Berman apresentada em seu livro “Tudo que é sólido desmancha no ar” (1986), a partir da interpretação de Adrian Gorelik em “O moderno em debate: cidade, modernidade, modernização” (1999) e Marta Gutman em “Teaching Marshal / Marshal teaching: Encounters with Berman” (2016).
A aula parte da interpretação da pintura “La Gare Saint-Lazare” de Claude Monet (1877) e das entradas das estações de Metrô projetadas por Hector Guimard (1900) para discutir o papel da arte e da arquitetura na modernização produtiva, social e política do século XIX.
Aula 2 – A retórica colonial na República: modernização social e os dilemas da identidade nacional
Com enfoque na primeira República, a aula discute a recuperação do passado colonial como raiz da nacionalidade na cultura. Aborda a modernização social e produtiva do Brasil através das infraestruturas urbanas e da arquitetura neoclássica de Ramos de Azevedo. Explora a interpretação da arquitetura colonial nas pesquisas de José Wasth Rodrigues e José Mariano orientadas pelo neocolonialismo. Analisa a síntese entre moderno, arcaico e paisagem natural nas pinturas de Tarsila do Amaral. Debate o posicionamento de Mário de Andrade e Oswaldo de Andrade sobre o moderno na arquitetura, como a chegada das casas modernistas de Gregori Warchavichik.
Aula 3 – Construção da identidade nacional moderna e hegemonia da representação do estado nacional
A aula parte da exposição simultânea da Casa Modernista de Warchavchik com o lançamento do Plano de Avenidas para São Paulo de Prestes Maia e a Revolução de 1930. Apresenta a construção da identidade nacional moderna através de Lúcio Costa, destacando o papel da integração das artes na arquitetura. Analisa as artes plásticas modernas, com ênfase em temáticas nacionais e sociais por artistas como Portinari, Di Cavalcanti e Bruno Giorgi. Este processo culmina em dois projetos de Oscar Niemeyer que o elevam ao foco central da arquitetura moderna brasileira: o Pavilhão do Brasil na Feira Mundial de Nova York, em coautoria com Lúcio Costa (1939) e Pampulha (1942). A exposição “Brazil Builds: architecture new and old”, promovida pelo MoMA em 1943, consolida essa corrente, apresentando-a como referência internacional de esperança em plena destruição da Segunda Guerra Mundial.
Aula 4 – Arquitetura moderna como instrumento de modernização econômica e social no Brasil e América Latina: Interiorização e internacionalização
A aula apresenta o papel ativo da arquitetura moderna brasileira na modernização do país, projetando fábricas, conjuntos habitacionais, redes de escolas públicas e equipamentos de saúde no esforço de construção de um estado de bem-estar social para uma população que se urbanizava velozmente. Explora os movimentos concretista e neoconcretista nas artes plásticas e sua relação com os novos parâmetros da arquitetura. Destaca a forte presença da arquitetura moderna brasileira no exterior, em países como Venezuela, Estados Unidos e Alemanha, através das obras de Oscar Niemeyer, Rino Levi e Roberto Burle Marx.
Aula 5 – Brasília e Salvador: duas faces do desenvolvimentismo no Brasil
Analisa o projeto e a construção de Brasília como a síntese do projeto político e cultural do modernismo brasileiro. Discute o papel da Universidade da Bahia e do Museu de Arte Moderna da Bahia no plano de desenvolvimento regional do Nordeste, proposto por Lina Bo Bardi e artistas da região. Destaca a pesquisa etnográfica Nordeste conduzida por Lina em conjunto com Livio Xavier no Ceará e Francisco Brennand. Brasília e Salvador se apresentam como dois caminhos para a relação entre cultura e economia, que poderiam ser complementares, se não ocorresse o golpe militar de 1964.
Aula 6 – Entre tecnocracia e contracultura: arte, arquitetura e cidade no “milagre brasileiro”
A aula foca na polarização política e cultural característica do período autoritário inaugurado em março de 1964. Analisa movimentos de arte moderna e popular que se radicalizaram na luta de oposição, politizando a produção nas artes plásticas, arquitetura, teatro e música. Explora as obras do Grupo Arquitetura Nova, a teoria crítica de Sérgio Ferro, o urbanismo de favelas de Carlos Nelson Ferreira, a cenografia de Flávio Império e Lina Bo Bardi. Por outro lado, discute o crescimento exponencial das cidades e os investimentos públicos em grandes obras, que acentuaram os contrastes sociais. A arquitetura moderna configurou redes de infraestrutura urbana, como os metrôs de São Paulo e Rio de Janeiro, com relevantes características ambientais e paisagísticas.
Aula 7 – Moderno e pós-moderno na redemocratização
Aborda a revisão crítica ao movimento moderno iniciada na Europa e Estados Unidos na década de 1950, que atingiu o Brasil na década de 1980. Analisa o pós-modernismo brasileiro em suas três correntes: uma de viés Pop, outra de orientação historicista e uma terceira regionalista. Destaca a obra de Severiano Mário Porto na Amazônia como a mais relevante desse movimento. Discute a continuidade e o aprimoramento da arquitetura moderna, tendo Paulo Mendes da Rocha como seu mais destacado expoente na virada do século XX para o XXI.
Aula 8 – Arte e arquitetura moderna de Brasília no centro da disputa política do século XXI
Explora as políticas de inclusão social propiciadas pelo primeiro quartil do século XXI e seu impacto na ampliação do campo da arte e arquitetura. Destaca a denúncia e o combate ao racismo estrutural brasileiro por negros descendentes de escravizados e indígenas. Analisa a cultura das periferias e favelas, que se impõem alterando temas e território de atuação da arquitetura. Discute a cerimônia de posse do novo presidente em Brasília, seguida pela invasão e depredação dos palácios dos três poderes por seus opositores, como momentos emblemáticos desse período.
Renato Anelli, arquiteto urbanista e educador, possui uma vasta trajetória acadêmica, incluindo títulos de Mestre em História e Doutor em História da Arquitetura. Aposentado como Professor Titular do IAU USP São Carlos, atualmente é professor doutor no Programa de Pós-Graduação em Arquitetura e Urbanismo do Mackenzie. Sua experiência internacional inclui períodos como professor visitante em instituições renomadas em Veneza, Hamburgo e Austin. Além disso, desempenha papéis importantes como Conselheiro e Curador do Instituto Bardi/Casa de Vidro e Diretor de Cultura do Instituto de Arquitetos do Brasil – Departamento de São Paulo.
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Dúvidas:
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Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.
Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.
créditos
Parque do Ibirapuera (2004), de Nelson Kon
com Reynaldo Damazio
Datas: 10, 17, 24 de maio, 07 e 14 de junho
Sextas-feiras
Horário: das 18h às 20h
Duração: 05 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00
Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
O curso tem como objetivo oferecer uma análise do surrealismo no seu centenário, através de cinco encontros virtuais, explorando seus aspectos literários e plásticos. Destaca-se o papel da experiência estética vanguardista em relação ao inconsciente, conceito definido por Freud e apropriado por Breton, e suas influências na literatura e na arte do século XX e início do XXI. No quinto encontro, será abordado o catálogo da exposição sobre Murilo Mendes no MAM.
Programação
Aula 1 – No limiar do século XX
- Vanguardas literárias: movimentos literários do início do século XX, modernismo, ultraísmo etc.
- Conceito de inconsciente na psicanálise: publicação do ensaio de Freud e sua influência na literatura
- Convulsões sociais primeira guerra, revolução russa, crise de 1929
Aula 2 – A Revolução Surrealista
- Manifestos, movimentos: agitação surrealista, primeiro manifesto, Lautréamont, Rimbaud, Apollinaire & Cia.
- Literatura e psicanálise: relação entre pressupostos surrealistas e conceito de inconsciente de Freud
- Escrita automática: método de criação proposto pelos surrealistas
Aula 3 – Gabinete do sonho
- Imagens do inconsciente: abertura do processo de criação artística para o inconsciente, o sonho como fundamento do real
- Artes plásticas e cinema: Dali, Miró, Ernst, Magrite, Buñuel, entre outros.
- Cubismo, Dadá e Surrealismo: como os movimentos dialogam, atritam e fazem uma crítica devastadora da razão e do mundo burguês
Aula 4 – Rastros da vertigem
- Realismo mágico: influência do surrealismo no boom da literatura e na arte latino-americana
- Contracultura: a imaginação no poder nos movimentos da década de 1960
- Tropicália: traços do surrealismo em Torquato Neto e nos tropicalistas
Aula 5 – Surrealismo no Brasil
- Pós-modernistas: Murilo Mendes, Ismael Nery, Maria Martins
- O caso Campos de Carvalho: autor emblemático influenciado pelo surrealismo
- O boom do conto nos anos 70: influência do surrealismo na produção de contos no período de resistência à ditadura militar
Editor, crítico literário, escritor e coordenador do Centro de Apoio a Escritores do museu Casa das Rosas. Formado em Ciências Sociais pela USP, com especialização em Propaganda e Marketing e Gestão Cultural. Foi co-editor do jornal “Caderno de Leitura”, da EdUSP, e colaborador do Guia de Livros da “Folha de S. Paulo” e das revistas “Cult”, “Arte Brasileiros”, “Entrelivros”, “Mente e Cérebro”, “Nossa América” e “Literatura: Conhecimento Prático”. Autor de Poesia, linguagem (Memorial da América Latina); Nu entre nuvens (Ciência do Acidente); Horas perplexas (Editora 34); Com os dentes na esquina e trilhas; notas & outras tramas (ambos pela Dobradura Editorial), Crítica de trincheira: resenhas (Giostri Editora) e do recente Movimentos portáteis (Kotter Editorial), entre outros. Traduziu Calvina (SM Editora), de Carlo Frabetti.
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WhatsApp: 11 99774 3987
Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.
Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.
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Oedipus Rex (1922), Max Ernst Fonte: WikiArt
Datas: 08, 10, 15, 17, 22 e 24 de abril de 2024
Segundas e quartas-feiras
Horário: das 10h às 12h
Duração: 06 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00
Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
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O curso tem como objetivo apresentar o processo de desenvolvimento de exposições nos museus de arte e os desafios das etapas de pré-produção, produção e pós-produção.
Do projeto curatorial à experiência de visitar exposições de arte, os participantes do curso vão descobrir o passo a passo da produção artística e executiva. As aulas serão expositivas com conteúdo em formato digital, indicações de leituras e tempo reservado para estudos de casos e troca de experiências.
Programação
Aula 1 – Introdução sobre museus de arte e a diversidade de exposições
- Apresentação do conteúdo do curso, da professora e dos participantes
- Indicação de bibliografia
- Introdução: museus de arte e exposições de longa, média e curta duração
- Projeto curatorial e expográfico
- O produtor de projetos artísticos e culturais: área de atuação com foco nas exposições de arte nos museus
Aula 2 – Quando inicia e termina a produção artística e executiva?
- As relações do produtor com profissionais, equipes e instituições: curadores, arquitetos, artistas, colecionadores, designers, museólogos, educadores, entre outros
- Da elaboração do projeto a sua realização: pré-produção, produção executiva e pós-produção
Aula 3 – Pré-produção
- Acompanhamento de pesquisa, produção de conteúdos e elaboração de lista de obras
- Documentação de empréstimo temporário de obras de arte, obras comissionadas, banco de dados e seus desafios
- Carta de apresentação da exposição, carta convite, solicitação de empréstimos e seguro de obras de arte
- Documentação referente aos espaços expositivos e condições de exibição de obras de arte (Facility Report)
Aula 4 – Produção executiva
- Elaboração de orçamentos, cronogramas, fluxos de desembolso
- Processos de tomada de preços/cotações, contratação de prestadores de serviços, aquisição de materiais, equipamentos e/ou locação
- Logística de transporte, embalagem de obras de arte, seguro e acompanhamento museológico e laudos de estado de conservação das obras
Aula 5 – Produção executiva | Interface com equipes
- Interface com as equipes responsáveis pela concepção e execução de projetos expográfico, luminotécnico, identidade visual, design gráfico, comunicação e publicações
- Montagem, desmontagem e manutenção de exposições
- Interface com equipes de projetos educativo, acessibilidade, orientação de públicos, segurança e outros serviços
Aula 6 – Pós-produção
- Pesquisas de opinião e processos de avaliação do projeto executado
- Prestação de contas durante e ao final do projeto
- Elaboração de relatórios parciais e finais
- Avaliação do curso junto aos participantes
Cláudia Vendramini Reis é professora na pós-graduação do Centro de Estudos Latino-Americanos sobre Cultura e Comunicação, CELACC – núcleo de apoio a pesquisa da ECA-USP, no qual ministra a disciplina Gestão de Projetos Culturais, desde 2016. É mestre em Museologia pelo PPGMUS-USP, na linha de pesquisa História dos processos museológicos, coleções e acervos. Foi coordenadora de produção da 29a Bienal de São Paulo (2010) e gerente do programa educativo da Fundação Bienal de São Paulo (2017-2019). É membro do ICOM Brasil e da Comissão de Ética Profissional do Conselho Regional de Museologia da 4ª Região – COREM 4R.
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Atrás da porta (2007), de Rivane Neuenschwander | Coleção MAM São Paulo
com Juliana Monteiro
Datas: 15, 22, 29 de abril e 06 de maio de 2024
Segundas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 04 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00
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A partir de livros de fotografia e de textos literários, os participantes são convidados a ampliar suas reflexões e seu olhar sobre a fotografia como linguagem artística, como texto e como processo de construção poética sobre as relações cotidianas.
Cada encontro apresenta um eixo temático que norteará as confluências e algumas possibilidades de diálogo entre essas duas linguagens.
De que maneira os escritores abordam as questões que permeiam o universo da fotografia? Como escritores e fotógrafos retratam a si mesmos?
De forma dialógica, tentaremos responder a essas e a outras questões, juntos, a partir de autores clássicos e contemporâneos da literatura e da fotografia, como os escritores Machado de Assis, Marília Garcia, Ana Martins Marques, Ricardo Aleixo, Orides Fontela e os fotógrafos Carlos Moreira, Robert Frank, André Penteado, Reymond Meeks, Masahisa Fukase, entre outros.
Os temas e as referências, além de serem a base do conteúdo apresentado, servem como ponto de partida para práticas fotográficas que serão propostas e discutidas durante os encontros.
Programação
Encontro 1 – o olhar
Encontro 2 – olhar para si
Encontro 3 – olhar para o outro
Encontro 4 – olhar para o seu lugar no mundo
Juliana Monteiro investiga a poética dos dias, das relações e da existência humana a partir de diferentes mídias e suportes. O caráter universal do que é íntimo, a impermanência e a dinâmica entre palavra e imagem são eixos presentes em sua observação artística, que se vale da fotografia e da palavra como principais instrumentos do dizer. Nascida no Rio de Janeiro, em 1981, vive e trabalha em São Paulo, onde se formou em Linguística e em Comunicação e, desde então, tece relações entre diferentes linguagens. Além de participar de exposições coletivas, publicou os livros de artista Pandora (2020), Aprendiz (2021), Queira receber como recordação (2022), entre outros. Em 2017, juntamente com o escritor João Anzanello Carrascoza, publicou o livro Catálogo de Perdas (SESI-SP), composto por 40 fotografias e 40 contos. Essa obra foi finalista do prêmio Jabuti e vencedora do prêmio FNLIJ nas categorias leitor adulto e projeto editorial. Pela Maralto, em 2023, publicou Fronteiras visíveis, também com o escritor João Carrascoza.
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Foto: Juliana Monteiro
com Lorenzo Merlino
Datas: 09, 16, 23 de abril, 07, 14 e 21 de maio de 2024
Terças-feiras
Horário: das 19h às 21h
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O curso tem como objetivo explorar as mudanças cruciais na Arte Ocidental desde o início do Renascimento até o surgimento da Arte Moderna no início do século XX, destacando suas relações e independências com a Estética. Além disso, serão abordadas as interações com o Design, Moda e sua influência em áreas como Cinema, Dança, Teatro e Literatura. Destinado a todos os interessados em Arte, Moda e Design, o curso não requer formação prévia.
Programação
Aula 1
- Os primeiros Renascimentos à margem da Revolução Gótica
- Renascimento Pleno – da Vinci, Rafael, Michelangelo
- Maneirismo e o início do Barroco
Aula 2
- Barroco, a Academia e o Classicismo do Grande Século
- O início da preponderância francesa
- Rococó e o ocaso da aristocracia
Aula 3
- Neoclássico, o primeiro Moderno?
- A Primeira Revolução Industrial na Inglaterra e suas influências
- Nobreza e Burguesia, ousadia e conservadorismo
- Romantismo e Realismo — o início dos ‘ismos’
Aula 4
- Impressionismo, Neoimpressionismo e Pós-Impressionismo — o surgimento da Modernidade
- As Exposições Universais e o surgimento da globalização
Aula 5
- Arts and Crafts e o surgimento do Design
- Gesamtkunstwerk, a Arte Total de Wagner
- O contato com o Oriente — japonismos e os Balés Russos
Aula 6
- A Modernidade e as Vanguardas europeias
- O Primitivo no Moderno
- Fauvismo, Cubismo, Orfismo, Futurismo, Suprematismo e Expressionismo
- Surrealismo e a volta do figurativo
É pós-graduado em História da Arte pela FAAP e mestre e doutorando em História da Arte pela UNICAMP, atualmente encontra-se na Inglaterra onde cumpre uma bolsa de doutorado-sanduíche na University of Brighton. Com mais de 25 anos de experiência no mundo da moda, integrou por seis anos o SPFW. Indicado ao XIV Prêmio Carlos Gomes em 2011 por melhor figurino e escolhido melhor figurinista de óperas do Brasil em 2015. Professor na FAAP, ministra também cursos no MAM, no MASP, no Adelina Instituto, na Superbacana+, na Casa do Saber, na Unibes Cultural, no SENAC e no SESC. Desde 2016 é embaixador de Flandres para as Artes e a Moda no Brasil.
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Dúvidas:
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Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.
Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.
créditos
L.H.O.O.Q. (1919), de Marcel Duchamp. | Fonte: Wikipédia
com Ana Paula Simioni
Datas: 11, 18, 25 de março e 01 de abril
Segundas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00
Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
O curso propõe uma reflexão sobre a presença e contribuição das artistas mulheres em algumas experiências modernistas internacionais, notadamente na França e no Brasil. O curso é voltado para um público geral, acima de dezoito anos, sem necessariamente ter amplos conhecimentos em história da arte. Uma parte da bibliografia recomendada será em inglês, francês ou espanhol.
Programação
Aula 1 – Os gêneros do modernismo: mulheres impressionistas
A primeira aula discutirá o modo com que as imagens associadas aos artistas modernos (tais como o “gênio”, o “revolucionário”) são generificadas. Abordaremos em especial a figura do flâneur e o modo com que as artistas mulheres atuantes no último quartel do século 19 lidaram com tais questões.
Aula 2 – Nus: territórios da vanguarda
A segunda aula abordará o modo com que algumas mulheres artistas procuraram se inserir nas vanguardas francesas a partir de um tema caro à arte moderna: as representações dos nus. Trata-se de entender como elas passaram de objetos da representação a sujeitos dos mesmos.
Aula 3 – Mulheres artistas em outros centros: modernistas brasileiras
Nesta aula propõe-se uma reflexão sobre o caso particular do Brasil, em que duas figuras femininas lograram uma consagração ímpar: Anita Malfatti, vista como a introdutora do modernismo no país, e Tarsila do Amaral, figura central na década de 1920. Ambas assinalam modos de consagração generificados.
Aula 4 – Modernismos expandidos: mulheres e artes decorativas em tempos modernistas
A partir do caso de Regina Gomide Graz, introdutora das artes modernistas têxteis no Brasil, a quarta aula abordará o modo com que diversas artistas mulheres dedicaram-se às artes decorativas, em especial as artes têxteis, nos circuitos modernistas internacionais. Nesse sentido, elas promoveram uma crítica às hierarquias tradicionais da história da arte e ampliaram o próprio conceito de “articidade” em suas épocas.
É professora no Instituto de Estudos Brasileiros da Universidade de São Paulo. Desde 2000, dedica-se à pesquisa das relações entre arte e gênero, especialmente no contexto brasileiro. Destacam-se entre suas publicações: Profissão Artista: Pintoras e Escultoras Acadêmicas Brasileiras (SP: EDUSP/FAPESP, 2019) e Mulheres Modernistas: Estratégias de Consagração na Arte Brasileira (SP: EDUSP/FAPESP, 2022). Foi curadora das exposições Mulheres Artistas: As Pioneiras na Pinacoteca Artística do Estado de São Paulo em 2015 e Transbordar: Transgressões do Bordado na Arte no SESC Pinheiros em 2020-2021. Além disso, atuou como curadora associada da exposição Tornar-se ORLAN no SESC Paulista de setembro de 2023 a janeiro de 2024.
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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.
créditos
Paisagem (1948), de Tarsila do Amaral. | Fonte: Coleção MAM São Paulo
com Juliana Monteiro
Datas: 5, 7, 12 e 14 de março
Terças e quintas-feiras
Horário: das 10h às 12h
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00
Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
O curso tem como objetivo introduzir os participantes ao funcionamento do ciclo básico da informação relacionada aos acervos museológicos. Em outras palavras, a proposta é discutir as duas principais áreas de processamento dos acervos museológicos: a documentação e o compartilhamento de dados online, através de catálogos digitais e projetos GLAM Wiki, por exemplo.
A parte do curso referente à documentação busca apresentar noções básicas dos três tipos de normas necessárias para uma boa gestão de acervo: terminologia, procedimentos e estrutura de dados. Busca também reforçar o papel da política de gestão de acervo no arremate ou articulação de todas essas normas no dia a dia da instituição. Nesse âmbito, também se espera discutir, ainda que preliminarmente, questões contemporâneas, mas ainda muito pouco abordadas no contexto da documentação, como a questão da linguagem. Isso porque quando se denomina ou se intitula um objeto, é possível jogar diferentes luzes ou interpretações sobre ele, tornando-o sempre passível de revisão posterior e ajustes em uma perspectiva mais socialmente justa, diversa e equitativa.
A parte do curso relacionada ao compartilhamento de acervos museológicos online explora diversas formas de tornar os objetos conhecidos globalmente. Isso inclui a utilização de catálogos online tradicionais e projetos GLAM Wiki, iniciativas colaborativas entre instituições de memória e a comunidade que contribui para a Wikipédia e projetos relacionados, como o Wikimedia Commons. Também serão discutidos pontos cruciais para compartilhamento de acervos na web e na Wikipédia, como a questão dos direitos patrimoniais de autor e o uso das licenças Creative Commons.
Programação
Aula 1 – O que é documentação de acervos museológicos?
- Documentação: um termo, muitas interpretações
- A noção de acervo museológico
- A noção de objeto museológico como documento
Aula 2 – Política de gestão de acervo
- Funções de uma política de gestão de acervo
- Formatos possíveis de uma política de gestão de acervo
- Métodos possíveis para construção de uma política de gestão de acervo
- A questão do acesso no contexto da política de gestão de acervo
Aula 3 – Colocando a política em prática: normativas de documentação
- Normas de procedimentos – SPECTRUM 4.0
- Normas de estrutura de dados – Categorias de Informação do CIDOC
- Terminologia – exemplos diversos
Aula 4 – Colocando a política em prática: compartilhando acervos na web
- Catálogo online: formatos e possibilidades
- Licenças Creative Commons para acervos museológicos
- Projetos GLAM Wiki
É museóloga formada pela UFBA, especialista em gestão pública pela FESPSP e mestra em Ciência da Informação pela ECA-USP. Trabalhou em instituições como Museu da Energia de São Paulo, Unidade de Preservação do Patrimônio Museológico da então Secretaria de Estado da Cultura de São Paulo e Museu da Imigração. É professora do curso técnico de Museologia da ETEC Parque da Juventude desde 2010. Atualmente, é diretora no Brasil da empresa Sistemas do Futuro, especializada em desenvolvimento de bancos de dados para coleções culturais. Também presta consultorias independentes em projetos de documentação. Foi membra da diretoria do capítulo brasileiro do Creative Commons entre 2019 e 2021 e colaboradora em diferentes frentes da campanha Art+Feminism entre 2018 e 2023.
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Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.
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créditos
Instalação de Andrey Bogush no Museu Finlandês de Fotografia, Helsinque. | Fonte: WikiArt
com Alexandre Araujo Bispo
Datas: 27 de março, 03, 10, 17, 24 de abril e 08 de maio
Quartas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 6 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00
Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
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Este curso propõe uma exploração profunda da arte afro-brasileira, destacando sua conexão intrínseca com o universo religioso e estético africano. Sem seguir uma ordem cronológica, as aulas abordam temas como memória, corpo, ritos sociais, morte, alimentação e intolerância religiosa.
Com a definição de Marta H. Leuba Salum como base, que compreende essa forma de expressão como qualquer manifestação plástica e visual que resgata a estética e religiosidade africanas, aliadas aos cenários socioculturais dos negros no Brasil, o curso oferece um panorama não exaustivo dos temas, autorias e problemas ligados à noção de sagrado afro-brasileiro.
A metodologia inclui aulas expositivas com apresentação de imagens artísticas, combinadas a informações sociais e biográficas sobre os artistas, proporcionando uma compreensão aprofundada dessa expressão artística única.
Programação
Aula 1 – O negro como tema
Esta aula destaca imagens de pessoas e grupos negros no Brasil desde o século XVII, explorando representações de mulheres, crianças, festas religiosas e objetos rituais. A análise desse repertório iconográfico visa proporcionar uma compreensão visual crucial para interpretar obras contemporâneas.
Aula 2 – Morte, mortos e morrer
Explorando obras que dialogam com o universo das religiões afro-brasileiras, esta aula destaca o artista Arthur Leandro e seu anúncio peculiar de morte. O enfoque inclui noções como axexê, mukondo, egun, vumbi, entre outras, e examina como artistas contemporâneos respondem criticamente a temas como chacinas, violência estatal e direito ao funeral.
Aula 3 – Belas Artes Negras
Estabelecendo a distinção entre a eficácia simbólica da arte, utilizada em rituais para alterar destinos ou curar, e o aspecto contemplativo da tradição ocidental, esta aula exibe imagens de obras rituais e práticas artísticas contemporâneas. A questão central é se o rito na arte contemporânea possui poder curativo.
Aula 4 – Mães negras: uma expressão do sagrado
Explorando a figura central da mãe negra ao longo da história brasileira, esta aula aborda o culto à mãe negra em São Paulo, surgido na República Velha. Destaca também a presença da Mãe Preta na fotografia de Vincenzo Pastore e na obra de artistas contemporâneos como Rosana Paulino, Renata Felinto, Sidney Amaral, entre outros.
Aula 5 – Esculturas e escultores: uma longa tradição
Focando na importância da escultura negra em ritos de passagem, altares e assentamentos religiosos, esta aula destaca escultores como Rubem Valentim, Mestre Didi, Emanoel Araújo, Carybé, entre outros, que encontram inspiração no universo do candomblé.
Aula 6 – A arte e a religião: inspirações protestantes
Explorando a interseção entre repertórios sagrados afro-brasileiros e influências do cristianismo protestante, esta aula destaca artistas contemporâneos como Ventura Profana, Maxwell Alexandre e Priscila Rezende, analisando como suas obras transitam entre os domínios artístico e religioso, atualizando as discussões sobre o sagrado afro-brasileiro ao longo do tempo.
É antropólogo, crítico e curador independente.
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Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.
Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.
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Oxumaré, da série Riscos, de Alexandre Alexandrino.
com Brunno Almeida Maia
Datas: 22 e 29 de fevereiro, 07 e 14 de março
Quintas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
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A fotografia de moda é uma das narrativas estéticas/artísticas fundamentais para a compreensão da arte do vestir. Neste curso, vamos apresentar e analisar os diálogos — seus pontos de semelhança e diferença — entre as artes modernistas e contemporâneas e a história e linguagens dos principais fotógrafos de moda.
O intuito é conceituar a moda como uma organização social da aparência por meio das noções de modernidade, modernismo e o moderno, destacando a presença de elementos-chave para a compreensão dos movimentos e das vanguardas modernistas e pós-modernistas (como a arte do retrato, art nouveau, art déco, dadaísmo, futurismo italiano, construtivismo russo, surrealismo francês, pop e op art, arte performática, etc) nos projetos estético-políticos dos fotógrafos de moda. Dentre esses artistas estão Virginia Oldoini (Condessa de Castiglione), Barão Adolf de Meyer, Edward Steichen, George Hoyningen-Huene, Horst P. Horst, Man Ray, Blumenfeld, Munkácsi, Irving Penn, Ricard Avedon, Guy Bourdin, Deborah Turbeville, Helmut Newton, Bruce Weber, Herb Ritts, Ferdinando Scianna, entre outros.
Programação
Aula 1 – Conceitos e noções da teoria da imagem de moda
- Breve história da fotografia
- As noções de imagem, imaginário e imaginação na tradição filosófica
- A moda como arte: imagens de desejo, sonho e utopia
- Entre o temporal e intemporal: a metafísica da moda nas imagens de Irving Penn
Aula 2 – A fotografia na moda
- A teatralidade das imagens de moda em Barão Adolf de Meyer
- A arte do retrato e a moda: Condessa Castiglione e Richard Avedon
- O modernismo e a depuração das formas em Hoyningen-Huene
Aula 3 – As vanguardas modernistas na fotografia de moda
- A moda cita a Grécia Clássica: as fotografias de Steichen e os trabalhos de Madeleine Vionnet e da bailarina Isadora Duncan
- O dadaísmo e o surrealismo em Man Ray, Horst P. Horst e Cecil Beaton
- A arte do movimento no futurismo e nas imagens de Moda de Martin Munkácsi
Aula 4 – Pós-modernismo e a fotografia de moda
- O fragmentário e o pós-modernismo em Guy Bourdin
- A pop art e op art na fotografia de moda
- O sex appeal do inorgânico de Walter Benjamin e o fetichismo freudiano em Helmut Newton
- “Problemas de gêneros”: as imagens de Deborah Turbeville, Bruce Weber e Herbs Ritts, e diálogos com Julia Kristeva e Judith Butler
É doutorando em Arquitetura e Urbanismo na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo (FAU) da Universidade de São Paulo (USP), desenvolvendo pesquisa sobre Moda e arquitetura. Possui mestrado em Filosofia, Ciências Humanas e Teoria de Moda pela Unifesp (Universidade Federal de São Paulo). Além disso, atuou como curador da exposição Ema e a Moda no século XX: as roupas e a caligrafia dos gestos na Casa Museu Ema Klabin e do Ciclo de Conferências A atualidade de Marcel Proust (1871-1922) no Centro de Pesquisa e Formação do Sesc SP. Também é professor convidado em diversas instituições, incluindo a Universidade de São Paulo (USP), a Fundação Armando Alvares Penteado (FAAP), o Istituto Europeo di Design (IED) e o Centro Universitário Belas Artes. Atualmente, está trabalhando em seu próximo livro intitulado Tempos de exceção: ensaios sobre o contemporâneo, que será publicado pela Editora Cosmos (no prelo).
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A bailarina americana Maria Tallchief, Los Angeles (1954), de Otto Stupakoff. | Fonte: Coleção MAM São Paulo
Datas: 16, 23, 30 de janeiro e 06 de fevereiro
Terças-feiras
Horário: das 19h às 21h
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Byung-Chul Han é atualmente um dos filósofos mais discutidos, em razão de sua crítica perspicaz e incisiva à nossa sociedade contemporânea. Autor do renomado livro Sociedade do cansaço, no qual aborda a lógica da produtividade ilimitada e da autoexploração, motivadas pelo imperativo do desempenho, Han considera a arte como um dos principais meios para compreender e propor soluções para os impasses sociais. Para Byung-Chul Han, a arte oferece a possibilidade de estabelecer diferentes relações com o mundo e com o outro, ou até mesmo de suprimir essas relações completamente.
Neste curso, ministrado por Lucas Nascimento Machado, será feita uma breve introdução ao tema da arte e do entretenimento, explorando sua conexão com a crítica ao capitalismo de Byung-Chul Han. Observaremos como, em sua análise da arte clássica e contemporânea, Han não apenas denuncia um paradigma estético que alimenta a lógica egocêntrica do capitalismo, mas também aponta para formas de arte e entretenimento capazes de resgatar nossa relação com o mundo e com o outro.
Programação
Aula 1: Uma sociedade do desempenho e da exaustão: uma introdução à filosofia de Byung-Chul Han
- A crítica do capitalismo em Byung-Chul Han
- As diferentes fases do pensamento de Han
- Panorama do tratamento da arte e da estética na filosofia de Han
Aula 2: Arte x entretenimento em Byung-Chul Han
- A crítica à paixão ocidental e à busca por transcendência
- A confluência entre arte e entretenimento no puro deleite
- O entretenimento como abertura ao mundo
Aula 3: A salvação do belo e a crítica da estética do liso
- A estética autoerótica kantiana
- A estética do liso e a supressão da alteridade
- A estética da dor e da ferida
Aula 4: Filosofia como modo de vida
- A arte do descentramento
- Romantismo e natureza
- A contemplação do belo
Doutor em Filosofia pela USP; foi professor de História da Filosofia pela UFRJ e é atual diretor da Associação Latino-Americana de Filosofia Intercultural (ALAFI). Além disso, é um dos tradutores da obra de Byung-Chul Han para o português brasileiro, tendo traduzido obras como Bom Entretenimento, Filosofia do Zen Budismo, Louvor à Terra e, mais recentemente, Vita Contemplativa.
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Caminhante sobre o mar de névoa (1818), de Caspar David Friedrich. Kunsthalle Hamburg, Hamburg, Germany. | Fonte: WikiArt