Doutor e mestre em Filosofia pela USP. Foi curador-assistente do MASP (2008 – 2014) e fez a curadoria do Acervo Artístico da Câmara Municipal de São Paulo (2016). Como professor de história da arte e de mitologia greco-latina, tem ministrado cursos em diversos museus desde de 2007. Atua também como palestrante em centros culturais, galerias e ateliês de arte.
Curso online
Datas: 06, 13 e 27 de novembro e 04, 11 e 18 de dezembro
Segundas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 6 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$520,00
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Contempla certificado no final
As “Artes Incoerentes” referem-se a um grupo inusitado de jovens artistas, desde caricaturistas até teatrólogos, que deixaram sua marca no cenário cultural de Paris nos anos 1880 por meio de exposições cheias de comédia e iconoclastia. Nessas exposições, pinturas, esculturas e desenhos muitas vezes se misturavam com materiais e suportes incomuns, posteriormente conhecidos como “técnica mista”. Curiosamente, os Incoerentes, liderados por Jules Lévy, não são mencionados nos manuais de história da arte, sendo completamente desconhecidos no Brasil e ainda pouco discutidos na França até hoje.
No entanto, é importante notar que algumas técnicas e expressões libertárias associadas aos movimentos de arte das primeiras décadas do século XX, como ação performática, monocromia, colagem, assemblage e objet trouvé, já estavam presentes nas manifestações dos Incoerentes, mesmo que esses termos ou conceitos não fossem utilizados por eles.
Este curso tem um duplo propósito. Em primeiro lugar, visa apresentar os principais membros do grupo, como Jules Lévy, Émile Goudeau, Alphonse Allais, Eugène Mesplès, Bridet e Sapeck, juntamente com suas ideias artísticas. Isso será feito levando em consideração documentos da época, como textos de jornais e catálogos de exposições, além de depoimentos dos próprios artistas e análises das poucas obras que sobreviveram. Em segundo lugar, o curso pretende destacar as semelhanças entre as Artes Incoerentes e certas vanguardas artísticas, como os Dadaístas e Surrealistas. Mesmo que esses movimentos não tenham necessariamente adotado as técnicas introduzidas pelos Incoerentes, estes últimos proclamaram ironicamente, desde 1882, a “morte do desenho! Morte da linha! Morte da forma! – Viva a ideia!”.
O curso será dividido em seis encontros, sendo os três primeiros focados na discussão sobre os Incoerentes e suas práticas. Durante essas sessões, serão examinadas as cerca de meia dúzia de exposições do grupo, que contaram com a participação de mais de quinhentos artistas. Os três últimos encontros serão dedicados a investigar as inovações introduzidas pelos Incoerentes em artistas tão diversos quanto Picasso, Maliévitch, Duchamp, Picabia e Yves Klein, entre outros.
Destacar o poder provocativo das Artes Incoerentes convida à reavaliação dos cânones e suposições que sustentam parte das artes modernas, desafiando discursos consolidados sobre a força inaugural atribuída às chamadas “Vanguardas Europeias”.
Denis Bruza Molino
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Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto
Dúvidas:
cursos@mam.org.br
WhatsApp: 11 99774 3987
Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.
Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.
créditos
Pablo Picasso. Paysage aux deux figures, 1908. Musée Picasso, Paris, France. 60 x 73 cm
Curso online
Datas: 24 de novembro, 01, 08 e 15 de dezembro
Sextas-feiras
Horário: das 18h às 20h
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 350,00
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
O postulado da arte como cura tem se destacado cada vez mais nas discussões contemporâneas, especialmente após a pandemia. Mas de que tipo de cura estamos falando, e a que arte estamos nos referindo?
Partindo destas perguntas, este curso teórico busca explorar narrativas diversas relacionadas a esse tema, percorrendo construções que articulam a ideia de cura ou transformação por meio da produção e apreciação de diversas expressões artísticas.
As quatro aulas propostas servirão como estruturas panorâmicas para estimular debates sobre as diferentes interpretações do termo “cura”, analisando a arte de uma maneira transdisciplinar.
Este curso está aberto a todos os interessados no assunto, não sendo necessário possuir conhecimentos prévios para participar das aulas.
Programação
Aula 1
- Arte-cura e o zeitgeist do agora
- Estética, cuidado de si, política e liberdade
- Narrativas enviesadas de um uso da arte em pesquisas recentes nas áreas de saúde e neurociência
- O surgimento da neuroestética e seus desdobramentos
- Reflexões pós-pandêmicas sobre os lugares da arte
Aula 2
- Uma pequena história da arte como história de cura e transcendência
- A Grécia Antiga e seus métodos de cura
Aula 3
- O pioneirismo de Osório César
- A revolução de Nise da Silveira
- O surgimento da arte-terapia e suas interfaces com a arte-educação: experiências, invenções e a arte como política de liberdade
Aula 4
Apresentação de artistas, inventores-sobreviventes, protagonistas de uma arte curativa: olhando para a produção de Hilma von Klimt, Leonora Carrington, Jean Dubuffet, Arthur Bispo do Rosário, Aurora Cursino, Ann Halprin, Maria Fux, Marina Abramović, Lygia Clark, Tunga, Ernesto Neto, entre outros.
Katia Canton
Artista visual, escritora, psicanalista, professora e curadora. Estudou arquitetura, dança e formou-se jornalista pela ECA USP, em São Paulo. Também estudou literatura e civilização francesas no curso de estudos superiores dado pela Aliança Francesa juntamente com a Universidade de Nancy II. Em 1984 transferiu-se para Paris, com uma bolsa de estudos de dança moderna no estúdio Peter Goss.
Viveu em Nova York por oito anos, onde trabalhou como repórter para vários jornais e revistas e realizou mestrado e doutorado na New York University. Sua pesquisa acadêmica é interdisciplinar e relaciona as artes e os contos de fadas, de várias épocas e culturas do mundo. Trabalhou um ano e meio como bolsista no MoMA, de Nova York, criando projetos de arte e narrativa no departamento de educação. De volta ao Brasil, ingressou como docente na Universidade de São Paulo, sendo professora associada do Museu de Arte Contemporânea (onde foi vice-diretora) e do programa de pós-graduação Interunidades em Estética e História da Arte.
Seu trabalho artístico é multimídia, incluindo desenho, pintura, fotografia e objetos, e conceitualmente se liga a questões sobre sonho, desejos e narrativas. Tem realizado exposições em museus, galerias e instituições culturais no Brasil e no exterior, desde 2008.
Como autora, além de escrever livros sobre arte, criou mais de 50 livros ilustrados para o público infantil e juvenil, tendo recebido vários prêmios, no Brasil e no exterior. Entre eles, recebeu por três vezes o prêmio Jabuti, prêmios da Fundação Nacional do Livro Infantil e Juvenil.
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Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.
Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.
créditos
Fonte: Katia Canton
Curso online
Datas: 27 de outubro, 03, 10 e 17 de novembro
Sextas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
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Este curso tem como objetivo geral explorar e discutir o conceito moderno de moda, relacionando-o com as noções de arte na modernidade e no modernismo. Utilizando uma extensa bibliografia filosófica, sociológica, histórica e iconográfica, o curso busca analisar as interações entre moda, arte e design presentes nas obras de movimentos e artistas ligados às vanguardas modernistas do século 20.
Dentro desse contexto, os modernistas propuseram a dissolução das fronteiras existentes entre as linguagens artísticas por meio da criação da “roupa de artista”, ou seja, a concepção de vestimentas a partir do conteúdo estético-político de seus movimentos. Essas vanguardas buscavam aproximar a roupa do corpo da pintura, escultura, literatura e arquitetura. Exemplos incluem os estudos de pintura fauvista de Raoul Dufy, que se transformaram em estampas para a maison Paul Poiret; os vestidos de Robert e Sonia Delaunay, que criavam verdadeiros poemas têxteis sobre o corpo; o futurismo italiano e suas ideias arquitetônicas que influenciaram a forma das vestimentas; e o surrealismo francês, com a transposição onírica das esculturas e pinturas de Dalí, que reimaginavam os objetos vestíveis propostos pela costureira Elsa Schiaparelli. Todos esses exemplos eram capazes de expressar, como linguagem não-verbal da vestimenta, a experiência interior do sujeito moderno.
Programação
Aula 1 – Moda, modernidade e modernismo
- Os conceitos e as noções de moda e sua relação com o moderno, a modernidade e o modernismo;
- O costureiro como artista;
- O que significa dizer que a moda é uma arte?
Aula 2 – O modernismo como problema das Formas
- Do representativo ao abstracionismo: as influências de Picasso e Braque no corte do vestido;
- Relações entre a moda modernista e a literatura, a poesia e as artes visuais;
- Moda, arte e modernismo: Paul Poiret e as estampas de Raoul Dufy, Chanel e o design moderno, o geometrismo art déco de Jean Patou nas fotografias de George Hoyningen-Huene, os drapeados gregos em Madeleine Vionnet e Mariano Fortuny, entre outros.
Aula 3 – A roupa de artista nas vanguardas modernistas
- O futurismo italiano e as vestes de Giacomo Balla;
- A moda surrealista em Elsa Schiaparelli;
- O construtivismo russo e a moda: Liubov Popova e Varvara Stepanov;
Aula 4 – A roupa de artista no pós-modernismo;
- Os concretistas brasileiros e as vestimentas (diálogos com o acervo do MAM-SP);
- Os parangolés de Oiticica;
- Os trajes de Joseph Beuys;
- O manto sagrado de Arthur Bispo do Rosário;
Brunno Almeida Maia
É doutorando em Arquitetura e Urbanismo na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo (FAU) da Universidade de São Paulo (USP), desenvolvendo pesquisa sobre Moda e arquitetura. Possui mestrado em Filosofia, Ciências Humanas e Teoria de Moda pela Unifesp (Universidade Federal de São Paulo). Além disso, atuou como curador da exposição Ema e a Moda no século XX: as roupas e a caligrafia dos gestos na Casa Museu Ema Klabin e do Ciclo de Conferências A atualidade de Marcel Proust (1871-1922) no Centro de Pesquisa e Formação do Sesc SP. Também é professor convidado em diversas instituições, incluindo a Universidade de São Paulo (USP), a Fundação Armando Alvares Penteado (FAAP), o Istituto Europeo di Design (IED) e o Centro Universitário Belas Artes. Atualmente, está trabalhando em seu próximo livro intitulado Tempos de exceção: ensaios sobre o contemporâneo, que será publicado pela Editora Cosmos (no prelo).
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Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.
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Luiz Braga, Rosa no arraial, 1990. fotografia colorida sobre papel. Coleção MAM São Paulo.
Curso online
Datas: 09, 16, 23 e 30 de outubro
Segundas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
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Neste curso, diálogos entre a fotografia e a literatura servirão como base para construir caminhos de compreensão sobre a experiência leitora e o texto visual.
O que acontece quando acolhemos, em um mesmo livro, fotografia e literatura? As narrativas fotográficas e as literárias apresentam elementos em comum? De que forma essas linguagens são articuladas para provocar, no leitor, uma experiência costurada entre foto e palavra? Fotografia pode ser poesia?
Esses questionamentos conduzirão os quatro encontros em que obras de Orides Fontela, Natália Ginzburg, Adolfo Navas, Luciana di Leone, James Wood, Marvel Harris, Annie Ernaux, Maureen Bisilliat, Byung-Hun Min e Graciela Iturbide serão ponto de partida.
Programação
Aula 1 – Olhar entre
- Fotografia e poesia
- A imagem do poeta, a palavra do fotógrafo
- Reflexões da literatura sobre a fotografia
Aula 2 – Olhar para
- Perspectivas poéticas, cruzamento de olhares
- Livros em diálogo
- Reflexões sobre fotos dos participantes
Aula 3 – Olhar com
- Narratividade
- Fotografia com narrativa
- Reflexões da literatura sobre a fotografia
Aula 4 – Olhar para
- Perspectivas narrativas, cruzamento de olhares
- Livros em diálogo
- Reflexões sobre fotos dos participantes
Juliana Monteiro
(Rio de Janeiro, 1981 – vive e trabalha em São Paulo, SP)
Juliana Monteiro investiga a poética dos dias, das relações e da existência humana a partir de diferentes mídias e suportes. O caráter universal do que é íntimo, a impermanência e a dinâmica entre palavra e imagem são eixos presentes em sua observação artística, que se vale da fotografia e da palavra como principais instrumentos do dizer. Nascida no Rio de Janeiro, em 1981, vive e trabalha em São Paulo, onde se formou em Linguística e em Comunicação e, desde então, tece relações entre diferentes linguagens. Além de participar de exposições coletivas, publicou os livros de artista Pandora (2020), Aprendiz (2021), Queira receber como recordação (2022), entre outros. Em 2017, juntamente com o escritor João Anzanello Carrascoza, publicou o livro Catálogo de Perdas (SESI-SP), composto por 40 fotografias e 40 contos. Essa obra foi finalista do prêmio Jabuti e vencedora do prêmio FNLIJ nas categorias leitor adulto e projeto editorial. Pela Maralto, em 2023, publicou Fronteiras visíveis, também com o escritor João Carrascoza.
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Foto: Juliana Monteiro
Curso online
Datas: 19 e 26 de outubro, 09, 16, 23 e 30 de novembro
Quintas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 6 encontros
Público: interessados em geral
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O curso baseia-se no livro Arte Contemporânea: modos de usar, de Paula Braga, publicado pela editora Elefante em 2021. Ao longo das aulas, serão discutidas algumas passagens da produção filosófica de Friedrich Nietzsche, Gilles Deleuze, Giorgio Agamben, Byung-Chul Han e Jacques Rancière para investigar a proposta de que a vida é uma obra de arte e que, portanto, cada um é o artista compositor de uma obra.
O livro que embasa as discussões abre cada capítulo com uma crônica, um relato de alguma vivência banal que, ao ser elaborada em conversas imaginárias com uma rede de filósofos e artistas, insufla no dia-a-dia a intensidade da arte.
Programação
Aula 1
- A cidade e o corpo no espaço comum
- Andando por aí: o espaço estriado e o espaço liso em Gilles Deleuze
- O delirium ambulatorium em Hélio Oiticica
Aula 2
- O que é o contemporâneo
- Giorgio Agamben e o contemporâneo
- Byung-Chul Han e o excesso de positividade
Aula 3
- O que é o ato de criação
- Deleuze e a resistência da arte
- Cildo Meireles e as inserções em circuitos ideológicos
Aula 4
- Nietzsche e a transvaloração
- Apolo e Dionísio
- Eu só acreditaria em um deus que soubesse dançar
- Hélio Oiticica e a dança
Aula 5
- Jacques Rancière e a partilha do sensível
- Emancipação e embrutecimento
- A partilha do sensível
- Os regimes da arte
Aula 6
- Jacques Rancière e o espectador emancipado
- O espectador emancipado
- Arte, política e o regime estético
Paula Braga
É professora de Estética e Filosofia da Arte na UFBAC. Graduada em Ciência da Computação pela USP e em Artes Visuais pela University of Illinois, concluiu mestrado em História da Arte na University of Illinois e doutorado em Filosofia na USP. É autora de Hélio Oiticica: singularidade, multiplicidade (Ed. Perspectiva, 2013) e de Arte Contemporânea: modos de usar (Ed. Elefante, 2021). Também organizou a coletânea Fios soltos: a arte de Hélio Oiticica (Ed. Perspectiva, 2008) e contribui com artigos em revistas acadêmicas e de divulgação.
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Reprodução da obra Vai passar?, de Marcos Chaves, que aparece na capa do livro Arte contemporânea: modos de usar, de Paula Braga.
Curso online
Datas: 10, 17, 24 e 31 de outubro e 07 de novembro
Terças-feiras
Horário: das 19h às 21h30
Duração: 5 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00
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O atual momento testemunha a ascensão de agentes sociais historicamente excluídos, que emergem, reivindicam e propõem pautas buscando atenuar o déficit de cidadania reconhecido nesses setores. Por sua vez, a expressão simbólica desses agentes insurgentes reflete suas experiências, acumuladas ao longo de séculos, traduzindo-se em obras de arte de densidade estética impressionante e profunda relevância ética. Essa produção contribui de forma fundamental para a compreensão da história passada e presente desses grupos.
Arte afrobrasileira: perspectivas e desafios, com o professor e curador Claudinei Roberto da Silva, é um curso que mergulha nas ricas expressões artísticas que ecoam essa história de luta por reconhecimento. Explorando temas que vão desde a emergência e insurgência até a consolidação de conquistas, examina a intersecção entre arte e história, a partir de pintores negros do século XIX, da influência do modernismo e da vital contribuição das mulheres artistas para a arte brasileira.
Este curso é destinado a todos que buscam compreender a história da arte afrobrasileira como um campo de afirmação, para além dos epistemicídios que permeiam a disciplina, reconhecendo as contribuições de artistas e pensadores da cultura como Chico Science, Lima Barreto, Racionais MC’s, Rebeca Carapiá e Rosana Paulino, entre outras figuras que contribuíram para uma visão mais complexa da busca pelo direito à vida.
Programação
Aula 1 – Educação para conhecer, reconhecer e reparar – Emergência, insurgência, afirmação
- Emergência – Emergência entendida como ascensão que se traduz na busca pelo direito a vida e direitos civis;
- Insurgência – Insurgência se traduz também por resistência e rebelião contra forças opressivas que suprimem e interditam o desenvolvimento dos divergentes;
- Afirmação – Afirmação também entendida como consolidação de processos e conquistas nos campos da arte.
Aula 2 – “Rios, pontes e overdrives, impressionantes esculturas de lama” (Chico Science e Nação Zumbi) – Madeira e Barro, Brasil feito à mão
- Arte Colonial e gambiarra;
- Um certo Barroco;
- Ecos no presente os escultores: Araújos, Emanoel e Maurino.
Aula 3 – Pintores negros do XIX – “O trânsito e o transe acadêmico”
- O caso “Estevão Roberto da Silva”;
- O caso Tebas e a arquitetura popular;
- Belle Époque, Tia Ciata, Lima Barreto e O caso dos “Irmãos Timótheo”.
Aula 4 – Modernismo desde aqui – “Os silêncios da história e a história do silêncio”
Modernismo desde aqui: Da lama ao Caos do Caos a Lama Chico Science – Lampião e o banditismo social: capoeiras, João Candido, Bezerra da Silva e Racionais MC’s.
Aula 5 – Mulheres, desafio maior
- Tópicos a serem abordados:
- Rebeca Carapia – Trabalhar com ferro.
- Rosana Paulino – Clássico contemporâneo
- Natália Marques Emaye – Slam da cana.
Claudinei Roberto da Silva
(São Paulo, SP, 1963 – vive e trabalha em São Paulo)
Claudinei Roberto da Silva é professor, curador e artista visual. Como curador, realizou entre outras, a exposição Sidney Amaral: O banzo, o amor e a cozinha (1º prêmio Funart para artistas e curadores negros) no Museu Afro Brasil, a 13ª Bienal Naïfs do Brasil no Sesc Piracicaba e a série Pretatitude. Insurgências, emergências e afirmações. Arte afro-brasileira contemporânea para várias unidades do Sesc São Paulo. É coordenador artístico-pedagógico do projeto multinacional A Journey through African diaspora, do American Alliance of Museums em parceria com o Museu Afro Brasil e Prince George African American Museum. Atualmente, é membro do conselho curatorial do Museu de Arte Moderna de São Paulo.
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Imagem do livro “Cortiços: uma realidade que ninguém vê”, cedida pelo fotógrafo Wagner Celestino. Ano: 1998.
Curso online
Datas: 23, 30 de setembro, 07 e 14 de outubro
Sábados
Horário: das 10h às 12h
Duração: 4 encontros
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Dante Alighieri (1265-1321) escreveu uma das obras mais importantes de todos os tempos, deixando à posteridade um repertório poético e imagético vastíssimo. O Inferno, o Purgatório e o Paraíso inspiraram ao longo dos séculos inúmeras representações: das miniaturas medievais aos quadros renascentistas; das obras plásticas do século XIX às ilustrações contemporâneas.
A partir da leitura de fragmentos selecionados, este curso se propõe a abordar as diversas maneiras de representar a Comédia de Dante, refletindo sobre a relação entre palavra e imagem, sobre a passagem da linguagem textual para aquela das artes visuais.
Programação
Aula 1 – A Idade Média e o Renascimento
Neste primeiro encontro abordaremos a figura de Dante Alighieri (1265-1321) e seu contexto histórico; falaremos da Divina Comédia, analisando suas fontes, estrutura e características principais. A partir da leitura de trechos selecionados, pensaremos na relação que se estabelece entre escrita e artes visuais, tomando como referência as imagens dos manuscritos medievais — as primeiras ilustrações do texto dantesco — e as representações de Sandro Botticelli (1445-1510).
Aula 2 – O século XIX
O segundo encontro será dedicado a Dante e à arte do século XIX, época em que se registra um interesse crescente em relação à Comédia; quem dedica os últimos anos de sua vida a ilustrar essa obra é o poeta William Blake (1757-1827), mas há também Gustave Doré (1832-1883) e Auguste Rodin (1840-1917). A partir da análise de episódios escolhidos, falaremos sobre esses artistas e seus diferentes modos de olhar para a obra de Dante; consideraremos as transformações ocorridas ao longo dos séculos, das primeiras ilustrações até as interpretações românticas.
Aula 3 – O Novecento
Obras inspiradas na Comédia se intensificaram ao longo do século XX, envolvendo novas linguagens artísticas — o cinema, por exemplo — e novas abordagens. Neste encontro falaremos de Amos Nattini (1892-1985) e de artistas coevos que se dedicaram a ilustrar esse texto; analisaremos o trabalho de Salvador Dalí (1904-1989) e seu caráter inovador, que, remetendo também à psicanálise, abre espaço para novas percepções.
Aula 4 – Dante e os contemporâneos
Entre a segunda metade do século XX e o início do novo século, muitos foram os artistas que se dedicaram a Dante e à Comédia: neste último encontro abordaremos as obras de Lorenzo Mattotti (1954), Milton Glaser (1929-2020) e Moebius (1938-2012), que ilustraram respectivamente o Inferno, o Purgatório e o Paraíso; falaremos de Agostino Arrivabene (1967) e de outros artistas contemporâneos, das visões múltiplas que o texto dantesco inspira.
Valentina Cantori
É pesquisadora e tradutora. Formada em Literatura Italiana e Linguística pela Universidade de Roma La Sapienza, é doutora em Filologia e Linguística Românica pela Universidade de Macerata e pela Universidade Hebraica de Jerusalém. Concluiu na USP um projeto de pós-doutorado sobre literatura italiana e judaísmo; atualmente é pós-doutoranda na UFPR, pesquisando poesia italiana e tradução. Traduziu Ancestral de Goliarda Sapienza ( yiné, 2020); traduz literatura italiana para o português e poetas da América Latina para o italiano.
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Giovanni di Paolo, Divine Comedy, Paradiso, Beatrice explaining some scientific theories to Dante, including the appearance of the moon (1444-50), British Library.
Curso online
Datas: 12, 14, 19, 21, 26 e 28 de setembro
Terças e quintas-feiras
Horário: das 09h30 às 11h30
Duração: 06 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Contempla certificado no final
O curso oferece uma abordagem detalhada sobre os processos envolvidos na produção de exposições de arte, fornecendo uma compreensão das etapas necessárias para concretizar uma mostra.
Explorando temas frequentemente negligenciados, mas cruciais no cotidiano da produção de exposições, a proposta é compartilhar experiências e práticas desse campo de atuação com profissionais e entusiastas da área.
Os encontros estão organizados em sequência cronológica, abrangendo introdução ao tema, pré-produção, produção, pós-produção e produção de exposição na pandemia. Ministrado online, o curso conta com material digital, vídeos relacionados aos temas, depoimentos de profissionais e indicações de leitura.
Reconhecendo a natureza coletiva da atividade de produção, o curso incentiva também reflexões sobre o processo, suas implicações e como isso pode enriquecer outras áreas de atuação.
Voltado para estudantes, pesquisadores, professores, artistas, curadores, gestores, produtores e qualquer pessoa interessada no tema, o curso não exige conhecimento prévio.
Programação
Aula 1 – Introdução
- Apresentação do curso e referências bibliográficas
- Exploração de espaços culturais e tipos de exposições
- Linha do tempo da expografia: uma breve contextualização
- O papel e as áreas de atuação da produtora/produtor de exposição
- Vídeo: Gestoras Culturais – uma conversa sobre produção de exposições
- Apresentação das etapas de trabalho: pré-produção, produção e pós-produção
- Como nasce uma exposição
Aula 2 – Pré-produção
- Aspectos relacionados a leis de incentivos, editais públicos e privados e captação de recursos
- Elaboração de cronogramas, planilhas de custos e listas de obras
- Documentação necessária para empréstimo, seguro e transporte de obras
- Contratos, licenças e autorizações essenciais
Aula 3 – Pré-produção
- Concepção dos projetos expográfico, luminotécnico e gráfico
- Logística de viagens, hospedagens e pagamento perdiem
- Abordagem com a assessoria de imprensa
- Exploração do setor educativo e suas funções
- Possibilidades educativas para as exposições
Aula 4 – Produção
- Execução do projeto expográfico e adequação do espaço
- Processo de transporte e laudo das obras
- Chegada da curadora/curador e dos/das artistas
- Montagem das obras e instalação de equipamentos audiovisuais
- Execução do projeto luminotécnico
Aula 5 – Produção
- Comunicação visual da exposição
- Impressão dos materiais gráficos
- Limpeza do espaço e treinamento da equipe de segurança
- Registro fotográfico das obras e da exposição
- Cerimônia de abertura da mostra
- Manutenção da exposição durante sua exibição
Aula 6 – Pós-produção e produção de exposição na pandemia
- Desmontagem da exposição
- Laudos e devolução das obras
- Carta de agradecimento às coleções e fechamento do projeto
- Prestação de contas e elaboração de relatórios finais
- Abordagem específica sobre protocolos de segurança durante a pandemia, apresentação de casos e atualidades relacionadas.
Daniele Carvalho
Atua há mais de quinze anos na área da cultura e desde 2010 em produção de exposições. Cursou Gestão Cultural no Centro de Pesquisa e Formação do SESC SP, pós-graduação em Fundamentos da Cultura e das Artes pelo Instituto de Artes da UNESP e bacharelado em Artes Plásticas pela mesma universidade. Trabalhou como educadora na Fundação Bienal, Centro Cultural Banco do Brasil e Pinacoteca do Estado; como produtora na MadaiArt, Magnetoscópio e Arte3. Por quatro anos fez parte do setor de Curadoria e Produção do Museu de Arte Moderna de São Paulo. É fundadora da canaes_ , produtora cultural voltada à produção de exposições e projetos de arte. Esteve na produção de diversas exposições, entre elas: Allegro, de Guto Lacaz, na Chácara Lane SP; Trapézio, de Luiz Hermano, no SESC SP; Maria Martins: metamorfoses, no MAM SP; Bispo do Rosário, no Art et Marges MuséeMuseum, Bruxelas; I in U EU em TU, de Laurie Anderson, no CCBB SP e RJ.
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Dúvidas:
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Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.
Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.
créditos
Mangrané (2013), de Daniel Steegmann
Fonte: Coleção MAM São Paulo
Curso online
Datas: 09, 16, 23, 30 de agosto, 06, 13, 20, 27 de setembro, 04, 11, 18, 25 de outubro, 01, 08, 22 e 29 de novembro
Duração: 16 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 1.280,00
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Contempla certificado no final
Neste curso, são apresentados os trabalhos de fotógrafos renomados para contribuir com o entendimento e desenvolvimento da autoria na fotografia, inserindo o trabalho dos autores nas condições socioculturais que os influenciaram.
Em um segundo momento de cada aula, são discutidos os materiais apresentados pelos alunos, buscando, por meio das reflexões do grupo, quais questões pertinentes são expostas no material apresentado e quais caminhos são sugeridos ao autor.
O curso de fotografia autoral é voltado para fotógrafos que desejam aprimorar e aprofundar sua criatividade, explorando as narrativas visuais presentes nas imagens e desenvolvendo formas de expressão artística.
Marcelo Greco
(1966)
Nascido em 1966, Marcelo Greco trabalha com fotografia desde 1996. Desenvolve projetos nos principais museus do país, como MAM e MASP. Fez diversas exposições individuais e coletivas no Brasil e no exterior. Faz parte de algumas coleções como da Coleção Joaquim Paiva, Fundação Cultural de Curitiba, Pinacoteca do Estado de SP, etc. Foi curador geral do Festival Paraty em Foco em 2008. Em 2009, criou a Schoeler Editions.
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créditos
Foto: Marcelo Greco
Curso online
Segundas-feiras
Datas: 31 de julho, 07, 14, 21 e 28 de agosto, e 04 de setembro
Duração: 06 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00
Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
A proposição deste curso é dialogar sobre o campo da escuta e da sonoridade como lugar de enunciação de sabedorias íntimas, comunitárias e coletivas anticoloniais. Partindo do som como elo comunicativo e da sua capacidade de uso como meio de codificação de conhecimentos, a formação vai propor aos participantes um encontro com vivências de escuta, práticas sonoras, diálogos com acervos, legados e sistematizações criativas das nossas experiências como povos negrodescendentes oriundos das rotas do atlântico.
Produzidas por coletividades e artistas, estas experiências modificam as esferas subjetivas, políticas e comunitárias, provocando, ao mesmo tempo em que se expandem, reações aos sistemas neocoloniais de silenciamento. Deste modo, além de evidenciar esses movimentos, a formação também busca mostrar as estratégias construídas por comunidades e seus indivíduos como forma de propor outros meios de convivência e circulação de informações.
O curso é dedicado a qualquer pessoa que tenha interesse pelo tema abordado, em especial pessoas que estejam envolvidas com artes, criação, tecnologias sonoras, lugares de escuta, produção de celebrações, tradutores de libras, vivências em corpo, coreografia e dança, áreas de artesanias de som e pesquisas afins.
Programação
Encontro 1 – Escuta, subjetividade e intimidade política
- Os sentidos que não dormem
- Corpo [de escuta / que escuta / canal]: meios para vibrações que nos atravessam
- O matutar como escuta política dos tempos [não-lineares]
- Estratégias para acordar a sabedoria da escuta
Encontro 2 – Ancestralidades como seletoras de frequências
- Diferentes diásporas, diferentes sonoridades, diferentes escutas
- Tecnologias de conexão ancestral: possíveis rotas de orientação dos legados recebidos
- Ritmação como sabedoria comunitária/coletiva anticolonial
- Os cantos e os sons nas rotas de liberação das violências
Encontro 3 – Sonoridades e criptografia dos legados (Parte I)
- O que precisa de escuta e não pode ser dito?
- Estratégias de movimentação e circulação pelos códigos sonoros
- Os instrumentos como metáforas-membrana da manifestação dos legados
- Metodologias radiofônicas como tecnologias de retroalimentação criativa
- Relações de alteridade: discoteca || biblioteca
Encontro 4 – Sonoridades e criptografia dos legados (Parte II)
- Coletividades sonoras para liberdades políticas
- A expressão da escuta e das musicalidades como gesto narrativo
- Movimento dos corpos, festividades-manifesto
- A celebração como sabedoria comunitária
Encontro 5 – Corpos sonoros, tecnologias de controle
- Pesquisa e controle das expressões de escuta e sonoridades dos povos negroatlânticos
- Regras de legitimação como interferência no fluxo de expressão
- As reações neocoloniais aos movimentos de liberdade
- Tradução em via única: a continuidade dos protocolos de servidão
Encontro 6 – Movimentos contemporâneos de (re)liberação
- Metodologias de (sobre)vivências: cuidando das escutas e dos legados sonoros como saberes s/em extinção
- A não-tradução como gesto de recusa no campo sonoro
- A rádio como lugar de reconquista e alteridade dos povos negroatlânticos
- Experiências contemporâneas de criação sonora e movimentos de liberdade
Ana Lira
É artista visual, curadora, rádio host, fotógrafa, escritora e editora baseada no Brasil. É especialista em comunicação social pela UFPE com ênfase em Teoria e Crítica de Cultura. Possui uma prática baseada em processos coletivos e parcerias há mais de duas décadas. Nestas iniciativas, dedica-se a fortalecer práticas colaborativas de criação, as escutas das coletividades em que está envolvida, as dinâmicas culturais relacionadas com as sensibilidades cotidianas e as entrelinhas das relações de poder que afetam nosso processo de comunicação e a forma como produzimos conhecimento no mundo.
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Foto: Ana Lira
Curso online
Terças-feiras
Duração: 06 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00
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Curso contempla certificado no final
O livro é uma das plataformas mais representativas para a fruição da fotografia desde o seu surgimento, no século XIX. Hoje, a pesquisa na criação e viabilização deste formato tem sido intensa, pois o livro de fotografia permite a combinação de diferentes imagens e/ou textos em um mesmo espaço, razão pela qual suas estruturas narrativas muitas vezes se aproximam da linguagem literária.
Neste curso serão discutidos os processos que envolvem a criação de um livro de fotografia, apresentando as questões pertinentes a serem consideradas desde a concepção até a produção de um livro de fotografia. Em todas as aulas serão apresentados modelos de livros que apresentam características positivas, além de aspectos que podem atrapalhar a fruição do conteúdo. Entre os livros apresentados, está a publicação mais recente de Marcelo Greco, o livro “Fogueira Doce” (Editora Vento Leste).
Entendendo que o projeto gráfico de um livro de fotografia ajuda a materializar imagens e as torna mais palpáveis para o leitor, as aulas também abordarão como o design pode contribuir para a interpretação das histórias contadas pelas fotografias, assim como para a criação de uma experiência mais imersiva para quem folheia o livro.
Programação
Aula 1: como o livro determina aspectos da criação e como ele se diferencia de uma exposição de obras em espaços tridimensionais
Aula 2: o corpo físico do livro, suas partes e como elas influenciam a leitura e formas comuns de inserção de conteúdo em um livro
Aula 3: o ciclo produtivo do livro – conceitualização, design, pré-produção e produção
Aula 4: a importância da matéria física papel e sua influência no processo produtivo
Aula 5: os sistemas de impressão, suas diferenças, qualidades e desafios
Aula 6: apresentação de exemplos, esclarecimento de dúvidas e indicações de fornecedores e formas de produção
Marcelo Greco
(1966)
Nascido em 1966, Marcelo Greco trabalha com fotografia desde 1996. Desenvolve projetos nos principais museus do país, como MAM e MASP. Fez diversas exposições individuais e coletivas no Brasil e no exterior. Faz parte de algumas coleções como da Coleção Joaquim Paiva, Fundação Cultural de Curitiba, Pinacoteca do Estado de SP, etc. Foi curador geral do Festival Paraty em Foco em 2008. Em 2009, criou a Schoeler Editions.
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Imagens do livro Fogueira doce (2023), de Marcelo Greco
Fotos: Helena Rios
Curso online
Quartas e quintas-feiras
Duração: 06 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00
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Curso contempla certificado no final
O curso “Por uma História da Arte LGBTQIA+” explora as ocorrências LGBTQIA+ na concepção da arte ocidental, desde a Antiguidade até os dias atuais. Abordando os caminhos da arte através das mudanças na designação da homossexualidade, o curso propõe uma análise crítica e inter-relacional de diversas manifestações em uma exposição cronológica.
O objetivo é explorar as causas, razões, efeitos e consequências dessas ocorrências, lembrando sempre que são frutos de um contexto histórico, social, político e econômico, e analisando-as sob uma ótica contemporânea.
O curso também destaca o progresso alcançado no processo de aceitação da homossexualidade no Brasil e no mundo, mas reconhece que ainda há muito a ser feito e proposto. Através da análise crítica de várias manifestações artísticas, oferece ferramentas de análise e demonstração capazes de comprovar o alcance e a relevância destas propostas artísticas. A proposta é resgatar narrativas que refletem uma diversidade de vozes e estilos, e reconhecer o papel das artes LGBTQIA+ na produção artística.
Neste curso, serão discutidos:
- Uma pequena história da arte a partir das óticas e estéticas LGBTQIA+
- Um novo olhar sobre essas origens
- Reconhecimento de características estéticas, silhuetas, cores e propostas artísticas
- A questão de gênero na história da arte
Programação
Aula 1 – Antiguidade e Idade Média
As primeiras representações de homossexualidade
As visões no Egito, Grécia, Roma e no início da Era Cristã
Aula 2 – Renascimento e Barroco
A concepção dos corpos ideais feminino e masculino e o erotismo
Da Vinci, Michelangelo e reis e rainhas homossexuais
Aula 3 – Rococó e o Neoclassicismo
O surgimento dos erotismos homossexuais
Choisy e d’Éon, dois sucessos do travestismo
Aula 4 – Século XIX
Aceitação na Idade Moderna?
A criação e a popularização das imagens gays
Aula 5 – Modernidade e homossexualidade
O início dos movimentos civis LGBTQIA+
O cinema LGBTQIA+ na promoção de questões relacionadas à diversidade sexual
Aula 6 – Século XX e XXI
Gay art, queer art e outras expressões contemporâneas
Inclusão e aceitação social LGBTQIA+ na contemporaneidade
Lorenzo Merlino
É pós-graduado em História da Arte pela FAAP e mestre e doutorando em História da Arte pela UNICAMP, atualmente encontra-se na Inglaterra onde cumpre uma bolsa de doutorado-sanduíche na University of Brighton. Com mais de 25 anos de experiência no mundo da moda, integrou por seis anos o SPFW. Indicado ao XIV Prêmio Carlos Gomes em 2011 por melhor figurino e escolhido melhor figurinista de óperas do Brasil em 2015. Professor na FAAP, ministra também cursos no MAM, no MASP, no Adelina Instituto, na Superbacana+, na Casa do Saber, na Unibes Cultural, no SENAC e no SESC. Desde 2016 é embaixador de Flandres para as Artes e a Moda no Brasil.
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crédito da imagem
José Leonilson, Ninguém tinha visto, c. 1988.
Coleção MAM São Paulo.
Doação Eduardo Brandão e Jan Fjeld.
Foto: Ding Musa
Curso online
Quartas e quintas-feiras
Duração: 04 encontros
Público: profissionais do setor cultural, membros de organizações não governamentais e associações ligadas à cultura e à diversidade, professores, pesquisadores, estudantes, servidores públicos e demais interessados no tema da diversidade e inclusão
Investimento: R$ 320,00
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Curso contempla certificado no final
Este curso é voltado a todos que buscam entender os desafios e as potencialidades na promoção da diversidade, da inclusão e do pensamento decolonial em instituições culturais.
Ministrado por Viviana Santiago, Coordenadora de Diversidade e Inclusão do Instituto Moreira Salles (IMS), as aulas partem das contribuições de autores como Enrique Dussel, Lélia Gonzalez, Patricia Hill Collins, Gloria Alzandua, Suzanne Cesaire, Catherine Walsh e Ramon Grosfoquel, e convidam os participantes a refletir sobre suas práticas à luz de novas epistemologias.
Para tanto, o curso propõe uma jornada teórico-vivencial estruturada em torno de exposições e debates de conteúdo, com análise de casos e reflexões pessoais. Os participantes terão a oportunidade de se autoanalisar em relação a suas práticas institucionais e pessoais, com atividades em grupo e individuais.
Ao final, espera-se que os participantes tenham maior conhecimento para:
- Articular os principais conceitos que estruturam as discussões em torno de diversidade numa perspectiva de políticas de inclusão
- Compreender cultura e memória como direito
- Estabelecer pontes entre branquitude e colonialidade na perspectiva do apagamento histórico e do epistemicídio
- Entender a perspectiva decolonial como prática que implica novas epistemologias e protagonismos
- Conhecer práticas exitosas de instituições que aplicam o recorte decolonial e antirracista em suas dinâmicas e projetos
Programação
Aula 1 – Cultura, memória e direito
Instituições culturais são guardiãs de patrimônios que pertencem a todas as pessoas. O que vem sendo guardado? Quem frequenta esses espaços? Quem conta as histórias que lá estão?
Aula 2 – Por que precisamos conversar sobre diversidade e decolonialidade no campo da cultura?
Nesta aula, discutiremos temas como memória, registro, colonialidade e branquitude.
Aula 3 – O que é epistemicídio?
Como o racismo mostra sua cara em instituições culturais? E sexismo e capacitismo, como se expressam?
Discussão de boas práticas na construção de um outro mundo possível.
Aula 4 – Da legenda na parede à visão
Como construir missão e visão em projetos em instituições culturais desde uma perspectiva decolonial?
Viviana Santiago
É coordenadora de Diversidade e Inclusão do Instituto Moreira Salles, colunista da revista AzMina e do Portal Lunetas. Atuou nas principais organizações internacionais de promoção de direitos como gerente de gênero, inclusão e advocacy. Uma das maiores especialistas sobre a situação das meninas no Brasil, em especial meninas negras. Especialista em decolonialidade, gênero, raça, trabalho e diversidade. Estuda comunicação não violenta e estudos da compaixão. Responsável pela coordenação do relatório alternativo do Brasil para o ODS5.
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A namorada vai chorar (1986), de Maria Lídia Magliani
Fonte: Acervo MAM
Terças-feiras
Público: interessados em geral
Duração: 6 encontros
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A fotografia japonesa hoje é reconhecida como uma das mais importantes da história, e os movimentos artísticos que surgiram após a Segunda Guerra Mundial são reverenciados no mundo inteiro por terem transformado a maneira como lemos imagens.
Apesar de existirem relatos da atuação de fotógrafas mulheres desde o final do século XIX, é no período do pós-guerra que as fotógrafas japonesas ganham maior repercussão dentro deste gênero. Este curso explica, através da apresentação do trabalho de fotógrafas japonesas e seus livros, como se deu a construção de um espaço de reconhecimento de mulheres autoras e de que forma seus trabalhos refletem questões políticas e sociais de sua época.
Ao longo de seis encontros, serão analisados livros produzidos por fotógrafas como Rinko Kawauchi, Tamiko Nishimura, Miyako Ishiushi, Hiromix, Yurie Nagashima, Miho Kajioka e Hideka Tonomura – artistas que confrontaram os papeis de gênero tradicionais.
Programação
Aula 1
Nesta aula, será apresentado um breve relato da história da fotografia no Japão, abordando sua evolução na sociedade.Também será destacado o trabalho da fotógrafa Tokiwa Toyoko.
Aula 2
A fotógrafa Nishimura Tamiko desempenhou o papel de laboratorista de Daido Moriyama e Takuma Nakahira. Ela segue esteticamente o caminho deles e desenvolve um extenso trabalho pautado no nomadismo.
Aula 3
A fotógrafa Miyako Ishiuchi é considerada uma das principais fotógrafas japonesas, e seu trabalho representa uma mudança significativa na compreensão do papel das mulheres na fotografia japonesa.
Aula 4
Será abordado o movimento Girl Photography e as fotógrafas Nagashima Yurie e Hiromix.
Aula 5
A discípula do controverso fotógrafo Araki, Sakiko Nomura, se destaca na fotografia contemporânea japonesa.
Aula 6
As fotógrafas Miho Kajioka e Rinko Kawauchi exploram o cotidiano e o ordinário como fontes de criatividade. Ao contrário do movimento Girl Photography, abordam esse espaço de criação de maneira completamente distinta. Ao final, teremos uma discussão geral das dúvidas e apresentações feitas até o momento, com sugestões de referências bibliográficas para pesquisa.
Marcelo Greco
(1966)
Nascido em 1966, Marcelo Greco trabalha com fotografia desde 1996. Desenvolve projetos nos principais museus do país, como MAM e MASP. Fez diversas exposições individuais e coletivas no Brasil e no exterior. Faz parte de algumas coleções como da Coleção Joaquim Paiva, Fundação Cultural de Curitiba, Pinacoteca do Estado de SP, etc. Foi curador geral do Festival Paraty em Foco em 2008. Em 2009, criou a Schoeler Editions.
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Livro “Girls Blue”, de Hiromix
Edição: rockin’on
Foto: Marcelo Greco
A visita mediada será no dia 06 de maio, sábado, das 15h30 às 17h30. As aulas seguintes serão online e acontecerão às quintas-feiras, das 19h às 21h.
Público: interessados em geral
Duração: 4 encontros
Investimento: R$ 320,00
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
Este curso apresenta o percurso curatorial elaborado para a exposição Ianelli 100 anos – o artista essencial, realizada entre fevereiro e maio de 2023 no Museu de Arte Moderna de São Paulo, dos passos comuns à realização de qualquer tipo de mostra, até as particularidades de uma retrospectiva.
Ministrado pela curadora da mostra, Denise Mattar, o percurso inclui os seguintes itens: pesquisa documental, estratégias para seleção de material, pesquisa de acervos, estudo e adequação ao espaço expositivo, elaboração do roteiro da exposição, identidade visual, preparação e seleção de textos para catálogo e paredes, acompanhamento do catálogo, da assessoria de imprensa e do setor educativo da instituição.
Esse processo, no caso de uma retrospectiva, se fundamenta na obra do artista. Por isso, paralelamente aos passos desenvolvidos para a realização da exposição, será apresentado o artista Ianelli, sua inserção na cena artística na década de 1970, as características de cada uma das suas fases, suas técnicas de trabalho, as razões do seu “esquecimento” e as estratégias para inserção do artista no circuito de arte atual.
Programação
Aula 1 – Visita à exposição
Roteiro e núcleos
Textos de parede
Expografia – cores e dioramas
Elementos complementares: cronologia, vídeo, cartazes
Aula 2 – Conceituação
Pesquisa documental: livros e fontes primárias
Pesquisa em acervos: instituições e coleções
Estudo da planta do espaço
Definição do partido curatorial
Aula 3 – O artista
Ianelli – décadas de 1950 a 1970
A cena artística na década de 1970 – O MAM-SP, o Panorama
Ianelli – décadas de 1980 a 2000
Técnicas de trabalho do artista
Aula 4 – Publicação e divulgação
Identidade visual
Preparação e seleção de textos
Seleção e organização de obras
Cronologia e seleção de imagens
Release e outras estratégias
Denise Mattar
(Rio de Janeiro, RJ, 1948)
Denise Mattar é uma das curadoras mais atuantes do circuito de arte brasileiro. Foi diretora técnica do Museu da Casa Brasileira, SP, de 1985 a 1987, do Museu de Arte Moderna de São Paulo, de 1987 a 1989, e coordenadora de artes plásticas do Museu de Arte Moderna RJ, de 1990 a 1997. Como curadora independente realizou mostras retrospectivas de artistas como Di Cavalcanti, Flávio de Carvalho (Prêmio APCA), Ismael Nery (Prêmios APCA e ABCA), Pancetti, Anita Malfatti, Samson Flexor (Prêmio APCA), Portinari, Alfredo Volpi, Guignard, Yutaka Toyota (Prêmio APCA). Em 2020 realizou a exposição O Fio de Ariadne, na Fundação Iberê, POA, apresentada no Instituto Tomie Ohtake em 2021. No mesmo ano realizou Um Celeiro de Artistas, no MAB-FAAP, SP, Sacilotto, na Galeria Almeida e Dale, SP e 50 Duetos, na Fundação Edson Queiroz, Fortaleza. Em 2022 apresentou: Magliani, Fundação Iberê, POA, Armorial 50 nas unidades do CCBB de BH, RJ, SP e BSB, Luiza Gottschalk, Museu Nacional, BSB, Sandra Mazzini, Farol Santander, SP, Tereza Costa Rêgo, Galeria Marco Zero, RE, Modernismo Expandido, Museu Nacional, BSB, Di Cavalcanti – 125 anos – Danielian Galeria, Rio de Janeiro. Membro da ABCA – Associação Brasileira dos Críticos de Arte e da AICA – Associação Internacional dos Críticos de Arte.
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Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.
Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.
crédito da imagem
Vista da exposição “Ianelli 100 anos – o artista essencial”, no MAM São Paulo.
Foto: Estúdio em Obra
Quartas-feiras
Público: interessados em geral
Duração: 4 encontros
Investimento: R$ 320,00
Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
Através da análise de obras representativas e suas particularidades, o curso explica como as ideias conceituais em trabalhos de videoarte e time-based media são ligadas à lógica funcional das mídias eletrônicas que amparam a sua construção.
Além de relacionar obras artísticas ao desenvolvimento da linguagem em que se baseiam e ao momento de sua criação, o curso também problematiza as dificuldades de inserção destas em acervos e coleções institucionais: como preservar obras cujo conceito depende de equipamentos sujeitos à obsolescência? Seria possível substituir esses equipamentos ou eles devem ser constantemente restaurados? Quando exibida em diferentes contextos, quais parâmetros que definem uma videoinstalação podem variar e quais devem ser mantidos?
Do ponto de vista museológico, o que torna trabalhos dessa natureza fascinantes é que as formas de conservar mídias eletrônicas não são as mesmas de esculturas ou pinturas. Muitas vezes, o único elemento a ser preservado é a ideia do projeto, seus parâmetros técnicos e instruções de montagem, ao passo que os equipamentos necessários podem ser alugados a cada nova exibição.
É com o objetivo de compreender essas demandas e tomar decisões de preservação que arquivistas e pesquisadores devem dialogar com artistas para estabelecer instruções de montagem que mantenham intacto o conceito original de cada obra. Compreender as especificidades de determinado trabalho, discernir conceito de suporte e registrar orientações que permitam futuras montagens são as chaves para um colecionismo e conservação responsáveis em videoarte e time-based media.
Programação
10/05 – Aula 1, com Roberto Cruz
Processo curatoriais e imagens em movimento: compreensão das formas de expressão que utilizam a imagem em movimento e seus dispositivos como elemento de criação e experimentação. Como abordar de maneira analítica e propositiva as experiências neste campo de criação?
17/05 – Aula 2, com Roberto Cruz
Preservando e difundindo o que ainda não se perdeu: um panorama sobre como instituições museais têm lidado com a preservação em time-based media.
Time-based media no acervo do MAM-SP – Observações sobre o Lab. de Pesquisa.
24/05 – Aula 3, com Caio Meirelles Aguiar
Rafael França no MAC-USP: modos de ler e administrar mudanças sobre quatro videoinstalações
Alguns artistas brasileiros lidando hoje com essas questões: Luiz Roque, Cinthia Marcelle, Rodrigo Cass, Mayana Redin, Darks Miranda, entre outros
31/05 – Aula 4: Caio Meirelles Aguiar e Roberto Cruz convidam a artista Leticia Ramos
A artista convidada Leticia Ramos apresenta casos e situações problema que se relacionam com o conteúdo do curso
Sobre os professores
Caio Meirelles Aguiar
Arquiteto e museólogo, desenvolve projetos relacionados à gestão e documentação de acervos híbridos, pesquisa curatorial e edição de conteúdo relacionado à arte contemporânea. Após 10 anos trabalhando com exposições, escritórios e galerias de arte, atualmente faz parte do Núcleo de Memória e Pesquisa do Itaú Cultural e, paralelamente, presta consultorias referentes à conservação de instalações, performances e outras obras de arte multimídia.
Leticia Ramos
A sua investigação artística centra-se na criação de aparatos fotográficos adequados para captar e reconstruir o movimento e apresentá-lo através de vídeo, fotografia e instalação. Com particular interesse pela ciência da ficção, desenvolveu romances geográficos complexos em algumas das suas séries, como ERBF, Bitácora e Vostok. O acaso, assim como a experimentação com a fotografia e o processo artístico são direções que podem ser vistas em seu trabalho.
Roberto Moreira S. Cruz
Com formação em Comunicação e Cultura (Mestrado – UFRJ -1999-2001), Comunicação e Semiótica (Doutorado – PUC-SP – 2008-2011) e pós-doutoramento pelo Programa de Pós-Graduação Interunidades em Estética e História da Arte da Universidade de São Paulo e do Museu de Arte Contemporânea (MAC-USP – 2017-2019. Como Gerente de Projetos no Itaú Cultural (2001 – 2011), realizou projetos de pesquisa, mostras, exposições e eventos culturais em geral nas áreas de Audiovisual e Artes Visuais. Foi Diretor Executivo da Sociedade Amigos da Cinemateca (2016-2018) e do Conselho editorial da Enciclopédia de Cinema do Itaú Cultural (2015-2019). Como pesquisador e curador independente, realizou projetos em colaboração com instituições como Oi Futuro, Sesc-SP, Itaú Cultural, Sesi-SP, Usina do Gasômetro-RS, Palácio das Artes-MG, Centro Cultural Banco do Brasil, MAM-RIO, Fundação Iberê Camargo – RS, Museu de Arte Contemporânea (MAC-USP) entre outras.
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Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.
Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.
crédito da imagem
DIAS, ANTONIO. Derrotas e Vitórias (para Bento), 2004.
Fonte: acervo do mam
Curso online
Datas: 14, 21, 28 de setembro e 05 de outubro
Quintas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 04 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00
Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
O curso busca elucidar as transformações na Arte Ocidental, focando especialmente nas trajetórias femininas que, frequentemente, foram esquecidas ou apagadas ao longo do tempo.
A História da Arte raramente foi analisada sob a perspectiva da atuação feminina, que vai além de meras representações temáticas. Nesse sentido, o curso tem como objetivo exemplificar e demonstrar tais ocorrências, destacando a atuação das grandes mulheres artistas do Ocidente.
O público-alvo é composto por interessados em artes e discussões de gênero, que desejam compreender e valorizar as contribuições das mulheres na história artística.
Programação
Aula 1 – com Lorenzo Merlino
Desde a Pré-História, a participação das mulheres na História da Arte foi frequentemente esquecida. No entanto, desde os primórdios, sua atuação foi crucial e determinante, mesmo na Idade Média, apesar do senso comum incorreto que limitava suas possibilidades.
Aula 2 – com Maíra Canina Silvestrin
Apresentação de artistas do Renascimento e do Barroco: Sofonisba Anguissola, Lavinia Fontana e Artemisia Gentileschi.
Aula 3 – com Patrícia Helena Soares Fonseca Rossi de Resende
Apresentação de artistas do Neoclássico, como Angelica Kauffman, Adélaïde Labille-Guiard e Élisabeth Vigée Le Brun.
Aula 4 – com Carolina Vieira Filippini Curi
O machismo estrutural no advento da modernidade, as mulheres no suprematismo e questões que ainda precisam ser superadas na contemporaneidade para uma História da Arte mais inclusiva.
Carolina Vieira Filippini Curi
Doutoranda em Artes Visuais pelo Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais da Universidade Estadual de Campinas (IA/UNICAMP) e desenvolve pesquisa com foco em Circulações e redes de contato: artistas sul-americanas associadas à arte pop e à nova figuração nas décadas de 1960 e 1970, com apoio da CAPES e período sanduíche na Universidade da Califórnia Riverside pela Fulbright (set.2021-jun.2022). Possui mestrado em Estudos Curatoriais pela Universidade de Coimbra (Colégio das Artes/UC) e bacharelado em Comunicação Social pela Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro. Durante o mestrado, realizou estágio no exterior junto à La Maison Rouge Paris e a Collection Antoine de Galbert, via acordo Université Paris 1 Panthéon Sorbonne-Universidade de Coimbra.
Lorenzo Merlino
É pós-graduado em História da Arte pela FAAP e mestre e doutorando em História da Arte pela UNICAMP, atualmente encontra-se na Inglaterra onde cumpre uma bolsa de doutorado-sanduíche na University of Brighton. Com mais de 25 anos de experiência no mundo da moda, integrou por seis anos o SPFW. Indicado ao XIV Prêmio Carlos Gomes em 2011 por melhor figurino e escolhido melhor figurinista de óperas do Brasil em 2015. Professor na FAAP, ministra também cursos no MAM, no MASP, no Adelina Instituto, na Superbacana+, na Casa do Saber, na Unibes Cultural, no SENAC e no SESC. Desde 2016 é embaixador de Flandres para as Artes e a Moda no Brasil.
Maíra Canina Silvestrin
Doutoranda em História da Arte pelo Programa de Pós-Graduação em História da Universidade Estadual de Campinas (UNICAMP), com uma pesquisa sobre pintura e cultura veneziana do século XVIII, com ênfase em questões de gênero e tendo como principal objeto de análise a obra da pintora veneziana Rosalba Carriera. Mestre em História da Arte pela mesma Universidade (2013), com uma pesquisa sobre o Retrato de Homem conservado no Museu de Arte de São Paulo (MASP) e atribuído ao pintor italiano Paris Bordon (bolsa FAPESP). Possui graduação em Desenho Industrial – Programação Visual pela Universidade Estadual de Londrina (2004). No período entre abril e junho de 2009, realizou estágios de pesquisa no Kunsthistorisches Institut em Florença, na Itália. Entre janeiro e março de 2012, durante o mestrado, realizou estágio de pesquisa na Scuola Normale Superiore de Pisa, Itália (SNS). Também realizou pesquisas sobre retrato e pintura italiana do século XVIII nas bibliotecas do Getty Research Institute – Los Angeles – entre fevereiro e maio de 2015. Em Janeiro e Fevereiro de 2023, como parte da pesquisa do doutorado em andamento, realizou estágio de pesquisa na Università Ca’ Foscari de Veneza.
Patrícia Helena Soares Fonseca Rossi de Resende
Doutora em Educação, Arte e História da Cultura pela Universidade Presbiteriana Mackenzie (2014) e mestre em Textiles Design for Fashion pela Central Saint Martin’s School of Art and Design, Londres (1990). Possui graduação em Bacharelado em Comunicação Visual pela Fundação Mineira de Arte Aleijadinho (1986). Atualmente é professora no Centro Universitário Armando Álvares Penteado e no Centro Universitário Belas Artes de São Paulo. Sua área de pesquisa e experiência é a interdisciplinaridade entre Moda, Arte e Design contemporâneos. É autora do livro Os caminhos do sistema da Moda: diálogos com a arte e seus disfarces (ed. Liberars, 2017).
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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.
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Título: Autorretrato com duas pupilas, Marie Gabrielle Capet (1761–1818) e Marie Marguerite Carreaux de Rosemond (falecida em 1788)
Artista: Adélaïde Labille-Guiard (França, Paris 1749–1803 Paris)
Ano: 1785
Pintura
Dimensões: 210.8 x 151.1 cm
Fonte: Met Museum
Datas: De 22 de abril a 20 de maio de 2023
Horário: 10h às 12h
Sábados
Público: interessados em geral
Duração: 5 encontros
Investimento: R$ 400,00
Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
Oficina de leitura e escrita a partir de cinco romances emblemáticos de escritoras de língua portuguesa, com foco nos aspectos plásticos, imagéticos, da linguagem, em sua relação com a trama e personagens, explorando desde os elementos cinematográficos e poéticos da escrita ao registro documental e autobiográfico. O objetivo é traçar uma reflexão sobre o percurso da narrativa contemporânea de autoria feminina, do experimental à autoficção, incluindo propostas de escrita para os(as) participantes.
Programação
Leitura crítica e debate sobre os romances “Parque industrial”, “Água viva”, “Quarto de despejo”, “Fluxo, floema” e “Caderno de memórias coloniais”, com exercícios de escrita criativa em prosa, ou de resenha literária.
Aula 1
“Parque industrial”, de Patrícia Galvão. Romance modernista, prosa caleidoscópica, cinematográfica, feminista; experimentação e denúncia social.
Aula 2
“Água viva”, de Clarice Lispector. Prosa poética, imagética, fluxo de consciência, ficção liquida (Bauman).
Aula 3
“Quarto de despejo”, de Carolina de Jesus. Narrativa documental, autobiográfica, com deslocamentos criativos, linguísticos e imagéticos, da norma culta e literária. Diário e autoficção.
Aula 4
“Fluxo, floema”, de Hilda Hilst. Escrita como fluxo existencial, estilhaçamento da linguagem e da voz narrativa. Imagens mentais.
Aula 5
“Caderno de memórias coloniais”, de Isabela Figueiredo. Narrativa reconstitui a paisagem colonial em ruínas e a desconstrução da figura paterna, numa revisão pungente ao mesmo tempo do patriarcado e da necropolítica.
Reynaldo Damazio
Editor, crítico literário, escritor e coordenador do Centro de Apoio a Escritores do museu Casa das Rosas. Formado em Ciências Sociais pela USP, com especialização em Propaganda e Marketing e Gestão Cultural. Foi co-editor do jornal “Caderno de Leitura”, da EdUSP, e colaborador do Guia de Livros da “Folha de S. Paulo” e das revistas “Cult”, “Arte Brasileiros”, “Entrelivros”, “Mente e Cérebro”, “Nossa América” e “Literatura: Conhecimento Prático”. Autor de Poesia, linguagem (Memorial da América Latina); Nu entre nuvens (Ciência do Acidente); Horas perplexas (Editora 34); Com os dentes na esquina e trilhas; notas & outras tramas (ambos pela Dobradura Editorial), Crítica de trincheira: resenhas (Giostri Editora) e do recente Movimentos portáteis (Kotter Editorial), entre outros. Traduziu Calvina (SM Editora), de Carlo Frabetti.
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Quintas-feiras
Público: profissionais dos campos da arte e da cultura, advogados (as) e público interessado em geral
Duração: 4 encontros
Investimento: R$ 320,00
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Este curso oferece noções aprofundadas sobre certos temas jurídicos fundamentais ao setor cultural: direitos autorais, direitos de personalidade e classificação indicativa. Durante os encontros, os (as) participantes aprenderão por meio de casos cotidianos, decisões judiciais, oficinas práticas e dicas de leitura. O objetivo é habilitar os (as) profissionais e demais interessados (as) a lidar com questões jurídicas complexas relacionadas a cultura e arte.
Programação
Encontro 1 | 06/04: Direitos autorais – Noções teóricas
- Afinal, o que são os direitos autorais? – Introdução à Lei Federal nº 9.610/98
- O que é protegido?
- Quem é considerado autor e coautor?
- Preciso registrar minha obra?
- Direitos patrimoniais e direitos morais:
– Quando pedir autorização para utilizar uma obra?
– Diferenças e relações entre autor, titular/detentor e proprietário/colecionador
– Como creditar o autor? - Quando utilizar uma obra sem necessidade de autorização? – Domínio público e “limitações e exceções”
– Contagem de prazo
– Uso educativo, acessibilidade, uso privado, “pequeno trecho”, citação, paráfrases, paródias, obras em locais públicos, cópia de preservação - Direitos conexos
Encontro 2 | 13/04: Direitos autorais – Aplicação prática
- Como formalizar a autorização? – Oficina de leitura de licenças e cessões
- “Camadas” de direitos – Cuidados na contratação de fotógrafos e demais profissionais “criativos”
- E se não sei quem é ou não consigo localizar o autor ou titular de direitos? – “Obras órfãs” e busca diligente
- Dicas no uso de obras de arte em materiais (publicações editoriais, vídeos, redes sociais, produtos etc.)
- Escala de risco no uso não autorizado
- Artes visuais – Particularidades da legislação, obras efêmeras e appropriation art
- Mercado de arte – Direito de sequência
Encontro 3 | 20/04: Uso de imagem e voz
- “Direito de imagem” é a mesma coisa que direito autoral? – Introdução aos direitos de personalidade
- Como utilizar a imagem, voz e dados biográficos de alguém?
- Particularidades:
– Contexto coletivo ou privado
– Contexto jornalístico e informacional
– Contexto comercial e publicitário
– Aparição incidental
– Pessoas famosas
– Pessoas falecidas
– Crianças e adolescentes - Como formalizar a autorização? – Oficina de leitura de termos de autorização
Encontro 4 | 27/04: Classificação indicativa / workshop para dúvidas
- Classificação indicativa em instituições culturais e exposições:
– Qual é a legislação aplicável?
– Autoclassificação para artes visuais
– Três pilares da classificação indicativa
– Como usar o manual do Ministério da Justiça?
– Como fazer as placas de indicação?
– Acesso de menores e acompanhamento dos responsáveis
– Outros cuidados: treinamento de equipe e limitação de captação de imagens
– Check-list de red flags e criação de disclaimers
– Debate sobre casos recentes - Workshop para resolução de dúvidas, discussão de casos e conteúdos adicionais de acordo com as necessidades da turma.
Olívia Bonan
Graduada em Direito (2017) e pós-graduada em Gestão de Projetos Culturais (2022), ambos pela USP. Especializou-se em direitos autorais na América do Norte (Yale Law School), Ásia (Peking University) e Europa (Universidade Nova de Lisboa), tendo pesquisado na pós-graduação sobre direitos autorais e digitalização de acervos de museus. Advogada associada do Borges Sales & Alem Advogados, atuando há cerca de 5 anos como consultora jurídica do MAM São Paulo e de outras instituições do setor cultural. Antes, trabalhou na assessoria jurídica de organizações do entretenimento e da mídia, com passagem pelo setor Jurídico do Google Brasil. Coautora do Plano de Internet das Coisas (IoT) do Governo Federal e do estudo “Building a National IoT Plan: Policy Recommendations and the Case of Brazil”, publicado pela Columbia University. Colunista do Instituto de Direito, Economia Criativa e Artes – IDEA e membro do International Council of Musems – ICOM.
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Segundas-feiras
Público: interessados em geral
Duração: 7 encontros
Investimento: R$ 560,00
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Curso contempla certificado no final
A criptoarte é uma nova corrente artística que tem afetado as movimentações do segmento da arte digital e suas bifurcações. Este curso busca proporcionar visões diversas (técnicas e práticas) desta nova realidade, que conta com a adesão de artistas, instituições e indústrias cada vez mais significativas e revolucionárias.
As sete aulas propõem uma discussão sobre as complexas terminologias que permeiam o ecossistema da blockchain. O curso também traz convidados excepcionais do mercado de arte e de tecnologia, que ilustrarão aplicações concretas sobre usabilidade e valorização da arte digital.
Os encontros são destinados a todos que queiram entrar ou que já estão dentro deste interessante fenômeno do presente, que pensam em se tornar artistas de NFTs ou, ainda, profissionais que queiram atuar nas áreas digitais e artísticas.
O que você vai aprender:
- História e terminologias da criptoarte
- Como criar, vender e comprar NFTs
- Fundamentos da web3
- Como criar uma galeria no metaverso
- Protagonistas, projetos, plataformas, mercado e colecionismo
- O papel das DAOs
- Blockchain no sistema da arte
Programação
Aula 1 – Desenvolvendo o conhecimento sobre criptoarte
Fortaleça seu aprendizado sobre a historiografia da arte digital e as principais terminologias da web3. Nesta aula, recapitularemos as fases da internet (web1 a web3), o que são NFTs, Tokens e seus tipos, criptoarte, colecionáveis e arte generativa. Também discutiremos mais a fundo o ecossistema da blockchain, desde criptomoedas, wallets, smarts contracts, Defi e Refi à Dapps.
Aula 2 – Aprenda na prática e se torne criptoartista
Uma experiência guiada e prática sobre tudo que é necessário para se criar, vender e comprar um NFT. Desde da criação da wallet, escolha da plataforma, compra em uma exchange, até o mint final. Você sairá dessa aula com o seu primeiro NFT.
Aula 3 – Blockchain no sistema da arte
Com o convidado Gabriel Aleixo, eleito uma das 10 pessoas mais influentes no mercado brasileiro de criptomoedas e blockchain pelo Crypto Top 50 da Cointelegraph no Brasil
Uma curadoria inspiradora de projetos existentes que fazem uso da blockchain para revolucionar a arte e a vida cotidiana e apresentação de coleções.
Sobre o convidado:
Gabriel Aleixo foi pesquisador e coordenador de projetos do ITS nas áreas de blockchain e criptomoedas por 6 anos. Na época, também foi o responsável pelo primeiro curso online aberto sobre bitcoin oferecido em português: BTC em Português. Foi head of research da venture builder carioca QR Capital. Esteve à frente das áreas de desenvolvimento de negócios e pesquisa da Hathor Network, plataforma blockchain criada por engenheiros brasileiros com foco em escalabilidade, da qual foi cofundador em 2018. Foi eleito uma das 10 pessoas mais influentes no mercado brasileiro de criptomoedas e blockchain pelo Crypto Top 50 da Cointelegraph no Brasil. Atualmente, é head de ecossistema de consultoria e educação da [web/lock].
Aula 4 – Como os artistas podem se beneficiar das DAOS?
Com o convidado Renato Shira, cocriador da Finger Prints Dao e colecionador
Uma das principais potências da web3 são as comunidades, fenômeno que permitiu que artistas respaldados nesse senso de união se organizassem em DAOS (Organização Autônoma Descentralizada). Explore as situações vantajosas desse setor ao conhecer o case da Finger Prints DAO, uma comunidade global que atualmente abriga mais de 250 membros, incluindo colecionadores influentes, artistas digitais líderes e as principais empresas de capital de risco.
Sobre o convidado:
Formado em Ciências da Computação pela Universidade de São Paulo (USP), Renato Shira é cofundador da FingerprintsDAO, uma das maiores e mais respeitadas instituições colecionadoras de arte na web3. Também é colecionador de pfps como Cryptopunks, Bored Apes, Moonbirds e Coolcats. Ele também é idealizador e fundador da BrPunk, a primeira persona digital descentralizada no mundo. Previamente, Shira fundou a Direct Labs e também foi cofundador da Scup, uma empresa nacional especializada em monitoramento e gestão de mídias sociais. A Scup foi vendida para a multinacional Sprinklr, onde atuou como Diretor Geral até 2018. Renato é especialista no desenvolvimento de produtos da área de tecnologia.
Aula 5 – Inteligências artificiais: qual é o papel do artista e qual é o da máquina?
Desde da década de 60, percebemos a aproximação de programadores com artistas de várias áreas em prol da criação de artes generativas. Com o advento das novas tecnologias, essa relação se intensificou. Nesta aula, buscaremos entender quais são os limites impostos pelas máquinas, apresentaremos equipamentos para criar arte generativa e como funciona o sistema de programação.
Aula 6 – Exponha sua criptoarte no metaverso
Com a convidada Helena Freitas, desenvolvedora de metaversos
Utilize o NFT que você criou na aula prática para compor a sua galeria no metaverso da plataforma Spatial. Locais virtuais se tornaram uma grande potência para artistas independentes que queiram expor suas obras de forma gratuita e global. Explore diversas plataformas que possibilitam a criação de galerias.
Sobre a convidada:
Helena Freitas, graduada pela ESPM, trabalha há 8 anos com Virtual Production, através da sua impressora 3D, do audiovisual e com as maiores agências de comunicação do Brasil. Em 2022, desenvolveu a estratégia e a meta-arquitetura do Metaverso da marca Acuvue, para 3 eventos Institucionais Latam. Desde então, tem o desafio de capacitar e co-criar com pessoas, artistas e marcas, suas próprias galerias no metaverso.
Aula 7- Quais são os próximos passos? Debate aberto sobre futurologias.
Com os conhecimentos adquiridos em aula e fora dela, faremos um debate aberto e colaborativo sobre as nossas opiniões e previsões de quais são os caminhos a serem seguidos nos próximos 10 anos, onde iremos chegar e o que estamos fazendo para alcançar o desejado.
Mariana Braoio
É content creator na weblock e foi coordenadora de comunidade de criptoartistas na Tropix, plataforma de arte com NFTs. Curou a exposição “Fome de criar”, com criptoartistas brasileiros, na plataforma Xepa.io. É historiadora da arte pela UFPEL e UNIFESP, com atuação em curadoria e comunicação. Possui uma vasta pesquisa sobre mulheres artistas com aproximação nas artes digitais e já atuou no Museu de Arte Leopoldo Gotuzzo, no Museu da Baronesa, na Japan House e no Itaú Cultural. Idealizadora do quadro “Artistas que você precisa conhecer”. Ministrou o curso “criptoArte, a história da arte criptografada”, no Museu de Arte Moderna de São Paulo.
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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.
Sextas-feiras
Público: interessados em geral
Duração: 8 encontros
Investimento: R$ 640,00
Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
De Sófocles a Salvador Dali, passando por Leonardo da Vinci e Cindy Sherman, o curso abordará textos e conceitos relativos à complexa articulação entre Arte e Psicanálise. Partindo dos escritos freudianos, os quais intitulam algumas aulas, veremos como Freud, longe de usar a arte como mera ilustração daquilo que vinha descobrindo em sua clínica, tomou os artistas e suas obras como interlocutores que podem ensinar muito ao psicanalista, como demarcou também Jacques Lacan.
Programação
Aula 1 – Arte e Psicanálise hoje
- O que é a Psicanálise?
- O que é a Arte?
- Articulações entre Arte e Psicanálise: contexto histórico e os dias atuais
Aula 2 – Personagens Psicopáticos no Palco
- O nascimento da Psicanálise
- O método psicanalítico e a Arte
- O espectador e a obra
Aula 3 – Gradiva
- Arte e fantasia
- Psicanálise e literatura
- O saber do artista
Aula 4 – O poeta e o fantasiar
- A arte e o infantil
- Psicanálise e poesia
- A arte e o inconsciente
Aula 5 – Uma lembrança de infância de Leonardo da Vinci
- Vida e obra
- Sublimação
- Schapiro e Lacan
Aula 6 – Moisés de Michelangelo
- Psicanálise e História da Arte
- Ler uma obra
Aula 7 – Das Unheimliche
- Arte e Estética
- A obra de Francesca Woodman
Aula 8 – O mal-estar na cultura
- A arte e o mal-estar
- Arte e o belo
- A leitura de Hubert Dasmich
Flavia Corpas
Flavia Corpas é psicanalista e curadora independente de artes visuais. Possui pós-doutorado em Ciência da Literatura pela UFRJ. Doutora em Psicologia Clínica pela PUC/RJ, foi docente do Curso de Especialização em Acessibilidade Cultural da UFRJ. Organizadora do livro “Arthur Bispo do Rosario: arte além da loucura”, do crítico de artes Frederico Morais, e curadora das exposições “Walter Firmo: um olhar sobre Bispo de Rosario”, “Quase Aqui” de Daniel Senise e “Reflexivos”, de Iran do Espírito Santo e “Pilotis”de Katia Wille. Dirigiu os documentários “Cartografias da Criação”, “Arte, Cultura e Acessibilidade” e “Walter Firmo: um olhar sobre Bispo de Rosario”.
Sócios do MAM têm 20% de desconto. Faça parte!
Estudantes, professores e aposentados tem 10% de desconto
Dúvidas:
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Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.
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Quartas-feiras
Público: interessados em geral
Duração: 04 encontros
Investimento: R$ 320,00
Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas e disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
Inscrições encerradas
A partir do reconhecimento de que a chamada historiografia profissional não tem sido capaz de desmobilizar, sozinha, o discurso negacionista na mesma velocidade em que ele tem sido produzido, difundido e consumido no país, este curso discutirá um conjunto de obras artísticas que formam contradiscurso ao negacionismo dos genocídios cometidos no Brasil desde a invasão portuguesa no século XVI até a pandemia da Covid-19.
Estruturado em quatro aulas com diferentes abordagens temáticas, o curso busca explicar o negacionismo profissional a partir de exemplos conhecidos na história, para então abordar o genocídio indígena, o genocídio das populações negras e o genocídio pandêmico em obras de artistas como Ester Nazarian, Denilson Baniwa, Arissana Pataxó, Rosana Paulino, Rosângela Rennó, Lenora de Barros e Jaime Lauriano, entre outros.
Programação
Aula 1 – Uma genealogia do horror: negacionismo profissional, genocídio e testemunho
- Não há crime sem que haja lei que o defina como tal? – Irene Serra
- Genocídio – Daphne Odjig
- Genocídio Armênio – Ester Nazarian
- Holocausto – Esther Lurie
- Genocídio Tutsi – Mariela Yeregui
- Genocídio Cambojano – Vann Nath
Aula 2 – Genocídio indígena: dos portugueses a Jair Bolsonaro
- Arissana Pataxó
- Leide Pankararu
- Lindaura Xukuru Kariri
- Arawi Suruwi
- Denilson Baniwa
Aula 3 – Genocídio das populações negras: entre o navio negreiro e o camburão da polícia
- Rosana Paulino
- Gê Viana
- Ana Lira
- Rosângela Rennó
- Dalton Paula
Aula 4 – Genocídio pandêmico: negacionisters & cloroquiners
- Aline Motta
- Anna Maria Maiolino
- Jaime Lauriano
- Lenora de Barros
- Sônia Gomes
- Antonio Tarsis
Patrícia Valim
Patrícia Valim é mestre em História Social (2007) e doutora em História Econômica (2013), ambos pela Universidade de São Paulo. Desenvolveu dois estágios de pesquisa de pós-doutoramento em Programas de Pós-graduação em História: UFBA (2014) e UNIFESP (2019). Desde 2015, é Professora Adjunta de História do Brasil Colônia no Departamento de História e Pesquisadora Permanente do Programa de Pós-graduação em História da UFBA. Desde 2020, é pesquisadora permanente do Grupo de Pesquisa JIIAR: “Justiças e Impérios Ibéricos de Antigo Regime”; membra do grupo executivo da Rede Brasileira de Mulheres Cientistas (RBMC) e uma das embaixadoras no Nordeste do Parent in Science. Foi professora e pesquisadora em regime de cooperação técnica no Departamento de História e no Programa de Pós-graduação em História da Universidade Federal de Ouro Preto, durante o período de 2021-2022. Desde maio de 2023, idealizou, coordena e é uma das autoras da série histórica “Mátria Brasil”, publicada semanalmente na Folha de São Paulo. Tem experiência na área de História, com ênfase em História da Bahia, História do Brasil Colônia e Brasil Império, atuando principalmente nos seguintes temas: Conjuração Baiana de 1798; Lutas pela Independência Política na Bahia; História da Justiça e do Direito; Crimes e Castigos; História das Mulheres; Negacionismos e Usos da História.
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Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.
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Quintas-feiras
Público: interessados em geral
Duração: 04 encontros
Investimento: R$ 350,00
As aulas acontecem ao vivo via plataforma Sympla Streaming
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
Inscrições encerradas
O postulado da arte como cura tem aparecido cada vez mais consistentemente nas discussões contemporâneas, sobretudo após a pandemia.
Mas de que tipo de cura estamos falando, e a que arte estamos nos referindo?
Estruturado a partir destas perguntas, este curso teórico propõe-se a traçar narrativas enviesadas em torno do tema, percorrendo construções que articulam a ideia de cura ou de transformação através da produção e da contemplação de diferentes formas de arte.
As quatro aulas propostas se estruturam como molduras panorâmicas para alavancar debates sobre uma variedade de usos do termo “cura”, pensando a arte de modo transdisciplinar.
O curso é aberto a todos os interessados no assunto, não sendo necessária uma formação prévia para acompanhar as aulas.
Programação
Aula 1 (27/10)
Arte-cura e o zeitgeist do agora
Estética, cuidado de si, política e liberdade
Narrativas enviesadas de um uso da arte em pesquisas recentes nas áreas de saúde e neurociência
O surgimento da neuroestética e seus desdobramentos
Reflexões pós-pandêmicas sobre os lugares da arte
Aula 2 (03/11)
Uma pequena história da arte como história de cura e transcendência
A Grécia Antiga e seus métodos de cura
Aula 3 (10/11)
O pioneirismo de Osório César
A revolução de Nise da Silveira
O surgimento da arte-terapia e suas interfaces com a arte-educação: experiências, invenções e a arte como política de liberdade
Aula 4 (17/11)
Apresentação de artistas, inventores-sobreviventes, protagonistas de uma arte curativa: olhando para a produção de Hilma von Klimt, Leonora Carrington, Jean Dubuffet, Arthur Bispo do Rosário, Aurora Cursino, Ann Halprin, Maria Fux, Marina Abramović, Lygia Clark, Tunga, Ernesto Neto, entre outros.
Katia Canton
Artista visual, escritora, psicanalista, professora e curadora. Estudou arquitetura, dança e formou-se jornalista pela ECA USP, em São Paulo. Também estudou literatura e civilização francesas no curso de estudos superiores dado pela Aliança Francesa juntamente com a Universidade de Nancy II. Em 1984 transferiu-se para Paris, com uma bolsa de estudos de dança moderna no estúdio Peter Goss.
Viveu em Nova York por oito anos, onde trabalhou como repórter para vários jornais e revistas e realizou mestrado e doutorado na New York University. Sua pesquisa acadêmica é interdisciplinar e relaciona as artes e os contos de fadas, de várias épocas e culturas do mundo. Trabalhou um ano e meio como bolsista no MoMA, de Nova York, criando projetos de arte e narrativa no departamento de educação. De volta ao Brasil, ingressou como docente na Universidade de São Paulo, sendo professora associada do Museu de Arte Contemporânea (onde foi vice-diretora) e do programa de pós-graduação Interunidades em Estética e História da Arte.
Seu trabalho artístico é multimídia, incluindo desenho, pintura, fotografia e objetos, e conceitualmente se liga a questões sobre sonho, desejos e narrativas. Tem realizado exposições em museus, galerias e instituições culturais no Brasil e no exterior, desde 2008.
Como autora, além de escrever livros sobre arte, criou mais de 50 livros ilustrados para o público infantil e juvenil, tendo recebido vários prêmios, no Brasil e no exterior. Entre eles, recebeu por três vezes o prêmio Jabuti, prêmios da Fundação Nacional do Livro Infantil e Juvenil.
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Dúvidas:
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Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.
Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.
Terças e sextas-feiras
Público: interessados em geral
Duração: 04 encontros
Investimento: R$ 320,00
As aulas acontecem ao vivo via plataforma Zoom
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
A oficina apresenta possibilidades analógicas criativas para o desenvolvimento de projetos autorais e artísticos.
Partindo de uma análise de “As mãos negativas”, de Marguerite Duras, iniciaremos um percurso intenso de pesquisa e descoberta da imagem como fonte de criação. Nas aulas, serão mobilizadas técnicas como colorização de fotografias com aquarela, canetinhas, lápis de cor, tinta à óleo, além de colagem, bordados e recortes.
Cada aluno desenvolverá um projeto individual utilizando imagens de arquivos pessoais ou publicações impressas. O objetivo é apresentar possibilidades de construção estética e narrativa e mostrar como o processo criativo se desenvolve a partir de percepções sensíveis.
Indicada para fotógrafos, artistas e curiosos por imagens, a oficina não exige experiência em nenhuma das técnicas ou produção prévia no campo da imagem. O único pré-requisito é curiosidade e abertura à emergência do corpo como agente de experimentações.
Programação
Aula 1 (11/10)
Introdução à disciplina e aos materiais indicados para uso nas intervenções manuais
Aula 02 (14/10)
Definição dos projetos autorais
Aula 03 (18/10)
Novas técnicas, exercícios práticos e desenvolvimento dos projetos de cada aluno
Aula 04 (21/10)
Finalização dos trabalhos, apresentação dos projetos e espaço para tirar dúvidas
Como diretora e diretora de fotografia, Carine Wallauer tem trabalhado em diversos projetos de ficção e documentário, sendo indicada e premiada em importantes festivais nacionais, como Festival de Cinema de Gramado e Prêmio ABC de Cinematografia. Seu primeiro longa como DoP, Irmã, teve sua estreia mundial na 70º Berlinale e foi exibido em festivais ao redor do mundo. O filme recebeu o Prêmio Especial do Júri no 23 ° Rencontres du Cinéma Sud-Américain de Marseille.
Wallauer fotografou dois documentários de longa-metragem e três séries documentais com lançamento previsto para 2022, além do episódio brasileiro de Human Playground, série documental holandesa em fase de produção para a Netflix.
Além de trabalhar em projetos com outros cineastas, desde 2020 se dedica ao seu primeiro longa como roteirista e diretora. O documentário, chamado Copan, é uma coprodução Brasil/Holanda e foi vencedor de dois PROACs, desenvolvimento e produção, concedidos pelo governo do estado de São Paulo. Também com Copan ela foi selecionada para participar de laboratórios dentro de dois dos mais conceituados festivais de cinema do mundo: IDFAcademy 2021 do IDFA – Festival Internacional de Documentários de Amsterdã; Doc Station e Berlinale Talents durante a Berlinale – Festival Internacional de Cinema de Berlim em 2022.
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Fonte: Carine Wallauer
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Segundas-feiras
Público: interessados em geral
Duração: 04 encontros
Investimento: R$ 320,00
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Inscrições encerradas
O curso parte do conceito de estética da existência, formulado por Michel Foucault nos anos 1980, para entender as relações entre vestimenta e identidade.
Ao desconstruir a visão eurocêntrica da roupa como forma de distinção social, as aulas convidam o aluno a pensar o corpo vestido como um dispositivo que materializa subjetividades desviantes, transformando a vida em obra de arte. O objetivo é mostrar como o século XX fez da moda uma forma de manifestação, ruptura, subversão e contestação de uma única estética.
Temas que serão discutidos nas aulas:
- O conceito de “roupa de artista” proposto por movimentos estético-políticos como o surrealismo francês, o construtivismo russo e o futurismo italiano
- Os trajes simultâneos do casal Robert e Sonia Delaunay
- O vestido reforma de Gustave Klimt
- A vida e a obra de Charles Baudelaire, Georg Sand, Virginia Woolf, Marcel Proust, Flávio de Carvalho, José Leonilson,
- Arthur Bispo do Rosário e Hélio Oiticica
- As drag queens, travestis e o corpo queer
- Os dândis do Congo e da Europa
- Os trajes africanos, do candomblé e do Bronx
- Decolonialismo e movimento feminista
Em mundo no qual a autoimagem passa pela estetização da vida das redes sociais, e do próprio sujeito como uma empresa (influencers), o avesso seriam as imagens provocadas pelas recentes rupturas da moda.
Nesse sentido, os corpos plurais, periféricos, agêneros, LGBTQIAPN+, de povos originários e da diáspora negra evocam mais do que imagens políticas, mas formas de vida inteiramente novas.
Programação
Aula 01 (17/10)
- Moda e subjetividade
- A estetização do eu como origem da moda – os manuais de conduta, retratos, biografias e escritas de si
- O sujeito moderno e a descentralização do eu
- A vestimenta e o seu “papel” no sujeito de desejo da psicanálise
- Corpos-vestidos em devir: as noções clássicas de identidade e a ruptura com Nietzsche e o existencialismo francês
Aula 02 (24/10)
- A Moda como estética da existência
- As noções de estética da existência, technē tou biou (arte, técnica da vida), conhecimento e cuidado de si no Foucault dos anos 80
- Morais e éticas inventivas em “corpos desviantes” – do dandismo de Oscar Wilde ao queer na moda;
- Para uma crítica à moda colonial – os modos de vestir silenciados
Aula 03 (31/10)
- Moda e modernismo – o escândalo da verdade no corpo
- Modernismo como problema das formas (de Baudelaire ao cubismo do século 20)
- A vida como literatura: os vestidos de Virginia Woolf e Marcel Proust
- A história da moda como história das formas do corpo
- A ruptura no guarda-roupa feminino: moda e feminismo
- As expressões de gêneros na Moda – a crítica do agênero e do não-binarismo
Aula 04 (07/11)
- A roupa de artista nos movimentos de vanguardas do século 20
- O conceito de “roupa de artista”
- A moda, a revolução e o desejo nas roupas de Elsa Schiaparelli para o surrealismo francês
- A “roupa de artista” no construtivismo russo, no futurismo italiano, nos trajes simultâneos do casal Robert e Sonia Delaunay, no vestido reforma de Gustave Klimt e em Joseph Beuys
- A estética da existência nos trajes e têxteis de Flávio de Carvalho, Arthur Bispo do Rosário, José Leonilson e Hélio Oiticica
Brunno Almeida Maia
É doutorando em Arquitetura e Urbanismo na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo (FAU) da Universidade de São Paulo (USP), desenvolvendo pesquisa sobre Moda e arquitetura. Possui mestrado em Filosofia, Ciências Humanas e Teoria de Moda pela Unifesp (Universidade Federal de São Paulo). Além disso, atuou como curador da exposição Ema e a Moda no século XX: as roupas e a caligrafia dos gestos na Casa Museu Ema Klabin e do Ciclo de Conferências A atualidade de Marcel Proust (1871-1922) no Centro de Pesquisa e Formação do Sesc SP. Também é professor convidado em diversas instituições, incluindo a Universidade de São Paulo (USP), a Fundação Armando Alvares Penteado (FAAP), o Istituto Europeo di Design (IED) e o Centro Universitário Belas Artes. Atualmente, está trabalhando em seu próximo livro intitulado Tempos de exceção: ensaios sobre o contemporâneo, que será publicado pela Editora Cosmos (no prelo).
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Público: interessados em geral
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Muitas vezes as artes plásticas são ensinadas como se fossem dissociadas de outras linguagens como o design, o teatro ou a literatura. Assim, ignora-se não só que as manifestações artísticas são fruto de contextos históricos, sociais, políticos e econômicos, como também se deixa de lado um aspecto fundamental para qualquer análise crítica: o exercício relacional, que busca estabelecer relações entre diferentes campos do conhecimento.
O curso propõe uma imersão na história da arte moderna e contemporânea a partir das vanguardas artísticas do final do século XIX e das relações que elas tiveram com a estética, entendendo suas influências no design, moda, cinema, dança, teatro e literatura. No decorrer das aulas, serão explicados conceitos como a Gesamtkunstwerk (arte total), a aceleração do tempo, a modernidade e o Artertainment (arte + entretenimento).
O objetivo é propor um novo olhar sobre a estética, mostrando as interdependências entre diferentes linguagens artísticas, explicar a proposta dos movimentos que marcaram a trajetória da arte moderna à contemporânea, destacando suas características formais, cores e contextos em que as obras foram produzidas, além de promover uma discussão sobre a arte contemporânea e o futuro da arte.
Programação
Aula 01 (25/10)
As exposições universais e o surgimento da globalização
Arts and Crafts e o surgimento do design
Gesamtkunstwerk: a Arte Total de Wagner
A modernidade na moda
Aula 02 (01/11)
Realismo e o mundo não-romântico
Manet e a modernidade
A fotografia e a representação do real
O fotograma e o sequenciamento da imagem
O surgimento do cinema
Aula 03 (08/11)
Impressionismo – a primeira vanguarda artística
Neo-impressionismo, pós-impressionismo e o surgimento da arte moderna
Aula 04 (14/11)
O contato com o Oriente – japonismos e os balés russos
Poiret e o exotismo
O primitivo no moderno
Fauvismo, cubismo, orfismo, futurismo e suprematismo
O expressionismo e a mão do artista;
Aula 05 (22/11)
A concomitância de movimentos, a aceleração do tempo moderno
O art déco e o design
Duchamp e sua importância
Dadá: o absurdo da História e o absurdo na Arte
Aula 06 (29/11)
Nova objetividade, surrealismo e a volta do figurativo na arte
O modernismo brasileiro
Aula 07 (06/12)
Os Estados Unidos e a mudança de eixo
O expressionismo abstrato, a pop art e a invenção do minimalismo
Concretos, neoconcretos e a originalidade do Brasil
Aula 08 (13/12)
Neo-expressionismo e o fim dos movimentos
Arte contemporânea: influências e relações da moda na arte
O artertainment de Gompertz – Koons, Murakami, Hirst, Beecroft e outros
O futuro da arte
Lorenzo Merlino
É pós-graduado em História da Arte pela FAAP e mestre e doutorando em História da Arte pela UNICAMP, atualmente encontra-se na Inglaterra onde cumpre uma bolsa de doutorado-sanduíche na University of Brighton. Com mais de 25 anos de experiência no mundo da moda, integrou por seis anos o SPFW. Indicado ao XIV Prêmio Carlos Gomes em 2011 por melhor figurino e escolhido melhor figurinista de óperas do Brasil em 2015. Professor na FAAP, ministra também cursos no MAM, no MASP, no Adelina Instituto, na Superbacana+, na Casa do Saber, na Unibes Cultural, no SENAC e no SESC. Desde 2016 é embaixador de Flandres para as Artes e a Moda no Brasil.
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A proposta deste curso é apresentar os fundamentos teóricos e práticos do pensamento sistêmico e sua aplicação no processo de criação, com foco nas dinâmicas ocultas por trás dos propulsores e bloqueadores recorrentes no processo criativo.
Criado pela artista, pesquisadora e doutora Katia Salvany, o curso online processos criativos sistêmicos tem como ponto de partida a orientação de projetos artísticos e a pessoa criadora por trás destes.
Baseada na prática pessoal, pesquisa, orientação e acompanhamento de mais de 3 mil projetos artísticos, a metodologia se desenvolve alinhada a três eixos de trabalho:
- Acionamento da inteligência sistêmica
- Aplicação da força da sabedoria da inteligência positiva nos processos criativos
- Investigação e potencialização dos processos criativos.
Katia Salvany vive e trabalha em São Paulo/SP. É artista plástica, com exposições no Brasil e no exterior, licenciada em Arte pela Universidade de São Paulo, com formação em Arte Terapia pela FMUSP – Faculdade de Medicina da Universidade de São Paulo, mestra e doutora formada pela Escola de Comunicações e Artes (ECA), contemplada com bolsa de estudo CAPES Doutorado no RCA-Royal College of Art, Londres, integrante do grupo de facilitadores sistêmicos da Escola Vida/Hilário Trigo e pós-graduanda em Familienstellen: Constelação Familiar Original Hellinger®. É professora titular no Centro Universitário Belas Artes de São Paulo desde 2002. Atuou como orientadora de Processos de Criação em Arte em diversas instituições, entre elas CEUMA/USP, SESC, SENAC, SEC/SP, Meios e Processos- editais 2019/ 2020, Fábrica de Arte Marcos Amaro/ atual Museu São Pedro em Itu/SP.
Katia Salvany é criadora da Mentoria Artística Sistêmica®, uma abordagem inovadora de orientação e de acompanhamento de artistas e seus processos criativos.
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Metaesquema (1958), de Hélio Oiticica
Fonte: acervo do mam
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A partir de livros de fotografia e textos literários, os participantes são convidados a ampliar suas reflexões e seu olhar sobre a fotografia como linguagem artística, como texto e como processo de construção poética sobre as relações cotidianas.
Cada encontro apresenta um eixo temático que norteará as confluências e possibilidades de diálogo entre essas duas linguagens.
De que maneira os escritores abordam as questões que permeiam o universo da fotografia? Como escritores e fotógrafos se retratam?
De forma dialógica, tentaremos responder a essas e a outras questões coletivamente, lendo autores clássicos e contemporâneos da literatura e da fotografia, como os escritores Machado de Assis, Marília Garcia, Ana Martins Marques, Ricardo Aleixo, Orides Fontela e os fotógrafos Carlos Moreira, Robert Frank, André Penteado, Reymond Meeks, Masahisa Fukase, entre outros.
Os temas e as referências servirão como ponto de partida para práticas artísticas que serão propostas e discutidas durante os encontros.
Programação
Aula 01 (12/09): o olhar
Aula 02 (19/09): olhar para si
Aula 03 (26/09): olhar para o outro
Aula 04 (03/10): olhar para o seu lugar no mundo
Juliana Monteiro
(Rio de Janeiro, 1981 – vive e trabalha em São Paulo, SP)
Juliana Monteiro investiga a poética dos dias, das relações e da existência humana a partir de diferentes mídias e suportes. O caráter universal do que é íntimo, a impermanência e a dinâmica entre palavra e imagem são eixos presentes em sua observação artística, que se vale da fotografia e da palavra como principais instrumentos do dizer. Nascida no Rio de Janeiro, em 1981, vive e trabalha em São Paulo, onde se formou em Linguística e em Comunicação e, desde então, tece relações entre diferentes linguagens. Além de participar de exposições coletivas, publicou os livros de artista Pandora (2020), Aprendiz (2021), Queira receber como recordação (2022), entre outros. Em 2017, juntamente com o escritor João Anzanello Carrascoza, publicou o livro Catálogo de Perdas (SESI-SP), composto por 40 fotografias e 40 contos. Essa obra foi finalista do prêmio Jabuti e vencedora do prêmio FNLIJ nas categorias leitor adulto e projeto editorial. Pela Maralto, em 2023, publicou Fronteiras visíveis, também com o escritor João Carrascoza.
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Estudantes, professores e aposentados tem 10% de desconto
Dúvidas:
cursos@mam.org.br
WhatsApp: 11 99774 3987
Curso online ao vivo via plataforma de videoconferência. Aulas gravadas disponibilizadas somente aos inscritos e por tempo determinado.
Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br). Em alguns cursos as aulas que acontecem na plataforma Zoom poderão são gravadas e disponibilizadas somente aos participantes dessas respectivas aulas com prazo de expiração. O conteúdo da gravação é protegido por direitos autorais e o acesso é permitido unicamente para fins de estudo e de uso exclusivo do participante impossibilitando a sua divulgação ou compartilhamento com terceiros.
Sábados
Público: interessados em geral
Duração: 06 encontros
Investimento: R$ 480,00
As aulas acontecem ao vivo via plataforma Zoom
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
O curso propõe o debate e a análise de práticas artísticas e ativistas compartilhadas nas redes sociais. Práticas que se formam a partir de agenciamentos fora do eixo hegemônico das artes e são ativadas por proposições artísticas que evidenciam as potencialidades dessas redes como um lugar de produção, crítica e expansão da arte na atualidade. Com isso, o curso contempla também uma reflexão sobre processos decoloniais e contracoloniais na arte e em suas instituições.
Em um contexto no qual os museus são entendidos como espaços de comunicação, a forma como as instituições lidam com a disseminação de novos discursos passa a ser indissociável de suas ações e estruturas.
As aulas são expositivas com apresentação do conteúdo em formato digital, debates e indicações de leituras.
Serão discutidos temas como:
- Agenciamento, práticas artísticas e colaborativas em rede;
- Perspectiva contracolonial para pensar a arte, as tecnologias e as redes sociais;
- Operador conceitual das encruzilhadas;
- Redes sociais, inteligência artificial e racismo algorítmico;
- Colonialismo de dados e práticas que lidam com censura e/ou vigilância;
- Crítica institucional e descolonização;
- Pandemia de COVID-19 e as práticas artísticas compartilhadas nas redes sociais;
- Artistas e coletivos que utilizam as redes sociais como forma de ativismo e produção artística na atualidade.
Programação
Aula 01 (01/10): Introdução: Arte e ativismos nas redes sociais, com Nathalia Lavigne e Larissa Macêdo
Discussão inicial sobre agenciamento e exemplos de artistas e coletivos que utilizam as redes sociais como forma de ativismo e produção artística na atualidade, com exemplos que serão aprofundados ao longo do curso.
Aula 02 (08/10): Arte e redes sociais a partir de uma perspectiva contracolonial, com Larissa Macêdo
Introdução à perspectiva contracolonial; a importância dessa perspectiva para pensar a arte, as tecnologias e as redes sociais e de romper com epistemicídios para expandir a compreensão dos trabalhos de artistas negros e indígenas brasileiros.
Aula 03 (15/10): Autonomia e controle, com Nathalia Lavigne
Discussão sobre o conceito de colonialismo de dados (Mejias e Couldry, 2018) e práticas que lidam com censura e/ou vigilância. Paralelo com inserções midiáticas nos anos 1970-1980 no contexto brasileiro e ações que utilizaram intervenções e escritos urbanos em espaços públicos.
Aula 04 (22/10): Entre a crítica e a descolonização institucional, com Nathalia Lavigne
Introdução ao conceito de crítica institucional; associação com o discurso decolonial de grupos como Decolonize This Place e análise de como o movimento ganhou força nas redes.
Aula 05 (29/11): Encruzilhadas: arte, redes sociais e racismo algorítmico, com Larissa Macêdo
Operador conceitual das encruzilhadas para pensar as práticas artísticas, a inteligência artificial e o racismo algorítmico nas redes sociais
Aula 06 (05/11): Arte, ativismos e pandemia, com Nathalia Lavigne e Larissa Macêdo
Impactos da pandemia de COVID-19 nas práticas artísticas compartilhadas nas redes sociais e artivismos em rede pós-Covid no Brasil e no mundo.
Nathalia Lavigne
Pesquisadora, jornalista e curadora. É doutoranda pela FAUUSP, mestre em Teoria Crítica e Estudos Culturais pela Birkbeck, University of London, e graduada em Jornalismo pela PUC-RJ. Sua pesquisa de doutorado trata da musealização dos espaços expositivos e práticas de contracolecionismo no Instagram, entendido como um arquivo instantâneo, instável e muitas vezes involuntário. Atualmente vive em Berlim, após um período como pesquisadora visitante da Humboldt Universität zu Berlin, contemplada com uma bolsa da DAAD em 2021. Como curadora, realizou exposições como “Against, Again: Art Under Attack in Brazil” (Anya and Andrew Shiva Gallery, CUNY University, New York, 2020) e “Táticas de Desaparecimento” (Paço das Artes, 2021, São Paulo). Escreve para veículos como Artforum, Contemporary And, ZUM, Folha de São Paulo e revista Select.
Larissa Macêdo
(@larissacsmacedo) é curadora, crítica, professora e pesquisadora, doutoranda e mestre em Comunicação e Semiótica pela PUC-SP. Desenvolve uma pesquisa de doutorado relacionada às práticas artísticas de mulheres e pessoas de gêneros dissidentes negras e indígenas nas redes sociais. É uma das criadoras do projeto (@projetoater) que tem como objetivo evidenciar os impactos da inteligência artificial na produção de artistas racializadas nas redes sociais. Também é professora dos cursos de graduação e pós-graduação de Licenciatura em Artes, Design, Comunicação Social e Moda da Belas Artes e realiza palestras, cursos e oficinas com temáticas voltadas às redes sociais, às novas estéticas, aos modelos de produção artísticos e multimídia, e às práticas político-sociais e curatoriais multidisciplinares.
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Quartas-feiras
Público: pessoas interessadas em compreender e se desenvolver no uso da fotografia como forma de expressão artística e que tenham conhecimentos técnicos de fotografia.
Duração: 14 encontros
Investimento: R$ 1.120,00
As aulas acontecem ao vivo via plataforma Zoom
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final
Neste curso são apresentados os trabalhos de renomados fotógrafos para contribuir ao entendimento e desenvolvimento da autoria na fotografia, inserindo o trabalho dos autores nas condições socioculturais que os influenciaram. Em um segundo momento de cada aula, são discutidos os materiais apresentados pelos alunos, procurando, através das reflexões do grupo, quais questões pertinentes são expostas no material apresentado e quais caminhos sugeridos ao autor.
Marcelo Greco
(1966)
Nascido em 1966, Marcelo Greco trabalha com fotografia desde 1996. Desenvolve projetos nos principais museus do país, como MAM e MASP. Fez diversas exposições individuais e coletivas no Brasil e no exterior. Faz parte de algumas coleções como da Coleção Joaquim Paiva, Fundação Cultural de Curitiba, Pinacoteca do Estado de SP, etc. Foi curador geral do Festival Paraty em Foco em 2008. Em 2009, criou a Schoeler Editions.
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