39º Panorama da Arte Brasileira: Depois que tudo foi dito

Curadora e pesquisadora, Diane Lima é mestra em Comunicação e Semiótica pela PUC-SP e Pre-doctoral Mellon Fellow, afiliada ao Critical Racial Anti Colonial Study Co-Lab  (CRACS Co-Lab) no Department of Spanish & Portuguese Languages and Literatures na New York University. Recentemente, foi anunciada como curadora do Pavilhão do Brasil na 61ª Exposição Internacional de Arte – La Biennale di Venezia. Suas exposições anteriores incluem coreografias do impossível – 35ª Bienal de São Paulo (2023), Paulo Nazareth: Luzia no Museo Tamayo, na Cidade do México (2024), O rio é uma serpente – 3ª Frestas Trienal de Artes do SESC São Paulo (2020/2021), e o programa de dois anos Diálogos Ausentes no Itaú Cultural (São Paulo, 2016-2017), que desempenhou um papel histórico na virada anticolonial da arte contemporânea brasileira.

Em 2025, Lima foi nomeada para o Conselho Consultivo Científico da documenta e Museum Fridericianum gGmbH, na Alemanha, onde atua como vice-presidente. Entre 2024 e 2025, foi Diretora de Programação da ESAP Fellowship 2025 – uma iniciativa liderada pela A&L Berg Foundation para promover o desenvolvimento profissional de curadores latinex nos Estados Unidos.

Em 2024, Lima foi professora convidada no Instituto de Pesquisa Estética da Universidade Nacional Autônoma do México (UNAM). Diane Lima editou a aclamada antologia Negros na Piscina: Arte Contemporânea, Curadoria e Educação (Fósforo, 2024), que documenta os últimos dez anos de debates sobre racialidade e arte no Brasil. Também coeditou o volume Textes à lire à voix haute (Textos para ler em voz alta), que reuniu vozes dissidentes anticoloniais em contextos lusófonos e francófonos (Brook, 2022). Ela também é uma das vencedoras da Ford Foundation Global Fellowship 2021, programa que celebra a nova geração de líderes globais em justiça social.

Giovanna Querido atua nas áreas de curadoria, gestão cultural e desenvolvimento institucional, com interesse nas relações entre arte, política e trabalho no campo das artes. Recentemente concluiu o mestrado em Arts Administration pela Teachers College, Columbia University, com bolsa integral da Fundação Lemann. É bacharela em Jornalismo e pós-graduada em Gestão de Artes e Cultura pela Universidade de São Paulo (USP), além de ter realizado estudos em Arte Contemporânea na Université Lumière Lyon 2, na França.

Recentemente, atua como Gerente de Projetos da Curadoria da 39ª Panorama da Arte Brasileira: Depois Que Tudo Foi Dito, no MAM São Paulo, e como Assistente Curatorial do Pavilhão do Brasil na 61ª Exposição Internacional de Arte – La Biennale di Venezia (2026). Também trabalhou no Studio Museum in Harlem, Creative Time e Instituto Moreira Salles. Atualmente, é Program Coordinator da A&L Berg Foundation (Estados Unidos).

Anteriormente, foi Coordenadora Executiva da Presidência da Fundação Bienal de São Paulo, integrando a equipe responsável pela 34ª (2021) e 35ª (2023) Bienais de São Paulo, bem como pelos Pavilhões do Brasil nas Bienais de Arte e de Arquitetura de Veneza.

Allan Weber nasceu no Rio de Janeiro, RJ, Brasil (1992). É um artista multidisciplinar cuja prática abrange assemblage — a criação a partir da junção, colagem ou encaixe de objetos pré-existentes, não necessariamente artísticos —, escultura, instalação e fotografia. Sua pesquisa parte das dinâmicas sociais e políticas do Rio de Janeiro e se expande para questões globais, incorporando a ambiguidade, o caos e a violência da vida urbana. Utiliza materiais e objetos carregados de história, transformando elementos cotidianos em comentários poéticos e sociais. Em 2020, fundou a Galeria 5 Bocas, na favela onde vive, e criou o time Tropa da Arte, integrando arte, comunidade e cotidiano. Em 2024, recebeu o SEED Award (Prince Claus Fund) e realizou residência no Reino Unido. Entre suas exposições recentes, destaca-se a individual Allan Weber – Existe uma vida inteira que tu não conhece, no Instituto Tomie Ohtake, São Paulo (2026). Suas obras integram as coleções do Museu Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro, e do Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand.

amorí nasceu em Ribeirão, PE, Brasil (1995). Sua prática compreende a escultura e a pintura a óleo, com ênfase na repetição de formas utilizando materiais como látex, madeira, ferro e cerâmica, a partir de referências a contextos rurais do Nordeste brasileiro. A produção da artista articula relações entre matéria e sistemas simbólicos, mobilizando questões ligadas à astronomia, arqueologia e agricultura. Seus trabalhos se desenvolvem como esculturas, instalações e pinturas que se voltam à investigação de processos de acumulação, transformação e temporalidade. Em 2024, realizou sua primeira exposição individual, à medida que as estrelas colapsam, na Torre Malakoff, no Recife. No mesmo ano, integrou a residência artística do Solar dos Abacaxis, no Rio de Janeiro, e no ano seguinte integrou a residência Pivô, em São Paulo.

Ana Cláudia Almeida nasceu no Rio de Janeiro, RJ, Brasil (1993). Sua produção se estabelece materialmente através da manipulação de tintas, plásticos, bastões a óleo, tecidos e imagens. Transitando entre escultura e pintura, sua obra articula superfícies fragmentadas, mas dinâmicas, e estruturas acumulativas. As camadas de materiais e gestos remetem à formação do tempo, da lembrança e da experiência, enquanto as sobreposições de cheios e vazios evocam dimensões simbólicas ligadas a práticas e rituais. Entre suas exposições recentes, destacam-se: Tadáskía and Ana Cláudia Almeida: A Joyner/Giuffrida Visiting Artists Program, no Nevada Museum of Art, EUA (2024), e Wasapindorama, na Fundação de Arte de Niterói (2018). Suas obras integram as coleções do Museu de Arte do Rio, Instituto Inhotim, Museu de Arte Contemporânea da Bahia e Coleção Sesc de Arte Brasileira.

André Felipe Cardoso nasceu em Minaçu, GO, Brasil (1997). Ele é remanescente do Quilombo São Félix, GO, Brasil, e atualmente vive e trabalha no Quilombo Alto Santana, GO, Brasil. Nos últimos anos, tem desenvolvido pesquisas em torno de saberes vinculados à terra e às ruralidades, entendendo esses conhecimentos como métodos de permanência e os deslocamentos como caminhos de desenvolvimento pedagógico e criativo. Trabalha principalmente com a colagem e seus desdobramentos, tratando o papel como superfície de marcação de tempo e acontecimentos no processo de criação das paisagens. Tendo a observação atenta como direção da sua produção artística, interessa-se pelos processos manuais e as possibilidades de ressignificação de imagens pré-existentes. Suas obras integram as coleções do Museu da Diversidade Sexual, em São Paulo, e do Museu de Artes Plásticas de Anápolis.

Anti Ribeiro nasceu em São Cristóvão, SE, Brasil (1995). Viveu por 7 anos na cidade de Recife, PE, Brasil, onde fortaleceu a sua prática artística. Bacharela em Cinema e Audiovisual pela Universidade Federal de Pernambuco, sua prática integra pesquisa, criação e educação. Com foco em ficções e produção de imaginários, a partir de provocações sensoriais e narrativas, sua produção artística elege o som como disparador de experiências. Suas composições e produções sônicas são, muitas vezes, trabalhadas como experiências expandidas, em direção à instalação e à escultura. Uma colaboração com a artista Jota Mombaça resultou na exibição de trabalhos em algumas exposições internacionais, como a Bienal de Veneza, em 2022, quando apresentaram a performance In The Tired Watering. Já participou de residências artísticas na Oficina Francisco Brennand, Recife; Pivô Pesquisa, em São Paulo; Solar dos Abacaxis, Rio de Janeiro; e Bolsa Pampulha, Belo Horizonte

Arorá nasceu no Rio de Janeiro, RJ, Brasil (2000). Numa perspectiva de co-criação com as matérias, a artista as vê como ponto de partida e de chegada, simultaneamente, na construção de desejos e acontecimentos. Em sua prática, trabalha com técnicas como óleo sobre tela, lápis de cor sobre papel, assim como lida com materiais como ferro, prata, pérola e resíduos de construção civil. A artista incentiva uma aproximação cuidadosa do espectador com seu trabalho, sendo essa relação pautada por insinuação e mistério. Entre suas exposições recentes, destacam-se Abertura, na galeria Quadra, São Paulo (2025), Os suspenses, no Galpão Bela Maré, Rio de Janeiro (2023), e Depois da estrela perdida, Quadra, Rio de Janeiro (2023). Sua obra integra coleções institucionais, como Coleção Calmon-Stock, no Rio de Janeiro.

Bárbara Banida nasceu em Fortaleza, CE, Brasil (1996). Doutoranda em Artes pela Universidade Federal do Ceará, onde também concluiu o mestrado em Processos de Criação em Arte Contemporânea, Bárbara concentra sua prática artística principalmente na cerâmica esmaltada e na pintura, além de atuar como curadora. A artista trabalha a cerâmica a partir de noções de ecologia especulativa, ficção visionária e territórios alienígenas. Suas peças surgem como “obras-criaturas” de Erotar, um mundo-ecossistema ficcional e regenerativo onde matéria, desejo e imaginação operam juntos. Desenvolve seres híbridos que habitam paisagens fabulosas, recusando narrativas de colapso e insistindo na regeneração como força de continuidade; o esmalte atua, assim, como uma espécie de membrana viva onde brilho, densidade e fluxo constroem uma pele instável. A artista foi indicada ao Prêmio PIPA em 2026, foi finalista do Prêmio Selo Mandacaru e vencedora do Prêmio Labverde na ArtPE em 2025.

biarritzzz nasceu em Fortaleza, CE, Brasil (1994). Formada em Ciências Sociais pela Universidade Federal Rural de Pernambuco (2019) e mestranda em Artes Visuais pela Universidade Federal da Bahia. Artista transmídia antidisciplinar, investiga linguagens, códigos e mídias. Acredita na magia e na baixa resolução como contra-narrativas importantes para viver a atual disputa cosmológica de realidades. Sua prática se desdobra entre uma busca por desmanchar formatos, gêneros e expectativas, além de desenvolver as pesquisas Pedagogias do Meme e Antifuturismos Contramodernos enquanto ferramentas poéticas e políticas. Dentre suas exposições recentes, destacam-se a 14ª Bienal do Mercosul, Porto Alegre (2025); BANTU, Museu de Arte do Rio, e Artes da África, MASP (2025).

Carolina Cordeiro nasceu em Belo Horizonte, MG, Brasil (1983). É doutora pela Escola de Comunicação e Artes da USP e mestra pela Escola de Belas Artes da UFRJ. Iniciou sua prática artística com o desenho, explorando posteriormente outras linguagens, como fotografia, apropriação de objetos e processos escultóricos, vídeo e instalação. A partir de elementos e peças de uso comum, a artista trabalha com operações de síntese que carregam grande carga poética. Entre os procedimentos e materiais, reiteram-se aqueles relacionados tanto ao universo doméstico, como o tecido e a costura, quanto a contextos desfavorecidos e periféricos, como o zinco presente na arquitetura vernacular dos barracos nas favelas. Em 2021, a artista fundou a Galeria de Artistas, projeto coletivo criado por e para artistas como meio de experimentar novas formas de inserção no mercado. Em 2025, ganhou o prêmio Ad Occhi Chiusi – Fondazione Merz por seu projeto na Feira Artissima em Turim, Itália.

Caroline Ricca Lee nasceu em São Paulo, SP, Brasil (1990). Sua obra se dedica ao arquivamento, à memória e à ficção das narrativas ancestrais das diásporas asiáticas no Brasil. Por meio da escultura, instalação, texto, performance e vídeo, trabalha com uma memória não oficial preservada em arquivos pessoais, memorabília ancestrais, fotografias de família e cartografias corpóreas. Foi artista residente na Pivô Pesquisa, Brasil (2024), IASPIS, Suécia (2025), La Becque, Suíça (2025), e Jan van Eyck Academie, Holanda (2026). Em 2024, participou das exposições Recollection of Dreams, no Tube Cultural Hall, Milão, Itália, e MOTHER/Land, no CCSP – Centro Cultural São Paulo. Sua obra integra coleções internacionais como Coleção Fondazione Oelle, Sicília, Itália, e Coleção Renato Alpegiani, Turim, Itália.

Chacha Barja nasceu em Belém, PA, Brasil (1990). Formado em Design de Produto, Barja constrói um percurso que atravessa cidades como Belém, Recife, Rio de Janeiro e São Paulo, incorporando a experiência desses lugares à relação direta entre corpo e matéria. Dedica-se especialmente à cerâmica, estruturando sua produção a partir do barro como campo de pensamento, que atravessa tanto a escultura quanto a pintura. Ações como suspensão, queda, explosão, impacto e derretimento orientam a modelagem do barro ao aludir os estados físicos instáveis de diferentes corporeidades, investigando, assim, a constituição de volumes a partir das relações entre matéria, corpo e espaço. Entre suas exposições recentes, destaca-se O Drama da Forma, na galeria Clarabóia, São Paulo (2026).

Darks Miranda nasceu em Fortaleza, CE, Brasil (1985). Em sua pesquisa e produção artística, combina diferentes linguagens, como vídeo, escultura, performance e instalação. Utiliza-se da montagem como procedimento e linguagem em si, investigando o imaginário da ficção científica do século XX para pensar a falência do projeto ocidental de modernização e suas noções de futuro e progresso. Em 2020, realizou trabalhos comissionados para o Instituto Moreira Salles e para The Swiss Arts Council Pro Helvetia, e em 2022 participou da Residência Artística da FAAP. Em 2025, participou da 14ª Bienal do Mercosul e foi uma das artistas premiadas pelo Prêmio PIPA. Entre outras exposições recentes em que participou, destacam-se Ópera Citoplasmática, Museu Oscar Niemeyer, PR (2022); Tropicália and Beyond: Dialogues in Brazilian Film History, Tate Modern, Londres, Reino Unido (2017); e Tropicália: ontem como hoje, Cinemateca Brasileira, São Paulo (2017).

Emer Freire nasceu em São Paulo, SP, Brasil (1995). Graduado em Artes Visuais (2021) e mestrando em Poéticas Visuais pela Universidade de São Paulo. Investiga a materialidade por meio de processos experimentais, articulando materiais industriais e orgânicos em esculturas, pinturas e instalações híbridas que tensionam as fronteiras entre os campos da arte. Sua prática atravessa ideias de transformação, contaminação e mutualismo, dando origem a formas ambíguas que deixam vestígios de dúvida quanto à sua natureza. Por meio de um processo alquímico constrói territórios poéticos nos quais tempos, matérias e ruínas se entrelaçam em estados contínuos de metamorfose. Dentre suas exposições individuais recentes, destaca-se We Flee Toward the Thing We Try to Escape (2024), no Fabrica Research Center, Itália, resultado de uma residência realizada no espaço.

Fykyá Pankararu nasceu em São Paulo, SP, Brasil (1999). Desde 2003, reside no território indígena Pankararu no município de Tacaratu, no sertão de Pernambuco. Seu nome, “Fikyá”, é uma palavra de origem ancestral da antiga língua materna de seu povo que significa “camaleão”. Em sua trajetória e produção, considera-se um artista multifacetado, atuando como arte-educadora, cantador, compositor, performer, roteirista, produtor cultural, ativista, ceramista e diretor do grupo de teatro musical “Coco das Antigas”. Participou da exposição coletiva Invenção dos Reinos, na Oficina Francisco Brennand, Recife (2024), com trabalhos em cerâmica, alguns com pintura em barro branco, usado, particularmente, pelo povo Pankararu em suas formas de grafismo.

Gilson Plano nasceu em Goiânia, GO, Brasil (1988). Atua a partir da ideia de escultura, desenvolvendo trabalhos e pesquisa na intersecção de objetos, materiais, ações e narrativas. Investiga em sua produção artística o imaginário relacionado à forma e ao pensamento sobre o Brasil, acompanhado de ideias sobre peso, ficção e encantamento. As noções de estrutura e desaparecimento orientam suas esculturas e propostas, fazendo uso de materialidades da construção civil e edificações históricas. Participou de diversas exposições coletivas em espaços institucionais, e entre suas exposições recentes, destacam-se Sem Obstáculo, no Auroras, São Paulo (2025), Misterioso Laço, na Quadra Galeria, São Paulo (2024), e Como erguer tempestades, no Centro Cultural São Paulo (2021). Possui obras que integram coleções públicas e privadas.

Helô Sanvoy nasceu em Goiânia, GO, Brasil (1985). É mestre pela Escola de Comunicação e Artes da Universidade de São Paulo e licenciado pela Faculdade de Artes Visuais da Universidade Federal de Goiás. É membro do coletivo de performance Grupo EmpreZa desde 2011. Busca em sua pesquisa a experimentação e junção de materiais diversos, como também a experimentação de processos, linguagens e suportes. Realizou exposições individuais no Museu de Arte Contemporânea de Goiás (2014), na Casa de Cultura da América Latina da Universidade de Brasília (2014) e no Museu de Artes Visuais da Unicamp (2023). Participou do 30° Programa de Exposições do Centro Cultural São Paulo (2020) e da Temporada de Projetos do Paço das Artes (2022). Foi premiado pelo Prêmio PIPA (2023) e pela ABCA – Destaques Regionais: Região Centro Oeste (2022). Entre as exposições recentes que participou, destacam-se Direito à forma, Instituto Inhotim (2023); DOS BRASIS: Arte e Pensamento Negro, Sesc Belenzinho (2023); e a 12ª Bienal do Mercosul (2020).

Iagor Peres nasceu no Rio de Janeiro, RJ, Brasil (1995). Em suas esculturas e instalações, Peres é guiado pelo desejo de transformar a noção de “coisa” por meio de um processo de recategorização da matéria. Com base nas relações estabelecidas entre a obra, o ambiente expositivo e o público, o artista dirige sua atenção às reações da interação entre matéria, condições de umidade, temperatura e os sentidos possíveis para esses fatores. As configurações materiais assumidas em suas obras remetem a questionamentos sobre os mecanismos produtores de diferenças sociais por um pensamento branco-ocidental, que afeta a existência racializada. Sua experiência na dança também se reflete na ênfase dada ao corpo e suas dinâmicas de aparição e saída do espaço. Entre suas exposições recentes, destacam-se Entresól, no espaço cultural Pols, Valencia, Espanha (2024), e Adiar a noite, no espaço cultural Futuros – Arte e Tecnologia, Rio de Janeiro (2024).

Josi nasceu em Itamarandiba, MG, Brasil (1983). Passou sua infância em Carbonita, no Vale do Jequitinhonha, MG, de onde diz carregar “uma poeira de pequi e um breu pingado de rezas”. Bacharela em Letras pela Universidade Federal de Minas Gerais e em Artes Plásticas pela Universidade Estadual de Minas Gerais. Suas obras nascem de saberes que se impregnam e se despertam na manualidade, entrelaçando gestos de pintar, ferver, quarar, catar, amassar, com movimentos que atravessam barros, caldos de feijão, raízes, cascas, seivas, sementes, entre outros elementos. Foi contemplada com o Prêmio PIPA, em 2022, e o 8º Prêmio de Artes do Instituto Tomie Ohtake, Edição Mulheres, no mesmo ano. Entre suas exposições recentes, destacam-se grains of water, drops of earth, na galeria Mendes Wood DM, Nova York, EUA (2024), e Quarar reverso, na Piccola Galeria Casa Fiat de Cultura, Belo Horizonte (2022).

Jota Mombaça nasceu em Natal, RN, Brasil (1991). É uma artista interdisciplinar cujo trabalho deriva da poesia, da teoria crítica e da performance. A matéria sonora e visual das palavras desempenha um papel importante em sua prática, assim como a resiliência, a capacidade de memória e a efemeridade dos materiais. Seu trabalho geralmente está relacionado à crítica anticolonial e à desobediência de gênero. Por meio da performance, da ficção visionária e de estratégias situacionais de produção de conhecimento, a artista busca “ensaiar o fim do mundo como o conhecemos e a figuração do que virá depois que desalojarmos o sujeito colonial moderno de seu pódio”. Em 2020, Mombaça recebeu a bolsa de estudos Pernod Ricard, em Paris, França, e o cargo de escritora residente na Nottingham Contemporary, Reino Unido. É autora do livro NÃO VÃO NOS MATAR AGORA, publicado em Portugal, pela EGEAC (2019), e no Brasil, pela Editora Cobogó (2021).

Kuenan Mayu nasceu no Território Indígena Tikuna Feijoal, no município de Benjamin Constant, AM, Brasil (2003). É descendente dos povos Tikuna (Magü’ta) e Tariana do Amazonas. Em sua produção, investiga modos de existência e espiritualidade indígenas a partir de saberes tradicionais, com ênfase nas materialidades vivas da floresta, como o tururi — entrecasca de árvore sagrada que, em sua obra, torna-se suporte para a inscrição. Através de linguagens que atravessam a pintura, instalação, performance e oralidade, a artista articula processos de transmutação, compreendendo a arte como veículo de cura, proteção e reencantamento do mundo. Entre as exposições recentes em que participou, destacam-se Delírio Tropical, na Pinacoteca do Ceará, Fortaleza (2024), e a 2ª Bienal das Amazônias: Verde-distância, no Centro Cultural Bienal das Amazônias, Belém (2025).

Lia D’Castro nasceu em Martinópolis, SP, Brasil (1978). Atua de maneira transversal no terreno das artes visuais, atuando como artista, mediadora em espaços expositivos, pesquisadora e palestrante, tendo realizado palestras nas cidades de Vevey e Lausane, na Suíça. Dedica-se, dentre outros, ao projeto Seus filhos também praticam, no qual utiliza a prostituição como ferramenta de trabalho e investigação, aproximando-se de garotos entre 18 e 25 anos, brancos, ricos e autodeclarados héterosexuais, pesquisa na qual, busca cultivar o diálogo e a escuta no domínio da raça, classe, gênero e sexualidade, temas centrais em sua prática artística. Dentre suas exposições individuais recentes, destacam-se Lia D Castro: em todo e nenhum lugar, MASP (2024).

Lita Cerqueira nasceu em Salvador, BA, Brasil (1952). Como fotógrafa profissional, é amplamente reconhecida por registrar a cultura negra brasileira. Tendo iniciado sua produção aos dezenove anos como autodidata, a artista trabalhou em laboratórios de revelação e fotografias para imprensa a partir dos anos 1970. O reconhecimento profissional veio a partir da exposição Festas populares da Bahia e arquitetura no centro Histórico de Salvador, em 1976. Suas produções registram, além de temas ligados à cultura negra, o convívio com o movimento Tropicália e artistas como Gilberto Gil, Maria Bethânia, Caetano Veloso e Gal Costa. Teve atuações relevantes no cinema, como fotógrafa de cena e em alguns filmes como atriz, ao lado de diretores como Glauber Rocha, Neville de Almeida, Nelson Pereira dos Santos, entre outros. Participou da Revista Zum #20, do Instituto Moreira Salles (2021), e entre suas exposições recentes destacam-se Ofício: Luz: Lita Cerqueira: Direito de Olhar, no Sesc Pompéia, São Paulo (2026), e A Fotografia como Eu Sou, na Pinacoteca de São Paulo (2009).

Marcelo Conceição nasceu em Niterói, RJ, Brasil (1966). Artista autodidata, nascido no bairro niteroiense de Caramujo, trabalhou como carregador em feiras, pedreiro, vendedor ambulante e se define como “garimpeiro urbano”, transformando a matéria que recolhe em suas andanças em estruturas tridimensionais engenhosas e inusitadas. Após uma tragédia pessoal no início da década de 2010, Conceição relata que “foi buscar respostas nas ruas do Rio de Janeiro”, onde permaneceu por muitos anos. O artista considera que foi nas ruas que ele se reergueu, desenvolvendo a sua prática artística através de seu poder de observação e sua atitude positiva diante das dificuldades. Entre suas exposições recentes, destacam-se Transvendo o Mundo, no Museu Janete Costa, Niterói (2023), Marcelo Conceição: Deslocamentos e Travessias, no Museu do Pontal, Rio de Janeiro (2023–24), e Ensaio Aberto, no espaço de projetos Tropigalpão, Rio de Janeiro (2025).

Moacir (Moacir Soares de Faria) nasceu em Alto Paraíso de Goiás, GO, Brasil (1954) e faleceu no mesmo local (2025). Recolhido no interior do Brasil, Moacir criou obras singulares, fantásticas e desconcertantes, buscando revelar as forças do inconsciente. Seu imaginário funde sagrado, profano, humano, fauna e flora, tratando de forma insólita a sexualidade e a violência e criando um universo em que natureza e cultura se misturam. Também conhecido como Nô, de origem quilombola e habitante do cerrado da Chapada dos Veadeiros, Moacir trabalhou como minerador antes de ser reconhecido como artista. Começou desenhando nas rochas da paisagem, antes de possuir materiais artísticos. No fim dos anos 1980, já havia desenvolvido seu repertório e técnica, produzindo por mais de três décadas sobretudo com giz de cera sobre papel. Suas obras e trajetória ganharam projeção nacional com o documentário Moacir: arte bruta (2005), dirigido por Walter Carvalho.

Nazas (Thays Chaves) nasceu em Ourém, PA, Brasil (1997). É artista visual, pesquisadora e arte-educadora, desenvolvendo uma prática multidisciplinar que, desde 2017, estuda as aspirações românticas, as estéticas visuais e as tecnologias culturais do tecnobrega — uma cultura musical e visual popular na região Norte do Brasil. A artista reinterpreta os códigos e símbolos expressivos desse universo, seus excessos, sua sentimentalidade e sua linguagem visual luminosa, transformando-os em reflexões sobre identidade, afeto e pertencimento. Seu trabalho frequentemente expressa um romantismo intensificado, em que linguagem, memória e emoção se entrelaçam por meio de formas e textos experimentais. Em 2025, foi indicada ao Prêmio PIPA. Entre as exposições recentes, destacam-se as coletivas Complexo Brasil, em Lisboa (2025), e Insurgências e o Contraponto do longe, no Centro Cultural Bienal das Amazônias, Belém, (2024).

Osvaldo Gaia nasceu em Belém, PA, Brasil (1961). Sua formação artística se desenvolveu através de pesquisas e experimentações dentro do universo amazônico com elementos que se identificam como estruturas escultóricas. Gaia se interessa conceitualmente por questões sociais, arquitetônicas, econômicas, relacionadas a fluxos, origens, identidades e ferramentas da vida ribeirinha, das quais tira sua inspiração. Sua produção artística abrange desde pequenos objetos e esculturas, até instalações e intervenções urbanas. Entre as exposições recentes que participou, destacam-se a 2ª Bienal das Amazônias: Verde-distância, no Centro Cultural Bienal das Amazônias, Belém (2025), e a mostra individual Transcendências, no Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães, Recife (2024). Sua produção integra coleções institucionais, como o Museu de Arte de Belém, o Museu de Arte de Santa Catarina, e o Museu de Arte do Rio.

Oto Ferreira nasceu em Serrinha, BA, Brasil (1995). É artista, luthier e violinista, com pesquisa voltada ao uso da madeira e aos ofícios ancestrais. Em sua dimensão prática e ideológica, utiliza materiais provenientes de podas, trocas e construções, aos quais devolve ritmo, cor e textura. Suas esculturas, combinadas à pintura, formam paisagens abstratas, motivadas pelo cotidiano e pelo sagrado afro-brasileiro. Em 2025, realizou residência artística na Domo Damo, em São Paulo. Entre as exposições recentes que participou, destacam-se a individual Àjò, na Galeria Verve, São Paulo (2025), e as mostras coletivas Novo Lote, no Museu de Arte Contemporânea da Bahia, Salvador (2024), e Encruzilhada, no Museu de Arte Moderna da Bahia, Salvador (2022).

Rafael Chavez nasceu em São Mamede, ex-distrito de Santa Luzia, PB, Brasil (1996). Trabalhando entre o interior da Paraíba e São Paulo, Rafael Chavez é bisneta de oleiro e multiartista. Sua pesquisa parte do calor e do fogo como gatilho criativo e princípio de transformação, desenvolvendo uma fé cósmica própria e articulando tempo, realização, memória, deslocamentos e atravessamentos. A partir da construção do próprio forno a lenha na Caatinga, desenvolve esculturas de cerâmica e pinturas que tensionam permanência, combustão e mistério, aproximando sua prática dos enigmas arqueológicos da Caatinga paraibana.

Rayana Rayo nasceu em Recife, PE, Brasil (1989). Tendo origem em processos profundamente pessoais, suas pinturas evocam paisagens ou organismos vegetais, constituindo um bioma próprio, que responde a experiências sensíveis e a elaborações subjetivas. A artista parte de formas fundamentais e de cores rebaixadas para criar fabulações, das quais emergem formas que aludem a montes, ilhas, paisagens aquáticas e abissais, além de plantas, bichos e outros seres. Considera sua pintura um instrumento de materialização de memórias, desejos e experiências cotidianas, ao mesmo tempo em que estabelece diálogo com a tradição artística pernambucana. Entre as exposições recentes em que participou, destacam-se as coletivas A terra, o fogo, a água e os ventos – Por um Museu da Errância com Édouard Glissant, no Instituto Tomie Ohtake, São Paulo (2025), e Invenção dos reinos, na Oficina Francisco Brennand, Recife (2023). Sua obra integra o acervo da Pinacoteca de São Paulo e do REC Cultural, Recife.

Rodrigo Cass nasceu em São Paulo, SP, Brasil (1983). Sua obra dialoga com a tradição construtiva brasileira por meio de um vocabulário formal que alude às experimentações artísticas das décadas de 1960 e 1970. Interessa-se pelas intersecções e fraturas do plano pictórico, fazendo com que a superfície adquira volume em telas, relevos e vídeos. Concreto, fibra de vidro e linho, coloridos com têmpera, são alguns de seus materiais mais utilizados, e suas obras em vídeos, projetadas sobre objetos esculturais, fundem a fisicalidade da performance com a lógica pictórica, em que cor e textura também aparecem como elementos construtores do espaço. Entre suas exposições recentes, destacam-se Rodrigo Cass: A Joyner/Giuffrida Visiting Artist Program, no Nevada Museum of Art, EUA (2025), e a participação na 13° Bienal do Mercosul, Porto Alegre (2025). Sua obra integra coleções institucionais como Centre Georges Pompidou, Paris, França; Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Viena, Áustria; Museu de Arte Moderna de São Paulo, e Museu de Arte da Pampulha, Belo Horizonte.

Rose Afefé nasceu em Varzedo, BA, Brasil (1988). A partir do resgate de memórias da infância, a artista trabalha com suportes diversos, incluindo instalação, pintura e fotografia. Iniciou em 2018 a construção da obra Terra Afefé, uma micro cidade em escala humana construída com terra, utilizando a técnica do adobe (tijolo de barro cru) e pintada com cal. Situada na zona rural de Ibicoara, Bahia, na região da Chapada Diamantina, Terra Afefé se apresenta como um lugar de encontro e convivência, que relaciona arte e vida e fomenta perspectivas locais a fim de potencializar os saberes do território. A observação e a interação com a natureza são empregadas para conduzir produções de vida mais pulsantes e espontâneas.

Thaís Muniz nasceu em Feira de Santana, BA, Brasil (1985). Mestra em Arte e Pesquisa Colaborativa pelo Dún Laoghaire Institute of Art, Design and Technology, Dublin, Irlanda, é uma artista cuja prática transita por múltiplas linguagens para investigar as interseções entre identidades herdadas e adquiridas, memória, trânsito, e o amor interior como metodologia de cuidado radical. A partir de um engajamento crítico com a geografia cultural dos lugares que atravessa, orienta seu trabalho para a comunidade e o desdobra em processos de aprendizado coletivo, como workshops, performances, instalações e filmes. Sua produção também abrange fotografia, celebrações, esculturas e ativações, incorporando memorabilia e simbologia. Entre as exposições recentes em que participou, destacam-se a individual Rites of Care, Curse and Comfort, no Sirius Arts Centre, Irlanda (2024), e a coletiva Reshape, no Cork Printmakers Studio Gallery (2024), Irlanda.

Ygor Landarin nasceu em Uruguaiana, RS, Brasil (1995). Sua pesquisa aborda memórias e heranças visuais ligadas à cidade onde cresceu, desenvolvendo uma poética que aproxima arte e arqueologia. Criando abstrações relacionadas a concheiros e sambaquis, investiga materialmente o tempo, a permanência e a transformação. Desde 2017, trabalha com a artista Brígida Baltar, integrando a equipe de conservação, memória e continuidade de projetos do Instituto Brígida Baltar. Formado na Escola de Artes Visuais do Parque Lage, foi selecionado para o curso Formação e Deformação e recebeu bolsa no curso Imersões Poéticas, da Escola Sem Sítio. Entre as exposições recentes em que participou, destacam-se as coletivas Manguezal, no Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro (2025), e a Bienal de Coimbra: Anozero’24 – O fantasma da liberdade, Portugal (2024). Suas obras integram a coleção do Museu de Arte do Rio.