com Marina Mazze Cerchiaro

Datas: 13, 20 e 27 de outubro, e 03 e 17 de novembro de 2026
Terças-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 5 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 440,00 + taxas

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Contempla certificado no final
Para intérprete de Libras, solicitar pelo e-mail cursos@mam.org.br com antecedência de 7 dias úteis.

Este curso propõe uma reflexão sobre as relações entre arte e mobilidade humana, tendo as migrações e os deslocamentos como eixo central de análise. A partir de uma perspectiva histórica e transnacional, examinaremos como a arte moderna brasileira se beneficiou de experiências de trânsito e migração ao longo do século XX. O percurso parte das abordagens teóricas mais recentes sobre artistas migrantes e chega ao debate contemporâneo sobre arte, deslocamento e crise ecológica. Passa por estudos de caso que iluminam algumas trajetórias ainda pouco exploradas pela historiografia da arte brasileira e também pelo acervo do MAM-SP. Buscamos pensar a mobilidade de pessoas, obras e ideias como um elemento social importante para a inovação formal.

O curso destina-se a pesquisadores, professores, estudantes e interessados em história da arte, culturas visuais e estudos migratórios. Não é necessário conhecimento prévio especializado. As aulas combinam a apresentação de obras, a análise crítica e o debate, com ênfase nas perspectivas de gênero e nas trajetórias transnacionais que conectam o Brasil, a Europa e os Estados Unidos.

Programação

Aula 1 – Artistas migrantes no século XX: abordagens teóricas

Esta aula apresenta o campo de estudos sobre artistas migrantes no século XX e discute as abordagens teóricas mais recentes que articulam mobilidade, gênero e produção artística. Tendo em vista que a historiografia da arte tradicional se baseia na ideia de nação, os deslocamentos e diálogos transnacionais trazem outras formas de narrar a história da arte. Tratando a migração como categoria analítica central, serão discutidos conceitos como diáspora, exílio, cosmopolitismo e redes transnacionais, além de questões metodológicas sobre como escrever histórias de artistas cujas trajetórias atravessam múltiplas geografias e culturas. Para ilustrar esses conceitos, serão mobilizados exemplos de artistas como Lasar Segall, lituano radicado no Brasil; Meret Oppenheim, alemã que viveu entre Berlim, Paris e Berna; e Wifredo Lam, cubano formado em Madri e Paris, cuja trajetória conecta o Caribe, a Europa e a África. A aula também aborda o silenciamento a que muitos desses sujeitos — especialmente as mulheres — foram submetidos e propõe modos mais complexos e plurais de reescrita da história da arte.

Aula 2 – Modernistas brasileiros em Paris: o retorno à ordem e a questão da brasilidade

Neste encontro, examinamos os deslocamentos de artistas modernistas brasileiros para a Europa, especialmente para Paris, na década de 1920, situando esse movimento no contexto do chamado “retorno à ordem” que marcou a cena artística europeia no pós-Primeira Guerra Mundial. Artistas como Anita Malfatti, Tarsila do Amaral, Di Cavalcanti, Victor Brecheret, Celso Antônio e John Graz participaram de um ambiente em que as vanguardas do início do século davam lugar a uma revalorização da tradição figurativa, do classicismo e da síntese entre inovação formal e referências culturais locais. Com foco na pintura e escultura, a aula discute como esse contexto internacional impactou a elaboração de um projeto modernista especificamente brasileiro, no qual o debate sobre brasilidade emerge com força a partir de 1925, dando o tom de muitas das produções da década de 1930.

Aula 3 – Os trânsitos de artistas brasileiros para os Estados Unidos e a Europa (1930–1960)

Esta aula investiga os trânsitos de artistas brasileiros para os Estados Unidos e a Europa nas décadas de 1930 a 1960, com especial atenção às trajetórias de Maria Martins, Mary Vieira e Lygia Clark. Maria Martins, escultora e esposa de um diplomata, transitou entre o Rio de Janeiro, Paris, Washington e Nova York. Nesta última cidade integrou-se ao círculo surrealista e estabeleceu vínculos com Marcel Duchamp, Max Ernst e André Breton. Mary Vieira, por sua vez, emigrou definitivamente para a Europa, residindo na Suíça e na Itália. Desenvolveu uma obra construtivista e cinética com participação do observador. Lygia Clark, após anos de formação no Brasil, viveu em Paris entre 1968 e 1976, período em que desenvolveu suas proposições terapêuticas e relacionais. Por meio dessas três figuras, examinaremos como o deslocamento impactou suas trajetórias, redes de sociabilidade, reconhecimento artístico e elaboração de propostas estéticas inovadoras.

Aula 4 – Do Leste Europeu a São Paulo: mulheres, migração e arte moderna

Esta aula trata dos fluxos migratórios do Leste Europeu para o Brasil ao longo do século XX, com foco na contribuição de mulheres migrantes para a construção da cena artística paulistana — contribuição que permaneceu, em grande medida, invisibilizada pela historiografia da arte brasileira. A partir de pesquisa original sobre as escultoras polonesas, Pola Rezende e Felícia Leirner, e a búlgara Liuba Wolf, examinamos como elas construíram carreiras escultóricas no Brasil a partir da década de 1940, enfocando suas produções, estabelecimento de redes internacionais e contribuições para a cena artística paulista. Por fim, questionamos as razões que levaram ao silenciamento de suas obras e trajetórias.

Aula 5 – Arte, migrações e crise ecológica: um debate contemporâneo

Este último encontro articula o percurso histórico do curso com o debate contemporâneo sobre deslocamentos forçados e crise ecológica. Se as aulas anteriores examinaram como as mobilidades moldaram a produção artística brasileira ao longo do século XX, esta aula propõe ampliar a reflexão para incluir as migrações forçadas provocadas por catástrofes ambientais, crise econômica e destruição de ecossistemas — fenômenos que afetam desproporcionalmente as populações do Sul Global —, a partir de artistas presentes no acervo do MAM São Paulo.

A aula se organiza em dois eixos complementares. O primeiro articula a Amazônia, memória e crise ecológica a partir de dois artistas cujas práticas situam o corpo e o território como campos de resistência. De um lado, refletiremos sobre Claudia Andujar — fotógrafa suíço-húngara de origem judaica que deixou a Hungria em 1944 devido à perseguição aos judeus durante a Segunda Guerra Mundial. Em 1955, se estabeleceu no Brasil e dedicou boa parte de seu trabalho a documentar o povo Yanomami e sua luta pela sobrevivência. De outro, trataremos de Uýra Sodoma, artista, biólogo e performer indígena de Manaus que incorpora a floresta amazônica para denunciar sua destruição. O segundo eixo examina as rotas migratórias nas Américas por meio da análise da produção de Paulo Nazareth, artista mineiro que documenta sua caminhada até os Estados Unidos, expondo as marcas do racismo, da fronteira e da mobilidade Sul-Norte; e da obra Brincos de Judi Werthein, artista argentina radicada em Nova York, que trata diretamente das políticas de controle e exclusão que regulam quem pode se mover e em que condições.

A aula também retoma questões levantadas ao longo do curso — sobre visibilidade, silenciamento e cânone — para pensar como a historiografia da arte pode ser repensada à luz dos desafios do presente. Quais assimetrias determinam quem pode se mover e quem é forçado a se deslocar? De que modos a arte como ferramenta crítica de reflexão e construção de mundos pode ser refúgio diante das crises migratórias do passado e do presente?

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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o Museu de Arte Moderna de São Paulo a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints para fins de registro, divulgação e promoção das atividades da instituição, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar ao MAM pelo e-mail cursos@mam.org.br.

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créditos

Imagem: Victor Brecheret, Onça, 1930. Coleção MAM São Paulo. Foto Ding Musa.

com Filipe Barrocas

Datas: 22 e 29 de outubro, e 05 e 12 de novembro de 2026
Quintas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 350,00 + taxas

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
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Como a história da arte contribuiu para construir as imagens que temos do Brasil? E de que modo essas imagens ajudaram a criar, consolidar e, mais recentemente, questionar uma determinada ideia de identidade nacional?

Este curso propõe uma reflexão crítica sobre o papel da história da arte na construção da identidade brasileira, do século XIX aos dias de hoje. Em um período conturbado, marcado pelo confronto entre o pessimismo científico em relação ao progresso de um país tropical e mestiço e o otimismo nacionalista de uma nação em formação, o Brasil recém-independente recebe um passado glorioso como promessa de um futuro promissor, forjando um imaginário e um mito nacionalista. Trata-se de um mito luso-brasileiro, como aponta Sérgio Buarque de Holanda, que, se não for desmistificado, continua a ocultar os processos de invenção histórica e construção cultural.

Nesse contexto, a história ficcionalizada inspira a produção de imagens, enquanto a arte contribui para reafirmar e legitimar essas narrativas. Inicialmente representadas por pinturas que traduziam documentos, relatos e crônicas, essas cenas migraram das paredes solenes dos salões para as páginas dos livros didáticos, fixando uma memória visual do passado. Décadas mais tarde, com a invenção do cinema, esse processo de difusão se acelera e amplia o seu alcance.

Destinado a todas as pessoas interessadas em história da arte, o curso propõe um percurso por diferentes momentos de construção e revisão do imaginário nacional, colocando em diálogo linguagens como a literatura, a pintura, a escultura e o cinema.

Programação

Aula 1 – Pintura oitocentista e a representação da história

Este encontro concentra-se na pintura oitocentista de artistas como Pedro Américo, Victor Meirelles e Óscar Pereira da Silva, entre outros, e em como essas imagens contribuíram para a consolidação do imaginário desse mito fundador. Aborda o surgimento da historiografia brasileira, a construção de uma narrativa nacional e as influências de relatos e crônicas, analisando como a pintura participou da construção e legitimação de narrativas históricas. Em contraponto, será discutida a obra de Antônio Parreiras, cuja prática não se limita a ilustrar o passado, mas também a interpretá-lo criticamente, propondo ainda diálogos entre essas pinturas históricas e as obras presentes na exposição Histórias Brasileiras, realizada no Masp em 2022.

Aula 2 – Da literatura romântica à Semana de Arte Moderna de 1922

Este encontro analisa como os povos indígenas foram apropriados como origem simbólica da nação, situando-se entre a idealização do romantismo, a interpretação belicosa da poesia épica e a discriminação do racismo científico. Discute também como essa matriz simbólica atravessa a Semana da Arte Moderna de São Paulo de 1922, a partir da produção de artistas e intelectuais como Anita Malfatti e Menotti Del Picchia, entre outros. Cem anos depois, a exposição “Sob as cinzas, brasa” (37º Panorama da Arte Brasileira, MAM, 2022) é analisada como um espaço de reinterpretação crítica desse legado, reunindo artistas contemporâneos que propõem outras formas de narrar a história e imaginar o passado.

Aula 3 – As celebrações do descobrimento e a carta de Caminha, ainda

Este encontro examina a permanência do imaginário colonial nos primeiros anos da República, quando continuaram a ser produzidos monumentos e imagens que exaltavam a chegada dos portugueses. A carta de Pero Vaz de Caminha tornou-se um eixo central de disputas simbólicas, inspirando concursos artísticos como o do IV Centenário do Descobrimento, em 1900, vencido por Aurélio de Figueiredo e Melo com a tela Descobrimento do Brasil. Um século depois, na mostra Brasil + 500, Mostra do Redescobrimento (2000), artistas contemporâneos portugueses e brasileiros, como Fernando Lemos e Rosângela Rennó, revisitaram criticamente esse documento, deslocando os seus sentidos históricos e políticos.

Aula 4 – Cinema, história e, novamente, a pintura

Este encontro examina a mobilização do imaginário colonial no contexto do Estado Novo, sob o regime de Getúlio Vargas, com destaque para a criação do Instituto Nacional de Cinema Educativo, em 1936, e a realização de Descobrimento do Brasil (1937), do cineasta mineiro Humberto Mauro. Inicialmente concebido como peça de propaganda do Instituto de Cacau da Bahia, o filme adquire uma função simbólica na construção da identidade nacional, constituindo uma das primeiras incursões do cinema brasileiro no campo do filme histórico. Analisa-se ainda como a disseminação da história pode tirar partido dos novos meios de representação e como Mauro reencena pinturas oitocentistas, contribuindo para a legitimação dessas narrativas. Em diálogo com esse movimento, discute-se o Cinema Novo e produções contemporâneas que revisitam criticamente esse imaginário, a partir de artistas e realizadores como Ana Bella Geiger e Adirley Queirós, entre outros, que reconfiguram as relações entre imagem, memória, história e poder.

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créditos

Imagem: Filipe dos Santos Barrocas. [Sem título], da série Sandice Erasma (2007-2027). Foto: Filipe dos Santos Barrocas.

com Renata Felinto

Datas: 16, 21, 23, 28 e 30 de setembro de 2026
Segundas e quartas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 5 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00 + taxas

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
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Candaces das Artes é um curso de história e crítica das artes visuais orientado por um recorte central: a participação histórica de mulheres negras na construção de linguagens, repertórios e disputas institucionais no Brasil, com abertura para outras territorialidades afrodiaspóricas (África, Américas, circuitos transnacionais) e para deslocamentos entre regiões, cidades, sertões, litorais e “territórios de origem” como lugares de saber.

O termo “Candaces” (kandakes/candaces) é assumido como lastro histórico e como operador conceitual: remete às soberanas do antigo Reino de Kush (Núbia), associadas a Meroë, em território hoje relacionado ao Sudão, e a um modelo de poder feminino que inclui regência, centralidade da linhagem matrilinear e a figura da “mulher madura” como autoridade política acumulada (World History).

O percurso do curso acompanha experimentos que partem da organicidade (saberes de manualidade, cotidiano e criação não escolarizada), atravessam o crivo acadêmico sem desprezar repertórios próprios dos territórios de origem e chegam à contemporaneidade e às instituições (museus, universidades, acervos e curadoria) como campo de disputa narrativa. “Mulheridade” e “racialidade” são trabalhadas no plural, como categorias situadas e não homogêneas, acolhendo a diversidade de experiências de gênero, de pertencimentos e de formações diaspóricas (inclusive tensões entre classificação social, autodefinição e leitura institucional).

Programação

Aula 1 – Candaces: localização histórica, soberanias e autoria difusa

• Conceito de Candaces (kandakes/candaces) e sua localização para o curso: onde (Núbia, Reino de Kush/Meroë), quando (mundo antigo), e por quê (um arquivo histórico de soberania negra feminina). 
• Dimensões político-simbólicas do termo: “princesas herdeiras” (linhagem matrilinear, preparo para liderança), e o princípio de legitimidade em que a matriz que “gera” a soberania (linhagem) estrutura o poder. 
• Candaces como “mulheres maduras”: maturidade, sabedoria e poder acumulado, como autoridade política e como chave conceitual para ler a permanência, a estratégia e a condução.
• Candaces como rainhas-mães e governantes autônomas: não apenas consortes, mas também regentes e, em certos casos, figuras com comando e estratégia (inclusive associadas a conflitos e negociação política). 
• Por que “Candaces” no plural (método): soberania simbólica, condução, permanência e contra-história; título como modo de olhar.
• Autoria coletiva e difusa: o que a história da arte chama de “artesanato”, “popular”, “doméstico” e “decorativo”, e os efeitos dessas categorias.
• Manualidades como arquivo: costura, bordado, trançado, culinária, ornamento, pintura mural, grafismos, objetos, ritos de cuidado e invenção como tecnologias de memória e de mundo.
• “Jardins de nossas mães” como imagem de transmissão (legado sem monumento): estética do cotidiano como linguagem e continuidade.

Aula 2 – As orgânicas: criação enraizada no cotidiano, sem hierarquizar saberes

• Candaces-orgânicas (adequação do conceito ao encontro): potência de criação que brota do chão social, do trabalho, do rito, da casa, da rua e da matéria, sem depender da chancela acadêmica para ser linguagem.
• Candaces como “mulheres maduras” (transposição conceitual): repertório acumulado e inteligência material como forma de poder, continuidade e invenção, articulando memória familiar, comunidade e técnica.
• Educação do olhar fora da escola: repertórios populares, trabalho, religiosidades, sociabilidades, ornamentação; formação estética como experiência vivida e territorial.
• Materialidade como pensamento: pintura narrativa, figuração, barro/escultura, têxtil, assemblage; o gesto como escrita histórica.
• Regimes de classificação e hierarquias técnicas (incluem o papel de Lélia Coelho Frota): “naïf”, “popular”, “outsider”, “arte do povo” e os efeitos de confinamento ou de potência.
• Circulação e legitimação: casa/território/feira/coleção/museu/mídia; o que muda quando o sistema “descobre” e reembala a obra.

Artistas centrais do encontro: Raquel Trindade de Souza; Maria Auxiliadora da Silva; Madalena dos Santos Reinbolt.

Artistas organizadoras (para articular método/ponte e discutir reposicionamentos): Sonia Gomes; Lucia Laguna; Yedamaria.

Aula 3 – As conselheiras: “parentas” de soberanas, linhagens não consanguíneas e o crivo acadêmico

• Adequação da noção ao encontro: conselheiras como “parentas” de soberanas, entendidas como parentesco de linhagem ancestral, conceitual e poética (não consanguíneo), produzido por alianças, transmissão, método e ética.
• Academia e sistema da arte como filtros: o que se aprende, o que se apaga, o que se negocia; acesso, permanência e custo institucional (sem desprezar os saberes dos territórios de origem).
• Linguagens e políticas da forma: desenho, gravura, pintura, instalação, têxtil, fotografia, performance e arquivo como estratégias de reescrita histórica.
• Racismo institucional e “lugar” da artista negra: legitimação, silêncio, exotização, tokenismo; a obra como contranarrativa e método.
• Referência metodológica: incorporar a tese de Renata Bittencourt como suporte historiográfico para pensar protocolos de consagração, apagamentos e narrativas institucionais.

Artistas centrais do encontro: Lidia Lisboa; Rosana Paulino; Marga Ledora; Cecília Félix Calaça; Maria Lídia Magliani.

Aula 4 – Princesas herdeiras: matrilinearidade, contra-arquivo e reexistências contemporâneas

• Princesas herdeiras (imagem operacional para o encontro): mulheres de linhagem matrilinear, preparadas desde cedo para assumir a liderança; legitimidade por meio da transmissão e do preparo (linhagem histórica/simbólica).
• Obra como contra-arquivo: reescrita, recomposição, montagem, fabulação, documento e performance do passado.
• Corpo, território e comunidade: cuidado, intimidade, pedagogias negras, dissidências e redes de criação; mulheridades e racialidades plurais como chave de leitura (sem reduzir a “identidade” a um tema).
• Circulação contemporânea: editais, residências, coletivos, plataformas; inserção sem assimilação e permanência.
• Curadoria como coautoria: como apresentar sem reduzir a obra à biografia nem confinar à exotização.

Artistas centrais do encontro: Maria Macedo; Eliana Amorim; Sou Pixo; Soberana Ziza; Lubi Prates; Gabriella Marinho; Keyla Sankofa; Rosa Luz.

Aula 5 – Curadorias negras de mulheres: reconquista da voz e novas formas de contar

• História da arte pouco reverenciada: como instituições hegemônicas produzem cânone, ausência e esquecimento (acervo, parede, legenda, programa público).
• Curadoria como tecnologia de reconquista: seleção, montagem, aquisição, pesquisa, educação e escrita curatorial como “formas de contar”.
• Curadoras negras em instituições e circuitos: agendas, vocabulários, recortes e ética de exposição (não capturar, não exotizar, não reduzir).
• Eixos que reforçam as mulheridades negras ao longo da história: correção de apagamentos; cultura material e arquivo; corpo e memória; territorialidades e diásporas; pedagogias públicas; redes e coletivos.

Curadoras centrais do encontro: Diane Lima; Amanda Carneiro; Lorraine Mendes; Vanicléia Silva Santos; Thayná Trindade.

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Imagem: Lucia Laguna, Colagem/desenho nº27, 2023/2024. Coleção MAM São Paulo. Foto: Ding Musa

com Camila Guerra, Helena Barbour e Mirtes Marins

Datas: 14, 21, 28 de julho, 04, 11 e 18 de agosto de 2026
Terças-feiras
Horário: das 19h às 21h30
Duração: 6 encontros
Público: interessados em geral
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Este curso entende o surrealismo não apenas como movimento histórico, mas como uma matriz operativa que ainda estrutura modos de expor, projetar e experienciar arte e cultura. Partindo de diversas manifestações surrealistas, desde suas origens até os dias atuais, serão discutidas as bases teórico-práticas, as estratégias de deslocamento de artistas relevantes do movimento nas linguagens das artes visuais, da arquitetura, da moda e do design.
Ao longo de seis encontros, serão apresentadas produções no campo das práticas surrealistas, com foco na reelaboração de alguns de seus projetos, de modo que os interessados possam explorar as características dessa produção.

Programação

Aula 1 – A máquina de costura, o guarda-chuva e a mesa cirúrgica

• Origens, entendimentos e desdobramentos dos surrealismos a partir de Dadá na Europa, América Latina e Brasil
• Freud e Marx como influências
• Surrealismo como parte das abordagens primitivistas modernas
• Algumas manifestações surrealistas históricas

Aula 2 – Arquitetura surrealista

• Princípios estéticos do surrealismo aplicados à arquitetura, como distorção espacial e atmosfera onírica, presentes nas obras de Salvador Dalí e René Magritte, articulam-se com espaços ilógicos e labirínticos inspirados nas Carceri, de Giovanni Battista Piranesi
• Principais arquitetos e obras associadas ao imaginário surrealista incluem as formas oníricas de Antoni Gaudí, a continuidade orgânica da Endless House, de Friedrich Kiesler, e a repercussão desse imaginário no desconstrutivismo arquitetônico, visível nas fragmentações e instabilidades geométricas de Frank Gehry e Bernard Tschumi
• Rebatimento na atualidade aparece em arquiteturas que exploram espacialidades fluidas, perspectivas instáveis e geometrias não ortogonais, como nos projetos de Zaha Hadid, e nas abordagens formais de Daniel Libeskind, Rem Koolhaas e do coletivo Coop Himmelb(l)au, todos marcados por torções, fragmentações e atmosferas de caráter onírico

Aula 3 – A moda como manifesto surrealista: subversão e colaboração

• O Corpo em Metamorfose: O vestuário como suporte para o inconsciente; o conceito de “beleza convulsiva” aplicado à moda
• O encontro criativo entre Elsa Schiaparelli, Salvador Dalí e Jean Cocteau, com análise de algumas peças-chave
• O Objeto Deslocado (Détournement): como transformar um sapato em chapéu ou luvas em garras
• Fetiche e Materialidade: o uso de texturas (veludo, pelos, celofane) e a introdução de elementos industriais (zíperes visíveis) como provocação estética
• O surrealismo no Novo Milênio: a persistência surrealista em criadores contemporâneos como Alexander McQueen e as releituras históricas de John Galliano para a Dior

Aula 4 – O design surrealista

• As composições ilusórias de Piero Fornasetti e formas teatralizadas de Carlo Mollino
• Referências para esse imaginário: a ironia fotográfica de Man Ray, o uso de materiais insólitos por Meret Oppenheim e as atmosferas híbridas criadas por Dorothea Tanning
• Metamorfose, fetiche e humor
• O papel do estranhamento, do lúdico e da subversão funcional no design surrealista: détournement. O cotidiano como experiência onírica
• Renovação do imaginário surrealista no design: Maarten Baas, Studio Job, Patricia Urquiola e as experimentações do Front Design. No Brasil: Fernando e Humberto Campana e investigações digitais de Guto Requena

Aula 5 – A exposição como obra de arte: cenografia e imersão

• A ruptura com a Galeria Tradicional: a exposição como uma experiência total (Gesamtkunstwerk)
• Exposição Internacional do Surrealismo (1938): aspectos gerais e recepção
• A Rue Surréaliste: o espaço público como lugar de revelação do inconsciente
• O papel do espectador como participante da obra e a “Milha de Barbante” (Mile of String), de 1942
• Legado curatorial contemporâneo: como o design expositivo atual (em museus de moda e arte) herda as estratégias surrealistas de imersão, som e iluminação dramática

Aula 6 – Por que surrealismo?

• A partir do conteúdo apresentado ao longo do curso, o encontro vai promover um roteiro de práticas surrealistas no contexto atual em arte, arquitetura, moda, design e em outras linguagens, para verificação da persistência dessas práticas (cinema, games, audiovisual, entre outras) e da recorrência de operações que caracterizaram o surrealismo histórico

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créditos

Imagem: Alberto da Veiga Guignard, sem título, 1949. Coleção MAM São Paulo. Foto: Ding Musa.

com Alexandre Araujo Bispo

Datas: 22, 29 de junho, 06 e 13 de julho de 2026
Segundas-feiras
Horário: das 19h às 21h
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A arte impressa no Brasil tem uma longa tradição, da gravura clássica às experimentações gráficas contemporâneas. Nos últimos anos este campo ganhou novo fôlego: as feiras tornaram‑se epicentros desse movimento, reunindo designers e produtores independentes de livros de artista, zines, cartazes, instalações e outras publicações em espaços de venda, onde o impresso é acessível, fácil de colecionar.

Este curso discute a popularização dos meios de impressão e a democratização do consumo nas artes visuais através das feiras de arte impressa, que reúnem criadores e público interessado em uma diversidade de expressões poéticas, políticas e sociais veiculadas no papel.

Em 1950, o artista paulista Lívio Abramo (1903–1992) ganhou o 1º prêmio do Salão Nacional de Belas Artes – fato inédito para o campo da gravura brasileira, então consagrado pelo prêmio. Lívio entendia a gravura como arte “pobre”, porque era baseada na reprodução de imagens a partir de uma matriz com vista à comunicação ampla. Em 2009, a Galeria Vermelho, em parceria com o centro de edição impressa francês CNEAI, lançou a feira de arte impressa Tijuana, a mais antiga entre as mais de 100 existentes no país. 

Estes eventos marcam pontos de virada em que a arte saiu dos ateliês e passou a circular nas ruas, alcançando públicos além dos circuitos institucionais.

Programação

Aula 1 – Goeldi vai à feira e as feiras sem Goeldi

• Goeldi na SP Arte 2025
• Feiras de arte impressa sem artistas célebres ou consagrados
• Os papéis sociais do papel

Aula 2 – Criar, copiar e distribuir: Clube de Gravura do MAM-SP

• O desenho
• Xilogravura, uma técnica popular
• A matriz e as cópias
• O Clube de Gravura do MAM: a cópia controlada e o estímulo ao colecionismo
• Gravura x estampa: o cartão de natal de um artista e o cartão de natal da indústria

Aula 3 – Produzir, reproduzir e vender na feira

• Produção/Criação
• Circulação/Consumo

Aula 4 – Uma arte “pobre” e seu potencial comunicativo e mercadológico

• Artistas contemporâneos vão às feiras
• Arte impressa versus arte contemporânea

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Imagem: Sem título (1946), de Lívio Abramo. Coleção MAM São Paulo

com Talita Trizoli

Datas: 25 de maio, 01, 08, 15, 22 e 29 de junho de 2026
Segundas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 6 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00 + taxas

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Contempla certificado no final

O curso apresentará estudos de caso de mulheres artistas atuantes no continente latino-americano, nos idos da segunda metade do século XX, salientando a variedade de linguagens e temáticas dessas produções. A perspectiva feminista aplicada a esses casos nos ajudará a compreender o local social dessas agentes femininas no meio artístico e as estratégias utilizadas por elas para viabilizar suas carreiras.

Desde a década de 1970 existe uma ampla discussão sobre a construção de uma identidade cultural na América Latina, e a questão da atuação de mulheres artistas, feministas ou não, é algo relativamente recente nesse âmbito, já que há um predomínio de nomes masculinos na historiografia. A exposição Mulheres radicais: arte latino-americana, 1960-1985, realizada em 2018 na Pinacoteca de São Paulo, solidificou um corpo de pesquisa e material em boa parte ainda inédito para estudantes, pesquisadores, artistas e demais interessados na história dessas profissionais, ainda mais considerando a pouca presença de disciplinas de história da arte latino-americana em nossos currículos de arte – mas muitos nomes ficaram de fora dessa seleção, e alguns deles serão abordados neste curso.

Programação

Aula 1 – Arte latino-americana para quem?

• A dimensão política da classificação de arte latinoamericana
• Autoras(es) que reivindicam um Espanglês e omitem o Português na historiografia da arte

Aula 2 – As mulheres artistas no latinoamerica: feministas e não-feministas

• Os enquadramentos de gênero no recorte de arte latino-americana
• Feminismos no latino-americana e as recusas de vínculo
• A exposição Mulheres radicais: arte latino-americana, 1960-1985

Aula 3 – Estudos de caso do sul ao norte latino 1

• Gladys Afamado e Nelbia Romero (Uruguay)
• Liliana Maresca e Delia Cancela (Argentina)
• Cecilia Vicuña e Roser Bru (Chile)
• Tilsa Tsuchiya Castillo e Julia Chambi López (Peru)

Aula 4 – Estudos de caso do sul ao norte latino 2

• Beatriz Gonzales e Feliza Bursztyn (Colômbia)
• Elsa Gramcko e Elsa Morales (Venezuela)
• Inês Córdova e María Esther Ballivián (Bolívia)
• Olga Blinder e Margarita Morsell (Paraguai)

Aula 5 – Estudos de caso do sul ao norte latino 3

• Zilia Sánchez e Antonia Eiriz (Cuba)
• Rina Lazo e Margarita Azurdia (Guatemala)
• Victoria Cabezas e Emilia Prieto Tugores (Costa Rica)
• Awilda Sterling-Duprey e Poli Marichal (Porto Rico)

Aula 6 – Estudos de caso do sul ao norte latino 4

• Magali Lara, Mónica Mayer, Lourdes Groubet e Paulina Lavista (México)
• Márcia-X, Lygia Pape, Regina Silveira e Iole de Freitas (Brasil)

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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o Museu de Arte Moderna de São Paulo a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints para fins de registro, divulgação e promoção das atividades da instituição, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar ao MAM pelo e-mail cursos@mam.org.br.

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créditos

Imagem: Mira Schendel, Sem título (da série Frutas), 1983. Coleção MAM São Paulo. Foto: Romulo Fialdini.

com Moara Tupinambá

Datas: 20, 27 de maio, 03, 10, 17, 24 de junho, 01 e 08 de julho de 2026
Quartas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 8 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 640,00 + taxas

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
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Este curso propõe uma travessia crítica, poética e histórica pela arte indígena contemporânea, com foco na cultura Tupinambá e nos territórios amazônicos. Articulando experiência vivida e produção artística, o curso aborda questões ligadas a cosmologias, encantados, memória, colonialidade, processos de retomada cultural, política e espiritualidade. Voltado a artistas, estudantes, educadores, curadores e demais interessados em arte contemporânea e culturas indígenas, o curso oferece ferramentas conceituais e sensíveis para compreender a centralidade dos povos originários na produção cultural brasileira atual.

Programação

Aula 1 – Mairi & Tapajós: território vivo

• História da antiga Mairi (Belém) e presença Tupinambá
• Tapajós como território cosmológico, político e estético
• Território indígena como corpo, memória e pedagogia
• Introdução aos encantados Tupinambá

Aula 2 – Arte indígena contemporânea

• Linha do tempo da arte indígena contemporânea no Brasil
• Invisibilização, retomadas e reexistência
• Amazônia e arte contemporânea
• Mulheres indígenas e criação estética

Aula 3 – Cosmologias e encantados

• Encantados Tupinambá e seres não-humanos
• Curupira, Matinta, Jurupari e Mãe do rio
• Espiritualidade e criação artística
• Arte como linguagem cosmológica

Aula 4 – Corpo, memória e resistência

• Corpo indígena como território político
• Genocídio, epistemicídio e apagamentos
• Performance, fotografia e colagem
• Estéticas de resistência

Aula 5 – Processos criativos e práticas artísticas

• Arte como cura e reconexão
• Colagem e montagem na obra de Moara Tupinambá
• Território, afetos e ancestralidade
• Metodologias poéticas

Aula 6 – Arte, ativismo e política indígena

• Arte indígena como ação política
• Ativismo, denúncia e criação
• Instituições culturais e povos indígenas
• Desafios contemporâneos

Aula 7 – Futuro ancestral e imaginação política

• Futuro ancestral e cosmopolítica indígena
• Imaginar futuros a partir da ancestralidade
• Cidade, floresta e território
• Criação como estratégia de permanência

Aula 8 – Encerramento: Mairi Vive

• Síntese dos conteúdos
• Diálogos entre arte, território e espiritualidade
• Partilhas e reflexões finais
• Encerramento coletivo

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créditos

Imagem: Poema a Oswald de Andrade, 2026. Denilson Baniwa.

com Celso Lima

Datas: 08, 15, 22, 29 de abril e 06 de maio de 2026
Quartas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 5 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00 + taxas

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
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O curso pretende observar as várias influências, conexões e irradiações de linguagens que construíram traços, formas e conceitos na história do modernismo brasileiro, que estabeleceu diferenças próprias e importantes pela ação de artistas e profissionais do design e da arquitetura entre os anos 1930 e 1960. Através da apresentação de obras e projetos, vamos trilhar uma linha do tempo de construção do modernismo no país, destacando contextos políticos, sociais, econômicos e culturais, na demanda de soluções e realizações, mas também lacunas.

Programação

Aula 1 – Duas Escolas: Vkhutemas e Bauhaus

• A revolução Industrial do Capital;
• Classes operárias: Socialismo, Anarquismo e Comunismo;
• Svomas / Vkhutemas;
• Bauhaus;
• Construtivismo e Funcionalismo na prancheta.

Aula 2 – O Moderno Exposto

• Uma Semana Moderna em 1922;
• Quatrilho modernista: Olivia Penteado e Paulo Prado, Tarsila do Amaral e Oswald de Andrade;
• Sonia Delaunay e Regina Gomide Graz: Paris em 1925;
• Pintura e Escultura: O tema brasileiro;
• O MoMA de NY.

Aula 3 – Arquitetando o Moderno

• Rino Levi Arquitetos Associados;
• A Casa Modernista de Gregori Warchavchik;
• MMM Roberto;
• Oscar Niemeyer e Lucio Costa: a escola carioca;
• Vilanova Artigas e Carlos Bratke: a escola paulista;
• Dois parques modernos: Ibirapuera e Flamengo.

Aula 4 – Mobília Modernista

• IAC: Escola de Design;
• Moderno original: Grafismos Terrae Brasilis;
• Joaquim Tenreiro e Sergio Rodrigues;
• O Coletivo Branco & Preto;
• Michel Arnoult: um móvel popular.

Aula 5 – Superfícies Desenhadas

• Chitas Brasileiras;
• Tabela Basf: Fayga Ostrower e Petropolitana;
• Rhodia e a estampa;
• Paulo Werneck, Antonio Maluf e Athos Bulcão: subindo pelas paredes;
• Arte como manifesto: Concreto e Neoconcreto.

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Imagem: Metaesquema (1958), de Hélio Oiticica. Coleção MAM São Paulo

com Lorenzo Merlino

Datas: 24 de fevereiro, 03, 10, 17, 24 de março e 07 de abril de 2026
Terças-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 6 encontros
Público: interessados em geral
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Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
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O curso apresenta um panorama crítico de alguns artistas influentes da arte moderna e da arte contemporânea, explorando suas obras, contextos e inovações que transformaram a História da Arte.

Ao longo de seis encontros, serão discutidos Morisot e Cézanne, Picasso, Duchamp, Tarsila do Amaral, Lygia Clark e outros criadores que investigam identidade e imagem, em uma narrativa que vai do Impressionismo e do Cubismo ao Neoconcretismo e à produção artística atual.

O objetivo é oferecer ao participante uma compreensão aprofundada sobre como cada artista contribuiu para mudanças estéticas e conceituais na arte, destacando conexões entre diferentes períodos e regiões, e destina-se a estudantes e profissionais de artes visuais, história, design, comunicação e educação.

Programação

Aula 1: Morisot e Cézanne

• Morisot e seu papel no Impressionismo;
• Cézanne e a transição do Impressionismo ao Cubismo;
• Inovações formais e cromáticas no final do século XIX.

Aula 2: Picasso

• Períodos Azul e Rosa e o surgimento do Cubismo;
• Influências africanas e ibéricas na obra;
• Picasso e a reinvenção constante da linguagem artística.

Aula 3: Duchamp

• Ready-mades e a desmaterialização da arte;
• O papel do humor e do conceito na produção artística;
• Duchamp como ponto de inflexão em direção à arte contemporânea.

Aula 4: Tarsila do Amaral e Anita Malfatti

• O modernismo brasileiro e a Semana de 1922;
• Tarsila, o antropofagismo e a construção da identidade nacional;
• A influência de Anita e a consolidação da arte moderna no Brasil.

Aula 5: Lygia Clark, Lygia Pape e Hélio Oiticica

• Do Concretismo ao Neoconcretismo: ruptura e inovação;
• Obras interativas e a participação do espectador;
• A arte como experiência sensorial e também terapêutica.

Aula 6: Alguns artistas contemporâneos (anos 1980 em diante)

• Kehinde Wiley e Shirin Neshat;
• Yasumasa Morimura e Cindy Sherman;
• Ai Weiwei e Doris Salcedo.

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Imagem: Tarsila do Amaral, Paisagem, 1948. Coleção MAM São Paulo. Foto: Ding Musa

com Daniela Lima Barros

Datas: 27 de janeiro; 3, 10 e 24 de fevereiro; e 3 de março de 2026
Rerças-feiras
Horário: das 19h às 21h30 (exceto o primeiro encontro, com duração de 2h)
Duração: 6 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 440,00 + taxas

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
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A loucura sempre encontrou nas artes visuais um espaço privilegiado de figuração. Iluminuras e marginalia medievais, pinturas renascentistas, gravuras satíricas, retratos clínicos e ilustrações psiquiátricas ilustram os diversos tipos de loucos, moldando e reforçando as percepções sociais e os tratamentos que lhe eram conferidos.

Este curso acompanha, a partir desses suportes, o movimento histórico que vai da multiplicidade de figurações medievais ao estreitamento moderno, quando a pluralidade das imagens cedeu lugar à tipificação médica. Em diálogo com Michel Foucault, realizaremos um sobrevoo pela história da arte ocidental e refletiremos sobre como arte e discursos de outras ordens — moral, jurídico, religioso, médico — se reforçam mutuamente, ora abrindo, ora reduzindo as possibilidades de ver e dizer a loucura.

Com base nesse panorama e nesse repertório, questionaremos as possibilidades e potencialidades da figuração dos loucos e da loucura na arte contemporânea, em especial a brasileira.

Programação

Aula 1: As figurações do louco na Idade Média

Pluralidade das figurações: iluminuras, marginalia e as figurações do insensato. Louco de Deus, louco de amor, louco de luxúria, simples de espírito e bufões. A organização figurativo-artística dos diversos discursos sobre a loucura.

Aula 2: Os loucos na arte da Renascença

Alegoria e sátira na pintura e na gravura renascentistas. Do trágico cósmico à consciência crítica de si. A emergência de um discurso artístico sobre a loucura.

Aula 3: A captura artística da loucura na Idade Clássica

Moralização e disciplina: caricaturas e figurações do aparato correicional. O deslocamento da loucura para o campo da ordem social e moral. O estreitamento da figuração sob novas regularidades.

Aula 4: A medicalização da loucura na Modernidade

Retratos clínicos e ilustrações psiquiátricas: a tipificação nosográfica. Da pluralidade à hegemonia do discurso médico: melancolia, mania, histeria. O eclipse da experiência trágica e a captura da imagem pela ciência.

Aula 5: Possibilidades de abertura – novas figurações da loucura

A problematização da captura da loucura pelo discurso médico. A arte como espaço de visibilidade para experiências não normativas. Novas figurações e potencialidades: estudo de caso com obras do acervo MAM-SP.

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Flávio de Carvalho, Autorretrato [detalhe], 1965. Coleção MAM São Paulo. Foto: Romulo Fialdini.

com Iago Éder Duarte-Aleixo

Datas: 12, 19, 26 de novembro e 03 de dezembro
Quartas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 04 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 350,00 + taxas

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A arte moderna representa um marco sem precedentes na transformação dos discursos e crenças sobre a arte e a criação artística. Tradicionalmente, as narrativas que abordam essas mudanças estão cercadas por mitos de excelência e de grandiosidade, muitas vezes centrados na genialidade de indivíduos. Tais narrativas tendem a hierarquizar a produção europeia, elevando-a como modelo a ser seguido de “pureza” a ser seguido, em detrimento de outras expressões artísticas. Contudo, há muito se reconhece que essa visão não corresponde à realidade. O que confere à arte moderna europeia sua dimensão estética é justamente sua pluralidade, fruto de um período de experimentações e de grandiosas pesquisas, impulsionadas pela busca do novo e pela chegada e acomodação de diversas fontes de inspiração em um mundo cada vez mais conectado.

Entre as novas influências, destacam-se aquelas vindas do Japão, que, por sua presença marcante, produziram um movimento com nome próprio: o Japonismo, fenômeno estético que surgiu da fascinação pela arte japonesa — a qual, em muitos aspectos, desafiava os referenciais tradicionais europeus anteriores ao século XIX. Diferente de um movimento artístico homogêneo, o Japonismo foi um acontecimento cultural amplo, que atravessou gerações e influenciou artistas e correntes heterogêneas (como o impressionista Claude Monet, Vincent van Gogh, e os Glasgow Boys). Sua contribuição está entre as mais fundamentais na definição da arte moderna, introduzindo ideais de simplificação formal, inovações cromáticas e novas abordagens temáticas. Por sua relevância na reconfiguração do paradigma da arte europeia, o estudo do japonismo é um tema imprescindível para uma compreensão e uma apreciação mais ricas da arte moderna, revelando seu caráter dinâmico e multicultural.

Programação

Aula 1: A chegada da arte japonesa na Europa

• A abertura forçada do Japão
• Um pouco sobre a arte japonesa: Ukiyo-e e sua estética
• Impacto transnacional e histórico: uma Europa inundada

Aula 2: A recepção, a assimilação e a acomodação

• A escola de Barbizon
• Os impressionistas: Claude Monet e Edgar Degas
• Outros nomes do japonismo: The Glasgow Boy e James McNeill Whistler

Aula 3: O olhar japonês de Vincent van Gogh

• Van Gogh, um colecionador e um devoto
• A busca de um ideal: uma experiência de Japão no Sul da França
• Mudanças nas estruturas formais e pictóricas: usar cores puras

Aula 4: Do japonismo ao Japão como referência para artistas contemporâneos

• Atravessamentos contemporâneo: design, arquitetura e a estética Kawaii

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Imagem: Le Japon Artistique – Documents d’Art e d’Industrie.

com Tálisson Melo

Datas: 27 de novembro, 04, 11 e 18 de dezembro
Quintas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 04 encontros
Público: interessados em geral
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Como a história da arte se inscreve no imaginário por meio de exposições?
E como as questões políticas do tempo presente tomam parte em processos de revisão do passado e elaboração da relação entre arte e sociedade?

Essas perguntas são as coordenadas reflexivas deste curso, tendo como eixo algumas exposições de artes visuais que marcam a historiografia da arte no Brasil dos séculos XX e XXI, bem como projetos curatoriais recentes que visam retrospectivas e diálogos críticos com a história da arte e da cultura.

Abordaremos também as políticas de aquisição de obras e a programação de exposições de algumas instituições culturais, para redimensionar as intervenções das políticas do tempo presente nas visões do passado que se projetam para o futuro e reescrevem constantemente a história da arte.

Desenvolvendo a noção de “cronopolítica”, os tópicos que estruturam o curso passam pelas disputas e ações discursivas em torno de concepções de gênero, raça, etnia, sexualidade, origem geográfica, migração e meio ambiente, em suas conexões com a produção artística e os contextos de sua apresentação — especialmente as exposições e seus catálogos.

Entre os exemplos centrais do curso, enfocaremos algumas exposições realizadas no MAM de São Paulo, como sua mostra de inauguração Do figurativismo ao abstracionismo (1949), a 6ª Bienal Internacional de São Paulo (1961), organizada pela direção do museu, a mostra 2080 (2003) e a última edição do Panorama da Arte Brasileira, Mil graus (2024).

Programação

Aula 1: Os tempos da arte

• A história da arte como disciplina e sua relação com as exposições e museus
• O fazer historiográfico na modernidade e a construção da arte moderna
• Categorias socioestéticas da arte na contemporaneidade
• A curadoria de exposições como mediação historiográfica

Aula 2: As bienais como mundos simbólicos

• Das feiras universais às bienais de arte
• A categoria “arte contemporânea” e as fronteiras da arte
• As Bienais do MAM de São Paulo
• A emergência da curadoria

Aula 3: Os museus e suas temporalidades

• A criação dos museus de arte moderna e contemporânea
• O passado como museu de novidades
• Zonas de salvaguarda e zonas de visibilidade
• Revisando e reescrevendo o passado

Aula 4: Políticas do tempo presente

• Políticas afirmativas para as artes visuais
• Corpo, identidade e novas versões do passado
• Terra e migração em fluxos temporais
• Categorias geopolíticas em exposições

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Vista da exposição 38º Panorama da Arte Brasileira: Mil graus. Foto: EstúdioEmObra

com Filipe Barrocas

Datas: 13, 20, 27 de outubro e 03 de novembro de 2025
Segundas-feiras
Horário: das 19h às 21h
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Este curso propõe uma reflexão crítica sobre o lugar da fotografia na história da arte, desde sua invenção no século XIX até os dias atuais. Propõe uma breve introdução a essa história para, nos encontros seguintes, explorar linguagens como escultura, performance e literatura sob a perspectiva do uso da fotografia como instrumento, além de mostrar como, ao longo do tempo, a fotografia foi incorporada à produção de obras escultóricas, performativas e literárias, integrando o processo artístico — mesmo que nem sempre tenha sido reconhecida como “arte”.

Destinado a todos os interessados em fotografia, o curso busca promover o diálogo em torno de imagens da história da arte, trazendo leituras críticas que ampliem o repertório visual e conceitual dos participantes, valorizando diferentes olhares sobre a imagem no mundo contemporâneo.

Programação

Encontro 01 | A história da arte como história da fotografia

Breve panorama da história da fotografia, desde sua invenção no século XIX até os dias atuais, com foco no contexto brasileiro e nas obras de artistas como Hercules Florence, Militão Augusto de Azevedo, Cristiano Júnior, Claudia Andujar, Leticia Ramos, Mayara Ferrão, etc. Esta introdução parte do texto Pequena história da fotografia (1931), de Walter Benjamin, e discute a subjetividade na construção histórica.

Encontro 02 | Fotografia e Escultura: sujeito, objeto e sombra

Desde o século XIX, a fotografia faz parte dos processos artísticos escultóricos ao registrar modelos e obras finalizadas (como no caso de Brancusi) ou em processo (como em Rodin). Nesse sentido, como observamos hoje essas imagens? E se a escultura “documentada” já não existir? Imagens de Rodin e Brancusi serão colocadas em diálogo com artistas mais contemporâneos como Lygia Clark, Hélio Oiticica, Lygia Pape, Lucia Koch, Nuno Ramos e Cildo Meirelles.

Encontro 03 | Fotografia e Performance: presença, ausência e arquivo

Desde a década de 1960, com a arte conceitual, a fotografia passou a ser utilizada no registro de ações efêmeras, fossem estas de natureza mais escultórica ou mais performativa. Como se relacionam essas imagens com as do século anterior? O que podemos aprender aproximando as imagens de Antonio Manuel na abertura da exposição do XIX Salão de Arte Moderna no MAM, Rio de Janeiro, em 1970, com a de Auguste Neyt, fotografado por Gaudenzio Marconi em 1877?

Trabalhos de artistas como Lenora de Barros, Francesca Woodman, Andrea Fraser, Tino Sehgal e Eleonora Fabião serão apresentados nesta discussão sobre a distinção entre documento e obra, propondo novas formas de pensar a presença, a mediação e o registro no campo da arte contemporânea.

Encontro 04 | Fotografia e Literatura: imagem e palavra

Esse encontro discute a relação entre fotografia e palavra, explorando como a linguagem escrita pode complementar a imagem fotográfica e analisa casos em que a palavra vai além da legenda ou explicação tradicional, assumindo um papel plástico e conceitual dentro da fotografia, como nas obras de Duane Michals e Lenora de Barros. Também aborda a interdependência entre texto e imagem em obras artísticas e literárias, como nos casos de Clarice Lispector e W. G. Sebald.

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foto: A dança do poder. Palácio do Planalto (1981/2003), de Orlando Brito. Coleção MAM São Paulo

com Katya Hochleitner

Datas: 01, 08, 15, 22, 29 de outubro e 05 de novembro
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Num momento em que o Brasil busca reconstruir sua imagem internacional após anos de instabilidade política, as artes visuais retomam um papel estratégico como vetor de diplomacia, devido à sua força simbólica, visualidade e capacidade de diálogo intercultural. Recentemente, tem crescido o interesse externo pela produção artística brasileira, especialmente aquela que traz narrativas contra-hegemônicas — afro-diaspóricas, indígenas, feministas e periféricas —, ou seja, propostas decoloniais que desafiam os cânones da arte ocidental e ampliam as noções de valor simbólico.

O objetivo geral do curso é analisar historicamente como as artes visuais têm contribuído para a construção da imagem internacional do Brasil, atuando como instrumento de soft power em processos econômicos, culturais e diplomáticos. O curso discute narrativas da história da arte brasileira, a imagem do Brasil no exterior, os usos diplomáticos da produção artística e as propostas decoloniais que questionam paradigmas hegemônicos de representação.

Programação

Aula 01 | Introdução: Poder, Cultura e Imagem no Cenário Internacional

Nesta aula inicial, são apresentados os conceitos de soft power e hard power, discutido o papel da cultura e da arte nas relações internacionais e introduzida a noção de imagem de país e seu uso estratégico. Aborda-se o conceito de diplomacia cultural, a formação da imagem de um país e a construção da imagem do Brasil no exterior, contextualizando o curso e seus objetivos.

Aula 02 | Economia Criativa e Geopolítica da Arte

Explora-se a inserção da arte na economia global e nos circuitos de poder, apresentando dados da economia criativa e do mercado de arte. Discute-se o sistema contemporâneo de arte, seus atores, e a geopolítica cultural com seus centros e periferias, além da posição do Brasil nesse sistema global.

Aula 03 – Representações do Brasil: da Colônia à Contemporaneidade

Aborda as narrativas visuais construídas sobre o Brasil desde o período colonial até os dias atuais. Analisa-se a permanência dos efeitos simbólicos das imagens coloniais, a internacionalização da arte brasileira e apresenta as críticas decoloniais que questionam narrativas eurocêntricas dominantes.

Aula 04 – Arte como Ferramenta Diplomática: o Caso Brasileiro

Apresenta experiências históricas de diplomacia cultural envolvendo o Brasil, desde o período colonial até o Império e a Era Vargas, com destaque para a Política da Boa Vizinhança de F.D. Roosevelt. Discute-se o uso da arte como instrumento político em contextos de guerra e propaganda, analisando os limites e possibilidades da arte como ação diplomática.

Aula 05 – Estudos de Caso: Bienal de São Paulo e SP-Arte na Imprensa Internacional

Analisa o impacto de grandes eventos culturais na imagem do Brasil no exterior, com base em pesquisa de imprensa entre 2012 e 2019. Discute-se a construção simbólica da brasilidade na mídia, os artistas mais citados, os discursos recorrentes e os públicos-alvo das matérias, avaliando o possível efeito dessas exposições na percepção internacional do país.

Aula 06 – Arte, Cultura, Imagem e Poder: Desafios

Reúne e revisa os principais temas do curso, debatendo os desafios contemporâneos para construir uma imagem plural e estratégica do Brasil. Aborda questões atuais como redes sociais, fake news, crises políticas e apagamentos culturais, estimulando a reflexão crítica e a formulação de propostas criativas para a reconfiguração da imagem internacional brasileira.

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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br)

foto: A dança do poder. Palácio do Planalto (1981/2003), de Orlando Brito. Coleção MAM São Paulo

com Celso Lima

Datas: 09, 16, 23, 30 de setembro e 07 de outubro de 2025
Terças-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 05 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00 + taxas

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

O curso oferece discussões sobre o pioneirismo de duas grandes criadoras do design têxtil na primeira metade do século XX: Sonia Delaunay e Regina Gomide Graz.

No cenário mundial do entreguerras, apresentado na centenária Exposição de Artes Decorativas e Industriais Modernas de Paris, em 1925, o encontro entre vanguardistas e tradicionalistas apontava direções múltiplas, com o segmento têxtil despontando como uma grande aposta na corrida industrial do novo século, onde as duas artistas e designers desempenhariam importantes papéis como criadoras de novas linguagens em tramas e desenhos.

Programação

Aula 01

• 1922: Uma semana de arte moderna em São Paulo
• 1923: Regina Gomide e as tramas do Alto Xingu
• 1924: Sonia Delaunay e o Atelier Simultané

Aula 02

• Geometria e Pangeometria: Construção de novas linguagens
• 1925: Exposição de Artes Decorativas e Industriais Modernas de Paris

Aula 03

• Lasar Segall e Olivia Penteado: O Pavilhão Moderno
• 1930: A Casa Modernista de Gregori Warchavchik
• Delaunay, Gomide e a Oficina 8 / Bauhaus
• Estúdio John Graz / 1931

Aula 04

• Projetos têxteis no Art Déco
• Grafismos Asurinis: Construtivos originários
• Tapetes: Delaunay, Gomide e Da Silva Bruhns

Aula 05

• Fábrica de Tapetes Regina
• Delaunay e a retaguarda da pintura
• Simone de Beauvoir: Uma análise feminista da tecelagem
• Regina e Sonia: 100 anos depois

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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br)

foto: estilista Betsey Johnson em seu apartamento em Londres, Glamour, New York (1985), de Otto Stupakoff. 

com Flavia Corpas, Francielle Alves e Isabela Pinheiro

Datas: 09, 16, 23, 30 de setembro, 07, 14, 21 e 28 de outubro de 2025
Terças-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 08 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 640,00 + taxas

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

Este curso é um território de resistência e criação. Explora a intersecção entre Psicanálise, Arte e Feminismo, orientado pelo trabalho do coletivo P_A_F (Psicanálise, Arte e Feminismo). Em formato que valoriza o diálogo crítico e a construção coletiva do saber, serão investigadas obras de arte e testemunhos de artistas mulheres que desafiam e subvertem discursos tradicionais, forjando novos caminhos de existência. Serão abordadas as formas pelas quais essas produções desafiam estereótipos e modelos normativos, revelando como essas artistas reivindicam e criam seus próprios espaços e linguagens para expressar experiências, traumas e desejos, não apenas como estratégia de sobrevivência, mas como afirmação plena da vida.

Os encontros percorrerão temas dentro do feminismo em suas diversas vertentes como feminismo negro, decolonial, queer, entre outros, e analisarão questões políticas, culturais e identitárias que atravessam as práticas artísticas, a partir de uma leitura psicanalítica. 

Programação

Aula 01 – Introdução
Na aula introdutória, apresentaremos o curso, suas bases teóricas e metodologia, com foco na discussão da relação entre psicanálise, arte e feminismo. Abordaremos como esses três saberes se interseccionam, suas aproximações e tensões, e como, a partir destas, é possível desafiar e repensar narrativas convencionais sobre a subjetividade, a identidade, o corpo, a proporcionar a construção de novas lógicas. Faremos uma introdução ao feminismo, preparando o terreno para a compreensão deste no diálogo entre a psicanálise e a arte.

• Apresentação do curso e sua metodologia.
• Qual a relação entre a Psicanálise e a Arte? Por que o Feminismo?

Aula 02 – Repensando as Narrativas Oficiais
Nesta aula, analisaremos como as narrativas oficiais da história da arte frequentemente marginalizaram ou invisibilizaram as contribuições de artistas mulheres. Refletiremos sobre como a perspectiva feminista propõe uma crítica radical a esses saberes hegemônicos, introduzindo a ideia de uma visão situada, que valoriza as experiências e contextos de cada sujeito. Ao questionar as representações tradicionais, buscaremos ampliar nossa ótica sobre a diversidade de experiências e práticas artísticas, a partir do resgate da vida e obra de algumas artistas, e da análise da exposição “Contribuição da Mulher às Artes Plásticas no País” no MAM-SP (1960), a primeira exposição coletiva composta exclusivamente por mulheres a ocorrer no Brasil, em conjunto com aquilo que em psicanálise compreende-se como singularidade.

• As mulheres e as artistas na História da Arte
• Estudo do livro A História da Arte sem Homens da historiadora da arte Katy Hessel
• Saberes Localizados: A questão da ciência para o feminismo e o privilégio da perspectiva parcial de Donna Haraway
• Exposição “Contribuição da Mulher às Artes Plásticas no País” no MAM-SP (1960)

Aula 03 – Freud, Lacan e as Artistas
Nesta aula, exploraremos a complexa relação entre psicanálise e arte através de duas exposições recentes: “Lacan, a exposição”. Quando a arte encontra a psicanálise” (Centro Pompidou-Metz, 2024) e “Mulheres & Freud: Pacientes, Pioneiras e Artistas” (Freud Museum, Londres, 2024-2025). Analisaremos as contribuições e o legado de mulheres que desempenharam papéis fundamentais na criação e desenvolvimento da psicanálise, refletindo sobre suas influências e impactos. A análise incluirá artistas que dialogam com essas exposições, como Paula Rego e Louise Bourgeois, cujas produções exploram conceitos psicanalíticos para investigar subjetividade e desejo. Também discutiremos a intervenção performática de Deborah de Robertis em “A Origem do Mundo”, de Courbet.

• Exposição “Lacan, a Exposição” no Centro Pompidou – Mets (2024)
• Exposição “Mulheres & Freud: Pacientes, Pioneiras e Artistas”, no Freud Museum em Londres (2024-2025)
• Mulheres Pioneiras na Psicanálise

Aula 04 – Musas Insubmissas
Nesta aula, questionaremos o papel tradicional de “musa” no Surrealismo, movimento artístico que ocupa um lugar nodal na relação entre a psicanálise e arte. Exploraremos como artistas mulheres associadas a esse movimento desafiaram e subverteram esse estereótipo, reivindicando o lugar de artistas e contrariando a noção tradicional de feminino sustentada pelos surrealistas homens. Discutiremos o livro “Lá Embaixo”, obra testemunhal de Leonora Carrington, explorando como suas narrativas místicas e oníricas apresentam uma dimensão singular de resistência, sobrevivência e reinvenção.

• A musa e a artista: O caso do Surrealismo
• Estudo da obra Lá Embaixo, examinando as narrativas místicas e oníricas de Leonora Carrington como instrumentos de resistência e reinvenção do feminino no movimento Surrealista

Aula 05 – Corpo-Território, Crítica Decolonial e Povos Originários
Nessa aula, abordaremos o conceito político de Corpo-território, desenvolvido por Maria Mies, Veronika Bennholdt-Thomsen e Claudia von Werlhof (1988), que evidencia como a exploração dos territórios comuns, comunitários, e a violência aos corpos individuais e coletivos estão relacionados. Essa analogia e indissociabilidade entre corpo e território, e seus efeitos subjetivos é o mote que guiará nossas reflexões. Trabalharemos com artistas que fazem uso do corpo como campo de luta, resistências contra as imposições patriarcais, coloniais e neoliberais, e como o corpo-território possibilita o desacato, a confrontação e a invenção de outros modos de vida.

• Colonização e as construções de identidade
• “Objeto Semente” e Política dos Comuns, Estudo da Obra: “Linha” de Eleonora Fabião
• Artistas Latino Americanas: Estudo do projeto Banana Republic, a obra de Victoria Cabezas, e suas críticas à exotificação e à colonialidade; Territorio Mexicano de Lorena Wolffer; Silhuetas – Ana Mendieta, Marcela Cantuária
• Artistas Daiara Tukano e trabalho curatorial Sandra Benites
• A obra de Suzanne Césaire

Aula 06 – Olhares Negros: raça, classe, gênero e representação
Nesta aula, iremos discutir o surgimento do ativismo negro e de conceitos como negritude e interseccionalidade. Abordaremos como estes conceitos descentram o olhar e as interpretações do que se pensava como arte, provocando transformações em nossa subjetividade. Nessa chave, nota-se, nas obras retratadas, uma busca de recriar e reinventar um mundo possível, numa perspectiva estética, ética e política. Temos como inspiração de base o livro Olhares Negros raça e representação de Bell Hooks em interlocução com produções de teóricas e artistas brasileiras como Lélia Gonzales, Rosana Paulino e movimentos da América Latina e Central, como a criolagem e o afrosurrealismo.

• Afro Surrealismo, Afrofuturismo na literatura e artes visuais
• De Sarah Bartmann à Josephine Baker e Rosana Paulino
• Laura – Manet (Still Thinking about Olympia’s maid)
• Criolagem
• Amefricanidade

Aula 07 – Feminismo Queer e Artistas Feministas
Nesta aula, exploraremos o feminismo queer no campo das artes, um debate que tem ganhado força desde os anos 60, artistas e coletivos têm utilizado a perspectiva queer não apenas como uma crítica às normas de gênero, mas também como um dispositivo para questionar as fronteiras da própria prática artística. Longe de buscar uma definição fixa para “arte feminista”, examinaremos como o feminismo queer opera como uma estratégia de deslocamento, reconfigurando materialidades, discursos e imaginários. Por meio de obras selecionadas de artistas e coletivos que trabalham a partir dessa perspectiva, veremos de que maneiras essas práticas tensionam noções estabelecidas, questionando categorias tradicionais como feminino/masculino, público/privado e biológico/social.

• Feminismo Queer: Entre tema e experiência
• Lia D. Castro; Élle de Bernardini; Coletivo Serigrafistas Queer; Ofélia de Ana Mazzei e Regina Parra

Aula 08 – Memória, Testemunho e Transmissão
Nesta aula, trabalharemos mulheres artistas que produziram através da escrita, performance, arte visual e outros meios, potentes testemunhos que nos transmitem algo de um saber fazer com a vida. Discutiremos as obras selecionadas em articulação com conceitos da Psicanálise e com outros temas abordados pelo feminismo.

• Estudo da obra de Grada Kilomba a partir de seu livro Memórias de Plantação, examinando como as questões de raça, gênero e colonialidade e sua prática artística
• Em Busca dos Jardins de Nossas Mães de Alice Walker
• Artistas: Cecília Vicuña

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foto: Natali Tubenchlak, Dá-se assim desde menina, pendente ao encontro. Foto: Mario Grisolli

com Manuela Eichner

Datas: 25 de setembro, 02, 09 e 16 de outubro de 2025
Quintas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 04 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00 + taxas

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Contempla certificado no final

O curso abordará a colagem em perspectiva analisada pelo trabalho e desenvolvimento da técnica por artistas de vanguarda. Arranjadas por uma linha de tempo não histórica, as aulas traçam as contribuições de artistas/ativistas, não só na técnica da colagem, mas para as discussões de gênero, insurgência e provocações da sociedade de suas épocas. Público-alvo: artistas, interessados em criatividade e na técnica da colagem.

Além de contemplar as mais diversas áreas do setor de artes visuais, sobretudo da colagem, o curso visa transbordar para outros setores próximos como o da história, gênero e mídias.

Programação

Aula 01 – Colagem e Surrealismo – artista comentada: Claude Cahun

• Colagem e Surrealismo
• Sonhos e inconsciente coletivo
• Precursora da selfie e das questões de gênero/queer
• Colagem e Dadá – artista comentada: Hannah Höch
• O surgimento da colagem
• Dadaísmo
• Hannah Höch como precursora da colagem e da primeira onda feminista

Aula 02 – Colagem e movimento Punk – artista comentada: Linder Sterling

• Colagem e Pop-art
• Movimento Punk
• Colagem e multimídia: música, mídias impressas (cartazes, zines)

Aula 03 – Colagem e Afrofuturismo – artista comentada: Mickalene Thomas

• Colagem e fotografia
• Afrofuturismo
• Colagem e multilinguagens (pintura, bordado, roupas, etc.)

Aula 04 – Colagem e contemporaneidade no Brasil – artistas comentadas: Gê Viana e Ventura Profana

• Colagem e fotografia
• Colagem digital
• Colagem e território de reexistência social

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com Katia Canton

Datas: 30 de julho, 06, 13 e 20 de agosto de 2025
Quartas-feiras
Horário: das 18h às 20h
Duração: 04 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
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Este curso, composto por quatro aulas, explora a potência dos contos como recursos para elaboração subjetiva e cura, desde os primórdios da humanidade. Ao longo dos encontros, abordaremos a origem histórica das narrativas, sua inserção no campo da arte e seu papel nos processos de elaboração psíquica.
Nas duas primeiras aulas, traçaremos um panorama sócio-histórico do surgimento das narrativas na constituição humana, analisando diferentes tipos de histórias, desde a tradição oral até autores literários como Perrault, os irmãos Grimm e Andersen. A terceira aula será dedicada à análise de casos em que as narrativas são utilizadas em contextos terapêuticos. Por fim, na última aula, refletiremos sobre o cenário contemporâneo: quais são suas particularidades e por que continuamos a contar histórias?

Programação

Aula 01 – Somos animais contadores de histórias — o surgimento das palavras como necessidade humana.

Aula 02 – Contos maravilhosos, fábulas, contos de fadas — formas de narrar e seus contextos.

Aula 03 – O desejo de contar é o desejo de curar — experiências estéticas e terapêuticas no uso das histórias. Estudos de caso sobre narrativas na psicanálise e na saúde mental.

Aula 04 – As narrativas enviesadas do mundo contemporâneo — por que continuamos a contar histórias?

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créditos: Pedestres na praça do Patriarca, 1940. Hildegard Rosenthal. Fonte IMS

com Lúcia Lima

Datas: 16, 23, 30 de julho, 06 e 13 de agosto de 2025
Quartas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 05 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00

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Curso contempla certificado no final

Desde o surgimento das primeiras técnicas fotográficas, as mulheres desempenharam um papel criativo fundamental para que a fotografia se consolidasse como uma das principais marcas da cultura visual de nossos tempos. No entanto, por que, ao mencionarmos os principais nomes da História da Fotografia ou ao discutirmos as temáticas mais recorrentes na produção fotográfica moderna, as mulheres raramente ocupam lugar de destaque?

A partir de um panorama da relação das mulheres com a prática fotográfica no Ocidente — especialmente na primeira metade do século XX —, o curso propõe uma análise histórica das experiências de mulheres que participaram ativamente do desenvolvimento da fotografia, tanto como campo profissional quanto como linguagem artística. Serão abordadas as trajetórias e obras de fotógrafas como Lee Miller, Berenice Abbott, Lisette Model, Hildegard Rosenthal, Gerda Taro, Grete Stern, Lola Álvarez Bravo, Marianne Brandt, Kati Horna, Dora Maar, Ilse Bing, Annemarie Heinrich, Francesca Woodman, Claude Cahun, entre outras, com o objetivo de discutir questões ligadas ao marcador social de gênero.

Suas produções suscitam reflexões sobre temas como as condições de produção para mulheres artistas, a relação das mulheres com as cidades, a organização do olhar no ato fotográfico, a interação com as pessoas fotografadas, a representação feminina na fotografia e o uso da própria imagem como forma de experimentação artística, entre outros.

O objetivo do curso é ampliar as referências de participantes em relação à história da fotografia, oferecendo exemplos e trajetórias que diversifiquem a compreensão da prática fotográfica no século XX. Além disso, busca evidenciar o impacto do sistema de diferenciação de gêneros na produção artística em nossa sociedade.

Programação

Aula 01 – Você as vê, agora não as vê mais

• Fotografia & Gênero: disputas epistemológicas
• Presenças e ausências nos primeiros anos da História da Fotografia
• Uma História de Mulheres Fotógrafas / Estudos de gênero na Fotografia: definindo um campo de pesquisa

Aula 02 – A Fotografia na Encruzilhada

• O ofício da Fotografia: condições de produção para mulheres
• Fotografia é Arte? Do pictorialismo à narrativa moderna
• A participação feminina no desenvolvimento da linguagem moderna da fotografia

Aula 03 – Mulheres Modernas

• “A Nova Mulher” e a Cultura Visual da modernidade
• Mulheres fotógrafas nas vanguardas europeias
• Fotógrafas imigrantes na América
• Parcerias e apagamentos

Aula 04 – Mulheres com suas câmeras

• Mulheres na cidade moderna
• Corpo, espaço e relações do olhar na fotografia produzida por mulheres
• O autorretrato e a criação de si

Aula 05 – Artistas mulheres / Mulheres Artistas

• Narrativas sobre mulheres fotógrafas: discutindo pioneirismo e genialidade
• Mulheres artistas e a fotografia: do arquivo à performance
• Caminhos para uma crítica feminista

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créditos: Pedestres na praça do Patriarca, 1940. Hildegard Rosenthal. Fonte IMS

com André Komatsu

Datas: 21, 28 de julho, 04, 11 e 18 de agosto de 2025
Segundas-feiras
Horário: das 19h30 às 21h30
Duração: 05 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00

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Este curso investiga como as práticas artísticas contemporâneas – incluindo instalação, site specific, happenings e performances – ativam o espaço público e privado como campo de tensão e questionamento. A partir da análise de obras de artistas modernos e contemporâneos, os participantes serão convidados a refletir sobre como a arte intervém na organização do espaço urbano, desestabiliza estruturas consolidadas e propõe novas formas de ocupação e engajamento. Por meio de discussões teóricas e exercícios práticos, o curso busca expandir a compreensão sobre o papel do artista na construção simbólica e material do território.

Programação

Aula 01: A paisagem como discurso I

Esta aula introduz a paisagem como campo de disputa simbólica e material, explorando como a arte reflete e questiona transformações econômicas, políticas e sociais. A partir das obras de Hans Haacke, Mark Lombardi, Edwin Sanchez e Santiago Sierra, discutiremos como diferentes estratégias artísticas – desde investigações sobre redes de poder até intervenções críticas no espaço público – tensionam as relações entre arte, mercado e instituições. Ao analisar esses trabalhos, os participantes serão convidados a refletir sobre o papel do artista na revelação e reconfiguração das paisagens contemporâneas.

Aula 02: A paisagem como discurso II

Análise da paisagem como construção política e social. A partir dos artistas estudados, exploraremos como diferentes abordagens artísticas evidenciam as forças que moldam o espaço urbano e institucional. A aula também abrirá espaço para reflexões críticas e trocas entre os participantes, incentivando conexões entre os exemplos apresentados e o contexto contemporâneo.

Aula 03: Claudia Andujar e a land art

Esta aula propõe um diálogo entre a produção de Claudia Andujar e os principais nomes da Land Art, como Robert Smithson, Michael Heizer e Walter De Maria. Enquanto os artistas da Land Art operam em grande escala no ambiente natural, questionando os limites entre arte e paisagem, Andujar utiliza a fotografia como ferramenta de engajamento na luta pela demarcação do território Yanomami. A partir dessa conexão conceitual, investigaremos como diferentes práticas artísticas podem atuar na construção de narrativas sobre o território, a ocupação da terra e as relações de poder que atravessam esses espaços.

Aula 04: O corpo e o meio

Nesta aula, exploraremos como o corpo se torna um agente de transformação e questionamento do meio em práticas artísticas que tensionam fronteiras entre o indivíduo e o espaço. A partir das obras de Ana Mendieta, Teresa Margolles, Minerva Cuevas e Tehching Hsieh, analisaremos como ações performativas, intervenções e rituais cotidianos ressignificam paisagens sociais e políticas. O corpo, aqui, é tanto matéria quanto linguagem, articulando novas formas de percepção e engajamento com o entorno.

Aula 05: A construção do real

Esta aula investiga como a arte pode questionar e remodelar a noção de realidade por meio da mídia, do controle social e da memória. A partir das práticas de Ztohoven, Chris Burden, Mona Hatoum e Doris Salcedo, analisaremos estratégias que vão desde a infiltração em veículos de comunicação de massa até intervenções que evidenciam dinâmicas de poder e narrativas oficiais. Através desses artistas, discutiremos como a arte pode tensionar os limites entre fato e ficção, presença e ausência, criando novas camadas de significação sobre o real.

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créditos: André Komatsu, Atlas, 2007. Madeira, camiseta e parafuso, 330 × 50 × 70 cm. Foto: Edouard Fraipont

com Marina Mazze Cerchiaro

Datas: 11, 18, 25 de junho, 02 e 09 de julho
Quartas-feiras
Horário: das 19h às 21h
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Embora a pintura moderna brasileira tenha sido amplamente estudada em cursos, livros e exposições, a escultura ainda recebe pouca atenção. São raras as publicações e disciplinas dedicadas à história da escultura no Brasil. Este curso busca ampliar o conhecimento sobre o tema, apresentando um panorama da produção tridimensional brasileira ao longo do século XX, com incursões também em obras contemporâneas.

Serão abordadas esculturas figurativas e abstratas, considerando diálogos com a arte internacional e suas relações com a sociedade. Voltado ao público em geral, o curso funciona tanto como uma introdução ao assunto quanto como aprofundamento para quem já tem familiaridade com o tema. Ao longo dos encontros, serão discutidas obras de artistas consagrados e de nomes menos conhecidos, com atenção especial à produção de mulheres e ao acervo do Museu de Arte Moderna de São Paulo.

Programação

Aula 01 – Escultura brasileira, entre a modernidade e a tradição (décadas de 1930 e 1940).

• Trataremos da produção escultórica brasileira das décadas de 1930 e 1940, abordando especificamente as encomendas de escultura realizadas pelo ministro Gustavo Capanema para o Ministério da Educação e Saúde (MES), edifício símbolo da arquitetura moderna brasileira, durante o período do Estado Novo. Analisaremos as trajetórias dos artistas radicados no Brasil que foram acionados pelo ministro: Victor Brecheret, Ernesto de Fiori, Celso Antônio de Menezes, Adriana Janacópulos e Bruno Giorgi. Refletiremos sobre as obras dos artistas abordando dimensões estéticas e políticas.

Aula 02 – Da figuração à abstração (décadas de 1940 a 1970)

• Serão apresentadas brevemente as técnicas tradicionais da escultura (modelado em argila, gesso e processo de fundição em bronze) e discutiremos como alguns artistas modernos alteram essas técnicas de modo a produzir experimentações plásticas. O restante da aula será dedicado as obras de Maria Martins, Felícia Leirner e Liuba Wolf e seu direcionamento para soluções plásticas abstratas.

Aula 03 – O construtivismo brasileiro na escultura (décadas de 1950 a 1970)

• A aula trata das correntes abstratas construtivas que conquistaram reconhecimento principalmente na década de 1960. Serão abordadas as trajetórias e obras tridimensionais de Lygia Clark, Mary Vieira, Zélia Salgado, Amilcar de Castro, Franz Weissmann e Sérgio Camargo. 

Aula 04 – A escultura no campo ampliado e as exposições Panorama da Arte Atual Brasileira (décadas de 1970 e 1980)

• Nesta aula discutiremos o conceito de “escultura no campo ampliado” de Rosalind Krauss e como ele pode ser útil para compreender a produção de mulheres que apresentaram trabalhos tridimensionais nas mostras “Panoramas da arte atual brasileira” que ocorreram no MAM nas décadas de 1970 e 1980. 

Aula 05 – Tridimensionalidade na arte contemporânea e suas conexões com a cultura popular

• Reflexão sobre diferentes produções tridimensionais contemporâneas que buscam dialogar com práticas religiosas e artesanais, com enfoque para as obras de Celeida Tostes, Ernesto Neto e Rubem Valentim.

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Dúvidas:
cursos@mam.org.br
WhatsApp: 11 99774 3987

Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br)

créditos: Escultura (1973), de Felícia Leirner, Coleção MAM São Paulo

com Lorenzo Merlino

Datas: 26, 28 de maio, 02, 04, 09 e 11 de junho
Segundas e quartas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 06 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

Um dos fatores determinantes para o desenvolvimento e a difusão da Arte Moderna foi o surgimento de museus dedicados a ela. Desde o pioneiro MoMA, que serviu de referência para a criação do MAM, passando pela Tate, pelo Pompidou e pelo Orsay, esses novos espaços não apenas consolidaram movimentos artísticos inovadores, como também promoveram um novo entendimento sobre a função e o papel da arte na sociedade.

O curso oferecido pelo MAM propõe uma imersão nesse contexto histórico, abordando os principais marcos, correntes e artistas que moldaram o panorama da Arte Moderna, com ênfase na relação entre arte e museus enquanto instituições. Voltado a estudantes, profissionais das artes e da cultura, assim como interessados em expandir seus conhecimentos sobre a história da arte, o curso busca oferecer uma visão crítica e reflexiva sobre a evolução estética e conceitual nos séculos XX e XXI, convidando os participantes a explorar como a arte moderna desafia convenções e promove um diálogo constante entre passado, presente e futuro.

Programação

Aula 01 – MoMA: o pioneirismo na Arte Moderna sem ser o primeiro

• A fundação do MoMA e sua proposta de renovação artística
• Principais artistas e movimentos no acervo do MoMA
• O papel do MoMA na popularização da arte moderna nos Estados Unidos e no mundo

Aula 02 – MAM SP: a Arte Moderna no Brasil

• A fundação e a evolução do MAM SP como espaço de arte moderna
• A influência do MAM na cena artística nacional
• Exposições e artistas-chave na história do MAM SP

Aula 03 – As duas Tates: a Arte “Pré-Moderna” e Moderna no Reino Unido

• A criação da Tate e sua contribuição para a arte britânica moderna
• O impacto da Tate na cena internacional
• A Tate Modern e sua inserção no circuito da arte contemporânea

Aula 04 – Pompidou: a modernidade na França

• Do Luxembourg e Grenoble à criação do Centro Pompidou e sua proposta de ruptura com as tradições museológicas
• Arquitetura e inovação: o projeto de Renzo Piano e Richard Rogers
• A influência do Pompidou no debate sobre arte moderna e contemporânea

Aula 05 – Orsay: um novo museu no fim do século XX

• O salvamento e a conversão da antiga estação ferroviária
• O acervo do Orsay: da transição do Impressionismo à Modernidade

Aula 06 – As primeiras tentativas de museus de arte moderna

• O Museu de Grenoble, o Museu de Pintura Ocidental Moderna de Moscou, o Folkwang de Essen, o Museu de Arte de Łódź e o Museu Kröller-Müller de Otterlo

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Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br)

Créditos: Onça (1894), de Victor Brecheret, Coleção MAM São Paulo

com Mirella Maria

Datas: 15, 22, 29 de maio e 05 de junho
Quintas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 04 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 350,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

Este curso investiga as produções visuais de mulheres negras, traçando um percurso que vai da herança artística africana à cena contemporânea internacional. Estruturado em quatro módulos, o programa aborda criação artística, curadoria e educação a partir de uma perspectiva prático-teórica, combinando análise de obras, documentos históricos e produções contemporâneas. A proposta é refletir sobre como diferentes linguagens têm sido mobilizadas para contar histórias, questionar narrativas hegemônicas e propor novos imaginários.

Voltado a artistas, educadores, pesquisadores e interessados em arte e cultura visual, o curso oferece ferramentas para interpretar e tensionar representações estabelecidas, compreendendo como artistas negras contemporâneas têm reescrito narrativas visuais e criado novos espaços de visibilidade, agência e poder simbólico.

Programação

Aula 01 – Sobre percepções na produção intelectual de e para mulheres – Continente Africano

Esta aula introdutória explora perspectivas sobre arte, estética e cotidiano em diferentes regiões africanas, a partir de artistas mulheres contemporâneas. Analisaremos como essas criadoras articulam tradição e contemporaneidade por meio de linguagens visuais como fotografia, pintura, têxtil e instalação, abordando identidade, memória e poder.

Tópicos de discussão:

• Billie Zangewa (Malawi): cria colagens têxteis com cenas do cotidiano feminino, abordando identidade e empoderamento.
• Esther Mahlangu (África do Sul): adapta padrões Ndebele tradicionais à arte contemporânea.
• Aïda Muluneh (Etiópia): produz fotografias simbólicas e coloridas sobre identidade e história africana.
• Exposição: I Am… Contemporary Women Artists of Africa (2019–2023, Smithsonian).

Aula 02 – Representações e representatividades: Reescrevendo Olhares

A aula investiga a representação de mulheres negras na história da arte e como artistas contemporâneas subvertem essas narrativas visuais. Serão analisadas obras que confrontam estereótipos e constroem novas imagens sobre corpo, identidade e memória, destacando a arte como espaço de resistência.

Tópicos de discussão:

• Rainha de Sabá: figura mítica com representações variadas que revelam tensões raciais e culturais.
• Houria Niati (Argélia): crítica à representação orientalista das mulheres norte-africanas.
• Renée Cox (Jamaica/EUA): autorretratos que desafiam estereótipos raciais e de gênero.
• Lorna Simpson (EUA): combina imagem e texto para abordar identidade e memória.
• Exposições e acervos:
  • Histórias Afro-Atlânticas (2018, MASP/Instituto Tomie Ohtake).
  • Museu Afro Brasil – destaque à presença e criação de mulheres negras.
  • Zeitz MOCAA – When We See Us (2022–2023), pintura figurativa negra e autorrepresentação.

Aula 03 – Oceanos em diáspora: visualidades e ancestralidades

A aula aborda conexões entre África e suas diásporas por meio da arte têxtil. Veremos como artistas transformam técnicas tradicionais em narrativas visuais, atuando também como educadoras e agentes culturais.

Tópicos de discussão:

• Nike Davies-Okundaye (Nigéria): revitaliza a técnica Adire e promove o ensino artístico para mulheres.
• Bisa Butler (EUA): cria retratos com tecidos coloridos, reinterpretando fotografias históricas afro-americanas.
• Madalena Santos Reinbolt (Brasil): tapeçarias que narram cenas do cotidiano baiano com riqueza de cor e detalhe.
• Faith Ringgold (EUA): usa “story quilts” para narrar experiências afro-americanas.
• Exposição: The New Bend (2022, Hauser & Wirth) – quilting contemporâneo e herança de Gee’s Bend.

Aula 04 – Mulheres e suas estéticas sobre o cotidiano

A aula analisa como artistas contemporâneas transformam o cotidiano em narrativas visuais potentes, articulando o pessoal e o político. Com foco em produção, curadoria e arte-educação, discutiremos como essas mulheres criam e compartilham saberes através da arte.

Tópicos de discussão:

• Liliana Angulo Cortés (Colômbia): investiga identidade afro-colombiana com fotografia e instalação.
• Mary Sibande (África do Sul): utiliza a personagem “Sophie” para explorar identidade pós-colonial.
• Elidayana Alexandrino (Brasil): resgata memórias negras com foco em ancestralidade.
• Adrian Piper (EUA): performances e instalações que questionam raça, gênero e classe.
• Exposição: Carolina Maria de Jesus: Um Brasil para os Brasileiros (2021, IMS) – conexões entre literatura, arte e cotidiano.

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WhatsApp: 11 99774 3987

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créditos: Bastidores (1997), de Rosana Paulino, Coleção MAM São Paulo

com Paula Berbert

Datas: 11, 13, 18, 20, 25 e 27 de março de 2025
Terças e quintas-feiras
Horário: das 20h às 22h
Duração: 6 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Contempla certificado no final

Este curso oferece um panorama introdutório sobre os contextos contemporâneos da arte indígena no Brasil, com ênfase na crescente visibilidade dessas produções no cenário artístico.

Na primeira parte, a partir da análise de obras de artistas indígenas e de manifestações tradicionais de diferentes povos originários, as pessoas participantes serão convidadas a refletir sobre as perspectivas dos próprios indígenas em relação às suas formas de expressão artística. Também serão exploradas as múltiplas temporalidades que permeiam as práticas de artistas e curadories indígenas, considerando como essas práticas se vinculam às cosmovisões de seus povos, aos seus sistemas de arte e à resistência multissecular à colonização.

A segunda parte do curso será dedicada a estudos de caso. Analisaremos curadorias e projetos artísticos desenvolvidos por artistas indígenas em instituições e museus do sistema de arte não indígena, com destaque para as exposições Véxoa (Pinacoteca de São Paulo, 2020), Moquém_Surarî (MAM-SP, 2021), Nakoada (2022) e o Pavilhão Hãhãmpuá (Bienal de Veneza, 2024). Além disso, será discutida a experiência maxakali da Aldeia-Escola-Floresta como um projeto indígena de arte-educação comunitária, voltado para o fortalecimento dos conhecimentos tradicionais e a revitalização do território.

O curso será encerrado com uma sessão dedicada à análise de um último estudo de caso, escolhido pela turma, que servirá como base para uma reflexão final sobre os temas abordados ao longo das aulas, apontando possíveis desdobramentos e caminhos de pesquisa no campo das artes indígenas.

Programação

Aula 01 – Artes Indígenas em seus próprios termos

• Cosmovisões indígenas e sistemas de arte;
• Práticas artísticas tradicionais e contemporâneas: temporalidades cruzadas;
• Arte indígena contemporânea ou arte contemporânea indígena?

Aula 02 – Encontro entre mundos, encontros entre sistemas de arte

• Guerra colonial como modalidade de encontro e de relação;
• Formas de representação dos povos indígenas e de suas manifestações expressivas em diferentes momentos da história da arte ocidental no Brasil;
• Sentidos múltiplos das “apropriações” e “empréstimos” em contextos em que pessoas, objetos, conceitos e linguagens circulam entre mundos.

Aula 03 – Artes Indígenas, lutas políticas e ativismos 

• “Camada da resistência” sempre presente nas proposições artísticas e curatoriais indígenas;
• Arte Indígena Contemporânea e suas condições de possibilidade histórica;
• Protagonismos e auto-representações indígenas como forças de contra-efetuação das armadilhas coloniais;
• Artes indígenas e a possibilidade de construção de alianças.

Aula 04 – Curadorias Indígenas: estudos de caso

Análise de algumas experiências de curadorias indígenas em instituições de arte:

• Véxoa: nós sabemos, organizada em 2020 na Pinacoteca de São Paulo por Naine Terena;
• Moquém_Surarî: arte indígena contemporânea, organizada por Jaider Esbell e Paula Berbert no MAM – SP em 2021;
• Nakoada: estratégias para arte moderna, organizada por Denilson Baniwa e Beatriz Lemos no MAM – RJ em 2022;
• Pavilhão Hãhãwpuá, organizado por Arissana Pataxó, Denilson Baniwa e Gustavo Caboco Wapichana na Bienal de Veneza de 2024.

Aula 05 – “Arte Indígena Contemporânea de base comunitária”: estudo da experiência maxakali da Aldeia-Escola-Floresta

• Os Tikmũ’ũn e seus yãmĩyxop;
• A luta dos Maxakali por seu território e a retomada da Aldeia-Escola-Floresta;
• Arte indígena maxakali de base comunitária: reflorestamento como land art e oficinas de arte-educação.

Aula 06 – Estudo de caso à escolha da turma e fechamento do curso

• Análise da obra de um artista ou de projeto curatorial escolhido pela turma;
• Síntese dos conteúdos debatidos ao longo do curso;
• Perspectivas de pesquisas no campo das artes indígenas.

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Estudantes, professores e aposentados têm 10% de desconto
Dúvidas:
cursos@mam.org.br
WhatsApp: 11 99774 3987

Ao participar desta atividade/evento, você autoriza, de forma gratuita e definitiva, o MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, a utilizar sua imagem, voz, dados biográficos e sinais característicos, captados em vídeo, áudio, fotografia e prints, para fins de registro, divulgação e promoção das atividades do Museu, em quaisquer meios, veículos, suportes, mídias, métodos e tecnologias, tangíveis ou intangíveis. Caso você não queira que sua imagem seja divulgada, por favor informar o MAM (cursos@mam.org.br)

com Mirtes Marins

Datas: 20, 27 de janeiro, 03, 10 e 17 de fevereiro
Segundas-feiras
Horário: das 19h às 21h
Duração: 5 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Contempla certificado no final

O Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP), desde sua fundação, possui uma história que se confunde com a trajetória de seu acervo. A transição do museu-bienal para o museu atual marcou um momento-chave: a “perda” do acervo originário, hoje no MAC-USP. Essa mudança teve um impacto direto nas atividades e exposições do museu, e na conformação de uma coleção de arte contemporânea.

A maior parte da coleção atual foi formada entre as décadas de 1990 e 2000, representando quase 50% dos mais de 5 mil itens do acervo. Esse conjunto é constantemente revisado e expandido, consolidando o MAM como um espaço único para debates sobre o que é arte brasileira moderna e contemporânea.

O curso tem como objetivo disseminar o debate sobre a história do MAM-SP e o estudo de sua coleção, refletindo sobre a conformação de seu acervo e seu papel como espaço privilegiado para revisões e reflexões sobre a arte contemporânea. Voltado para estudantes e interessados em arte de forma geral, o curso busca compreender o Museu e sua coleção no contexto da produção artística contemporânea, com destaque para o Panorama da Arte Brasileira, realizado desde 1969 como marco central de sua atuação.

Programação

Aula 01 – Arco temporal sobre o MAM-SP
Breve história do MAM-SP: sua fundação e a organização da Bienal de São Paulo
Relações com o Museu de Arte de São Paulo (MASP) e com o Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC-USP)

Aula 02 – Panorama da Atual Arte Brasileira a partir de 1969
Panorama das edições a partir de 1969
Análise de algumas obras premiadas/adquiridas

Aula 03 – Análise de algumas edições e de obras premiadas até anos 1990
A ação curatorial
Análise de algumas obras premiadas
27º Panorama como estudo de caso (2001) e análise de obras adquiridas: Iran do Espírito Santo, série Ato Único

Aula 04 – Os debates contemporâneos presentes I
31º Panorama – Mamõyguara opá mamõ pupé
34º Panorama – Da pedra Da terra Daqui
Aquisições no contexto das exposições

Aula 05 – Os debates contemporâneos presentes II
34º Panorama – Da pedra Da terra Daqui
35º Panorama – Brasil por multiplicação
Aquisições no contexto das exposições

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com José Augusto Ribeiro

Quintas-feiras
Duração: 6 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 480,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

O termo “escrito de artista” não constitui gênero literário ou discursivo por abranger formas diversas: carta, tratado, manifesto, crítica, aforismo, ensaio, ficção. Mas, em geral, esse texto exprime as ideias que impregnam a realização da obra de seu autor.

A partir dos anos 1960, principalmente, o escrito de artista passa não só a sistematizar em palavras o pensamento do trabalho de arte, como passa a integrar ou a ser o próprio trabalho. Outras vezes, o texto assume a forma de conto, poesia ou romance, com maior ou menor vínculo com a obra de artes visuais.

O curso considera, então, essas várias possibilidades da escrita, ao selecionar para análise um conjunto de textos de artistas brasileiros, publicados a partir da metade do século XX, a fim de estabelecer um campo de pensamento sobre a produção contemporânea em que convergem aspectos da literatura, da filosofia e da política, junto com noções das disciplinas de teoria, história e crítica de arte.

Programação

Aula 01 – Os escritos teóricos de Waldemar Cordeiro, Hélio Oiticica e Lygia Clark

Aula 02 – Textos de intervenção publicados entre 1970 e 1990, no jornal Opinião e nas revistas Malasartes, A parte do fogo e Arte em revista

Aula 03 – A palavra nas obras de Artur Barrio e Waltercio Caldas

Aula 04 – Contos e poemas de Anna Maria Maiolino, Iberê Camargo e Antonio Lizárraga

Aula 05 – As narrativas ficcionais de Tunga e os fragmentos autobiográficos de José Leonilson

Aula 06 – Literatura e artes visuais nas produções de Nuno Ramos e Aline Motta

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com Lorenzo Merlino

Terças-feiras
Duração: 6 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 400,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

Este curso oferece uma análise inter-relacional entre a História da Moda e a História da Arte, destacando suas conexões com o contexto histórico, social, político e econômico. Frequentemente ensinadas de maneira dissociada, ambas as disciplinas são aqui exploradas como manifestações que se influenciam e refletem o espírito de sua época. Por meio de uma exposição cronológica e crítica, o curso visa proporcionar ao aluno uma compreensão ampliada dos movimentos artísticos e suas correspondências na moda. Incentivando um exercício relacional, o curso capacita os participantes a identificar e analisar novas relações, aplicáveis a diferentes áreas de estudo e trabalho.

Programação

Aula 01 – Apresentação e metodologia

• A Moda através da História da Arte
• Pré-História e as primeiras manifestações
• A Antiguidade e o surgimento do vestuário
• Roma e o apogeu da Antiguidade
• Antiguidade tardia e as novas perspectivas
• Bizâncio e a permanência de Roma

Aula 02 – Era Medieval – Renascimento Carolíngio, estilos Românico e Gótico

• O início da diferenciação por gênero
• Cruzadas e o aporte da opulência
• Os vários Renascimentos
• O humano no centro e o início da Moda – alteração de silhueta

Aula 03 – Barroco e Rococó

• Decoração, exagero e lisonja
• Os Habsburgo e Flandres, rigor e constrição
• A Academia e o Classicismo do Grande Século
• O início da preponderância francesa

Aula 04 – A Primeira Revolução Industrial

• A Inglaterra e suas influências
• Neoclassicismo – nobreza e burguesia, ousadia e conservadorismo
• Deformação do corpo e construção de silhueta
• As Revoluções e a influência inglesa – o câmbio da silhueta
• De fornecedores a artífices, e a disseminação da roupa

Aula 05 – O longo século 19 e o final de uma Era

• As bases do Moderno
• Restauração, Romantismo, Realismo – o começo dos ismos
• Revoluções Sociais e a Segunda Revolução Industrial
• Grandes Magazines e as mudanças no fornecimento da Moda
• O surgimento da Alta-Costura

Aula 06 – A aceleração do tempo e a aceleração da Moda

• Final de Século e o início do Moderno
• Impressionismo, Neoimpressionismo e Pós-Impressionismo
• A Modernidade e as Vanguardas europeias
• A Alta-Costura e o prêt-à-porter, e as primeiras relações diretas com a Arte
• A Segunda Guerra e a mudança de eixo
• Chanel e a invenção do estilismo

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com Tálisson Melo

Terças e quintas-feiras
Duração: 04 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00

Curso online
Ao vivo, via plataforma de videoconferência
Aulas gravadas disponibilizadas apenas por tempo determinado
Curso contempla certificado no final

Este curso parte de uma revisão da historiografia sobre a arte brasileira nos anos 1980, propondo uma perspectiva sociológica para análise da narrativa elaborada em torno da noção de geração, bem como suas implicações em termos de centralização e apagamentos. 

Abordando exposições de artes visuais realizadas no Brasil entre o final dos anos 1970 e 1980, o curso discute as principais transformações nas condições da produção, mediação e circulação da arte no país, considerando sua relação com as instituições (museus, universidades, centros culturais, bienais e salões), a imprensa e o mercado de arte.  Também propõe destrinchar acontecimentos e aspectos que revelam a complexidade e diversidade de manifestações culturais do período, opondo-se às visões que retratam esse momento da história brasileira como “década perdida”, demonstrando, assim, a importância e necessidade de se revisar o período.

Em especial, ressalta-se o papel dos artistas e instituições da década de 1980 na consolidação da arte contemporânea brasileira, incluindo a emergência da curadoria de exposições, a consolidação dos cursos de arte, a formação de uma rede de mercado para a arte contemporânea, e a criação de políticas culturais voltadas às artes visuais. Tomando os Panoramas do Museu de Arte de São Paulo nos anos 1980, busca-se discutir a convivência entre gerações de artistas e aspectos da cena nacional, enquanto o caso da participação brasileira na exposição Magiciens de la Terre, realizada em Paris, em 1989, é analisado para se pensar a projeção da arte brasileira no cenário internacional, bem como os caminhos que se abrem para a década seguinte.

Programação

Aula 01 – Explode geração!

• Década perdida e a historiografia sobre os 1980
• Abordagem sociológica sobre a categoria “geração” nas artes
• Arte brasileira para além do projeto construtivo

Aula 02 – Como Vai Você, Geração 80?

• A emergência da curadoria de exposições
• Corpo, espaço, linguagem e os media na arte brasileira
• Instituições de formação artística e embates geracionais

Aula 03 – Utopia versus Realidade

• Museus imaginários, cultura visual e citações
• O retorno da pintura
• Artistas entre instituições e mercado

Aula 04 – A trama do gosto

• A arte contemporânea entre local e global nas Bienais
• Os panoramas do MAM-SP nos 1980, entre modernos e contemporâneos
• Magiciens de la Terre e caminhos para a projeção de uma arte brasileira

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com Mirella Maria

Terças-feiras
Duração: 04 encontros
Público: interessados em geral
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Quais imagens vêm à mente quando você pensa na América Latina? Se aprofundarmos essa reflexão, conseguimos evocar cenários visuais ligados a artistas, exposições e obras de arte da região? Este curso propõe explorar essas questões, com o objetivo de analisar e apresentar as diversas narrativas visuais dos territórios geopoliticamente identificados como latinos.

Neste curso introdutório, focaremos nas narrativas visuais produzidas na América do Sul, no Caribe e no México, abrangendo principalmente o período do século XVIII ao XXI. Exploraremos diálogos interdisciplinares, utilizando uma variedade de mídias como leituras acadêmicas e materiais audiovisuais criados por estudiosos, ativistas, pensadores e artistas. A proposta é oferecer múltiplas perspectivas sobre a América Latina, enriquecendo a compreensão visual e promovendo um olhar além do senso comum.

O público-alvo deste curso são estudantes, profissionais das áreas de Humanas e a todos que se interessam por debates interdisciplinares, especialmente aqueles relacionados às Artes Visuais, Ciências Sociais, História, Geografia e afins.

Programação

Aula 01: De que História da Arte e América Latina estamos falando?

• Breve discussão sobre os conceitos de América Latina, Abya Yala e Améfrica Ladina
• Produção artística no período colonial nas Américas: arquitetura, pintura e escultura (foco em Brasil, Peru e México)

Aula 02: Narrativas visuais em instituições culturais e educacionais na América Latina

• Análise de museus, coleções e curadorias; construção de museus comunitários e virtuais
• Escolas e currículos, movimentos de integração de arte e educação em espaços educacionais

Aula 03: Movimentos de luta e resistência na História da Arte na América Latina

• Produções artísticas nos períodos de ditaduras no Brasil e Chile: Cildo Meirelles, Ilê Ayê, Arpilleras no Chile
• Mudanças climáticas e artes visuais: o contexto do Caribe
• Artistas em Cuba: Celia y Yunior
• Artistas em Porto Rico: Sofía Galissá Muriente e Javier Román
• Arte política: Tania Bruguera, Carlos Martiel, Vink Art y Torch Místico e Mori Vivi

Aula 04: As Relações do Brasil com o contexto latino-americano

• Compreensão e visualização das discussões sobre América Latina/Améfrica Ladina no contexto artístico brasileiro
• Análise das produções artísticas e artistas no Brasil nos séculos XX e XXI (artistas como Hélio Oiticica, Salissa Rosa e Paulo Nazareth)

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créditos: Geiger, Anna Bella Brasil, 1500-1996

com Daniela Labra

Datas: 25 de julho, 01, 08 e 15 de agosto
Quintas-feiras
Horário: das 18h às 20h30
Duração: 4 encontros
Público: interessados em geral
Investimento: R$ 320,00

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O curso discute a produção e circulação da arte moderna brasileira desde o início da década de 1940 até 1970. Investigamos o contexto e a internacionalização da linguagem moderna brasileira figurativa e seu processo de abstração, o caminho construtivo no Brasil, as vanguardas neoconcretas, a Nova Objetividade, as experiências com o corpo, a crítica sócio-política na arte pós-1964, as proposições conceituais e figurativas da década seguinte que metabolizaram, criticamente ou não, o legado modernista.

Partimos das exposições Portinari do Brasil, 1940, e Brazil Builds, 1943, no MoMA em Nova York, e fechamos o programa com Do Corpo à Terra, Belo Horizonte, 1970, e Domingos da Criação, Rio de Janeiro, 1971. Estudamos estas e outras exposições icônicas da historiografia de arte moderna no Brasil para, por fim, refletirmos como a noção de vanguarda moderna brasileira reverbera, informa, constrói e é desconstruída na prática artística contemporânea.

Programação

Aula 01

• Portinari do Brasil: Representação oficial e moderna de povo brasileiro
• Brazil Builds: A arquitetura intitulada brasileira
• A exposição Modern Brazilian Painters: Internacionalização da arte brasileira pitoresca

Aula 02

• Informalismo e o abstracionismo geométrico no Brasil
• O design moderno
• Os museus de Arte Moderna e a Bienal de São Paulo: símbolos civilizatórios do Sudeste

Aula 03

• A vanguarda Neoconcreta e a teoria do Não Objeto: tempo e ato em obra
• Figurações e desfigurações do Brasil em tempos de ditadura
• Nova Objetividade Brasileira, Opinião 65, CPC da UNE, Cinema Novo, a Tropicália e outras artes políticas

Aula 04

• O ato como protesto e arte: Do Corpo à Terra e Domingos da Criação
• Anos 1970: Metabolização do moderno em Cildo Meireles, Paulo Bruscky, Waltércio Caldas, Ana Maria Maiolino, Anna Bella Geiger, Barrio, Abdias Nascimento, Wanda Pimentel, Mary Vieira e outros.
• Caminhos abertos para práticas contemporâneas na arte brasileira.

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créditos
Envolvimento 4 (1973), de Wanda Pimentel
Coleção MAM São Paulo