Rafael RG (1986) Vive e trabalha entre Guarulhos (SP), São Luís do Maranhão (MA) Recife (PE). É formado em Artes Visuais pela Belas Artes de São Paulo. (Bolsista PROUNI – 2010). Participou de mostras e festivais em cidades do Brasil e em outros países. Recebeu, entre outras premiações, o 1º Prêmio Foco ArtRio, o Prêmio Honra ao Mérito Arte e Patrimônio/ IPHAN, o Prêmio aquisição do Centro Cultural São Paulo, Bolsa Iberê Camargo para residência no Künstlerhaus Bremen (Alemanha), Bolsa Pampulha para residência no Museu de Arte da Pampulha (MG), entre suas residências recentes estão Gasworks em Londres (2018) Black Rock Senegal em Dakar (2019), Triangle France – Astérides em Marseile (2020) e YBYTU (2021) e Residência artística da FAAP (2022) ambas em São Paulo, The 55 project, Miami (2022) e Palais do Tokyo em Paris (2023).

Em sua prática artística, RG costuma trazer duas fontes para construção de seus trabalhos: uma documental e outra afetiva, em geral por meio do uso de documentos garimpados em arquivos institucionais ou pessoais associados a narrativas que podem envolver sua pessoa ou um alter ego. A interação entre essas territorialidades resulta em obras que quase sempre se aproximam de uma ficção, ou de uma noção tensa de ficcionalidade. Relações afetivas e sexuais e suas implicações políticas, e questões de identidade racial têm sido suas áreas de interesse atuais. Essas pesquisas geralmente se desdobram em workshops, instalações, textos performativos, publicações e objetos.

A MIR é um estúdio especializado em criar experiências através da tecnologia.  Encabeçado pelos mineiros Brayhan Hawryliszyn, Breno Barreto e Yonanda Santos, o estúdio desenvolve ambientes imersivos, instalações interativas, video mapping e todo tipo de ação que integra arte, design e tecnologia. Fundada em 2012, a MIR já criou obras como Cobra Arco Íris/ Bo’eda Pirõ em parceria com Daiara Tukano, Abissal, Drusa e Infinito Perpétuo. Também desenvolveu exposições como 50 anos em 5 atos, em comemoração aos 50 anos do Palácio das Artes e fez parte da concepção de aparelhos culturais como o Centro de Memória Usiminas em Ipatinga e o Museu da Gruta do Maquiné em Cordisburgo.

É educadora, artista visual e designer. Seu percurso acadêmico é composto pela formação em Design Gráfico pela UMC; licenciatura em Artes Visuais pela FPA e segue em curso a pós-graduação A Natureza Que Somos Filosofias e Práticas para uma Atuação Genuína no Mundo pela A Casa Tombada. Atuou como professora de dança e atualmente é educadora no Museu de Arte Moderna de São Paulo. Sua pesquisa permeia experimentações em diferentes linguagens artísticas nas quais é possível brincar. Acredita que a infância é um estado de se viver que não se limita a uma única fase da vida e que os pássaros estão entre os seres mais criativos desta Terra.

Amanda Alves Vilas Boas Oliveira ou Amanza é estudante de História da Arte na Universidade Federal de São Paulo (UNIFESP). Formada em Técnico de Comunicação Visual. Realizou oficinas de desenho de observação no Safo Coletivo e foi organizadora do Slam Tiquatira em 2018. Em 2020 finalizou a Iniciação Científica sobre “Mapeamentos e reconhecimento dos coletivos culturais da COHAB II – Itaquera” pela Unifesp Zona Leste. Atualmente, é artista-educadora em museus, pesquisadora e fotojornalista. Suas produções se relacionam com o tema do direito à cidade, ocupação do espaço urbano e coletivos culturais periféricos.

Dançarina e artista visual, pesquisa cultura popular e tradições afro-diaspóricas. Acredita que as tradições de terreiro, memórias, imaginário popular e a conexão com a natureza são estímulos de conexão do pensamento e consciência da relação do corpo com os espaços em que habita.

Maranhense residente no bairro do Ipiranga/Heliópolis há 24 anos, é ogã na umbanda e atualmente estuda os toques do candomblé ketu.

Ogã e Opa Otun no Ilê Àse Bomin, de Nação Ketu, atua há doze anos como produtor cultural, especializado em projetos culturais, gestão de eventos e produção musical. Apaixonado pela valorização da cultura e pelo impacto social por meio da arte e da educação.

Fábio de Sá é formado em Letras/LIBRAS, fez curso de teatro em acessibilidade. É professor, ator, artista, consultor de peça de teatro em libras e revisor de LIBRAS. Atuou como professor de Libras na PUC-SP, CES Rio Branco e Senac. Ministrou workshops de Visual Vernacular em países como Chile, Colômbia, Costa Rica e Brasil. Apresentou poesias utilizando o Visual Vernacular e Poesia em Libras na França, Chile, Colômbia, Japão e Brasil. Participou do Festival Clin d’Oeil na França e do Septimo Festival Internacional Arte Sordo Visual Vernacular em 2019.

Fábio de Sá é formado em Letras/LIBRAS, fez curso de teatro em acessibilidade. É professor, ator, artista, consultor de peça de teatro em libras e revisor de LIBRAS. Atuou como professor de Libras na PUC-SP, CES Rio Branco e Senac. Ministrou workshops de Visual Vernacular em países como Chile, Colômbia, Costa Rica e Brasil. Apresentou poesias utilizando o Visual Vernacular e Poesia em Libras na França, Chile, Colômbia, Japão e Brasil. Participou do Festival Clin d’Oeil na França e do Septimo Festival Internacional Arte Sordo Visual Vernacular em 2019.

Vivian Catenacci é antropóloga, produtora rural e cultural, mãe brincante, artista narradora e escutadeira de histórias. Realiza rodas de contos e desenvolve pesquisas, projetos de formação e vivências intergeracionais sobre o livre brincar e aprender; narração oral e mediação de leitura desde os bebês. Co-idealizadora e produtora do Núcleo Boca da Mata – Agroecologia e Cultura, em Piracaia-SP. Integra o GT Infâncias da Associação Brasileira de Agroecologia (ABA) e o Coletivo Portal das Histórias ( www.portaldashistorias.com.br).

Vivian Catenacci é antropóloga, produtora rural e cultural, mãe brincante, artista narradora e escutadeira de histórias. Realiza rodas de contos e desenvolve pesquisas, projetos de formação e vivências intergeracionais sobre o livre brincar e aprender; narração oral e mediação de leitura desde os bebês. Co-idealizadora e produtora do Núcleo Boca da Mata – Agroecologia e Cultura, em Piracaia-SP. Integra o GT Infâncias da Associação Brasileira de Agroecologia (ABA) e o Coletivo Portal das Histórias ( www.portaldashistorias.com.br).

Artista, coreógrafo e pesquisador. Formado em Artes pela Universidade Federal Fluminense e mestre em Artes (Estudos Contemporâneos das Artes) pela mesma instituição. Ele foi premiado com o ImPulsTanz – Prêmio de Jovens Coreógrafos 2022 e o Prêmio Artlink – 100 artistas de todo o mundo, 2022. Participou como um dos artistas da 35ª Bienal de São Paulo. Coreografou a obra “Variação” para o Balé da Cidade de São Paulo. Desde 2011, ele tem apresentado seu trabalho em galerias de arte e festivais nacionais e internacionais, incluindo a Universidade da Pensilvânia (EUA), My Wild Flag (Estocolmo), Pivô (São Paulo), Centro Cultural de Belém (Lisboa), Rua das Gaivotas 6 (Porto), Bienal Sesc de Dança, MITsp – Festival Internacional de Teatro de São Paulo, Festival Les Urbaines (Suíça), Arsenic – Centro de Arte Cênica Contemporânea (Suíça), Galeria Vermelho (São Paulo), Valongo Festival Internacional da Imagem (São Paulo), Museu de Arte do Rio de Janeiro (Rio de Janeiro), Programa Rumos Itaú Cultural 2021, Festival Programme Commun 2024, Arsenic (Suíça), Sâlmon Festival d’arts vives de (Barcelona), Zodiak — Center for New Dance (Finlândia), Panorama Festival (Rio de Janeiro), 5ª Mostra de Dança Itaú Cultural (São Paulo), Buddies In Bad Times Theatre, Toronto (Canadá), Mendes Wood DM (São Paulo) e residência no ImPulsTanz 2022 [8: tensão] Série de Jovens Coreógrafos (Áustria), La Becque (Suíça), Tanzhaus NRW (Alemanha), Programa de Pesquisa em Arte Pivô, Programa de Residência em Pesquisa de Artes do MAM Rio e Escola Livre de Artes – ELÃ, entre outros. Ele dirigiu o filme “Delirar o racial” em parceria com o artista Wallace Ferreira, uma obra encomendada pelo Programa Pivô Satélite em 2021. Baseado em pesquisa corporal, sua prática enfrenta o constante desafio de posicionar a coreografia e a racialidade para responder às condições onto-epistemológicas do pensamento moderno. Seu principal projeto consiste em analisar as conjunturas em que a violência.

Dançarina e artista visual, pesquisa cultura popular e tradições afro-diaspóricas. Acredita que as tradições de terreiro, memórias, imaginário popular e a conexão com a natureza são estímulos de conexão do pensamento e consciência da relação do corpo com os espaços em que habita.

Maranhense residente no bairro do Ipiranga/Heliópolis há 24 anos, é ogã na umbanda e atualmente estuda os toques do candomblé ketu.

Ogã e Opa Otun no Ilê Àse Bomin, de Nação Ketu, atua há doze anos como produtor cultural, especializado em projetos culturais, gestão de eventos e produção musical. Apaixonado pela valorização da cultura e pelo impacto social por meio da arte e da educação.

É educador e artista visual. Formado em Licenciatura em Artes Visuais, atualmente se especializando em educação inclusiva, investigando práticas sinestésicas e multissensoriais em arte-educação, visando a acessibilidade cultural e inclusão de pessoas com deficiência. Trabalhou com educação não formal no terceiro setor e atualmente integra a equipe educativa do Museu de Arte Moderna de São Paulo.

Vive e respira arte, é surda e atua como artista, designer, ilustradora e professora de artes. Formada em Design Gráfico pelo Centro Universitário Belas Artes de São Paulo, técnica em Produção de Moda pelo Senac Lapa Faustolo e pós-graduanda em arte educação pelo Senac. Sempre procurando adquirir novos conhecimentos.

Mineira de Belo Horizonte, é atriz, cantora, educadora e produtora cultural radicada em São Paulo, atuando há mais de 17 anos no carnaval e nos palcos da cidade. Integrou grupos, cantou e gravou com artistas como Bukassa Kabengele, Lenna Bahule, Nega Duda, Ilú Obá de Min, Festa da Massa e Samba Negras em Marcha. Desenvolve preparação vocal dramatúrgica para grupos de Teatro e ministra aulas e oficinas voltadas ao estudo da voz e interpretação com ênfase em canto e consciência corporal para músicos, atores e educadores.

Karen Ramos é sócia fundadora/diretora de projetos do Ateliê Quero Quero marcenaria inventiva que tem como foco os espaços de aprendizagem. É licenciada em Pedagogia, especialista em gestão escolar, Mestre em História e historiografia da Educação e Doutora em Educação pelo Programa de Estudos Pós-Graduados em Educação: Psicologia da Educação da PUC-SP. Ministra cursos de formação de professores na Rede pública e particular de ensino. Já atuou como coordenadora de núcleos de educação de 0 a 3 anos e 3 a 6 e também no Ensino Fundamental I. Realiza grupos de estudos como estratégia formativa sobre a abordagem Reggio Emília, Emmi Pikler, Projetos investigativos, documentação pedagógica e Arquitetura Escolar com enfoque no espaço educador. Fez cursos de aprofundamento na Itália, Peru, Canadá e Argentina sobre abordagem Reggio Emília.

Edinho Santos é Surdo e atua como pedagogo, ativista, bartender, produtor, ator e Poeta. Como produtor, organizou eventos como Vibração, O bloco Vibramão, Sencity- MAM/SP e Setembro Azul, no Itaú Cultural. Como educador, compôs a equipe do Museu Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP), do Museu do Futebol e do Museu Afro Brasil. Faz parte da organização Slam de Surdes.

Victória Oliveira é uma educadora que descobriu paixão pelas questões que tangem a acessibilidade, principalmente direcionada ao público surdo. Entusiasta pelo poder do som e das palavras, assumiu o seu desejo de criar universos imagéticos a partir dos acessos e vivências para com o mundo e as pessoas. É pós-graduada em Tradução, Interpretação e Docência em Libras pela Faculdade Unintese. Atualmente cursa pós-graduação Tradução e
Interpretação em Libras: Arte, Cultura e Educação pelo Instituto Singularidades e é mestranda na área de Educação, Acessibilidade e Formação de Professores pela Faculdade de Educação da USP. Atua como tradutora e intérprete de Libras e é idealizadora da Azuka, um projeto que mistura literatura e Libras para crianças, e lançou o livro infantil chamado Meu avô que me ensinou, sendo um livro acessível em Libras. Também trabalha com os poetas surdos Edinho Santos e Cathy Moreira, com quem organiza o Slam das Manas em Libras

Mestre em Artes Visuais na Escola de Comunicação e Artes da USP. Trabalha com mídias variadas, interessado na fronteira entre o natural e o construído, em especial atenção sobre a floresta e o continente sul americano. É colaborador há 8 anos no território da BR 319 no Amazonas. Principais exposições estão as individuais Cobra Grande (Museu de Arte Moderna de São Paulo, 2022), Terra de Ninguém (Galeria Leme, 2020), Cobra Criada, (Galeria Athena, 2019), Próprio Impróprio (Galeria Leme, 2016), Fogo na Babilônia (Pivô, 2015), as coletivas Obscura Luz, com curadoria de Kiki Mazuchelli, Ecologias Radicales, BIENALSUR, Com o ar pesado demais para respirar, curadoria de Lisette Lagnado, Caixa Preta (Fundação Iberê Camargo) curadoria de Fernanda Brenner, Eduardo Sterzi e Verônica Stigger, Bienal de Foto e Vídeo de Brandt (Dinamarca, 2016), Si no todas las armas, los cañones – Matadero Madrid, Até Aqui Tudo Bem (White Cube São Paulo). Residências e bolsas: Despacio, Costa Rica (2018), PIMASP, Museu de Arte de São Paulo (2016/17), Intervalo Escola, Amazonas (2017), KIOSKO, Bolívia (2015); El Ranchito – Matadero, Madri (2014), 5ª edição da Bolsa Pampulha, Belo Horizonte (2013/14), Centro de Investigaciones Artisticas, Buenos Aires (2013), Ateliê Aberto #6, Casa Tomada (2012) e Red Bull House of Art, SP (2011).

É professor do Museu de Arqueologia e Etnologia da Universidade de São Paulo, onde ensina na Graduação e Pós-Graduação, e do Programa de Pós-Graduação em Ciências do Ambiente da Universidade Federal do Amazonas. Realiza pesquisas e orienta trabalhos acadêmicos na bacia amazônica. Foi consultor para a implementação do Curso Superior de Tecnologia em Arqueologia da Universidade do Estado do Amazonas. Presidiu a Sociedade de Arqueologia Brasileira entre 2009 e 2011.

Obirin Odara é doutoranda em filosofia (UFRJ), mestra em políticas sociais e assistente social de formação (UnB). Idealizadora da plataforma “Não me colonize”, na qual possui projetos de letramento decolonial e racial desde 2020, onde destacam-se os cursos “Colonialidade e branquitude”, “descolonizando o conhecimento” e o projeto de “ORÍentação afetiva”. Possui experiência como liderança no terceiro setor, no setor público e no setor privado. Pesquisadora sobre os temas de colonialidade, decolonialidade, branquitude, tempo e tecnologias. Educadora e comunicadora, vê na palavra a ferramenta tecnológica indispensável para o processo de cura do banzo negro na diáspora.

Ariana Nuala nasceu em Recife (PE), onde vive e trabalha. É educadora, pesquisadora e curadora que se envolve com coletivos artísticos para discutir dinâmicas de poder, impermanência e diáspora. Ela combina estratégias que surgem do corpo para seu exercício na escrita, moldando sua prática curatorial de forma poética. Tem formação em Lic. em Artes Visuais pela UFPE e atualmente é mestranda em História da Arte na UFPB, com experiências acadêmicas na UNAM e CLACSO. Ocupa o cargo de Gerente de Educação e Pesquisa na Oficina Francisco Brennand, instituição onde já foi curadora, e também já foi Coordenadora de Educação no Museu Murillo La Greca (2018-2020). Foi curadora da exposição Invenção dos Reinos em conjunto com Marcelo Campos na Oficina Francisco Brennand. Colaborou com galerias como Marco Zero (PE) nas exposições As Janelas de Bajado. de Bajado, e Festa para o Caçador, de Gilvan Samico; com a Verve na exposição Vira-casaca, de Fefa Lins (SP); com a Almeida e Dale (SP) na exposição coletiva Arqueia mas não quebra, em colaboração com Germano Dushá e Rafael RG; com a Cavalo na exposição Labirintos Vivos, de Ana Clara Tito (RJ); com a Nara Roesler (SP) na exposição Infinito outros, de José Patrício, entre outras colaborações, como na curadoria da exposição Além. Aquém. Aqui. de Abiniel João Nascimento no Centre d’Art Contemporain Paradise (França) e na curadoria da exposição coletiva Estratégias para o contorno  que circulou em várias unidades do SESC PE. Foi também orientadora da residência PEMBA no projeto DOS BRASIS e colabora em júris artísticos e na criação de residências para agentes das artes.

Jéssica Cerqueira é produtora cultural e de eventos, gestora de projetos, pesquisadora e educadora popular. Pós-graduanda em Mídia, Informação e Cultura (CELACC/ECA-USP), é formada em Turismo pelo Instituto Federal de São Paulo, com especializações em gestão de projetos sociais pela ETEC CEPAM e em Inovação Social pelo Instituto Amani. Experiência em iniciativas que conectam cultura, tecnologia e inclusão, com destaque para o desenvolvimento do workshop #Ondeéorole, que explora o direito à cidade e o acesso livre à informação a partir das periferias. Atua como consultora em diversidade e práticas culturais e integra projetos como o Quebradamaps, Labhacker e o Gato Mídia, onde é coordenadora executiva.

Advânio Lessa nasceu e vive até hoje em Lavras Novas, distrito de Ouro Preto (MG). Tanto a sua terra de origem, marcada pela herança quilombola, quanto os ofícios de seus pais (tropeiro e cesteira), são partes fundamentais do universo que irriga a sua poética. Realizando esculturas de grande escala a partir de troncos de madeira de árvores mortas, raízes e trançados de cipó, o artista vincula os conhecimentos da cestaria e da marcenaria com as madeiras e fibras encontradas nas matas da região de Ouro Preto: Cipó Alho, Cipó São João, Candeia, Jacarandá, Folha Miúda e Alecrim. É em estreito diálogo com esse repertório que Lessa, que também é agricultor, realiza suas peças. Nesse sentido, não nos parece enganoso afirmar que a natureza aqui é uma espécie de co-autora de suas obras.

A produção do artista ganha o mundo munida, a um só tempo, de uma intensa  eloquência formal e de uma relevante conotação discursiva. Suas esculturas, cujas escalas se aproximam àquela do corpo humano, atestam uma relação de reciprocidade entre nós e tudo aquilo que é vivo ao nosso redor. Nesse sentido, ressoam uma tendência importante da atualidade: no lugar de epistemologias caras a um modo Ocidental de conceber o mundo, para as quais nós humanos estamos sempre em posição superior, entram em cena cosmologias onde testemunha-se uma relação não hierárquica entre todos os seres vivos.

Josi é Artista e educadora. Criada em Carbonita, no Vale do Jequitinhonha, vive em Belo Horizonte (MG). É formada em Letras pela UFMG e nas caminhadas pela educação pública de Belo Horizonte realizou inúmeros trabalhos de teatro com crianças e adolescentes. Seus interesses se trançam a partir de saberes que se encontram na musculatura das suas mãos, como as artesanias varias, a pintura, a lavação de roupa, a escrita, o desenho, a cozinha, a cerâmica e as animações.

Artista, arte-educadora, doutoranda em Artes Visuais pelo Instituto de Artes da Unesp, vem realizando exposições, oficinas e residências artísticas no Brasil e no exterior. Sua produção abarca diferentes linguagens, vídeo, vídeo-performance, pintura, fotografia e instalação.

Curadora, pesquisadora, educadora. Trabalha com museus, bibliotecas, universidades, escolas e instituições culturais, coordenando programas públicos de pesquisa, educação, mediação e formação, realizando pesquisas em territórios de povos tradicionais, curadorias de exposições, organizando publicações e residências a partir das temáticas relacionadas ao “fazer junto”.

Filipe Pereira é graduado em História pela Universidade Católica do Salvador (2008),

pós-graduado em Game Design pela Universidade do Estado da Bahia – UNEB (2012) e Mestrando em Educação e Contemporaneidade também pela Universidade do Estado da Bahia – UNEB, onde pesquisa a produção de Game Design voltado para jogos digitais educativos. Trabalha desde 2016 como Diretor Executivo, Produtor e Game Designer Líder na Aoca Game Lab, empresa baiana de desenvolvimento de games da qual é sócio e fundador. Atua também como Professor Substituto na UNEB Campus I, estando vinculado ao Colegiado de Jogos Digitais como Docente da Graduação Tecnológica em Jogos Digitais desde 2017.

Juno B. nasceu no Ceará, atualmente mora em São Paulo. Artista transdisciplinar não binário, incorpora vídeo, fotografia, 3D, texto e escultura em instalações imersivas. Em seu trabalho propõem experimentos, fabulações e diálogos baseados em discursos não hegemônicos e hipóteses de modos mútuos de estar no mundo. A sua prática transita entre a desobediência de género, mutações transespecíficas, conflitos tóxicos, migrações climáticas e paisagens adaptativas; tensionando as noções visíveis do humano e os limites entre estética, ética e política. Participaram das Residências Artísticas: Travessias Ocultas – Lastro in Campo Brasil-Bolívia (2017) / Materia Gris – La Paz, Bolívia (2017) / Zona de Contencioso – Ceará e Piauí, Brasil (2020), Belluard Bollwerk, Friboug, Suíça e Programa Pivô Pesquisa, São Paulo, Brasil (2021). Recentemente colaborou nos projetos: Museu Itamar Assumpção, plataforma Lastro.

Jonas Van é artista transnordestino e cozinheiro. A sua prática está inscrita entre a desobediência de gênero, linguagem e naturezas monstruosas, por meio de som-vídeo, instalações efêmeras e texto. Seu trabalho propõe narrativas ficcionais profundamente íntimas, fraturas linguísticas e temporais numa perspectiva anticolonial. Esteve em residência no México, Bolívia, Portugal, Espanha, Brasil e Suíça. Mestrando em artes visuais – CCC (estudos em Crítica, Curadoria e Cibernética) na HEAD, Genebra, Suíça.

Jéssica Cerqueira é produtora cultural e de eventos, gestora de projetos, pesquisadora e educadora popular. Pós-graduanda em Mídia, Informação e Cultura (CELACC/ECA-USP), é formada em Turismo pelo Instituto Federal de São Paulo, com especializações em gestão de projetos sociais pela ETEC CEPAM e em Inovação Social pelo Instituto Amani. Experiência em iniciativas que conectam cultura, tecnologia e inclusão, com destaque para o desenvolvimento do workshop #Ondeéorole, que explora o direito à cidade e o acesso livre à informação a partir das periferias. Atua como consultora em diversidade e práticas culturais e integra projetos como o Quebradamaps, Labhacker e o Gato Mídia, onde é coordenadora executiva.

O Mexa foi criado em 2015 após episódios de violência em algumas casas de abrigo em São Paulo. Desde sua gênese, o coletivo explora e debate as distâncias e proximidades entre a rua e o museu, a vida e a arte, a política e a estética por meio de estratégias de improvisação, biodrama, teatro documentário e criação coletiva.

O grupo se apresentou em diversos espaços e festivais, como a 14a VERBO (2018), a 11a e 13a Bienal Sesc de Dança (2019 e 2021), a 6a Mostra Internacional de Teatro (2020), o Festival Panorama Jangada (2021), o Arte Passagem (2022) e o Festival Mamba Negra (2022). Participaram também das exposições Histórias de Dança (Museu de Arte de São Paulo, 2020), Somos muit+s (Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2021), Começo de século (Galeria Jaqueline Martins, 2021). Em 2023, MEXA estreou o espetáculo Poperópera Transatlântica em Berlim (Hau Theatre), que foi também apresentado no Kunstenfestivaldesart (em Bruxelas), Lisboa (Teatro do Bairro Alto), Hamburgo (Kampnagel) e Leeds (Transform Festival). Em 2019, Mexa recebeu o Prémio Denilto Gomes de Dança na categoria “visões da estética negra e de género”. Desde 2016, o MEXA é um grupo residente da Casa do Povo.

Vivian Catenacci é antropóloga, produtora rural e cultural, mãe brincante, artista narradora e escutadeira de histórias. Realiza rodas de contos e desenvolve pesquisas, projetos de formação e vivências intergeracionais sobre o livre brincar e aprender; narração oral e mediação de leitura desde os bebês. Co-idealizadora e produtora do Núcleo Boca da Mata – Agroecologia e Cultura, em Piracaia-SP. Integra o GT Infâncias da Associação Brasileira de Agroecologia (ABA) e o Coletivo Portal das Histórias ( www.portaldashistorias.com.br).

A Coletiva Literária Sarau Poesia de Esquina é uma coletiva independente de São Paulo desde maio de 2017, onde teve sua atividade, Sarau Poesia de Esquina, dentro da programação Meu Ibira, do Parque do Ibirapuera. Foi um dos saraus citados em uma matéria no Jornal Estadão, onde é indicado na Seleção de saraus e slams em espaços culturais, parques e bibliotecas (2019). Idealizadora do Quintal da Poesia (2021), encontro com destaque para artistas independentes com obra literária lançada, e do Avoá – Primeiro Torneio de Curtinhas do Sudeste, onde incentiva a escrita e o desbloqueio de inspiração.

Karen Montija, é mestra em Acessibilidade Estética pela ECA (USP), Artista Visual pelo IA (UNESP) e Fotógrafa pelo Senac.  É educadora há 15 anos e, desde 2013, trabalha como coordenadora de equipes educativas, construindo propostas pedagógicas multidisciplinares, interdisciplinares e transdisciplinares, em instituições como o Centro Cultural do Banco do Brasil e o Sesc São Paulo. Há mais de 10 anos, pesquisa acessibilidade e cria objetos mediadores, audiodescrições, ambientes interativos e ações interdisciplinares que medeiam Artes Visuais e Patrimônio Cultural – incluindo espaços sensoriais que atendem cegos, espetáculos teatrais e musicais para surdos e programas para pessoas em situação de vulnerabilidade social.

Cia Cabelo de Maria é um grupo musical fundado em 2006 por Renata Mattar com o músico Gustavo Finkler. De lá para cá foram seis álbuns gravados e dez espetáculos, entre eles Cantos de Trabalho I e II (selo SESC SP), Baianá – Parece Cinema e São João do Carneirinho (Selo Pôr do Som) e POIN – Pequena Orquestra Interativa (Selo Circus).

É Tata Xikarangoma da nação Angola, Contra Mestre de Capoeira e músico acompanhante de artistas como Ramiro Mussoto, Carlinhos Brown, Margareth Menezes, Rafael Pondé, Lazzo Matumbi, Lilica Rocha entre outros. Formado na Escola de Educação Percussiva Integral (EEPI), licenciando em música pela (UFBA) Universidade federal da Bahia, Ativista cultural em eventos nas comunidades do Cabula, Salvador-Ba desde o ano de 2009, idealizador dos projetos OBA DX Orquestra de Berimbaus Afinados, Mãos no Couro curso de percussão, Samba de Terreiro, Ngoma Móvel e a Escola de Artes e Espaço Cultural Esse é Nosso. Arte educador nos programas Projovem Adolescente Bahia, Mais Educação, Corra Pro Abraço – Desenvolvido com população em situação de rua e Escola Comunitária São Miguel. Supervisor artístico no Evento Protagonismo e Empreendedorismo dentro da capoeira que ocorreu na cidade de Cachoeira Bahia, Coordenador do Eixo Capoeira tem magia dentro dos festivais internacional Ancestralidade e Resistência.

É Tata Xikarangoma da nação Angola, Contra Mestre de Capoeira e músico acompanhante de artistas como Ramiro Mussoto, Carlinhos Brown, Margareth Menezes, Rafael Pondé, Lazzo Matumbi, Lilica Rocha entre outros. Formado na Escola de Educação Percussiva Integral (EEPI), licenciando em música pela (UFBA) Universidade federal da Bahia, Ativista cultural em eventos nas comunidades do Cabula, Salvador-Ba desde o ano de 2009, idealizador dos projetos OBA DX Orquestra de Berimbaus Afinados, Mãos no Couro curso de percussão, Samba de Terreiro, Ngoma Móvel e a Escola de Artes e Espaço Cultural Esse é Nosso. Arte educador nos programas Projovem Adolescente Bahia, Mais Educação, Corra Pro Abraço – Desenvolvido com população em situação de rua e Escola Comunitária São Miguel. Supervisor artístico no Evento Protagonismo e Empreendedorismo dentro da capoeira que ocorreu na cidade de Cachoeira Bahia, Coordenador do Eixo Capoeira tem magia dentro dos festivais internacional Ancestralidade e Resistência.

Marina Woisky parte de imagens de objetos decorativos e de ornamentos com formas orgânicas como substrato para sua produção. Distorcidas, deslocadas e comprimidas pelas sucessivas transposições materiais e pela passagem do tempo, tais imagens são transformadas pela artista em animais e paisagens extraordinários e quiméricos, apresentados em obras que se posicionam no limiar entre a bi e a tridimensionalidade. Com isso, a artista aborda a representação, problema fundamental das artes e noções de gosto, assim como o próprio estatuto imagético na sociedade contemporânea.

Joseca nasceu na década de 1970, na região do Demini, Terra Indígena Yanomami, e começou a desenhar e a esculpir animais notáveis em madeira no início dos anos 2000. Antes disso, ele havia sido o primeiro estudioso de línguas e professor da comunidade Watorikɨ, no início dos anos 1990 e também o primeiro Yanomami a trabalhar na área de saúde. Desde 2003, as obras do artista são exibidas em importantes instituições de arte e ajudam a fortalecer a luta Yanomami e a divulgar os saberes dos indígenas para o Brasil e o mundo.