Aldo Bonadei foi um pintor, gravador, figurinista e professor brasileiro. Formado por Pedro Alexandrino e pela Accademia di Belle Arti di Firenze, integrou o Grupo Santa Helena e a FAP. Ensinou na Escola Livre de Artes Plásticas e cofundou a Oficina de Arte – O. D. A. Criou figurinos para teatro e cinema, destacando-se pela versatilidade e influência na cena cultural paulistana.

Foi um fotógrafo, filósofo, professor e crítico de arte brasileiro, nascido em Valença, Rio de Janeiro. Formado em engenharia civil em 1944, abandonou a carreira técnica para se dedicar à filosofia da ciência, estética e história da arte. Em 1965, durante uma viagem à Europa, iniciou sua trajetória fotográfica ao utilizar uma câmera Leica emprestada. A partir de então, passou a fotografar compulsivamente, produzindo cerca de 170 mil negativos ao longo de sua vida.

Seu trabalho fotográfico é marcado por imagens de corpos masculinos, muitas vezes capturadas da janela de seu apartamento em Ipanema, no Rio de Janeiro. Essas fotos, frequentemente organizadas em sequências inspiradas em estruturas musicais como sonatinas e sinfonias, exploram temas como voyeurismo, beleza e sensualidade. Além disso, Gomes registrou cenas do carnaval carioca e paisagens urbanas, sempre com um olhar artístico e contemplativo.

Alfredo Volpi foi um dos artistas modernos brasileiros mais consagrados, desenvolvendo uma trajetória independente que flertava com o concretismo sem se filiar a escolas. Iniciou com paisagens e figuras, evoluindo para composições geometrizadas, com destaque para suas icônicas “fachadas”. Integrante do Grupo Santa Helena nos anos 1930, uniu cultura popular e arte erudita, criando um vocabulário formal próprio e cores vibrantes preparadas artesanalmente, em resistência à impessoalidade.

Anita Catarina Malfatti (São Paulo, 2 de dezembro de 1889 – São Paulo, 6 de novembro de 1964) foi uma pintora, desenhista, gravadora, ilustradora e professora ítalo-brasileira, considerada pioneira da Arte Moderna no Brasil. Nascida com uma deficiência congênita no braço direito, desenvolveu habilidades artísticas utilizando a mão esquerda. Iniciou seus estudos artísticos com a mãe, Betty Krug, e posteriormente estudou na Alemanha e nos Estados Unidos, onde teve contato com movimentos como o expressionismo e o cubismo. Sua exposição individual de 1917 em São Paulo causou grande controvérsia, sendo criticada por Monteiro Lobato, mas também despertou o interesse de jovens intelectuais modernistas. Anita participou da Semana de Arte Moderna de 1922, evento que marcou o início do modernismo no Brasil. Ao longo de sua carreira, suas obras refletiram influências das vanguardas europeias e da cultura brasileira. Faleceu em 1964, deixando um legado significativo para a arte brasileira.

É artista visual e cineasta, cujo trabalho investiga expressões culturais populares brasileiras como o frevo, o brega-funk e o gospel, explorando temas como identidade, corpo e visibilidade. Desde 2011, colabora com Benjamin de Burca em vídeos que mesclam documentário e ficção. Em 2019, representaram o Brasil na Bienal de Veneza com a obra Swinguerra

foi uma artista brasileira cuja obra transitou entre a performance, o vídeo, a fotografia, a instalação e a escultura. Sua prática estava profundamente ligada ao cotidiano e à relação poética com o espaço, especialmente com sua própria casa no bairro do Botafogo, que serviu como ponto de partida para muitos de seus trabalhos. Elementos efêmeros como névoa, tijolo, água e vento compunham sua linguagem, voltada à captura do invisível e do sensível.

Formou-se em Artes Plásticas pela FAAP (1988), onde foi aluno de Evandro Carlos Jardim e Nelson Leirner, e frequentou, ainda na década de 1980, os ateliês de gravura da Pinacoteca de São Paulo. Pintor e gravador, desenvolve uma produção marcada por intensa pesquisa cromática e pelo diálogo recorrente com a história da arte. Ao longo de sua carreira, apropria-se de imagens provenientes de livros, enciclopédias e outras fontes visuais, investigando processos de reprodução, circulação e transformação das imagens na cultura contemporânea. Suas pinturas frequentemente retomam referências da tradição pictórica europeia e da arte moderna brasileira, reelaboradas por meio de padrões decorativos, estruturas geométricas e campos cromáticos densos. Entre suas exposições individuais institucionais, destacam-se mostras na Pinacoteca de São Paulo (2007), no MAM Rio (2007), no Instituto Tomie Ohtake (2003) e no MAM São Paulo (2003). Teve sua trajetória reunida no livro O delicioso jardim do vizinho, organizado pelo crítico e curador Paulo Herkenhoff e publicado pela editora Cobogó (2016).

Carlos Vergara, natural de Santa Maria, Rio Grande do Sul, é um artista cuja obra se consolidou na década de 1960, durante a resistência à ditadura militar. Participante da histórica mostra Opinião 65, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Vergara foi um dos protagonistas da Nova Figuração Brasileira, movimento que uniu arte e crítica política. Nos anos 70, ampliou seu vocabulário com fotografias e instalações, e, desde os anos 1980, suas pinturas e monotipias seguem um caminho de experimentação, mantendo a inovação dentro da tradição da pintura.

Foto: Walter Carvalho/Divulgação

foi um pintor, desenhista, gravador, cenógrafo e ilustrador brasileiro, reconhecido por sua fidelidade ao figurativismo e pelo compromisso com temas sociais.

Mudou-se para São Paulo em 1934, onde estudou com Waldemar da Costa e, em 1937, integrou o Grupo Santa Helena, ao lado de artistas como Alfredo Volpi e Francisco Rebolo. Sua obra destaca trabalhadores, migrantes e músicos, com traços influenciados por Candido Portinari e elementos do pós-cubismo.

Quando nasci alevim, em 1997, no fulgor norte-mineiro, banharam-me com o mesmo nome de meu pai, Davi de Jesus do Nascimento. sou barranqueiro curimatá, arrimo de muvuca e escritor fiado. gerado às margens do Rio São Francisco – curso d’água de minha vida – trabalho coletando afetos da ancestralidade ribeirinha e percebendo “quase-rios’’, no árido. fui criado dentro do emboloso da cumbuca de carranqueiros, pescadores e lavadeiras. o peso de carregar o rio nas costas bebe da nascente dos primeiros sóis que chorei na vida. sustentar na cacunda a carranca tem feito eu sentir a força do vento de minha taboca envergada no seguimento da rabiola solta que desceu em espiral gongo caracol envoltório para o calcanhar direito como cobra, isca, peixe e pedra.

é artista visual, pesquisador e educador. Formado em Artes Visuais pela FMU em 2011, desenvolve uma prática que entrelaça pintura, fotografia e técnicas digitais para explorar temas como ancestralidade, identidade afro-brasileira e memória coletiva. Suas obras dialogam com elementos da cultura africana e afro-brasileira, propondo reflexões sobre o passado e o presente.

foi um artista visual brasileiro cuja obra transita entre escultura, pintura, bordado e aquarela. Sua prática é marcada por uma profunda conexão com a cultura popular nordestina, a religiosidade católica e a natureza, especialmente as aves, que aparecem recorrentemente em suas criações. Utilizando materiais como madeira e bronze, Almeida explorava temas como sexualidade, identidade e memória pessoal, frequentemente incorporando elementos autobiográficos e autorretratos em suas obras.

é artista visual e professora da UFRGS. Sua obra investiga as relações entre palavra, imagem e memória, explorando interseções entre literatura e artes visuais. Doutora pela Université Paris I – Sorbonne, fundou o espaço Torreão (1993–2009), referência na arte contemporânea brasileira. Realizou exposições individuais e projetos que destacam a materialidade da linguagem.

foi um artista multifacetado brasileiro, reconhecido como o primeiro pintor primitivista do país. Além da pintura, destacou-se como poeta, músico, teatrólogo e folclorista.
Autodidata, iniciou sua carreira artística aos 18 anos, pintando cenas de sua cidade natal. Entre 1888 e 1890, estudou pintura com Benedito Calixto em Santos, auxiliando-o na decoração de eventos comemorativos da Lei Áurea e na elaboração do livro “A Villa de Itanhaém”

Di Cavalcanti nasceu no Rio de Janeiro, RJ, Brasil (1897) e faleceu em São Paulo, SP, Brasil (1976). Formou-se pela Faculdade de Direito do Largo São Francisco (USP), além de estudar desenho e pintura no Rio de Janeiro e em Paris, onde entrou em contato com as vanguardas europeias, sobretudo o cubismo e o expressionismo, que influenciaram sua linguagem plástica. Pintor, ilustrador e muralista, foi figura central da Semana de Arte Moderna de 1922 e construiu uma obra marcada pela síntese entre cor intensa, volumes robustos, desenho sinuoso e um jogo de luz que enfatiza a atmosfera de suas cenas. Representou alegoricamente elementos da cultura brasileira, como festas populares, carnaval, música e religiosidade, além de cenas urbanas que retratam questões sociais e raciais, como os subúrbios cariocas, trabalhadores e trabalhadoras informais, e a vida coletiva nas cidades, articulando a estética modernista com uma visão crítica. Também realizou murais para espaços públicos e privados, aproximando sua obra da arquitetura moderna. Sua trajetória foi revisitada nas exposições No subúrbio da modernidade – Di Cavalcanti 120 anos, Pinacoteca de São Paulo (2017) e Di Cavalcanti, muralista, Instituto Tomie Ohtake (2021).

é um artista contemporâneo brasileiro conhecido por instalações imersivas que exploram o corpo, os sentidos e a espiritualidade. Utiliza materiais como lycra, especiarias e miçangas para criar ambientes orgânicos e sensoriais. Desde os anos 1990, destaca-se internacionalmente e colabora com comunidades indígenas em obras que unem arte e ancestralidade.

foi um coletivo artístico ativo entre 1998 e 2009, fundado por artistas como Fabrício Lopez. Com sede em São Paulo, o grupo promoveu exposições, publicações, vídeos, aulas, intercâmbios e residências artísticas, destacando-se por sua abordagem colaborativa e experimental nas artes visuais. O ateliê desempenhou um papel significativo na cena artística brasileira, incentivando práticas inovadoras e a formação de redes entre artistas

Formou-se em Artes Plásticas pela FAAP e é mestre em Poéticas Visuais pela Escola de Comunicação e Artes da USP, sob orientação de Cláudio Mubarac. É co-fundador da Associação Cultural Jatobá (AJA) e do Ateliê Espaço Coringa, coletivo que entre 1998 e 2009 realizou exposições, publicações, vídeos e residências artísticas. Sua produção concentra-se na gravura, especialmente em xilogravuras e relevos pintados de grande escala. Trabalhando a partir de matrizes de madeira e grandes chapas de compensado, desenvolve composições estruturadas por campos de cor, camadas de impressão e relações entre figura e fundo, explorando as dimensões física e cromática da estampa. Suas obras integram coleções como as do MAM São Paulo, da Pinacoteca de São Paulo, da Secretaria Municipal de Cultura de Santos e do Ministério das Relações Exteriores. Recebeu o Prêmio de Residência Artística Arthur Luiz Piza (2015).

Farnese de Andrade foi um pintor, escultor, desenhista, gravador e ilustrador brasileiro. Estudou com Guignard em Belo Horizonte (1945-1948) e, após se mudar para o Rio de Janeiro para tratar uma tuberculose, trabalhou como ilustrador em diversos jornais e revistas. Em 1959, aperfeiçoou-se em gravura no Museu de Arte Moderna do Rio. Nos anos 1960, passou a criar obras com materiais descartados e objetos encontrados, refletindo um contexto político e moral da época.

é um artista visual brasileiro que trabalha com pintura, instalação, performance e vídeo. Sua obra tem uma abordagem experimental e crítica, explorando temas de identidade cultural e história brasileira. Começou como cartunista no sul do país e participou de exposições importantes, como a 29ª Bienal de São Paulo.

Francisco Rebolo foi pintor e gravador, ligado ao Grupo Santa Helena e à formação do modernismo paulista. Nos anos 1950, explorou a xilogravura, e, a partir da década de 1970, dedicou-se à água-forte e à litografia, incentivado por Marcello Grassmann. Suas gravuras, longe de serem apenas estudos para a pintura, possuem força própria, combinando rigor técnico e sensibilidade cromática. Sua produção reflete a mesma busca por equilíbrio e síntese que marcou sua trajetória na pintura.

Pintor, desenhista e gravador, formou-se no Instituto de Belas Artes de Porto Alegre e iniciou sua trajetória no sul do Brasil, antes de prosseguir estudos no Rio de Janeiro e na Europa. Sua pintura figurativa, marcada por paisagens e retratos de atmosfera densa, utiliza pinceladas marcadas e cores contrastantes para expressar estados emocionais profundos. A partir do final dos anos 1950, sua obra caminhou para uma linguagem mais gestual e matérica, em que a espessura da tinta, a energia do traço e a tensão entre figura e fundo o aproximaram da abstração, como nas célebres séries dos Carretéis. Suas duas últimas mostras de destaque foram Paisagens de Dentro: as últimas pinturas de Iberê Camargo, (2010) e Iberê Camargo: um ensaio visual (2009), ambas na Fundação Iberê Camargo, em Porto Alegre, que preserva, pesquisa e difunde seu legado.

É uma escultora, gravadora e artista multimídia brasileira. Iniciou sua formação em dança e design, mudando-se para Milão nos anos 1970, onde trabalhou como designer na Olivetti e começou a desenvolver sua própria arte. Nos anos 1980, retornou ao Brasil e passou a se dedicar à escultura, utilizando materiais como arame, tela, aço, cobre e pedra. Sua obra explora a relação entre corpo, espaço e movimento, refletindo sua formação em dança. Participou de importantes exposições, incluindo a IX Bienal de São Paulo (1981) e a Documenta de Kassel (2007).

Formou-se em Artes Plásticas pela FAAP (1984), instituição onde lecionou entre 1987 e 1989. Desenvolve uma produção marcada pela coleta, acumulação e reorganização de objetos cotidianos, frequentemente ligados ao universo do consumo, como cédulas, maços de cigarro, sacolas plásticas e outros materiais banais. Esses elementos são agrupados e reconfigurados em esculturas, instalações e séries que exploram relações de repetição, cor, tipologia e serialidade. Ao deslocar esses objetos de sua função original, a artista investiga os sistemas de valor, circulação e classificação que organizam a vida cotidiana, estabelecendo diálogos com a arte conceitual, a minimal art e a tradição do ready-made de Marcel Duchamp. Suas obras integram importantes coleções nacionais e internacionais, como MAM São Paulo, Pinacoteca de São Paulo, MoMA, Nova York e o Solomon R. Guggenheim Museum, Nova York.

É um artista visual brasileiro que vive e trabalha em Recife. Sua prática abrange fotografia, vídeo e instalação, explorando temas como memória coletiva, identidade cultural e desigualdades sociais. Utiliza estratégias que mesclam ficção e realidade para reconstituir narrativas do passado e refletir sobre as dinâmicas do presente. De Andrade frequentemente colabora com comunidades locais, destacando vozes marginalizadas e questionando estruturas de poder. Entre suas exposições individuais estão “O Peixe” no New Museum, Nova York (2017), e “One to One” no Museum of Contemporary Art Chicago (2019). Participou de importantes bienais, como a de Veneza (2022) e a de São Paulo (2016). Suas obras integram acervos de instituições como o MoMA e o Guggenheim

Pintor autodidata, tornou-se conhecido pela forma como representou a vida rural do interior paulista. Sua obra retrata paisagens abertas e cenas do cotidiano no campo, como lavouras, colheitas, rebanhos, festas e o convívio comunitário. Seu trabalho equilibra observação e imaginação, com um estilo caracterizado por proporções subvertidas, cores intensificadas e elementos simbólicos que aproximam a cena real de um universo de fantasia pessoal, fazendo de sua pintura um testemunho singular da cultura popular brasileira. Entre exposições recentes, destacam-se José Antônio da Silva: “nasci errado e estou certo”, Pinacoteca de São Paulo (2018) e José Antônio da Silva: pintar o Brasil, Fundação Iberê Camargo (2025). Seu legado é preservado e difundido pelo Museu de Arte Primitivista José Antonio da Silva, em São José do Rio Preto, SP, Brasil.

Artista autodidata, com posterior formação no Núcleo Bernardelli, foi retratista e pintor de paisagens, mas se consagrou sobretudo pelas marinhas, expressão mais significativa de sua produção, inspirada em sua experiência como marinheiro nas docas da Itália e nas forças militares do Brasil. Nelas, explorou a relação entre horizonte, mar e céu por meio de linhas curvas e diagonais que estruturam a composição, de escalas amplas e de um uso preciso da luz. Além das marinhas, destacou-se em retratos e autorretratos de traço geométrico e expressão contida, nos quais figuras surgem de maneira sintetizada, muitas vezes em poses laterais ou sombrias. Também produziu naturezas-mortas singulares, em que frutas, flores e objetos aparecem fundidos a retratos ou arranjos pouco convencionais Entre as exposições recentes, destaca-se Pancetti: a poética da marinha, Casa Fiat de Cultura, Belo Horizonte (2017).

Artista visual conhecido por obras que combinam padrões geométricos e efeitos ópticos a partir de objetos como dominós, dados e botões. Influenciado pela arte construtiva, desenvolve composições baseadas em repetição e variação. Participou de bienais como as de São Paulo (1994) e Havana (2003), e tem obras em acervos como os da Pinacoteca de SP e Fondation Cartier.

Formou-se em Artes Plásticas pela FAAP (1983), instituição onde também lecionou no final da década de 1980. Desenvolve uma produção que transita entre desenho, escultura e instalação, com forte atenção à relação entre obra, arquitetura e espaço público. Muitos de seus trabalhos operam como intervenções espaciais que exploram a verticalidade e a horizontalidade, criando situações de deslocamento e estranhamento na percepção do espectador. Utilizando materiais diversos e estruturas de grande escala, suas instalações frequentemente dialogam com o ambiente arquitetônico e urbano. Em 2003, co-fundou em São Paulo, junto a outros artistas, o espaço de ensino e pesquisa Oficina Virgílio. Suas obras integram coleções institucionais como as do MAM São Paulo, MAC USP, Centro Cultural São Paulo e Itaú Cultural.

É fotógrafo e cineasta brasileiro conhecido por sua estética experimental e inovadora. Iniciou sua carreira nos anos 1970 com fotografias de surfe e, posteriormente, destacou-se na fotografia de moda e publicidade, colaborando com revistas como Vogue e Elle. Sua obra transita entre o documental e o artístico, explorando temas urbanos e humanos. Publicou diversos livros e realizou exposições no Brasil e no exterior.

É artista visual brasileira reconhecida por esculturas e instalações que exploram a relação entre corpo, espaço e efemeridade. Formada pela FAAP e mestre pela ECA-USP, iniciou sua carreira nos anos 1980, migrando da pintura para obras tridimensionais. Participou de bienais como a de São Paulo (2004) e do Mercosul (1999, 2005, 2009), e tem obras em instituições como Inhotim e MAM-SP. Também atua como diretora de arte em teatro, destacando-se por cenografias no Teatro Oficina.

Artista visual e poeta, Lenora de Barros é formada em Linguística pela Universidade de São Paulo (USP) e iniciou sua carreira artística na década de 1970. Os primeiros trabalhos criados por Lenora podem ser colocados no campo da “poesia visual” em diálogo com o movimento da poesia concreta da década de 1950. Palavras e imagens foram seus primeiros materiais.

Em 1983, LB publicou o livro Onde Se Vê, um conjunto de “poemas” um tanto incomuns. Alguns deles dispensaram o uso de palavras, construídos como narrativas fotográficas, onde a própria artista representava diferentes personagens em atos performáticos. Este livro já anunciava o trânsito de Lenora de Barros para o campo das artes visuais, o que acabou por acontecer. Desde então, a artista vem seguindo seu caminho, marcado pelo uso de diversas linguagens: vídeo, performance, fotografia, instalação sonora e construção de objetos.

Seu trabalho está incluído em coleções no Brasil e em vários outros países, entre eles o Hammer Museum (CA, EUA), Museu de Arte Contemporânea de Barcelona (Espanha), Daros Coleção Latinamerica (Suíça), Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM), Pinacoteca do Estado de São Paulo e Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, (Madrid). Entre as exposições mais importantes, ela participou estão: Radical Women: Latin American Art, 1960-1985, Hammer Museum, LA, Brooklyn Museum, New York-NY, USA; Pinacoteca de São Paulo-SP, Brasil; Tools for utopia, selected works from the Daros Latinamerica Collection, Berna, Switzerland; 11º Bienal de Lyon, (França, 2011); ISSOÉOSSODISSO na Oficina Cultural Oswald de Andrade (São Paulo, 2016); 4ª Bienal de Salónica de Arte Contemporânea (Grécia, 2013); 17, 24 e 30ª Bienal Internacional de São Paulo, e em 2022 estará na 59a Bienal Internacional de Veneza.

Estudou Arquitetura e Urbanismo na UFRGS e formou-se em Cinema pela FAAP (2007). Desenvolve uma produção que transita entre fotografia, vídeo e instalação, marcada pela criação de aparatos ópticos e dispositivos experimentais de captação de imagem. Em vez de utilizar equipamentos convencionais, a artista frequentemente constrói suas próprias máquinas, investigando as condições materiais da fotografia e do movimento. Seu trabalho dialoga com a história da fotografia e do cinema experimental, recorrendo a técnicas como cianotipia e microfilme e combinando observação científica e imaginação criativa. Suas obras integram coleções institucionais como as do MAM São Paulo, MAM Rio, Pinacoteca de São Paulo, CCSP, Instituto Moreira Salles e Itaú Cultural.

É um artista visual brasileiro cuja obra abrange pintura, escultura, desenho e gravura. Formado pela FAAP e com passagem pela FAU-USP, foi aluno de Wesley Duke Lee e cofundador da Escola Brasil, ao lado de Carlos Fajardo, José Resende e Frederico Nasser. Sua produção transita entre o abstrato e o figurativo, com destaque para pinturas de grandes formatos e contornos irregulares. Participou da Bienal de Veneza (1984) e tem obras em acervos como o MAC-USP e o MAM-RJ.

Mabe Bethônico é artista e pesquisadora e trabalha com arquivos e instituições, lidando com os limites entre documentação e construção, evidenciando como a informação e a história podem ser construídas e retrabalhadas continuamente. A partir dessa perspectiva, se dedica em grande parte a questões da mineração em Minas Gerais. Participou da 27ª e 28ª Bienais de São Paulo e exposições no MAM e MIS SP, Museu da Pampulha, no Centre de la Photographie, Geneva, Museo de Antioquia – Medellin, Kunstverein Muenchen – Munique, Nothingham Contemporary, dentre outros. Participa do coletivo internacional de artistas e teóricos World of Matter e desenvolve pesquisa na França, junto à École Supérieure d’Art Annecy Alpes, ESAAA. Bethônico possui mestrado e doutorado em artes visuais pelo Royal College of Art, Londres, e desenvolveu pesquisa de pós-doutorado no Museu de Etnografia de Genebra, no projeto Um viajante depois do outro, um guia ou dois sobre a Caatinga, sobre os arquivos do geólogo suíço Edgar Aubert de la Rüe.

É um artista visual brasileiro que vive e trabalha em Coimbra, Portugal. Sua prática artística envolve desenho, fotografia e instalação, com foco em temas como deslocamento, território, paisagem e memória. Desde 2000, realiza obras a partir de viagens a locais remotos, coletando elementos da natureza para criar trabalhos que exploram a relação entre o ser humano e o ambiente. Recebeu prêmios como o Pollock-Krasner Foundation Grant (2017) e o Prêmio PIPA Voto Popular (2010). Suas obras integram acervos de instituições como o MAM-RJ e a Pinacoteca de São Paulo.

É Mestre em Artes pela UFMG e coordenador do CEIA – Centro de Experimentação e Informação de Arte. Com exposições individuais no Brasil, Alemanha, Argentina e Holanda, participou de eventos importantes como a 29ª Bienal de São Paulo (2010). Seu trabalho foi premiado em salões nacionais e integra coleções como o MAM-SP, Pinacoteca de SP, Inhotim e MAC-USP. Destaca-se também como performer, com participação em festivais nacionais e internacionais. Vive e trabalha em Belo Horizonte.

Foto: Marco Paulo Rolla

É uma artista visual brasileira cuja obra transita entre vídeos, fotografias, gravuras, esculturas, pinturas, ações e instalações site-specific. Sua produção lida constantemente com a linguagem e a literatura, explorando a relação entre palavra, memória e espaço. Formada em Comunicação Social pela UFMG e mestre em Artes Visuais pela UFRJ, Dardot vive e trabalha entre a Cidade do México e São Paulo. Participou de diversas bienais, como as de São Paulo, Havana e Coimbra, e possui obras em acervos de instituições como Inhotim e o Museu de Arte Moderna de São Paulo.

Formou-se em Comunicação Visual pela FAAP (1989). Desenvolve uma produção que parte da fotografia para investigar paisagem, horizonte e arquitetura, frequentemente por meio de dispositivos ópticos, caixas de luz e estruturas que alteram a percepção da imagem. Em seus trabalhos, utiliza lentes, espelhos e refração da água para produzir distorções e deslocamentos visuais, explorando os limites entre registro e construção da imagem. Iniciou sua trajetória nos anos 1990 com séries de autorretratos fotográficos e, posteriormente, ampliou sua pesquisa para investigações formais sobre luz, visão e espacialidade. Suas obras integram coleções institucionais como as do MAM São Paulo, MAM Rio, MAC Ribeirão Preto e Société Générale d’Art Contemporain, França.

É um artista visual brasileiro que explora diversas mídias, como pintura, escultura, vídeo, fotografia e instalação. Sua obra, marcada por uma forte interação com a natureza, utiliza elementos como terra, água, fogo e ar para refletir sobre o tempo, a memória e as transformações do mundo natural. Pitta convida o espectador a contemplar a impermanência da existência, através de projetos que destacam o efêmero e o transitório da vida.

Foto: Proyector

É um artista visual brasileiro conhecido por criar instalações e esculturas a partir de aparelhos eletrônicos obsoletos, como impressoras, scanners e câmeras. Seu trabalho combina elementos artesanais e tecnológicos, explorando temas como memória, obsolescência e a relação entre o ser humano e a máquina. Marques participou de importantes exposições, incluindo a 26ª Bienal de São Paulo (2004) e a 5ª Bienal do Mercosul (2005). Em 2006, recebeu o Prêmio Marcantonio Vilaça. É representado pela Galeria Leme e vive e trabalha em Brasília.

Foi uma artista e pensadora brasileira, conhecida por explorar a relação entre caos e ordem, sensorialidade e racionalismo. Sua produção foi marcada pela transição de pintura para monotipias em papel japonês, que, devido à sua translucidez, ganhavam uma leitura em duas faces. Nos objetos gráficos, suspensos entre placas de acrílico, e nas Droguinhas, feitas em 1964, Schendel conferiu volume e textura ao quase invisível. Sua obra entrelaça texto e materialidade, traduzindo poesia em risco e letra.

Foto: Galatea

Foi um pintor, decorador e ceramista brasileiro, integrante do Grupo Santa Helena. Sua obra é marcada por cores intensas e composições simples, destacando-se como um dos grandes coloristas da arte moderna brasileira ao lado de Alfredo Volpi. Participou das três primeiras Bienais de São Paulo e teve reconhecimento de críticos como Mário de Andrade.

Nazareth Pacheco nasceu em São Paulo, SP, Brasil (1961). Formou-se em Artes Plásticas pela Universidade Presbiteriana Mackenzie e iniciou sua trajetória nos anos 1980, trabalhando com escultura e tridimensionalidade. Sua obra reflete experiências autobiográficas e investiga a relação entre corpo, dor e padrões estéticos, por meio de materiais como borracha, aço, bisturi, miçangas e acrílico. Realizou exposições individuais como Objetos Sedutores, no SESC Santo Amaro (2012) e Gota a Gota, na Pinacoteca de São Paulo (2015). Participou de coletivas como a 20ª e 24ª Bienal de São Paulo (1989, 1998) e o Panorama da Arte Brasileira (1988, 1991, 1998, 1999). 

Filho da escultora Felícia Leirner e do empresário e colecionador Isaí Leirner, ambos envolvidos na fundação do MAM São Paulo, cresceu em um ambiente próximo ao meio artístico. Desenvolveu uma trajetória prolífica marcada pela crítica institucional e por uma postura irônica, inquieta e sarcástica em relação ao sistema da arte. Trabalhou com pintura, desenho, gravura, instalação, happenings e objetos, frequentemente apropriando-se de imagens e materiais da cultura de massa. Em muitas obras, reorganiza esses elementos em composições acumulativas e irônicas que questionam os valores do mercado, da autoria e da própria noção de obra de arte. Em 1966, co-fundou, junto a outros artistas, o Grupo Rex, que criou a Rex Gallery & Sons e o jornal Rex Time como alternativas às instituições tradicionais. Nas décadas de 1970 e 1980, aprofundou seu trabalho conceitual, estimulando a participação do público e a reflexão sobre os circuitos da arte. A partir da década de 1980, atuou também como docente na FAAP e na Escola de Artes Visuais do Parque Lage. Suas obras integram coleções institucionais como as do MAM São Paulo, MASP, MAC USP e Pinacoteca de São Paulo.

É um artista visual argentino cuja obra transita entre desenho, escultura e instalação, explorando temas como linguagem, memória e estruturas de conhecimento. Utiliza materiais simples e cotidianos para criar composições que evocam diagramas técnicos e arquitetônicos. Vive e trabalha entre São Paulo e Buenos Aires, com formação pela Escola de Artes Visuais Martín A. Malharro. Participou de bienais como a de São Paulo (2008) e a FEMSA (2018), e expôs em instituições como o MAM São Paulo, o Museu Sívori (Buenos Aires) e o Künstlerhaus Bethanien (Berlim). Recebeu prêmios como o Marcantonio Vilaça (2015–2016) e o Paradoxos Rumos Itaú Cultural.

A produção de No Martins articula as linguagens da pintura, instalação e performances , através das quais Martins investiga as relações interpessoais cotidianas, principalmente a convivência da população negra no cotidiano urbano, questionando conflitos sociais como o racismo, a mortalidade por violência e o superencarceramento da população brasileira. Seus trabalhos estão em coleções de museus como MASP – Museu de Arte de São Paulo, Pinacoteca do Estado de São Paulo, Inhotim e Museu da Escravatura, Luanda – Angola.
Entre suas exposições mais recentes destacam-se as individuais: Encontros Políticos na Galeria Mariane Ibrahim em Paris – França; Social signs na Jack Bell Gallery em Londres – UK (2020); Tudo sob controle, no 29a Programa de exposições do CCSP (Centro Cultural São Paulo), em São Paulo – Brasil (2019); Aos que se foram, aos que aqui estão e aos que virão, no Instituto Pretos Novos, Rio de Janeiro – Brasil (2019). E as mostras coletivas: The discovery of what it means to be Brazilian, na Mariane Ibrahim Gallery, Chicago – USA (2020); 21a Bienal de arte contemporânea Sesc VideoBrasil, na qual recebeu o prêmio Sesc de arte contemporânea, (2019); e Histórias Afro-atlânticas no MASP (Museu de Arte de São Paulo) e ITO (Instituto Tomie Ohtake), São Paulo – Brasil (2018).

Um artista visual brasileiro cuja obra transita entre pintura, escultura e desenho, explorando a relação entre forma, cor e espaço. Foi um dos fundadores do grupo Casa 7 nos anos 1980, que revitalizou a pintura brasileira com influências neoexpressionistas. Participou de diversas bienais, como as de São Paulo (1985, 1994, 2013) e Havana (1986), e teve uma retrospectiva na Pinacoteca de São Paulo em 2008. Suas obras integram acervos de instituições como o MoMA, MAM São Paulo e Pinacoteca.

É fotógrafo e artista visual. Atua com fotografia desde 1990 e formou-se em artes plásticas pela FAAP em 1997. Em seus trabalhos, explora o corpo como suporte, utilizando a pele como superfície de incisões e traços que provocam incômodo e ativam experiências sensoriais e afetivas. A dor, o sangue e a geometria revelam tensões entre razão e corporeidade. Com influências das performances corporais dos anos 1970, sua produção é pensada para a fotografia como obra final. Destacam-se as séries Traço (1999) e Mapas de Saída (2006), além de atuações no campo da moda e da arte contemporânea.

É artista multimídia, professor, curador e crítico. Participou de exposições individuais e coletivas desde 1981, dentre elas destacam-se a 25ª Bienal de São Paulo (2002), Urban Tension (Museum in Progress), Viena (2002), e a mostra Entre Pindorama, na Künstlerhaus de Sttutgart (2004). Publicou diversos textos em revistas especializadas, no Brasil e no exterior, e atualmente é professor do Instituto de Artes da Universidade do Estado do Rio de Janeiro (UERJ).

É uma das artistas visuais brasileiras de maior projeção internacional. Formada pela UFMG, participou de residências em Londres (Royal College of Art) e Estocolmo (Iaspis), e foi premiada por instituições como Funarte e ArtPace. Sua obra transita entre vídeo, instalação, performance e fotografia, com interesse por narrativas coletivas, memória e linguagem. Participou de bienais em São Paulo (1998, 2006) e Veneza (2003, 2005). Integra acervos e exposições de grandes museus ao redor do mundo, contribuindo de forma decisiva para a arte contemporânea.

Vive e trabalha em Belo Horizonte. Doutor em Artes pela UFMG, integrou o coletivo Galpão Embra nos anos 1990. Participou de exposições no Brasil e no exterior, incluindo as feiras Arco (Madri) e Pinta (Nova York). Recebeu prêmios em salões de arte, como o Artista Visitante no Tamarind Institute (EUA). Seus trabalhos exploram tensões entre natural e artificial, presença e ausência, e transitam por desenhos, objetos, instalações, intervenções e livros de artista. Integra acervos como MAM-SP, MAM-RJ, Museu de Arte da Pampulha e Coleção Madeira (Portugal).

Foi fotógrafa e artista multimídia. Formada em Comunicação Social pela PUC-RS, viveu e estudou em Londres, passando por instituições como Saint Martin School of Art. Seu trabalho partiu da fotografia editorial e expandiu-se para instalações, objetos e vídeos, explorando a vida urbana, os espaços privados e a identidade. Com olhar atento ao cotidiano, construiu séries que ressignificam a experiência comum. Sua obra está presente em acervos de instituições como MASP, MAM São Paulo, Inhotim e CIFO (Miami).

Vive entre Paris e Rio de Janeiro. Graduado em Artes Visuais pela UFPE, desenvolve obras por meio de imersões em paisagens naturais e práticas corporais que dialogam com performance, fotografia e vídeo. Sua produção investiga as tensões entre humano e natureza, em composições que misturam o real e o fantástico. Participou da 30ª Bienal de São Paulo, exibiu no MoMA PS1 e no Palais de Tokyo. Recebeu prêmios como o PIPA (2012) e o Marcantonio Vilaça (2009). Tem obras em acervos como MAM São Paulo, MAM Rio e Maison Européenne de la Photographie.

É mestre em Poéticas Visuais pela UFRGS. Sua prática investiga simulações espaço-temporais e o papel do artista frente a diferentes contextos, cruzando artes visuais com ciência e história. Participou de exposições como a 31ª Bienal de São Paulo, 35º Panorama da Arte Brasileira do MAM São Paulo, Pinacoteca de São Paulo, Bienal do Mercosul, e Region 0 (Nova York). Realizou residências no Bronx Museum (EUA), Instituto Sacatar (BA), Takt Kunstprojektraum (Berlim) e Sunhoo Creatives (China).

É doutora em Artes Visuais pela ECA/USP e especialista em gravura pelo London Print Studio. Sua obra investiga as marcas da escravidão e o lugar da mulher negra na sociedade brasileira. Participou de mostras como a 59ª Bienal de Veneza, 35ª Bienal de São Paulo e Afro-Atlantic Histories (NGA, EUA). Tem obras em acervos como MASP, MAM São Paulo, Pinacoteca de São Paulo, Malba e UNM Art Museum. Foi bolsista da Fundação Ford, CAPES e Fundação Rockefeller.

É doutora em Artes Visuais pela ECA/USP e especialista em gravura pelo London Print Studio. Sua obra investiga as marcas da escravidão e o lugar da mulher negra na sociedade brasileira. Participou de mostras como a 59ª Bienal de Veneza, 35ª Bienal de São Paulo e Afro-Atlantic Histories (NGA, EUA). Tem obras em acervos como MASP, MAM São Paulo, Pinacoteca de São Paulo, Malba e UNM Art Museum. Foi bolsista da Fundação Ford, CAPES e Fundação Rockefeller.

Desenvolve uma produção centrada sobretudo na xilogravura, além de desenho, pintura e objetos. Sua pesquisa parte da observação e da memória da paisagem do interior do Piauí, com destaque para representações da flora da caatinga, bromélias e outras espécies vegetais, frequentemente apresentadas em grande escala. Utilizando procedimentos próprios de xilogravura, como incisões, recortes e encaixes de matrizes, constrói imagens de linhas simples e massas de cor chapada, muitas vezes sobre fundo branco, que destacam a vitalidade e a riqueza das plantas e da paisagem. Suas obras também incluem paisagens da região nordestina, organizadas por planos cromáticos e horizontes amplos. Em 2024, o MAM São Paulo realizou a exposição individual Santídio Pereira: paisagens férteis e incorporou à sua coleção uma obra doada pelo artista.

É artista visual, performer e pesquisador. Vive e trabalha entre Joinville e São Paulo. É formado em Artes Visuais e mestre em Filosofia. Em 2014, foi incluído no livro Construtores das Artes Visuais: Cinco Séculos de Artes em Santa Catarina, como um dos 30 artistas mais influentes do estado. Participou de mais de 80 exposições, entre individuais, coletivas e salões. Recebeu prêmios como o Elisabete Anderle de Estímulo à Cultura (2014 e 2017), o 10º Salão Nacional Elke Hering (2012) e o 10º Salão Nacional de Arte de Itajaí (2005).

Cursou Ciências Econômicas e Sociais na Universidade de Berna, Suíça, ocasião em que teve contato com as vanguardas europeias do início do século XX. Um dos protagonistas da primeira fase da história do MAM São Paulo, e além de escritor e crítico, foi também um pintor relevante. Participante ativo da Semana de Arte Moderna de 1922, Milliet foi um dos expoentes do modernismo brasileiro. A sua relação com o MAM se inicia no momento de gênese desse museu, do qual foi um dos mais ativos idealizadores e organizadores. Foi um dos fundadores e o primeiro presidente da ABCA (Associação Brasileira dos Críticos de Arte). Foi o segundo diretor artístico do MAM, entre 1952 e 1957, quando realizou a primeira retrospectiva de Tarsila do Amaral, além de ter exercido o papel de diretor artístico da Bienal de São Paulo entre 1953 e 1958, sendo responsável pela 2ª, 3ª e 4ª edições. Alguns anos após seu falecimento em 1966, o MAM organizou uma exposição de suas pinturas, prestando grandes homenagens à trajetória e vida de Sérgio Milliet.

Formou-se em Artes Visuais pela FAAP. Desenvolveu uma obra dedicada à reflexão sobre as relações raciais e sociais no Brasil, destacando a experiência e a subjetividade do corpo negro na história e na vida contemporânea. Trabalhou sobretudo com pintura figurativa e desenho, frequentemente representando corpos negros em composições densas e simbólicas que articulam memória histórica, crítica social e autorrepresentação. Em esculturas e instalações, também se valeu da apropriação de objetos cotidianos, muitas vezes transpostos para materiais como bronze ou mármore, questionando hierarquias simbólicas e valores do sistema da arte e da sociedade. Sua produção constitui uma das contribuições mais contundentes da arte contemporânea brasileira sobre questões raciais. Suas obras integram coleções como as do MAM São Paulo, Museu Afro Brasil e Pinacoteca de São Paulo.

Tadáskía (n. 1993, Brasil) é uma artista e escritora negra e trans radicada no Rio de Janeiro e em São Paulo. Seu trabalho em desenho, fotografia, instalação e têxtil mobiliza histórias, geografias e as relações materiais e imateriais que podem surgir entre o mundo e os seres vivos. Através de sua prática, ela busca elaborar também as experiências visíveis e invisíveis da diáspora negra, resultantes de encontros familiares e inusitados. Tadáskía já expôs no Museu de Arte do Rio, Paço Imperial e EAV Parque Lage, no Rio de Janeiro; no Framer Framed, em Amsterdã; no ISLAA em Nova York; no Triangle Astérides em Marselha; na Madragoa, em Portugal; e na Sé, Pivô, Auroras e na Casa de Cultura do Parque, em São Paulo.

vive e trabalha em Belo Horizonte. Desenvolve pinturas, vídeos, esculturas e instalações desde 1998. Participou da 29ª Bienal de São Paulo, foi finalista do Nam June Paik Award (Alemanha) e contemplada pela Cisneros Fontanals Art Foundation (EUA). Venceu o Prêmio PIPA 2011 e realizou residência no Gasworks (Londres). Teve individuais no CCBB Rio, Capela do Morumbi, MAM Bahia, entre outros. Expôs no Wexner Center (EUA), Kunst im Tunnel (Alemanha), MAM Rio e Itaú Cultural. É representada pela Galeria Millan (SP) e Johannes Vogt Gallery (NY).

Antônio José de Barros Carvalho e Mello Mourão, o Tunga, nasceu em 1952, em Palmares, Pernambuco, viveu e trabalhou no Rio de Janeiro.

Foi o primeiro artista contemporâneo a exibir sua obra na pirâmide do Louvre, além de ter participado de exposições como a Bienal de Veneza, em 1982, e Documenta de Kassel, em 1992. Hoje, o trabalho do artista está nos acervos do MoMA, em Nova York; do Museum of Fine Arts de Houston; do Centre Pompidou, em Paris; do Barcelona Museum of Contemporary Art, e da Tate Modern, em Londres.

nasceu em Porto Alegre em 1938, e vive e trabalha na mesma cidade, mantendo também seu estúdio em Barcelona desde 1986. Nos anos 60, dedicou-se à gravura depois de estudos na Inglaterra e Holanda. Em 1975, foi bolsista do British Council, no Croydon College em Londres, estudando fotografia e sua aplicação em técnicas gráficas. Está entre os fundadores do Nervo Óptico (1976–1978) e do Espaço N.O. (1979–1982), e também da galeria Obra Aberta (1999–2002), atuantes no sul do Brasil. Entre as exposições das quais participou estão as individuais na Galeria Goeldi (Rio de Janeiro, 1966) e a “Inéditos e Reciclados” na Galeria Bolsa de Arte (São Paulo, 2019); as coletivas na Bienal de Veneza (1976), na 14ª Bienal de São Paulo (1976), no 3º Salão Paulista de Arte Contemporânea (São Paulo, 1985), e “Anos 70 – arte como questão”, no Instituto Tomie Ohtake (São Paulo, 2007).

é fotógrafo e desenvolve uma obra que alia investigações formais da fotografia a questões de caráter intimista. Seus ensaios exploram o corpo, paisagens, objetos e espaços privados, com foco na luz, no tempo e na fragmentação. Em 2007, recebeu o Prêmio APCA pela exposição na Pinacoteca do Estado. Em 2012, foi o primeiro brasileiro na residência do Espace Photographie Contretype (Bélgica), onde apresentou Silent City. Em 2015, venceu o Prêmio CCBB Contemporâneo com a instalação Ultramarino.

 é fotógrafo e cineasta brasileiro. Herdeiro do Cinema Novo, iniciou sua trajetória auxiliando o irmão Vladimir Carvalho, e consolidou-se como diretor e diretor de fotografia. Sua obra carrega a marca do cinema brasileiro da segunda metade do século XX e reflete transformações sociais, políticas e culturais do país. Integra a comissão da Academia Brasileira de Cinema responsável por indicar filmes brasileiros ao Oscar.

Xadalu Tupã Jekupé é um artista mestiço que usa elementos da serigrafia, pintura, fotografia e objetos para abordar em forma de arte urbana o tensionamento entre a cultura indígena e ocidental nas cidades. Sua obra, resultado das vivências nas aldeias e das conversas com sábios em volta da fogueira, tornou-se um dos recursos mais potentes das artes visuais contra o apagamento da cultura indígena no Rio Grande do Sul. O diálogo e a integração com a comunidade Guarani Mbyá permitiram ao artista o resgate e reconhecimento da própria ancestralidade. Xadalu tem origem ligada aos indígenas que historicamente habitavam as margens do Rio Ibirapuitã. As águas que banharam sua infância carregam a história de Guaranis Mbyá, Charruas, Minuanos, Jaros e Mbones — assim como dos bisavós e trisavós do artista. A obra feita para o Clube de Colecionadores apresenta uma cabeça indígena, tal como aquelas esculpidas na base na catedral de Porto Alegre, que simbolizam o domínio do cristianismo sobre a cultura indígena e o extermínio dos povos originários. Em guarani o artista escreve “Existe uma cidade sobre nós”, em clara alusão ao território indígena soterrado e aos vestígios arqueológicos encontrados na região.

 investiga temas como memória, temporalidade, ruína e gentrificação, tensionando os limites entre realidade, ficção e possível. Seu trabalho atravessa vídeo, instalação, performance e fotografia, com forte presença do corpo como inscrição da história. Mestre pela ECA/USP, tem obras em acervos como MAM São Paulo, MAR, Museu da Pampulha e Museu Nacional de Belas Artes. Participou da 31ª Bienal de São Paulo, 11ª Bienal do Mercosul e 14ª Biennale Jogja, entre outras.