Ana Roman vive e trabalha em São Paulo, Brasil. Mestre em Geografia pela FFLCH-USP, pós-graduada em Estudos Brasileiros pela FESP-SP e doutoranda pela FAU-USP, atuou como curadora, assistente de curadoria e pesquisadora em diversas exposições em importantes instituições culturais brasileiras, incluindo Rever Augusto de Campos (2016), Entre Construção e Apropriação: Antonio Dias, Geraldo de Barros e Rubens Gerchman nos Anos 1960 (2018), A Noite – Mariana Castillo Deball (2022), Ensaios para o Museu das Origens (2023) e Corpo-casa: diálogos entre Carolee Schneemann, Diego Bianchi e Márcia Falcão (2024), entre outras. Foi curadora assistente da 34ª Bienal de São Paulo (2021), membro do Comitê de Indicação do Prêmio PIPA em 2022 e 2024 e curadora do Pivô entre 2022 e 2023. Atualmente, é coordenadora de conteúdo do grupo de pesquisa Academia de Curadoria, colaboradora regular da plataforma Piscina e superintendente artística do Instituto Tomie Ohtake.
Aqui-lá, entre-lugar e alteridade na arte moderna
Em muitos momentos da história, a arte moderna brasileira foi atravessada por relações diretas com o exterior, em contextos decisivos para o seu reconhecimento e consolidação nacional. Basta retomarmos as exposições que marcaram seu suposto início: a mostra, em 1914, do lituano-brasileiro Lasar Segall, que fundou o grupo secessionista de Dresden, na Alemanha; a exposição de Anita Malfatti, em 1917, após anos de estudos e treinamento em Berlim e Nova York; e a Semana de Arte Moderna de 1922, que incluiu imigrantes como o suíço-brasileiro John Graz e os ítalo-brasileiros Victor Brecheret e Zina Aita. E devemos considerar, também, a intensa articulação e interação entre os mais modernos centros urbanos da Europa e dos Estados Unidos e os artistas, críticos e demais agentes do modernismo brasileiro, que deram origem a instituições como o Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM São Paulo) e a movimentos artísticos, como o Manifesto Antropófago e o construtivismo.
Na década de 1940, após o fim da Segunda Guerra Mundial, Ciccillo Matarazzo, fundador do MAM São Paulo, formou uma expressiva coleção com vários dos maiores nomes das vanguardas modernistas, através de viagens, contatos e ampla circulação, tanto na Europa quanto na América do Norte. Para a fundação do museu, Matarazzo – sobrinho e herdeiro de um imigrante italiano, magnata industrial de São Paulo – contou com a colaboração direta de Nelson Rockefeller, que, como presidente do Museu de Arte Moderna (MoMA), em Nova York, firmou acordos entre as duas instituições e doou, em 1946, quatorze obras a Matarazzo, como gesto embrionário para a criação de um museu de arte moderna no Brasil. O MAM São Paulo foi fundado dois anos depois, com essa doação incorporada àquela primeira coleção, que testemunhou e reuniu grandes obras de um período que ainda repercute na história da arte moderna brasileira. As primeiras seis edições da Bienal de São Paulo, realizadas pelo MAM, não apenas possibilitaram, no Brasil, a presença de importantes nomes da arte moderna internacional – como Pablo Picasso, Wassily Kandinsky e Alexander Calder –, como também promoveram o encontro do público local com essas produções crescentemente globais, que incluíam, ainda, as representações nacionais que ali se inseriam.
A partir desses encontros, ao longo dos anos 1950 e 1960, foi cultivado aqui um ambiente artístico de grande efervescência, que, assim como nas décadas de 1920, 30 e 40, colocou a produção local em relação a questões do exterior do país, mas em uma dinâmica de mútua relevância global. Diferentemente daquelas décadas iniciais – quando artistas e críticos buscavam encontrar formas e imagens próprias da identidade brasileira, afirmando-a como única –, os encontros instaurados pelas Bienais deslocaram essa preocupação para uma renovação da produção nacional atenta às últimas realizações da arte internacional, sem a pretensão de se afirmar como diferente, mas, sim, de integrar o palco global de circulação artística, que se consolidou definitivamente nas últimas décadas do século 20.
No campo da arte contemporânea e da crítica cultural, a tensão entre o “aqui” e o “lá” remete à migração, ao deslocamento, e à dificuldade de estar em dois lugares ao mesmo tempo – fisicamente em um país e culturalmente em outro. Parte dos artistas que integram a exposição que registramos aqui viveu ou vive essa contradição. Mais do que isso, muitos participam de uma identidade híbrida, que engloba tradições culturais distintas, de outros territórios físicos e simbólicos. As obras presentes na mostra, em sua maioria produzidas no final do século 20, evocam espaços que surgem a partir de uma série de trocas e contatos, menos devido a migrações e deslocamentos forçados, e mais por causa de viagens, residências artísticas e deslocamentos espontâneos.
Se, até a década de 1950, artistas brasileiros iam para a Europa ou os Estados Unidos em busca de atualização estética e novas referências, outros chegavam no Brasil fugindo de guerras. Na segunda metade do século 20, os deslocamentos para o exterior se deram de modo mais igualitário, a partir de uma compreensão do mundo mais descentralizada, quando a arte brasileira já tinha se constituído de modo mais independente e olhava menos para fora. Isso não significa que a categoria de arte latino-americana deixou de ser vista como inferior nos grandes mercados globais; mas, ao menos dos anos 1990 para cá, a produção artística contemporânea, ao mesmo tempo que reconhece seu enraizamento, seus vínculos territoriais e culturais, não é produzida de modo isolado. Ou seja, é possível estar aqui e lá – participar da cena artística internacional sem ignorar fatores históricos e geográficos nacionais e sem se submeter ao mundo hegemônico.
Referências a artistas e culturas de outras nações ou grupos aparecem no interior de obras contemporâneas, mas isso não enfraquece o lugar de fala e a afirmação de identidades locais, como nas obras de Emmanuel Nassar e Lourival Cuquinha, que marcam, de modos diferentes, presenças expressivas na exposição. Enquanto Nassar aborda a singularidade das bandeiras das cidades de seu estado natal – instalando-as sobre as paredes do espaço expositivo como manifesto de identidades que, apesar de brasileiras, podem ser desconhecidas para o público paulista –, Cuquinha apresenta retratos de vendedores ambulantes de São Paulo que compartilham um dado comum em suas vidas: são imigrantes, falam outras línguas, e sua condição informal aponta para o fator negativo primordial de qualquer migração – a impossibilidade de permanecer onde naturalmente se pertence.
Não é por acaso que essas duas obras orientam os núcleos da exposição: elas constituem uma espécie de pano de fundo para os espaços expositivos. Se, na primeira sala, a instalação de Cuquinha envolve trabalhos em que estão incorporadas reflexões sobre imigração, diáspora, deslocamentos físicos e simbólicos, para dentro ou para fora, na segunda sala, a obra de Nassar circunda outras que se relacionam com a afirmação de identidades e a tensão entre corpos.
O que é perceptível na exposição e na coleção do MAM é que a pluralidade tem sido valorizada na arte, assim como as diferenças e os entre-lugares, o que faz com que muitas obras resistam à diluição ao integrarem o circuito nacional e internacional. O “aqui-lá” trata também da relação entre o eu e o outro, ou seja, da alteridade. Um eu só existe em relação a um outro, e esse outro não pode ser a negação do eu, mas ao contrário, é o que permite que o eu seja constituído, é quem lhe dá sentido por vias relacionais. Em vez de uma identidade fixa e essencialista, o eu é, acima de tudo, uma relação, um encontro com o outro que jamais poderia ser reduzido a um mero objeto.
A noção de alteridade exige uma constante transformação das ideias que fazemos de nós mesmos, já que é no contato com o outro, na convivência com outras culturas, que nossas identidades se constituem. Isso quer dizer que, inevitavelmente, há uma cumplicidade entre o eu e o outro na medida em que a alteridade invade as fronteiras do eu, do corpo e do espaço que habitamos. Para os outros, o meu eu também é outro; meu sotaque, que para mim soa natural, é compreendido pelo outro como uma característica regional ou nacional que não é a dele. A arte contemporânea produzida no Brasil nas últimas décadas talvez tenha um sotaque que não é evidente, ou, melhor, uma multiplicidade de sotaques que a faz rica e permite dialogar com outros de igual para igual. Os artistas presentes na mostra participam de uma rede em constante movimento, que se constrói justamente a partir do estar aqui com os ecos do lá, e vice-versa.
As obras de Aqui-lá podem ser compreendidas como o ponto de encontro, o cruzamento, na medida em que a arte torna possível a intersubjetividade. A arte é o campo onde se dão as interseções do eu com o outro, lugar das relações entre aqui e lá. Afinal, o movimento e o deslocamento são parte da história humana. No entanto, nos últimos tempos, com os avanços da extrema-direita no mundo, as dificuldades de deslocamento físico aumentaram devido às políticas anti-imigração, sancionadas principalmente pelos países hegemônicos. Tudo se passa como se o distanciamento físico fosse a norma, numa era em que videochamadas e redes sociais nos vendem uma ideia de proximidade e encurtamento de distâncias que não se realiza completamente.
Cauê Alves e Gabriela Gotoda
Acessibilidade
- Disponibilização de catálogos em versão digital que pode ser processada por sistemas de leitura e ampliação de tela (clique aqui para acessar as publicações);
- Recursos de audioguia com audiodescrição e videoguia em Libras com legendas em português nas exposições;
- Ferramenta de Libras digital;
- Utilização de legendas descritivas e texto alternativo nas postagens nas redes sociais, com a hashtag #DescriçãoDoVideo e hashtag #PraTodoMundoVer;
- Disponibilização de materiais táteis e multissensoriais das obras do acervo
Além das medidas acima, é possível agendar com o Educativo visitas mediadas gratuitas com educadores para público surdo, com deficiência visual, com deficiência física, intelectual e usuários de equipamentos de saúde mental e em situação de vulnerabilidade social e horários alternativos planejados para atendimento de público dentro do Transtorno do Espectro Autista de acordo com as características distintas de cada sujeito pensadas em relação a: socialização, sensorialidade, comunicabilidade e autonomia. solicitar pelo e-mail educativo@mam.org.br.
Intérprete de libras e audiodescrição ao vivo nas atividades quando solicitado com até 48h de antecedência solicitar pelo e-mail educativo@mam.org.br.
Em certas atividades, poderão ser oferecidas medidas adicionais de acessibilidade, que estarão indicadas nos materiais de divulgação.
Ana Roman
Cauê Alves
É mestre e doutor em filosofia pela FFLCH USP. É professor do Departamento de Artes da FAFICLA, PUC-SP, e curador-chefe do Museu de Arte Moderna de São Paulo. É autor de diversos textos sobre arte, entre eles, texto no catálogo da exposição Mira Schendel, Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Porto, e Pinacoteca de São Paulo e Tate Modern, Londres. É líder do grupo de pesquisa em História da Arte, Crítica e Curadoria da PUC-SP (CNPq). Entre 2016 e 2020, foi curador-chefe do Museu Brasileiro da Escultura e Ecologia, MuBE. Em 2015, foi curador assistente do Pavilhão Brasileiro da 56ª Bienal de Veneza e, em 2011, foi curador adjunto da 8ª Bienal do Mercosul (2011).
Gabriela Gotoda
Gabriela Gotoda é pesquisadora e curadora de artes visuais. Bacharel em Arte: História, Crítica e Curadoria pela Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, publicou textos biográficos sobre Edgar Degas (MASP, 2021), John Graz (Pinacoteca de São Paulo, 2021) e Ozias (Danielian, 2024) e atua com curadoria e processos editoriais em instituições de arte e galerias em São Paulo desde 2019. Integra a equipe curatorial do Museu de Arte Moderna de São Paulo desde 2022, onde é responsável pelo acompanhamento curatorial das publicações do museu e da curadoria das exposições “Lina Bo Bardi e o MAM no Parque” (2023), “Clube de colecionadores MAM São Paulo: Técnicas de diversão na arte contemporânea” (2024), e “MAM São Paulo: Encontros entre o moderno e o contemporâneo” (2025)
Paulo Miyada
Curador e pesquisador de arte contemporânea, dedica-se a projetos que contribuam tanto com visadas mais amplas e precisas da história da arte quanto com a reflexão crítica e desejante do tempo presente. Comprometido com o diálogo com artistas, preza igualmente pelo amadurecimento das instituições como instâncias de relevância pública e social, assim como pelo acolhimento dos públicos como sujeitos sensíveis e pensantes com interesses que transbordam o juízo de valor. Com graduação e mestrado pela FAU-USP, atua hoje como diretor artístico do Instituto Tomie Ohtake e curador adjunto do Centre Pompidou. Foi curador adjunto da 34ª Bienal de São Paulo (2020-21) e assistente de curadoria da 29ª Bienal de São Paulo (2010), além de ter organizado o livro “Bienal de São Paulo desde 1951” (2022). Entre suas curadorias, destacam-se “AI-5 50 anos – Ainda não terminou de acabar” (2018); “Anna Maria Maiolino – PSSSIIIUUU…” (2022); “Ensaios para o Museu das Origens” (2023); “Mira Schendel – Esperar que a palavra se forme” (2024) e “Sonia Gomes – Barroco, mesmo” (2025). Suas publicações foram indicadas diversas vezes para o prêmio Jabuti, incluindo a premiação na categoria Livro de Arte em 2020. Atualmente organiza a mostra “A TERRA O FOGO A ÁGUA E OS VENTOS – Por um Museu da Errância com Édouard Glissant”.
Anna Bella Geiger
Carla Zaccagnini
Emmanuel Nassar
Hudinilson Júnior
Ivens Machado
Judith Lauand
León Ferrari
Lívio Abramo
Lothar Charoux
Lourival Cuquinha
Lydia Okumura
Madalena Schwartz
Maureen Bisilliat
Megumi Yuasa
Nazareth Pacheco
Paulo Bruscky
Rafael França
| Exposição: | Aqui — lá: MAM São Paulo encontra Instituto Tomie Ohtake |
| Local: | Instituto Tomie Ohtake |
| Curadoria: | Ana Roman, Cauê Alves, Gabriela Gotoda e Paulo Miyada |
| Período expositivo: | de 3 de setembro a 2 de novembro de 2025 |
| Endereço: | Rua Dos Coropés, 88 – Pinheiros – São Paulo – SP |
| Entrada gratuita |