Jacques Douchez (Macôn, França, 1921 – São Paulo, 2012) e Norberto Nicola (São Paulo, 1930 – 2007) integraram nos anos 1950 o Atelier-Abstração, de Samson Flexor (1907-1971). O artista romeno, inclusive, influenciou os trabalhos dos dois, com seus ideais estéticos e vanguardistas. Em 1959, criaram juntos o Atelier Douchez-Nicola, mas mantiveram a individualidade e a liberdade criativa de cada um. Nicola realizava obras lírico-oníricas e selváticas, e Douchez produzia obras austeras e ascéticas. Em 1980 foram encerradas as atividades do Atelier, pelo qual nunca mais expuseram em conjunto.
Oásis poluído
A sala de vidro onde está a instalação Nosso Mundo, de Shirley Paes Leme, estabelece uma relação direta com o entorno do Jardim de Esculturas do MAM, como se fosse um prolongamento do paisagismo de Roberto Burle Marx. De longe, o assoalho espelhado da obra da artista se assemelha a um espelho d’água, um oásis, como se nele houvesse um líquido. Mas ao caminhar sobre as placas reflexivas, o piso ganha consistência.
Os visitantes podem ver de fora ou ficar imersos no interior da instalação, como se o ritmo intenso da cidade estivesse suspenso por alguns instantes, formando um lugar de desaceleração e de contemplação. O chão espelhado em plena marquise do Parque Ibirapuera multiplica o espaço e o corpo de quem caminha sobre ele. Enquanto observamos a obra, o espelho nos reflete. Um duplo invertido do painel da grande parede ao fundo da sala aparece na superfície espelhada.
Shirley Paes Leme elaborou uma composição a partir da paisagem da cidade, com filtros de ar-condicionado de carros já utilizados e manchados pela poluição. O material utilizado nos revela a qualidade do ar que respiramos. É como se cada filtro que representa prédios ou partes do céu tornasse visível a densa atmosfera que nos circunda, tomada por fuligem e substâncias nocivas à saúde.
A artista constrói uma espécie de linha do horizonte a partir do ar denso e da fumaça fixada nos filtros. São essas partículas que encobrem a nossa visão e podem ofuscar nossos sentidos. Além de apontar para questões ambientais cada vez mais urgentes, Shirley Paes Leme reflete e dá visibilidade para a situação paradoxal de estarmos numa espécie de oásis poluído.
Cauê Alves
curador
Silêncios e direitos
A instalação de Ana Teixeira para o Projeto Parede do MAM São Paulo é fruto de uma pesquisa que a artista realiza desde 2019, a partir da escuta de mais de uma centena de mulheres. Historicamente, a fala das mulheres sempre foi reprimida. É mais comum que mulheres sejam interrompidas, seja em reuniões de trabalho ou mesmo durante o lazer, do que homens. Tudo se passa como se elas não fossem capazes de seguir com seus argumentos. Além de enfrentar a violência física, o trabalho de Ana Teixeira discute a violência verbal contra a mulher.
Depois de fotografar as mulheres entrevistadas, a artista desenhou algumas delas segurando placas com dizeres que reforçam a necessidade de romper com a dominação masculina, para que todos os gêneros sejam tratados de modo respeitoso e igualitário. Ela dá voz às mulheres cis, trans e travestis, lembrando que não é admissível que elas sejam caladas. No fone de ouvido, é possível escutar 101 frases coletadas por Ana Teixeira (clique aqui e leia as frases na íntegra), nas quais a maioria das entrevistadas reafirma a liberdade das mulheres, critica o patriarcado e manifesta seus desejos ao responder à pergunta: O que você não quer mais calar?
Em 2021, Ana Teixeira realizou uma pesquisa no acervo da Biblioteca Mário de Andrade e elaborou a publicação Cala a Boca Já Morreu! (clique aqui para ler), cujas páginas estão também expostas no Projeto Parede. Os livros usados pela artista, pertencentes à Biblioteca Mário de Andrade, estão disponíveis para consulta na biblioteca do MAM.
A obra de Ana Teixeira revela que, no lamentável silenciamento das mulheres, há uma potência de significados que não cabe em uma parede. Em vez de vazios ou ausências, os silêncios, em especial esses que estão se rompendo, são promessas de um futuro com igualdade de direitos, inclusive o direito de fala.
Cauê Alves
Uma biblioteca particular não é apenas uma coleção de livros, é parte de uma biografia, que reflete os interesses e também as passagens de uma vida, com encontros e desencontros entre autores, outros intelectuais etc. No caso de Aracy Amaral, é também o conjunto de referências que sedimentaram nas prateleiras e espelham o trabalho árduo e fundamental de erudição durante uma vida dedicada aos estudos, à escrita, à crítica e à sensibilidade artística. A doação de Aracy Amaral de uma parte de sua biblioteca pessoal para o Museu de Arte Moderna de São Paulo conduziu a Biblioteca Paulo Mendes de Almeida a orgulhar-se de ser depositária desse legado intelectual e a olhar retrospectivamente para a sua atuação nesse museu.
A presença de Amaral no decorrer da história do MAM é uma constante desde os primeiros anos da instituição, e as trajetórias são quase concomitantes. Recém formada como jornalista, Amaral trabalhou como monitora na II Bienal de São Paulo em 1954 (até 1961 a Bienal de São Paulo era uma atribuição do MAM), e atuou como repórter para jornais do Rio de Janeiro cobrindo a Bienal, bem como a cena artística paulistana. Desde então, sua contribuição somente avançou, participando de dezenas de exposições, dedicando textos e colaborando ativamente na Comissão de Arte (1996 – 2001) e no Conselho Consultivo de Arte (2014 – 2015) do MAM.
Afim de ilustrar essas inúmeras passagens de Amaral junto ao museu, reunimos aqui a sua produção autoral, referenciando exposições pelas quais foi responsável, seja pelo conteúdo crítico, ou pela curadoria – este último é um termo mais comumente utilizado a partir de meados dos anos 1990, e que não daria conta de toda a presença da crítica no MAM –, revelando a perenidade de suas ações culturais no museu.
Optamos por oferecer ao visitante justamente o material mais rico de suas passagens pelo MAM: os catálogos das mostras realizadas por Aracy Amaral que documentam suas atividades e que estão guardadas e disponíveis ao público aqui na Biblioteca. Os catálogos apresentados se subdividem por uma tipologia que serve apenas como instrumento de acesso, entre exposições individuais, exposições coletivas históricas e exposições coletivas contemporâneas. Ao mesmo tempo, é possível conhecer a coleção de livros doada pela crítica na prateleira deslizante que está indicada, onde os livros são mantidos juntos de forma a representar sua biblioteca particular.
De 20 de abril a 17 de setembro de 2023, a 37ª edição do Panorama de Arte Brasileira: Sob as cinzas, brasa será exibido no Sesc Sorocaba. Com correalização do MAM São Paulo e Sesc São Paulo, a itinerância leva ao interior do estado obras dos 26 artistas, com instalações, pinturas, esculturas e vídeos que conduzem discussões sobre o legado e os símbolos da colonização, o cenário de destruição contínua, a memória diante de efemérides de relevância nacional, e as possibilidades de se imaginar narrativas individuais e coletivas na arte contemporânea brasileira.
O 37º Panorama da Arte Brasileira do MAM São Paulo aconteceu numa data emblemática, o bicentenário do que se convencionou chamar de Independência do Brasil e o centenário da Semana de Arte Moderna de 1922. Esses dois acontecimentos, que se entrecruzam ao longo da história do Brasil, deixaram legados e uma série de questões que reverberam até hoje na sociedade brasileira. A partir da produção artística contemporânea, seria possível decantar os vínculos do Brasil com sua herança colonial levando em conta as dimensões históricas, políticas e estéticas da Independência do Brasil e do modernismo.
Diversos artistas que produzem desde o final do século XX e início do XXI problematizam em suas obras, a partir de perspectivas contemporâneas e de suas próprias origens e referências, discussões que perpassam a história brasileira desde o período colonial até o presente. Essas obras pulsam como brasa sob as cinzas de uma terra devastada, que começou a ser destruída com a colonização portuguesa, com o extermínio e a exploração dos povos indígenas e a escravização de mulheres e homens arrancados da África.
Entre as intenções do Panorama 2022 está a de contribuir para a desconstrução de certos olhares e paradigmas naturalizados, assim como do legado colonial do Brasil. Avessa à noção moderna de progresso, a curadoria desta edição enfatiza as ruínas e as barbaridades de um país que sequer conseguiu cumprir as promessas básicas de uma sociedade economicamente moderna e integrada.
A partir de uma teia curatorial com trabalhos de artistas de diferentes gerações, regiões e identidades étnico-raciais e de gênero, o 37º Panorama valoriza a dimensão pedagógica da arte, construída em parceria com o Educativo do MAM. A forma não se opõe à vida social e política, a própria arte possui papel formador e pode prospectar rupturas e estimular debates e reflexões em diversos públicos.
A experiência com a arte pode retomar nossa capacidade de projetar o futuro, de imaginar utopias, já que estamos no meio da catástrofe tentando apagar incêndios – e incendiando símbolos coloniais. Para algumas sociedades arcaicas, o futuro está justamente no passado, na relação com os ancestrais, ou seja, distante da visão vanguardista moderna de estar à frente do próprio tempo. Enquanto as brasas queimam sob as cinzas, diversos artistas recontam histórias, propõem diálogos a partir de suas próprias vivências, de suas origens, repertórios, da terra, do barro, da borracha, do desenho, de objetos cotidianos, da tinta e da tela, do vídeo, de narrativas, de histórias, da arte, de mapas, de bandeiras, de monumentos e de corpos.
A brasa que se esconde sob as cinzas, sob a terra arrasada, sob as ruínas desse projeto de país, ainda arde. Assim como ainda persiste a lógica colonial e o pensamento retrógrado, também há resistência e ação. Isso quer dizer que se a brasa ainda está consumindo o que resta, o que não foi queimado, ela também pulsa como força transformadora. E as cinzas, como se sabe, podem ser usadas como adubo para a arte e para tudo o que ainda irá florescer nessa terra.
Cauê Alves
Claudinei Roberto da Silva
Cristiana Tejo
Vanessa Davidson
Artistas participantes:
Ana Mazzei, André Ricardo, Bel Falleiros, Camila Sposati, davi de jesus do nascimento, Celeida Tostes, Éder Oliveira, Eneida Sanches e Tracy Collins (LAZYGOATWORKS), Erica Ferrari, Giselle Beiguelman, Gustavo Torrezan, Glauco Rodrigues, Jaime Lauriano, Lais Myrrha, Laryssa Machada, Lidia Lisbôa, Luiz 83, Maria Laet, Marina Camargo, Marcelo D’Salete, No Martins, Ricardo Lucena, RodriguezRemor, Sidney Amaral, Tadáskia e Xadalu Tupã Jekupé.
Entre 14 de setembro e 10 de dezembro, o Museu de Arte Moderna de São Paulo leva obras emblemáticas de seu acervo ao Instituto CPFL, em Campinas. Com curadoria de José Armando Pereira da Silva, a mostra intitulada Arte Moderna na Metrópole: 1947-1951 – Acervo do Museu de Arte Moderna de São Paulo convida o público a conhecer a consolidação da cultura modernista brasileira. Originalmente programada para ter início em abril de 2020, a exposição foi adiada em razão da pandemia da Covid-19.
A seleção eleita por José Armando traz 45 obras do acervo do Museu, assinadas por Aldo Bonadei, Alfredo Volpi, Bruno Giorgi, Clóvis Graciano, Emiliano Di Cavalcanti, Emídio de Souza, José Antônio da Silva, Lívio Abramo, Lucia Suané, Mário Zanini, Mick Carnicelli, Oswaldo Goeldi, Paulo Rossi Osir, Raphael Galvez, Rebolo Gonsales, Roger Van Rogger, Sérgio Milliet, Tarsila do Amaral e Victor Brecheret. Trata-se de uma retrospectiva de exposições ocorridas na Galeria Domus, ponto de referência no cenário artístico paulistano da primeira metade do século XX.
O Brasil passava pelo processo de redemocratização e nova constituição depois de 15 anos de governo de Getúlio Vargas, e São Paulo se consolidava na condição de metrópole com dois milhões de habitantes – ambiente propício para o surgimento de polos culturais.
Um ano antes da inauguração do mam, em 1947, nascia a Galeria Domus, espaço fundado pelo casal de imigrantes italianos Anna Maria Fiocca (1913 – 1994) e Pasquale Fiocca (1914 – 1994) cuja atuação contribuiu para impulsionar o mercado de arte moderna da época.
“Durante os cincos anos de funcionamento da galeria, o movimento artístico ganhou novas instâncias com a instalação do Museu de Arte de São Paulo, dos Museus de Arte Moderna no Rio e em São Paulo, da Bienal e dos Salões Paulista e Nacional de Arte Moderna. O panorama se diversificou com novas tendências. Esse dinamismo, que elevava alguns artistas da Domus para um nicho histórico, conduzia outros para o foco de debates”, explica o curador.
Gerente executiva do Instituto CPFL, Daniela Pagotto explica: “A arte é uma ferramenta de transformação de realidades, pois resgata a nossa identidade cultural e a nossa história. Vamos receber uma nova exposição, em parceria com o MAM São Paulo, para celebrar o centenário do modernismo no Brasil. Essa é uma importante programação para que a população da região metropolitana de Campinas visite as obras de grandes nomes deste movimento. Também teremos uma agenda de arte e educação voltada para atender escolas e grupos de visitas guiadas”.
“O espírito moderno que predominava na década de 1940 foi decisivo para a fundação do MAM e, agora, por meio desta parceria com o Instituto CPFL, lançamos um olhar ao passado para refletir acerca da função dos museus e das instituições artísticas na atualidade. Para ampliar a experiência da exposição, o MAM Educativo realizará diversas atividades abertas ao público, iniciativa que reitera o compromisso pedagógico do Museu também em suas itinerâncias”, afirma Elizabeth Machado, presidente do MAM São Paulo.
Durante o período emblemático do bicentenário de independência do Brasil, o Museu de Arte Moderna de São Paulo recebe a partir do dia 23 de julho o 37° Panorama da Arte Brasileira – Sob as cinzas, brasa, que propõe desconstruir paradigmas naturalizados em relação ao Brasil colônia. Em contraponto, neste ano, também é celebrado o centenário da Semana de Arte Moderna de 1922, marco para o modernismo brasileiro que trouxe um novo e amplo cenário cultural, com artistas de distintas regiões do país.
Com grupo curatorial diverso, composto por Claudinei Roberto da Silva, Vanessa Davidson, Cristiana Tejo e Cauê Alves, o 37° Panorama enfatiza as pesquisas que resultam em questionamentos e possíveis soluções artísticas surgidas do enfrentamento de um cenário onde a barbárie está manifestada de diversas formas. Ideais de civilização se atritam na busca da dimensão plural sobre as questões trazidas à tona a partir de obras que se relacionam tanto pela condição comum deste cenário quanto por uma diversidade de perspectivas, sendo seus autores de diferentes gerações e identidades étnico raciais e de gênero.
A mostra valoriza a dimensão pedagógica da arte e prospecta rupturas estruturais. Ainda em um mundo pandêmico, o Panorama propõe investigar como os artistas enraizados no Brasil têm enfrentado os múltiplos problemas causados pelo modelo de desenvolvimento adotado nos últimos séculos.
A curadoria se baseou em signos que interligam de maneira sutil à brasa, como símbolo de resistência e também de ambiguidade, trazendo uma diversidade de pontos de vista e pesquisas.
O trabalho de Lenora de Barros para a sala de vidro do mam estabelece um diálogo com a obra Aranha, 1996, de Louise Bourgeois, que esteve em comodato no museu e foi exibida por cerca de 20 anos nesse mesmo local. A obra se relaciona diretamente com o jardim de esculturas do museu na área externa.
A artista desdobra o diálogo que tem estabelecido com artistas mulheres como Lygia Clark, Yoko Ono, Cindy Sherman e Méret Oppenheim em uma conversa retroativa com Louise Bourgeois. A partir da memória do lugar, de espelhos retrovisores, de imagens, de poemas e de sons, Lenora de Barros constrói uma grande aranha de metal que ativa o passado recente. Além de tocar na história das exposições do mam, a instalação envolve aspectos verbais (visuais e sonoros) integrando o gráfico e o fonético da palavra, o que se aproxima da dimensão verbivocovisual inventada pelo poeta irlandês James Joyce.
Retromemória, 2022, recorre à tradição concretista e revê, do ponto de vista contemporâneo, a arte construtiva. No momento em que o mam apresenta em sua programação a segunda geração da arte moderna e a abstração geométrica, Lenora de Barros nos faz pensar sobre as obras que já foram exibidas no museu, nos ajudando a superar as perdas e enfrentar os desafios do presente. As imagens refletidas pelos espelhos que formam a aranha são como duplos, representações que reproduzem o mundo visível, o movimento fragmentado da memória, projetam luzes e sílabas do poema pela sala. O título do trabalho é decomposto e ecoam pelo museu palavras como “memória”, “aranha”, “emaranha” que se entrelaçam e produzem outros sentidos.
O espelho é esse objeto enigmático, que mesmo estando fora de nós, nos ajuda a nos compreender melhor, seja para olharmos para dentro, seja para seguir em frente. Como o mundo parece cada vez mais acelerado, andar em alta velocidade exige que a gente possa enxergar os pontos cegos, o que está atrás, sem ter que virar o corpo para o que já passou. Mesmo que às vezes pareça que tudo está andando para trás, Retromemória não trata de um retorno ao passado, tampouco de uma nostalgia, mas da construção de memórias e estímulos para que a gente possa caminhar em direção ao futuro.
Cauê Alves
Curador
artistas
Anatol Wladyslaw
Geraldo de Barros
Hermelindo Fiaminghi
Judith Lauand
Kazmer Féjer
Leopold Haar
Lothar Charoux
Luiz Sacilotto
Maurício Nogueira Lima
Waldemar Cordeiro
RUPTURA E O GRUPO
abstração e arte concreta, 70 anos
Em 9 de dezembro de 1952, um grupo de sete artistas apresentou-se no Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM) como grupo Ruptura, lançando um manifesto que levava o mesmo nome. Embora a exposição tenha durado apenas doze dias, seus desdobramentos foram longevos. O impacto da arte abstrata naquele contexto e as palavras de ordem do manifesto provocaram debates calorosos, que ecoaram durante toda a década de 1950. Ao longo do tempo, o Ruptura tornou-se um marco na história da arte moderna na América Latina.
Três dos artistas que participaram da mostra inaugural – Leopold Haar, Kazmér Féjer e Waldemar Cordeiro – eram imigrantes que se instalaram no Brasil no imediato pós-guerra, trazendo consigo não apenas os traumas do conflito, mas a vivência junto a grupos de arte abstrata que emergiam com força na Europa. Anatol Wladyslaw e Lothar Charoux ainda crianças vieram da Polônia e da Áustria, respectivamente; Geraldo de Barros e Luiz Sacilotto nasceram no Brasil. Os membros do grupo tinham origem na classe média e trabalhadora, ou enfrentavam o desafio de reconstruir suas vidas. Mesmo assim, num país de passado escravagista, ser branco e europeu significava ter condições de ascensão social mais propícias do que a da maior parte da população brasileira.
O grupo defendia a abstração como projeto de transformação, capaz de permear o cotidiano das pessoas, influenciando a indústria e organizando a vida em suas mais diversas escalas: das artes plásticas ao design, da arquitetura à cidade. Eles entendiam que a linguagem visual construída com elementos simples – linhas, cores e planos – tinha a potência de ultrapassar fronteiras geográficas, sociais e culturais, sendo capaz de sensibilizar pessoas de diversos contextos e origens. Em defesa de um projeto de renovação da arte que tivesse um impacto social amplo, eles propunham a ruptura com a figuração e com tipos de abstração centrados na individualidade dos artistas, que julgavam como inadequadas para o tempo em que viviam.
Ruptura e o grupo: abstração e arte concreta, 70 anos caminha em duas direções. Num primeiro momento, o visitante terá contato com um conjunto de obras e registros fotográficos que remete à mostra inaugural de 1952 – duas pinturas que foram apresentadas na ocasião e outras que representam a produção dos artistas no início dos anos 1950 – pois a documentação existente não permite que a exposição histórica seja reconstruída. Num segundo momento, abordaremos a produção e constituição do grupo ao longo da década de 1950. Nesses anos, a composição original do grupo é modificada com a morte de Leopold Haar e o afastamento de Anatol Wladyslaw e Geraldo de Barros. Em contrapartida, Hermelindo Fiaminghi, Judith Lauand e Maurício Nogueira Lima unem-se àqueles que permaneciam atuando em conjunto. A rigor, o grupo Ruptura só se apresentou com esse nome em dezembro de 1952. No entanto, Charoux, Cordeiro, Sacilotto, Fiaminghi, Lauand e Nogueira Lima afirmaram, ao longo de suas vidas, que fizeram parte do grupo Ruptura, atuante em São Paulo nos anos 1950. Mesmo que não tenha havido outras apresentações públicas do grupo Ruptura exatamente com esse nome, a narrativa dos artistas e as fortes correspondências entre suas pesquisas visuais nos faz entender que eles continuaram atuando como um grupo.
Olhar para o grupo Ruptura hoje não significa aderir às propostas de seu manifesto, mas considerar as circunstâncias de seu aparecimento, bem como as várias contradições entre o o texto e aquilo que os artistas produziram na mesma época. A história aqui reunida, apesar da clareza formal das obras, não exclui imprecisões, tampouco equívocos na leitura de uma realidade desigual e desafiadora. Por outro lado, o engajamento e a persistência do grupo em explorar problemas dessa ordem demonstram sua crença nas possibilidades infinitas – e, portanto, libertárias – de imaginar novas ordenações de mundo.
Heloisa Espada e Yuri Quevedo
Curadoria
Na última década, vimos a destruição de um vasto patrimônio cultural e natural. Em 2013, o Memorial da América Latina pegou fogo. Dois anos depois, em 2015, foi a vez do Museu da Língua Portuguesa, em São Paulo. O Museu Nacional, no Rio de janeiro, com cerca de 20 milhões de itens, em 2018 foi totalmente destruído pelo fogo. Em 2021, ocorreu o mais recente dessa série de incêndios no acervo da Cinemateca Brasileira. Isso sem contar os vários quilômetros quadrados que foram queimados como instrumento de desmatamento na Amazônia e no Pantanal.
Pintura de emergência (2021-2022), de Marcius Galan, para o Projeto Parede do MAM, pode ser compreendido tanto a partir desse panorama catastrófico como, também, a partir de um sentido mais indireto. Estamos numa época de temperaturas altas por conta do aquecimento global causado pelas mudanças climáticas, mas também num ambiente acalorado por conta do debate político.
Partindo da sinalização de emergência que serve para reduzir riscos de destruição e contribuir para localização dos equipamentos de segurança como hidrantes e extintores de incêndio, o artista realiza uma pintura que faz uso da geometria mundana, aquela encontrada no cotidiano e sem qualquer sentido transcendente. Como estratégia de composição, Marcius Galan se vale da repetição de um módulo básico de vermelho e amarelo. A justaposição na vertical e horizontal da sinalização enfatiza a ideia de urgência e cria um ritmo, uma espécie de expectativa do próximo módulo.
As formas retangulares usadas pelo artista claramente fazem referência à tradição da pintura construtiva geométrica, que teve entre os seus protagonistas os artistas concretistas e neoconcretistas dos anos de 1950 e início dos anos de 1960. Entretanto, em vez de buscar a racionalidade universal das formas geométricas ou tentar romper com a representação da natureza, o artista, não sem um tom de ironia, nos ajuda a compreender o tempo em que vivemos.
No momento em que o MAM São Paulo apresenta em sua programação a segunda geração da arte moderna que enfatizou a abstração, Marcius Galan atualiza uma reflexão sobre esse período do ponto de vista contemporâneo. Se nos anos de 1950 o Brasil viveu um surto desenvolvimentista industrial, embalado no slogan de Juscelino Kubitschek “50 anos em cinco”, que projetava um país moderno e civilizado, hoje estamos diante de uma distopia, de incêndios e emergências.
Cauê Alves
Curador
No ano do centenário da Semana de Arte Moderna de 1922, o MAM organiza uma pequena exposição com uma seleção de cartazes de exposições de artistas modernos realizadas pelo museu nas últimas décadas. A mostra foi produzida apenas com o acervo documental da Biblioteca Paulo Mendes de Almeida, que guarda e memória institucional do MAM e é referência para a pesquisa sobre arte moderna e contemporânea. A coleção de cartazes do MAM, que conta com mais de uma centena deles, preserva o design dessas peças, o modo como foram divulgadas as mostras realizadas pelo museu, assim com as informações neles contidas. Mais do que um espaço para pesquisas, a biblioteca contribui para a visibilidade da história do museu.
Além de cartazes, o MAM realizou um documentário premiado pelo PROAC e que está disponível na plataforma #CulturaEmCasa, criada pela Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Estado de São Paulo. O vídeo, produzido predominantemente com documentos da própria biblioteca, aborda artistas que compõem a trajetória do modernismo tal como Alfredo Volpi, Anita Malfatti, Candido Portinari, Di Cavalcanti, Oswaldo Goeldi, Tarsila do Amaral, entre outros. O documentário institucional trata da Semana de Arte Moderna de 1922, percorrendo a trajetória de exibições modernistas no museu.
A presente mostra parte do legado das exposições de arte moderna que o MAM apresentou por mais de sete décadas. Trata-se de uma homenagem aos artistas protagonistas da arte moderna brasileira e uma pequena contribuição para os estudos sobre a história das exposições no Brasil.
Cauê Alves
Curador
O Museu de Arte Moderna de São Paulo recebe a exposição Samson Flexor: além do moderno, a partir do dia 22 de janeiro de 2022. Conhecido como um dos pioneiros da abstração no Brasil, Flexor participou ativamente deste importante movimento de renovação das artes visuais no país na década de 1950. Sua contribuição para a abstração geométrica, tanto em sua atuação como artista quanto como mestre de uma nova geração em seu Ateliê Abstração nos anos 1950, é amplamente reconhecida pela crítica. No entanto, seus desenvolvimentos posteriores, caracterizados pela abstração lírica ou informal e pelo retorno à figuração nos seus últimos cinco anos de vida, permanecem pouco conhecidos pelo público.
Segundo a curadora Kiki Mazzucchelli, “é a primeira exposição que tem como foco o desenvolvimento da obra de Flexor a partir de 1957, quando passa a rejeitar as formas estáticas em pinturas onde gradualmente predominam o gesto, a opacidade e a transparência.” A exposição tem como objetivo trazer à luz a obra tardia de Samson Flexor, que marca sua transição do moderno para o contemporâneo ao confrontar questões éticas e estéticas de seu tempo.
É composta por quase uma centena de obras datadas entre os anos 1922 e 1970. São incluídas pinturas conhecidas na trajetória do artista como Abstração Barroca n.2 (1949), que combina a geometrização da figura e a temática brasileira; Aos pés da cruz (1948), pintura originalmente exposta no MAM São Paulo, em 1950, e que se aproxima de uma abstração total; e Vai e vem diagonal em três quadrados (1954), pintura da fase da abstração pura na qual explora as diagonais cruzadas e cria um movimento acentuado pelos contrastes cromáticos.
Kiki Mazzucchelli
curador
A tridimensionalidade une novamente os artistas Jacques Douchez (Macôn, França, 1921 – São Paulo, 2012) e Norberto Nicola (São Paulo, 1930 – 2007) em Os pássaros de fogo levantarão voo novamente. As formas tecidas de Jacques Douchez e Norberto Nicola, em cartaz a partir do dia 16 de dezembro no Museu de Arte Moderna de São Paulo. Estreando oficialmente como curador, assume vivid astro focus (avaf) propõe uma reaproximação póstuma entre os artistas. Além disso, a exposição lança luz sobre importantes sucessores do movimento modernista.
A partir de um conjunto de 26 obras em tapeçaria, 13 de cada artista, é possível um resgate dos laços profissionais e afetivos entre os dois amigos, que mantiveram o Atelier Douchez-Nicola, entre 1959 e 1980, mas que não expuseram mais em conjunto após desfazerem a sociedade. Uma das propostas da mostra é traduzir essa conexão, ao criar uma união emocional e física entre os trabalhos de ambos.
O aspecto tridimensional, característica marcante nas criações, entendidas pelos próprios artistas como “formas tecidas”, é refletido também na expografia, coassinada pelo arquiteto Eduardo Chalabi e avaf. As tapeçarias suspensas no teto e as paredes recobertas de espelhos reforçam esse jogo de dimensões. “Neste espaço átmico, busca-se trazer uma narrativa, sem tratar de ser histórica ou retrospectiva, dedicada a obras tecidas por esses artistas”, declara o curador. Para além disso, ele afirma que a expografia foi pensada de forma que os artistas fossem recontextualizados em um ambiente de arte contemporânea.
Em Os pássaros de fogo levantarão voo novamente. As formas tecidas de Jacques Douchez e Norberto Nicola, o mam amplia as reflexões em relação ao movimento modernista e evidencia, desta vez, os artistas que vieram depois dele. “Dando continuidade às reflexões que promoveu ao longo do ano de 2021 sobre o centenário da Semana de Arte Moderna de São Paulo de 1922, o mam desdobra sua programação, agora discutindo artistas das gerações seguintes, que tiveram atuações significativas. O espaço concebido para a mostra traz espelhos e cores que rompem com o tradicional cubo branco e reinventam o ambiente expositivo”, comenta Cauê Alves, curador da instituição.
assume vivid astro focus / avaf
curadoria
Assista ao minidocumentário da exposição
Jacques Douchez e Norberto Nicola
assume vivid astro focus (avaf)
Legenda da obra em destaque: Norberto Nicola, detalhe da obra Reflexos, 1986/1987. Lã em tear manual, fibras vegetais e pigmentos, 240 × 140 cm. Coleção Ana Rosa da Silva. Foto: João Musa
A nova unidade do Sesc São Paulo, localizada na cidade de Mogi das Cruzes, abre ao público a partir do dia 6 de novembro com a exposição Ausente Manifesto: ver e imaginar na arte contemporânea. A mostra reúne 35 obras do acervo do MAM São Paulo (Museu de Arte Moderna de São Paulo) e de seu clube de colecionadores, e inaugura uma parceria entre as instituições que deve prosseguir, nos próximos meses, com ações que incluem atividades educativas e outras mostras.
A curadoria de Ausente Manifesto é de Cauê Alves, curador do MAM, e Pedro Nery, museólogo da instituição.
As obras escolhidas são de artistas contemporâneos que transpõem as divisões sedimentadas das linguagens artísticas, trazendo à tona um jogo entre desenho e instalações, vídeo e imagem, fotografia e representação. A ideia é criar uma oportunidade de aproximar o público amplo e diverso do Sesc da arte contemporânea.
Os artistas que integram a mostra são Adriana Varejão, Angela Detanico, Anna Bella Geiger, Antonio Dias, Cao Guimarães, Carlito Carvalhosa, Cinthia Marcelle, Coletivo Garapa, Dora Longo Bahia, Efrain Almeida, Ernesto Neto, Fabrício Lopez, Gabriel Velarde, Gilvan Barreto, Jonathas de Andrade, José Damasceno, José Patrício, Lenora de Barros, Lucia Koch, Marcius Galan, Marepe, Matheus Rocha Pitta, Mídia Ninja, Milton Machado, Milton Marques, Nelson Leirner, Nuno Ramos, Rafael Lain, Regina Silveira, Rivane Neueschwander, Romy Pocztaruk, Sara Ramo, Tadeu Jungle, Thiago Bortolozzo, Thiago Honório e Waltércio Caldas.
A exposição reforça um caráter inusitado, e por vezes irônico, da arte contemporânea em deturpar a lógica de representação dos objetos que são reconhecidos por suas utilidades, estabelecendo, dessa forma, uma ordem diferente entre o que é representar e criar. A arte é produtora do simbólico de nascença, ou seja, quando criada ela não tem uma utilidade prática.
Créditos: Waltercio Caldas (Rio de Janeiro, RJ, 1946), Copo fotografando o copo, 2015. Serigrafia e fotografia sobre papel, 44,5 x 95 cm. Clube de Colecionadores de Fotografia MAM São Paulo. Foto: Estúdio 17
A proximidade das celebrações do centenário da Semana de Arte Moderna induz a novas reflexões sobre os eventos ocorridos no Theatro Municipal de São Paulo em fevereiro de 1922 e sobre o papel desses acontecimentos na instauração do modernismo no Brasil.
Mais que propor uma apreciação assertiva, a exposição Moderno onde? Moderno quando? retoma o tema, evitando respostas prontas, cristalizadas pela voz corrente.
Será que a Semana de 22 foi um divisor de águas entre o velho e o novo, entre o “passadismo” e o “modernismo”? Se nos debruçarmos sobre a produção artística, musical, arquitetônica e literária que antecede a Semana – também em outras localidades além de São Paulo –, encontraremos incontáveis evidências de que a Semana faz parte de um amplo e descontínuo processo que a extrapola, tanto temporal como territorialmente.
Assim, esta mostra reúne um conjunto de pinturas, esculturas, desenhos e fotografias que expressam uma intenção inovadora – na composição, na fatura ou no tema tratado –, independentemente da data e do local de produção. Moderno onde? Moderno quando? visa a apresentar artistas e obras participantes do evento no Theatro Municipal – nem sempre tão modernos quanto se imaginaria –, assim como trabalhos realizados por artistas que os precederam e/ou sucederam, em meio à sempre complexa conjunção político-cultural do Brasil.
Aracy A. Amaral
Regina Teixeira de Barros
Curadoras
Artistas: Abigail de Andrade, Alberto da Veiga Guignard, Alfredo Volpi, Almeida Júnior, Alvim Corrêa, Anita Malfatti, Antonio Garcia Moya, Antonio Gomide, Antonio Paim Vieira, Artur Timótheo da Costa, Candido Portinari, Carlos Oswald, Cícero Dias, Eliseu d’Angelo Visconti, Emiliano Di Cavalcanti, Estevão Silva, Flavio de Carvalho, Gregori Warchavchik, Ignácio da Costa Ferreira (Ferrignac), Ismael Nery, Joaquim do Rego Monteiro, John Graz, Lasar Segall, Lívio Abramo, Manoel Santiago, Oswaldo Goeldi, Raimundo Cela, Regina Gomide Graz, Rodolfo Chambelland, Tarsila do Amaral, Valério Vieira, Vicente do Rego Monteiro, Victor Brecheret, Victor Dubugras, Wilheim Haarberg e Zina Aita.
Contam os mais velhos do povo Makuxi que, nos tempos antigos, Surarî’ foi abandonado no mato por um caçador. Ao sentir saudades dele, Surarî’ virou gente e decidiu subir aos céus atrás de seu dono. Para isso, pediu ajuda a um pequeno gavião que o levou nas costas. Quando chegou lá, Surarî’ se transformou novamente, ganhando corpo de estrela. Tornou-se responsável por trazer as chuvas e lembrar que, depois do tempo da seca, haverá ainda um outro tempo possível, o das águas.
Surarî’ é a palavra na língua makuxi que designa o moquém, jirau usado para desidratar e defumar carne. A técnica de moquear, uma forma de conservar o alimento e facilitar o seu transporte dos locais de caça e pesca até as aldeias, é boa para pensar o trânsito de provimentos e de saberes que atravessam não só diferentes espaços, mas também diferentes mundos. São trânsitos como estes que constituem os movimentos da arte indígena contemporânea. A chuva provocada por Surarî’ é uma maneira de conceber os fazeres dos artistas indígenas como veículo entre distintas temporalidades e um modo de produzir e atualizar relações.
Moquém_Surarî: arte indígena contemporânea apresenta trabalhos de 34 artistas indígenas que corporificam transformações, traduções visuais de suas cosmologias e narrativas, presentificando a profundidade temporal que fundamenta suas práticas. As obras atestam que o tempo da arte indígena contemporânea não é refém do passado. A ancestralidade é mobilizada no agora, reconfigurando posições enunciativas e relações de poder para produzir outras formas de encontro entre mundos não fundamentadas nos extrativismos coloniais.
Texto em Guarani
Nhanerentarã mboe tuja kue’i Makuxi omombe’u, ymã guare, Surari ́manje hejaa ráka’e ka’aguyre peteĩ ika’aguy va’egui. Há’e oexa nga’u vyma hera reré vy, Surari ́onhembo jera nhande ramivy ojeupi yvare oja rakygue. Há’e ramia guã ma, oikontevẽ raka’e guyraũ re vy há’e ogueraa raka’e okupere. Há’epy ovaẽ ramo, Surari ́ onhembojera jevy, há’e ojeapo ovyvyma Jaxy tatá rami. ojeapó opyta oky reruarã há’e ndaexarai,ary piru,há’egui oiko ju va’erã ary ,yy.
Surarî há’e Makuxi ayvu py omoẽ nonde moquém, monhimbe’i omo mbirú aguã xo’ó. Ojapo kuaa nhimbe’i marã tembi’u ivaipa he ‘y aguã há’e okueraa porã ve aguã oikoagui ogueraa xo’ó pira ro’ó tekoapy, kova’ema ĩporã nhemongueta marupipá nhemoĩ porã ta arandu jeyvaxa oiny ramo mamo mamoguipá jeupity há’e Joagui he’ỹ yvyrupa -marupipá jereraa ta nhande kuery ojapo mba’emo ãy guigua nhande kuery gui. Okyma ojejorá Surari’guima vy oexauka marupipá nhetyrô heravy vyma nhande kuery Imbavyky heravy ma mba’eyru aygui guara rami jereraa heravyma opyta ha ́e virami oin
Moquém Surari`: nhande mbavyky ma aygui gua peteĩ rã oĩ mba’eapó 34 imbavyky va’e nhande kuery omo in nhembojerá, jaexa vy ryve jaikuaa heravya guã jexaka gueroayvu, há’e omboete nhembojaru pygua he’y ãy guigua teim jeapo riae, nhembavykyma ije araguyjere hare nhande kuery ãy guigua onhemboty uká ymãre’ȳ ymã guare ma mombyta ãy varã, omoim heravyma ombojekó peteĩ hendapy mba’e kuaa omombe’u peteĩ rupi aguã vyma nhevain tĩ koo yvy javeré nonhe moingoi onhembojeká yvy mboae guigua kuery gui.
Jaider Esbell curador
Paula Berbert assistente de curadoria
Pedro de Niemeyer Cesarino consultor
A exposição é uma correalização entre MAM e Fundação Bienal de São Paulo e integra a rede de parcerias da 34ª Bienal.
Programação
Além da exposição na sede do MAM, a mostra contará com uma série de depoimentos inéditos em vídeo de sete artistas de Roraima, que serão divulgados ao longo do período expositivo nos canais digitais do museu, como também ampla programação educativa, que contará com oficinas e lives com os artistas sobre assuntos como arte e xamanismo, povos indígenas e a história da arte no Brasil e a força das mulheres indígenas nas artes.
Catálogo
Próximo do encerramento da exposição, será lançado um catálogo que reúne textos críticos e ensaios de artistas.
Lista completa de artistas
Ailton Krenak | Amazoner Arawak | Antonio Brasil Marubo | Arissana Pataxó | Armando Mariano Marubo | Bartô | Bernaldina José Pedro | Bu’ú Kennedy | Carlos Papá | Carmézia Emiliano | Charles Gabriel | Daiara Tukano | Dalzira Xakriabá | Davi Kopenawa | Denilson Baniwa | Diogo Lima | Elisclésio Makuxi | Fanor Xirixana | Gustavo Caboco | Isael Maxakali | Isaiais Miliano | Jaider Esbell | Joseca Yanomami | Luiz Matheus | MAHKU | Mario Flores Taurepang | Nei Leite Xakriabá | Paulino Joaquim Marubo | Rita Sales Huni Kuin | Rivaldo Tapyrapé | Sueli Maxakali | Vernon Foster | Yaka Huni Kuin | Yermollay Caripoune
Zona da Mata corresponde geograficamente à faixa litorânea da região nordeste do Brasil, paralela ao Oceano Atlântico, que se estende do Rio Grande do Norte até a Bahia. Trecho da Mata Atlântica original, hoje quase extinta na região, foi solo fértil explorado de modo predatório. Porta de entrada para a colonização, é historicamente um território de conflito, instaurado no modo de invasão e ocupação, matriz de destituição dos povos originários e da diáspora afro no país.
Essa exposição adota o termo Zona da Mata como metáfora simbólica, não apenas no sentido da geografia física, no enfrentamento necessário do desafio de tratarmos da violenta constituição de nosso território. Frente à exploração predatória de pessoas e lugares, como restituir dignidade ao que precisamos reconhecer como nossa morada? É incontornável repactuar nossa condição humana na indissociável relação entre cultura e natureza.
Diante do Brasil em febril convulsão, violentamente retrógrado, Zona da Mata é hoje todo o País. Alinhados ao desafio mundial, precisamos mais do que nunca nos reposicionarmos frente ao nosso pacto de país e sociedade, a começar por reconhecer saberes ancestrais que não soubemos acalentar, sem aprisioná-los em um passado histórico, mas como parte fundamental de nosso desejável presente.
A exposição se organiza em quatro partes em diferentes espaços e com distintas temporalidades. Por isso, nunca estamos diante da totalidade da mostra, mas apenas de fragmentos. Ocorre no MAC USP (5o. andar ala B e térreo) durante toda a extensão de tempo e no MAM (na sala de vidro em dois tempos). Usufrui da condição de necessário atravessamento, mais ágil no percurso feito a pé do que motorizado, para articular os dois pontos avizinhados, desconectados a posteriori do projeto de transformação do Ibirapuera em 1954, onde originalmente se encontrava uma mata alagadiça – “mata que já foi mata” em Tupi Guarani. Intenta um ir-e-vir aderente ao chão da cidade, endereçada ao presente e ao porvir, no pacto indissociável de uma paisagem compartilhada e simultaneamente desviada, a partir da singularidade vibrante de cada obra convidada e do acervo de ambas as instituições que integram essa mostra-paisagem.
Ana Magalhães
Cauê Alves
Marta Bogéa
Curadores
Legenda: Rodrigo Bueno (Campinas, SP, 1967). Origem e Destino, 2021. Foto: Karina Bacci.
Quando a canonização do movimento modernista tende a se fechar em torno de um número restrito de seus expoentes, é hora de alargar o campo de investigação e enveredar por sendas menos exploradas, em busca de artistas e modalidades diversos daqueles já consagrados.
Entre tantos aspectos da revolução cultural das primeiras décadas do século XX, aqui nos interessa a arte que informa o cotidiano e põe a vida doméstica em sintonia com a grande onda de modernização da sociedade. Vale lembrar que a criação de ambientes e objetos de linhas “modernas” iniciada nesse período está na origem do que hoje entendemos como “design de produtos”.
A partir do sucesso da Exposição de Artes Decorativas de Paris, em 1925, o art déco ganha repercussão internacional e chega ao Brasil. Antonio Gomide, sua irmã Regina e o marido dela, John Graz, seriam os arautos dessa tendência em São Paulo. Com obras taxadas de “decorativas”, os protagonistas dessa vertente do modernismo são vistos, muitas vezes, como artistas “menores”. No entanto, os três são modernistas de primeira geração. Graz participa da Semana de Arte Moderna a convite de Oswald de Andrade, entusiasmado com as telas que vê na mostra do pintor suíço recém-chegado a São Paulo. Na mesma exposição, as criações têxteis de Regina não chegam a impressionar o crítico. Essa indiferença revela a incompreensão da importância que a fusão de arte e artesanato teria na Europa do entreguerras. Por seu turno, Antonio Gomide, residente em Paris, traz, em 1926, um conjunto de pinturas de sua autoria para expor na capital paulista, provando ser um pintor maduro e familiarizado com o cubismo e a Escola de Paris.
Formados na Escola de Belas Artes de Genebra e com larga vivência da cultura europeia, eles se fixam em São Paulo, numa época em que a cidade passa por grandes transformações, sob o impacto da industrialização e da massa de imigrantes que aqui busca “fazer a América”. Diante de um mercado de arte restrito e conservador, Graz logo vê que não daria para viver de pintura. Procura então introduzir ambientes modernos em moradias da alta burguesia. Bem-sucedido, pauta seu trabalho pelo conceito de “arte total”. Em busca da unidade formal, tudo é desenhado por ele. No mobiliário, sobressai a dominância de formas geométricas, a adoção de materiais industrializados, como os tubos metálicos e a madeira folheada. Não se trata de produção em série, mas de fatura artesanal e exclusiva. Regina participa de seus projetos, com tapetes, tapeçarias, cortinas e almofadas. Versátil em várias técnicas, não é simples colaboradora – dá aulas em seu ateliê e funda a fábrica Tapetes Regina. Antonio Gomide também atua em várias frentes. Transita da pintura a óleo ao afresco, dos vitrais aos biombos e objetos decorativos, sempre com competência e buscando alguma estabilidade financeira.
A modernidade do trabalho desses artistas vem da dissolução de fronteiras e hierarquias entre modalidades artísticas e da atividade projetual dedicada à criação de murais, vitrais e tapeçarias, em diálogo com a arquitetura. Seu público: a elite simpatizante do modernismo, viajada e culta, de cafeicultores em decadência e industriais em ascensão.
Maria Alice Milliet
Curadora
Quando o Museu de Arte Moderna de São Paulo havia recém conquistado sua nova sede no Parque Ibirapuera, Diná Lopes Coelho, organizou em 1971 o catálogo e a mostra retrospectiva de Emiliano Di Cavalcanti (1897-1976). Tratava-se de uma exposição que celebrava 50 anos de trajetória do idealizador da Semana de 22.
A exposição 50 anos de Arte: Di Cavalcanti ficou em cartaz de 28 de outubro a 5 de dezembro de 1971 e apresentou trabalhos em pintura, caricatura, desenho, gravura, publicações, tapeçaria e joias trazidas de instituições de diversas cidades do Brasil e da Europa. Trata-se de uma mostra significativa e de grande repercussão para a compreensão de seu trabalho. Apesar de um pintor versátil, a obra de Di Cavalcanti possui unidade que não pode compreendida apenas por fases cronológicas. O artista retomou ao longo de toda a sua trajetória temas como pescadores, paisagens, músicos, o samba, o carnaval e, principalmente, figuras femininas e curvilíneas.
A presente mostra foi realizada apenas com o acervo bibliográfico e audiovisual da Biblioteca Paulo Mendes de Almeida, que guarda e memória institucional do MAM e é referência para a pesquisa sobre arte moderna e contemporânea. A exposição é constituída por catálogo, pôster, convite, recorte do jornal Diário do Povo e filme de época sobre a exposição retrospectiva de Di Cavalcanti. Realizada meio século depois da mostra de 1971, Di Cavalcanti no MAM: 50 anos x 2 é uma homenagem a um dos protagonistas da arte moderna brasileira e contribui para os estudos sobre a história das exposições no Brasil.
Cauê Alves
Curador
Como o próprio título indica, a obra tem relação com um pedido de socorro. A sigla SOS está escrita em braile, o que envolveria o tato para decodificar os pontos em relevo. A artista se vale de círculos de metal usados em sinalizações de pisos para alertar pessoas com deficiência visual sobre obstáculos. A mudança de escala dos sinais, num tamanho muito maior que o nosso corpo alcança, impede que a leitura ocorra completamente e, assim, é como se as palavras jamais pudessem ser compreendidas.
A inversão das coordenadas de orientação no espaço, ao colocar na vertical o piso tátil projetado para superfícies horizontais, pode gerar vertigem. E de fato o ambiente espelhado envolve e captura os espectadores que atravessam o corredor do museu. Nosso olhar é levado em movimentos espiralados para o interior de espaços imaginários e atordoantes.
As imagens reúnem uma espécie de paisagem construída com fotografias de minerais que se mesclam com grades e fragmentos de arquiteturas labirínticas. A partir da manipulação de imagens digitais é como se sobrevoássemos paisagens convertidas em fósseis que condensam tempos diferentes. Como se avistássemos do alto um território em ruínas, um mundo devastado. As linhas da pedra fotografada trazem a ideia de fratura, de colapso da natureza e da cultura.
As montagens fotográficas emolduradas são opacas, contrastam com o brilho do fundo, mas se integram ao conjunto distópico. Os elementos que apontam para a ideia de futuro são tratados pela artista como algo já sedimentado, como resto petrificado do passado. Em vez de promessa de felicidade, de crença num mundo melhor, a obra parece tratar da falência e da impossibilidade de salvação.
Cauê Alves
Curador
Além do Jardim de Esculturas, o Museu de Arte Moderna de São Paulo possui uma coleção de obras tridimensionais de grande relevância histórica e cultural. Nas obras do acervo do mam aqui em destaque, é possível perceber duas tradições contrastantes: de um lado a escultura figurativa, em que o artista representa corpos humanos com linhas curvas; e de outro peças geométricas, mais racionais, construídas a partir de planos, retas e círculos.
As obras de Alfredo Ceschiatti, realizadas em bronze fundido nas décadas de 1950 e 1960, com predominância de personagens femininos, deixam evidente a simplificação tanto da figura humana, com formas orgânicas, quanto das vestimentas com efeitos que insinuam movimento ao conjunto.
Já as esculturas de Sérvulo Esmeraldo e Joaquim Tenreiro, ambas feitas de ferro nas décadas de 1970 e 1980, são abstrações formadas por volumes e vazios. Essas obras se afastam da noção de representação e se organizam a partir do equilíbrio de placas e barras soldadas.
Esse pequeno conjunto pode ser compreendido como uma extensão do Jardim de Esculturas do mam. O espaço envidraçado, pela sua transparência, permite um diálogo mais evidente com a marquise e o entorno. O acervo em destaque pode plenamente ser visto do lado de fora, é um modo de o museu se abrir para o Parque Ibirapuera e trazer os mais diversos públicos para perto. Seja bem-vindo!
Cauê Alves
Curador
“Past/Future/Present:Contemporary Brazilian Art from the Museum of Modern Art, São Paulo”
Curadoria Vanessa Davidson e Cauê Alves
Onde: Phoenix Art Museum, Texas, EUA
Visitação 01 de setembro a 17 de dezembro de 2017
Mais informações aqui.
Cássio Vasconcellos (São Paulo, 1965), Uma vista (A Perspective), 2002. Col. mam
Ao falecer, em agosto de 2018, Antonio Dias havia reunido uma coleção das próprias obras que recobria toda sua trajetória artística. O conjunto compunha-se tanto de peças de que ele nunca havia se separado, como de outras recompradas de terceiros para quem tinham sido vendidas. Tratava-se, pois, de uma representação de si mesmo intencionalmente construída, mantida e guardada.
A atitude de colecionar-se manifesta um aspecto essencial do artista: Antonio Dias cultivou uma ética do trabalho que permite compreender seu percurso a partir de posicionamentos claramente formulados por ele. Assim, a escolha dos componentes desta coleção testemunha atenção para com princípios que acompanharam o artista ao longo de sua vida e que deviam ser mantidos próximos a si.
Reunimos aqui parte dessa coleção única. Além de contar com peças emblemáticas, como Nota sobre a morte acidental e Anywhere Is My Land, o conjunto vai desde as primeiras obras abstratas do início dos anos 1960 até a última tela pintada por Antonio Dias. A mostra divide-se cronologicamente. Inicia-se com as obras mais recentes, onde o uso de pigmentos minerais condutores de eletricidade importava ao artista pela presença do material carregado de carga física. A segunda seção reúne obras com o uso de palavras, frequentemente em inglês, em composições áridas em preto, branco e cinza, que parecem colocar em questão seu próprio sentido como arte, pois negam qualquer prazer ao público. O terceiro conjunto é composto por peças dos anos 1960, cujas figuras fragmentadas remetem à violência do Brasil ditatorial, ao sexo e a vísceras extirpadas. Ao longo do percurso, há também obras singulares, como as abstrações do jovem artista feitas logo após seu estudo inicial com o gravurista Oswaldo Goeldi, os filmes realizados em Nova York entre 1971 e 1972, e as diversas representações do corpo. Pontuando todo o percurso, diferentes autorretratos registram o amadurecimento do autor.
A obra, apesar de múltipla, apresenta um aspecto comum: é impossível a experiência de uma compreensão total de cada peça; ao contrário, o público é confrontado com uma construção incapaz de apresentar-se íntegra. Com o método que gera objetos para os quais sempre falta o sentido total, emerge a dimensão ética da obra de Antonio Dias: a incompletude da existência humana. A constância dos temas existenciais garante um sentido testemunhal à obra de Antonio Dias. Portanto, a coleção que ele formou de si mesmo é uma síntese única, tanto pelo percurso que organiza ao longo das várias fases, como pela declaração dos valores éticos norteadores de sua arte.
A oportunidade de exibir parte da coleção nesta mostra, ainda durante período de luto pelo artista, só foi possível graças à generosidade da família; a ela é dedicada a exposição.
Felipe Chaimovich
curador
A exposição integra a 34ª Bienal de São Paulo.
Esta obra reveste o corredor do mam com paredes de pau a pique. A técnica de construção usa uma trama quadriculada de galhos e bambus entrelaçados de forma regular, gerando uma estrutura oca posteriormente preenchida com barro. Esse procedimento tem sido empregado no Brasil, desde o período colonial. Sua ampla presença em edificações para diferentes classes sociais, ao longo da história evidencia uma continuidade material entre os prédios ostentosos, como a igreja barroca, e as moradias populares, como a casa da roça. Parte dos galhos aqui utilizados veio do parque do Ibirapuera; somados à terra aparente, trazem um cheiro orgânico ao corredor. Ao construir com elementos vivos do entorno, o artista aproxima museu e natureza por meio de um saber que nos une a um Brasil profundo.
*Este título vem do poema e do livro “Roça barroca” da poeta e tradutora Josely Vianna Baptista.
Thiago Honório, “Estudos para roçabarroca“, 2018/2020, Lápis de cor e grafite sobre papel, 42 x 60 cm. Foto: Edouard Fraipont
Colecionar arte é a possibilidade de olhar por um viés fascinante para a diversidade humana. É colocar em perspectiva pontos de vista que se descolam da obviedade aparente e nos fazem refletir em profundidade sobre os mais distintos aspectos da vida em sociedade. Logo, os museus e suas coleções são espaços democráticos que fomentam a reflexão, a convivência das diferenças, o debate sem dogmas, a formação de repertório.
O Clube de Colecionadores de Fotografia do Museu de Arte Moderna de São Paulo, tendo este foco, foi criado em 2000. Ao completar agora 20 anos e 21 edições, reúne obras de 107 artistas que passaram a integrar o acervo do museu e também as coleções particulares de centenas de pessoas que fazem ou fizeram parte do Clube nessas duas décadas. Esta exposição é uma homenagem a esses colecionadores que impulsionam o circuito de arte, incentivam os artistas e ratificam a importância do papel social de instituições culturais como o MAM.
Para esta exposição comemorativa, tivemos a curiosidade de entender como as escolhas curatoriais do Clube impactaram a vida e as coleções de seus sócios. Visitamos a casa de uma dezena deles para observar como as obras adquiridas por meio do Clube são acolhidas, exibidas e guardadas. As fotografias que mostram as obras nas residências surgem nessa exposição em meio às obras do Clube que integram o acervo do MAM. São como janelas pelas quais podemos entrar na casa dos sócios e sentir um pouco da forma como eles convivem com as criações dos artistas.
No diálogo com os sócios, notamos que os princípios que nortearam a criação do Clube, 20 anos atrás, estão se cumprindo plenamente. Muitos deles começaram timidamente suas coleções a partir das obras do Clube. Incentivados por essas aquisições, acabaram por pesquisar os artistas, a história da arte e da fotografia, e hoje possuem amplas coleções.
A existência do Clube de Colecionadores de Fotografia do MAM só é possível graças à parceria entre o museu que organiza as ações, os artistas que doam suas obras e os sócios que incentivam a produção artística e a existência do próprio museu. Dessa forma, tanto o MAM quanto os colecionadores seguem construindo, ano após ano, um acervo perene de extrema importância, por meio do qual podemos refletir sobre a cultura brasileira, nossa mestiçagem, nossos dramas sociais, nossa identidade, nossa capacidade de nos reinventarmos à revelia dos desmandos do poder hierárquico.
A arte é e sempre será a trincheira na qual nos abrigamos e nos conectamos com o outro para ativar uma percepção sensível sobre nosso entorno, a partir da qual criamos uma visão menos dogmática, mais libertária e humanista. Aos sócios do Clube de Colecionadores de Fotografia do MAM de hoje, de ontem e de sempre, e a vocês que frequentam o museu, nossos mais sinceros agradecimentos por fazer com que sigamos acreditando em nossos sonhos.
Eder Chiodetto
Curador do Clube de Colecionadores de Fotografia do MAM
Até quando dura a vida? Estas obras de Laura Vinci mostram o ciclo da perda das folhas pelas árvores, em esculturas de metal. O revestimento brilhante das peças refletirá a mudança de luz, conforme a primavera for se tornando verão no parque Ibirapuera; à noite, uma iluminação artificial projeta sombras sobre a parede de fundo, criando um desenho permanente que contrasta com a variação diurna. Ao brilharem dessa maneira, as folhas parecerão sobreviver a seu desprendimento do galho, como se mantivessem em suspensão o estado de decomposição anunciado por sua queda. O uso do banho de ouro transforma esse momento efêmero da vegetação numa relíquia, como se criasse uma lembrança preciosa para as gerações futuras que enfrentarão enormes desafios perante as transformações da natureza. Assim, o MAM apresenta uma nova ocasião de refletir sobre arte-ecologia durante a visita do público ao Ibirapuera, principal parque de nossa cidade.
Felipe Chaimovich
Curador
Esta instalação é composta pelo registro de postes, em diversas posições, observados contra um céu neutro que os reduz a um simples traço-desenho.
A tradução do título é dobra sobre dobra, e a obra evoca a peça homônima do compositor e maestro francês Pierre Boulez, composta entre 1957 e 1962 para soprano e orquestra.
A sonoridade da peça sugeriu a Vicente de Mello uma sequência fotográfica que dialoga com o movimento de notas musicais sobre uma partitura, um grande móbile que se dobra sobre sua dobra, mudando o sentido e a ordem, uma desconstrução visual com a própria música que ressoa no ambiente do MAM, criando uma insólita e errática interpretação de modulação e ritmo, como de breves flashes marcantes sobre um filme velado.
Pli Selon Pli foi criada em 2008, na residência artística Open Projects, em Varsóvia. Sua primeira versão foi apresentada no Projeto Parede/MAM, em 2010, e, em seguida, na Cidade das Artes, em 2016, em impressão lambe-lambe. Em 2017, a proposta de desdobrou em um painel de azulejo de 65 m², comissionado pelo Sesc 24 de Maio. Esta proposição retorna ao Projeto Parede, em 2019, em uma apresentação distinta: agora as imagens dos postes se amalgamaram à textura da parede por uma fina película, destituindo a presença do papel, criando uma única superfície imagética.
Felipe Chaimovich
Curador
Os livros de artista floresceram nos últimos cinquenta anos. Embora certos livros já tivessem sido impressos com a colaboração de artistas, desde o século XVIII, a busca por formatos alternativos de obra de arte incentivou o uso do livro para multiplicar exemplares de uma produção que buscava circular por fora de instituições consagradas, como museus e galerias. Assim, um número crescente de artistas passou a criar obras tecnicamente estruturadas como um livro, mas que desafiavam nossas expectativas sobre tal objeto.
Nas décadas de 1960 e 70, os livros de artista utilizaram a escrita impressa e o desenho gráfico como ferramentas para veicular obras de arte mais próximas da teoria. Tratava-se de uma estratégia para gerar reflexão no público, chamando atenção para temas políticos, como a própria indústria de comunicação de massa, da qual as gráficas que imprimem livros fazem parte.
A partir dos anos 1980, houve um interesse crescente pela materialidade do livro. Além das propriedades dos papéis, as tintas e encadernações tornaram-se matéria-prima para experiências diversas com carimbos, colagens e diversos expedientes técnicos que singularizavam a produção do livro de artista. Logo, cada peça poderia ser única, aproximando-se novamente da obra de arte original. Desde então, os artistas têm transitado entre livros mais conceituais ou mais plásticos.
O experimentalismo do livro de artista foi identificado pelas bibliotecas de arte, antes mesmo de os museus prestarem atenção a tal inovação. Foi assim que a Biblioteca do mam formou uma coleção de livros, que agora trazemos ao público. Reunimos aqui livros de artista que não foram produto de editoras comerciais, enfatizando o trabalho singular de certas tiragens. O pioneirismo da Biblioteca do mam fomentou também importantes doações, levando à constituição de uma das coleções mais relevantes de livros de artista do país.
Felipe Chaimovich
Curador
Glossário
Livro: coleção de folhas em branco e/ou que portam imagens, usualmente fixadas juntas por uma das bordas e refiladas nas outras para formar uma única sucessão de folhas uniformes.
Livro de arte: livro em que a arte ou o/a artista é o assunto.
Livro de artista: livro em que um/uma artista é o/a autor/autora.
Arte do livro: arte que emprega a forma do livro.
Livro-obra: obra de arte dependente da estrutura de um livro.
Livro-objeto: objeto de arte que alude à forma de um livro.
(Classificação da Sociedade de Bibliotecas de Arte da América do Norte, de 1982, em Paulo Silveira. A página violada. Porto Alegre: Ed. da UFRGS, 2008, 2ª ed., p. 47.)
Detalhe da obra de Paulo Bruscky, 3X4 Show. Foto: Karina Bacci
Nascido em Fortaleza no dia 26 de maio de 1922, Antonio Bandeira logrou trilhar um caminho incomum no âmbito da arte brasileira. Artista independente em meio às influências locais de seu tempo – mesmo que extremamente ativo em seu ambiente social – não foi em busca dos regionalismos estilísticos e geográficos que por vezes alimentaram artistas de sua geração. Permaneceu à margem de escolas e estilos, jamais emprestando seu nome às declarações de fé estética tão em voga naquele momento.
Exigente e metódico, definido por seus pares como artista sério, lacônico e de uma “casmurrice monacal”, trabalhou diligentemente durante toda a vida, legando-nos uma produção surpreendente não só pela qualidade e sensibilidade, mas também pelo volume. Para além disso, dedicou especial atenção à sua própria persona, ao alimentar mitos e narrativas acerca de sua biografia e cultivar sua imagem, criando assim um personagem que muitas vezes suscitou tanto interesse quanto sua obra.
Traços, cores, tramas, manchas e respingos aparentemente abstratos efetivamente estampam, nas palavras do artista, “paisagens, marinhas, árvores, portos marítimos, cidades, enfim, apontamentos de viagem. Parto do realismo e, depois, vou aparando a ramaria até chegar ao ponto que minha sensibilidade exige. […] A natureza foi e será, sempre, o meu celeiro”. Esse compromisso alegre com a vida pautou sua aproximação e assimilação da linguagem internacional da arte abstrata. Como resumiria Ferreira Gullar, Bandeira “valeu-se das possibilidades da nova linguagem para expressar sua relação amorosa com a realidade que vivia e a realidade que vivera”.
A presente mostra reúne um conjunto de cerca de 70 obras – telas, guaches e aquarelas –, abarcando diferentes momentos de sua produção artística, das primeiras pinturas figurativas às grandes telas de densas tramas e gotejamentos dos últimos anos, e tem sua gênese na mostra Antonio Bandeira: um abstracionista amigo da vida, realizada no Espaço Cultural Unifor, Fortaleza, de agosto a dezembro de 2017.
Regina Teixeira de Barros e Giancarlo Hannud
Curadores
Serviço:
Antonio Bandeira
Abertura: terça-feira, 10 de dezembro de 2019, às 20h
Visitação: 11 de dezembro de 2019 a 01 de março de 2020
Local: Museu de Arte Moderna de São Paulo
Endereço: Parque Ibirapuera (av. Pedro Álvares Cabral, s/nº – Portões 1 e 3)
Horários: terça a domingo, das 10h às 17h30 (com permanência até as 18h)
Telefone: (11) 5085-1300
Ingresso: R$ 10,00. Gratuidade aos sábados. Meia-entrada para estudantes e professores, mediante identificação.
Gratuidade para menores de 10 e maiores de 60 anos, pessoas com deficiência, sócios e alunos do MAM, funcionários das empresas parceiras e museus, membros do ICOM, AICA e ABCA com identificação, agentes ambientais, da CET, GCM, PM, Metrô e funcionários da linha amarela do Metrô, CPTM, Polícia Civil, cobradores e motoristas de ônibus, motoristas de ônibus fretados, funcionários da SPTuris, vendedores ambulantes do Parque Ibirapuera, frentistas e taxistas com identificação e até 4 acompanhantes.
Agendamento gratuito de visitas em grupo pelo tel. 5085-1313 e e-mail
educativo@mam.org.br
atendimento@mam.org.br
www.mam.org.br
@MAMoficial
Estacionamento no local (Zona Azul: R$ 5,00 por 2h)
Acesso para pessoas com deficiência
Restaurante / café
Ar condicionado
Informações para a imprensa
a4&holofote comunicação
Neila Carvalho
neilacarvalho@a4eholofote.com.br
+55 11 99916 5094
Ane Tavares
anetavares@a4eholofote.com.br
+55 11 98865 2580
Antonio Bandeira, Sem título, 1957, Óleo sobre tela, 92,0 x 92,0 cm, Coleção Orandi Momesso, São Paulo. IAB-1112 / apoio Instituto Antonio Bandeira
Fernando Lemos emigrou de Portugal para o Brasil em 1953, fixando-se em São Paulo. Ao chegar, já era fotógrafo e ilustrador gráfico. Assim, passou a colaborar com o jornal O Estado de São Paulo, produzindo imagens que acompanhavam peças literárias.
Reunimos aqui desenhos originais do artista que ilustraram poemas e contos impressos naquele jornal, na década de 1950. Em cada peça, há menção às obras literárias e a seus autores. Os traços geométricos utilizados eram sinal de modernidade, pois a arte abstrata acabara de chegar ao Brasil, e o MAM foi uma das instituições responsáveis por sua promoção. Assim, é possível revisitar um período de nossa cultura em que as artes gráficas e a literatura mantiveram uma relação criativa e potente.
Felipe Chaimovich
Curador
A imagem da seca é compreendida como parte da identidade da região Nordeste do Brasil, algo que supostamente não diz respeito apenas ao clima, e que cria narrativas, imaginários coletivos, políticas públicas e grandes obras. Esta representação está diretamente ligada, por exemplo, à criação de programas, campanhas e instituições como o DNOCS (Departamento Nacional de Obras Contra as Secas).
Açudes, canais, represas, barreiras, paredes são consequência de parte destas narrativas da seca e produzem uma alteração na paisagem natural. Sua justificativa geralmente se dá pela diminuição das desigualdades, embora muitas vezes ampliem a noção de injustiça.
Como compreender que alguém não possa ter acesso à água de um canal construído com o discurso de levar água para esse alguém? Ao mesmo tempo, como podemos intervir e pensar uma política hídrica sustentável considerando a concentração de pessoas em grandes cidades?
*Como parte deste trabalho será publicado na Wikipédia o verbete “injustiça hídrica” durante o período da exposição.
Vitor Cesar e Enrico Rocha
Artistas