É mestre e doutor em Filosofia pela FFLCH-USP. Professor do Departamento de Artes da FAFICLA-PUC-SP, é curador-chefe do Museu de Arte Moderna de São Paulo e coordenador do grupo de pesquisa em História da Arte, Crítica e Curadoria (CNPq). Publicou diversos textos sobre arte, entre eles no catálogo Mira Schendel (Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Pinacoteca de São Paulo e Tate Modern, 2013). Foi curador-chefe do Museu Brasileiro da Escultura e Ecologia (MuBE, 2016-2020), curador assistente do Pavilhão Brasileiro na 56ª Bienal de Veneza (2015) e curador adjunto da 8ª Bienal do Mercosul (2011).

É museólogo e curador. Formado em História e mestre em Museologia pela Universidade de São Paulo, atuou como pesquisador e curador da Pinacoteca de São Paulo (2011-2019), onde organizou as retrospectivas Rosana Paulino: Costura da Memória (2018-2019) e Marepe: Estranhamente Comum (2019). Atualmente é museólogo do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM São Paulo) e colabora na implantação do Centro de Documentação e Memória do museu.

É mestre e doutor em Filosofia pela FFLCH-USP. Professor do Departamento de Artes da FAFICLA-PUC-SP, é curador-chefe do Museu de Arte Moderna de São Paulo e coordenador do grupo de pesquisa em História da Arte, Crítica e Curadoria (CNPq). Publicou diversos textos sobre arte, entre eles no catálogo Mira Schendel (Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Pinacoteca de São Paulo e Tate Modern, 2013). Foi curador-chefe do Museu Brasileiro da Escultura e Ecologia (MuBE, 2016-2020), curador assistente do Pavilhão Brasileiro na 56ª Bienal de Veneza (2015) e curador adjunto da 8ª Bienal do Mercosul (2011).

É museólogo e curador. Formado em História e mestre em Museologia pela Universidade de São Paulo, atuou como pesquisador e curador da Pinacoteca de São Paulo (2011-2019), onde organizou as retrospectivas Rosana Paulino: Costura da Memória (2018-2019) e Marepe: Estranhamente Comum (2019). Atualmente é museólogo do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM São Paulo) e colabora na implantação do Centro de Documentação e Memória do museu.

Arthur Luiz Piza nasceu em São Paulo, SP, Brasil (1928) e faleceu em Paris, França (2017). Estudou pintura e afresco com Antonio Gomide e, a partir de 1951, viveu em Paris, onde aperfeiçoou técnicas de gravura em metal. Embora também tenha atuado como desenhista e escultor, destacou-se sobretudo como gravurista, afirmando essa linguagem como campo de experimentação técnica e cromática. Inovou ao escavar profundamente as matrizes, criando baixos-relevos que introduziram diferentes planos, volumes e texturas, expandindo a gravura nacional em direção à abstração geométrica e à exploração da cor e da luz. Recebeu o Grande Prêmio Nacional de Gravura da 5ª Bienal de São Paulo (1959) e o Prêmio David Bright da Bienal de Veneza (1966). Entre suas retrospectivas recentes, destacam-se A gravura de Arthur Luiz Piza, Pinacoteca de São Paulo (2015), e Homenagem a Piza, MAM São Paulo (2018). O MAM São Paulo possui 94 gravuras do artista em sua coleção.

Nasceu em Nova Friburgo, RJ, Brasil (1896) e faleceu em Belo Horizonte, MG, Brasil (1962). Formou-se em pintura na Europa, estudando em academias prestigiadas de Munique e Florença antes de retornar ao Brasil em 1929. Atuou como pintor, desenhista, ilustrador e professor, sendo reconhecido como um dos grandes nomes do modernismo brasileiro. Destacam-se em sua obra as paisagens de Ouro Preto e outras cidades históricas de Minas Gerais, em que igrejas barrocas, casarios coloniais e balões festivos surgem em atmosferas oníricas e poéticas. Também produziu retratos de familiares, amigos e figuras culturais, notáveis pela delicadeza do traço e riqueza decorativa. Criou a Escola Guignard, em Belo Horizonte, por onde passaram artistas como Amilcar de Castro e Lygia Clark. Entre suas retrospectivas recentes, destacam-se Guignard: a memória plástica do Brasil moderno, no MAM São Paulo (2015), e A paixão segundo Guignard, no Palácio das Artes, Belo Horizonte (2024).

Iniciou sua formação na Escola do MASP (1952), e a completou estudando gravura com Lívio Abramo no MAM São Paulo (1956). A partir dos anos 1960, aproximou-se da nova figuração, incorporando elementos da publicidade, da cultura de massa e do grafite em obras de forte carga política. Nesse contexto, a banana tornou-se uma imagem marcante de sua produção. Representada cortada, amarrada ou transpassada por facas, a fruta é trabalhada como síntese visual crítica de tensões da ditadura militar, metáfora econômica do Brasil, ou até imagem de conotação erótica. Em paralelo, desenvolveu também retratos marcados por rostos fragmentados e distorcidos, explorando uma frente mais experimental e expressionista de sua pintura. Entre mostras recentes, destacam-se Aglomeração – Antonio Henrique Amaral, Instituto Tomie Ohtake (2020), e Antonio Henrique Amaral: Pelo Avesso, Casa Triângulo (2021).

Estudou no Instituto de Arte Contemporânea (IAC), em São Paulo, com Lina Bo Bardi, e em seguida na Escola de Ulm, na Alemanha, sob orientação de Max Bill. Foi pioneiro e figura central do design gráfico moderno no Brasil. Na década de 1950, integrou o Grupo Ruptura, aproximando-se das tendências do concretismo. Fundou o Form-Inform, primeiro escritório de design do país, e foi um dos criadores da Escola Superior de Desenho Industrial (Esdi), no Rio de Janeiro. Produziu cartazes, pinturas e desenhos de linguagem geométrica abstrata, além de programas celebrados de identidade visual, como os logotipos de empresas como Itaú, Ultragás, Hering e Philco. Em 2010, foi agraciado com a Ordem do Ipiranga pelo Governo do Estado de São Paulo. Sua obra foi celebrada na mostra retrospectiva Alex Wollner Brasil: Design Visual, no Museu da Casa Brasileira (2019). Seu arquivo fotográfico é conservado pelo Instituto Moreira Salles.

Formou-se na Escola Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro. Reconhecido como um dos maiores nomes da arte brasileira, dividiu sua produção entre pintura, desenho, gravura e muralismo. Sua obra trata de questões sociais e históricas, com destaque para temas e figuras simbólicas que forjaram um imaginário nacional, como trabalhadores, retirantes, crianças e cenas festivas. Suas composições são marcadas pelo uso expressivo da cor, pela figuração simplificada de forte impacto gráfico e pela síntese entre tradições populares e soluções pictóricas modernas. Por meio de encomendas oficiais, realizou diversos painéis para instituições públicas e governamentais, em diálogo com projetos icônicos de arquitetura moderna, como os murais realizados para o edifício Gustavo Capanema de 1943 no Rio de Janeiro,  na qual se consuma a ideia de arte como bem coletivo. Entre exposições recentes, destacam-se No ateliê de Portinari: 1920-45, MAM São Paulo (2011), e Portinari popular, MASP (2016). Seu legado é preservado pelo Projeto Portinari, referência em conservação de espólio e pesquisa artística no Brasil.

Formou-se em arquitetura pela Escola Politécnica de São Paulo, experiência que se refletiu em sua carreira artística na atenção à racionalidade espacial e ao equilíbrio formal das composições. Teórico da arquitetura funcional no Brasil e cofundador do Clube de Artistas Modernos (CAM), integrou o ambiente modernista paulista dos anos 1930. Como pintor e gravurista, desenvolveu uma obra atravessada por preocupações sociais e urbanas, representando trabalhadores, multidões, transportes, fábricas e cenas da cidade moderna. Seus trabalhos articulam procedimentos técnicos da arquitetura a uma síntese geométrica construtiva, desdobrando-se em uma linguagem artística singular, que busca conciliar forma, espaço e conteúdo. Sua obra integra as coleções do MAM São Paulo, da Pinacoteca do Estado, do MASP e do Instituto de Estudos Brasileiros da USP.

Di Cavalcanti nasceu no Rio de Janeiro, RJ, Brasil (1897) e faleceu em São Paulo, SP, Brasil (1976). Formou-se pela Faculdade de Direito do Largo São Francisco (USP), além de estudar desenho e pintura no Rio de Janeiro e em Paris, onde entrou em contato com as vanguardas europeias, sobretudo o cubismo e o expressionismo, que influenciaram sua linguagem plástica. Pintor, ilustrador e muralista, foi figura central da Semana de Arte Moderna de 1922 e construiu uma obra marcada pela síntese entre cor intensa, volumes robustos, desenho sinuoso e um jogo de luz que enfatiza a atmosfera de suas cenas. Representou alegoricamente elementos da cultura brasileira, como festas populares, carnaval, música e religiosidade, além de cenas urbanas que retratam questões sociais e raciais, como os subúrbios cariocas, trabalhadores e trabalhadoras informais, e a vida coletiva nas cidades, articulando a estética modernista com uma visão crítica. Também realizou murais para espaços públicos e privados, aproximando sua obra da arquitetura moderna. Sua trajetória foi revisitada nas exposições No subúrbio da modernidade – Di Cavalcanti 120 anos, Pinacoteca de São Paulo (2017) e Di Cavalcanti, muralista, Instituto Tomie Ohtake (2021).

Estudou na École des Beaux-Arts de Ghent, onde recebeu formação acadêmica em pintura e desenho. Nome fundamental da arte gráfica de cunho político, atuou como gravador e ilustrador em jornais e revistas. Foi pioneiro ao desenvolver romances visuais em xilogravura sem palavras, explorando a crítica social e política, as contradições do capitalismo e o ideal humanista de justiça. Sua obra é marcada por forte influência do expressionismo alemão e pela introdução dessa linguagem na Bélgica, com o grupo Les Cinq e a revista Lumière. O uso dramático do preto e branco, com jogos de luz e sombra, confere tensão narrativa e impacto gráfico a suas composições. Além das gravuras, ilustrou livros de autores como Thomas Mann e Émile Zola. Seu legado foi revisitado na retrospectiva Frans Masereel, no Instituut voor Sociale Geschiedenis, Amsterdã, Holanda (2022).

Chegou ao Brasil em 1921 e estudou na Escola Nacional de Belas Artes, que abandonou pelo caráter excessivamente acadêmico, complementando sua formação em ateliês e na Escola do Parque, em Belo Horizonte. Integrou o Grupo Frente e foi um dos fundadores do neoconcretismo. Foi um dos principais inovadores da escultura brasileira, desenvolvendo uma linguagem de abstração geométrica marcada pelo uso de chapas metálicas submetidas a cortes, dobras e sobreposições. Suas esculturas incorporam o vazio como elemento ativo da construção da forma, articulando espaço e matéria, e empregam a cor chapada para intensificar volumes, ritmos e tensões visuais. O artista também realizou obras de grande escala em praças e edifícios públicos, concebendo trabalhos que não apenas ocupam, mas redesenham o espaço urbano. Entre exposições recentes, destacam-se as retrospectivas Franz Weissmann: o vazio como forma, Itaú Cultural (2019) e Franz Weissmann: ritmo e movimento, Casa França-Brasil (2023).

Chegou ao Brasil em 1934 e estudou artes gráficas na Fundação Getúlio Vargas, tendo aulas de xilogravura e de gravura em metal com Carlos Oswald. Nos anos 1940, produziu gravuras figurativas de matriz expressionista e cubista, voltadas a temas sociais. A partir de 1953, dedicou-se à abstração, desenvolvendo um vocabulário singular em que planos coloridos e linhas ritmadas criam tensões equilibradas e espacialidades luminosas. Suas gravuras exploram a síntese entre rigor construtivo e lirismo poético, distinguindo-se pela clareza formal e pelo uso da cor como elemento estrutural. Lecionou no MAM São Paulo entre 1954 e 1970 e ministrou cursos no Brasil e no exterior, além de publicar obras teóricas de caráter pedagógico como Criatividade e processos de criação (1978). Entre exposições recentes, destacam-se Fayga Ostrower: Imaginação Tangível, Pinacoteca de São Paulo (2021) e Fayga Ostrower – Centenário, Museu da República (2021).

Um dos principais artistas do século XX, estudou na École des Arts Décoratifs de Paris e aproximou-se do cubismo, desenvolvendo uma vertente própria marcada pela decomposição das formas em cilindros e volumes tubulares, conhecida como “tubismo”. Profundamente influenciado pela modernidade industrial, traduziu máquinas, engrenagens, figuras humanas e arquiteturas modernas em composições de cores chapadas, contornos firmes e dinamismo circular. Como pintor e ilustrador, explorou a relação entre arte, tecnologia e vida urbana, criando imagens de forte impacto gráfico. Professor na Universidade de Yale, nos EUA, transmitiu sua visão a novas gerações. Em 2009, a Pinacoteca de São Paulo apresentou Fernand Léger: relações e amizades brasileiras, que destacou sua interlocução com artistas nacionais.

Foi um artista plural, que atuou como fotógrafo, pintor, ilustrador e designer de móveis. Ganhou projeção ao promover a fotografia abstrata no Brasil com as Fotoformas, série em que intervinha diretamente nos negativos por meio de cortes e sobreposições, criando imagens que transformavam fragmentos da arquitetura urbana em composições geométricas e dinâmicas. Membro do Foto Cine Clube Bandeirante, explorou a fotografia como campo experimental em diálogo com a abstração. Em seguida, foi um dos signatários do Grupo Ruptura, fundamental para a consolidação da arte concreta no país. No design, fundou a cooperativa Unilabor e a Hobjeto, pioneiras na criação de móveis modernos voltados ao uso coletivo. Sua trajetória inclui ainda a participação no Grupo Rex, nos anos 1960, quando explorou aproximações com a arte pop e a nova figuração. Destacam-se exposições recentes como Geraldo de Barros – Imaginário, Construção e Memória, Itaú Cultural (2021), e Geraldo de Barros e a Fotografia, Instituto Moreira Salles (2014).

Iniciou sua formação artística com Enrico Vio e formou-se posteriormente em química industrial pelo Instituto Mackenzie. Em 1954, fundou com Willys de Castro o Estúdio de Projetos Gráficos, realizando projetos de identidade visual para publicações e cartazes para exposições. Sua pesquisa plástica explorou as possibilidades dinâmicas da forma, criando, pela disposição  assimétrica de campos cromáticos vibrantes, ilusões de tridimensionalidade. O artista destacou-se pela utilização de formatos pouco usuais em seus quadros, muitas vezes concebidos como losangos, hexágonos e círculos. Nos anos 1950 aproximou-se da arte concreta e, em 1959, integrou o Grupo Neoconcreto no Rio de Janeiro. Sua última grande retrospectiva, Hércules Barsotti: Não-Cor Cor, foi organizada pelo MAM São Paulo (2004).

Iniciou sua formação no MAM Rio, no ateliê de Ivan Serpa. É considerado um dos maiores artistas da história da arte brasileira, tendo como principais eixos de trabalho a cor, a espacialidade e a incorporação do público como agente da obra. Foi signatário do Manifesto Neoconcreto, defendendo uma arte que superasse a rigidez geométrica e se abrisse à experiência sensível. Seus primeiros trabalhos, os Metaesquemas, apresentam formas geométricas coloridas que dançam sobre a superfície bidimensional, pesquisa que se desdobrou nos Penetráveis, instalações nas quais esses mesmos elementos tornam-se tridimensionais, criando ambientes que exigem a presença ativa do espectador para se realizarem. No fim da década de 1960, aproximou-se da Estação Primeira de Mangueira e concebeu os Parangolés, capas e estandartes coloridos que transformam o corpo e o movimento em obra viva. Nesse contexto, concebeu também Tropicália, instalação que se tornou ícone da arte brasileira e deu nome ao movimento cultural de contestação ao regime militar. Sua produção foi revisitada na mostra Hélio Oiticica: a dança na minha experiência, uma colaboração entre o MASP e o MAM Rio (2020).

Formou-se inicialmente em Direito, mas abandonou a carreira para estudar na École des Beaux-Arts, em Paris, sob orientação de Gustave Moreau. Ícone da pintura do século XX, é considerado o expoente máximo do fauvismo, vanguarda que defendeu o uso de cores puras, contrastes intensos e liberdade formal. Sua obra é reconhecida por transformar a cor em elemento autônomo e estrutural da composição, capaz de gerar ritmo e equilíbrio sem depender da representação naturalista. No fim da vida, desenvolveu uma técnica de recortes e colagem de papéis coloridos, expandindo sua pesquisa pictórica para novas dimensões de escalas, texturas e espacialidades. Sua produção continua sendo referência essencial da arte moderna, revisitada em mostras como Matisse: The Cut-Outs [Matisse: os recortes] no MoMA, Nova York (2014), e a grande retrospectiva Henri Matisse, Fondation Beyeler, Suíça (2024).

Pintor, desenhista e gravador, formou-se no Instituto de Belas Artes de Porto Alegre e iniciou sua trajetória no sul do Brasil, antes de prosseguir estudos no Rio de Janeiro e na Europa. Sua pintura figurativa, marcada por paisagens e retratos de atmosfera densa, utiliza pinceladas marcadas e cores contrastantes para expressar estados emocionais profundos. A partir do final dos anos 1950, sua obra caminhou para uma linguagem mais gestual e matérica, em que a espessura da tinta, a energia do traço e a tensão entre figura e fundo o aproximaram da abstração, como nas célebres séries dos Carretéis. Suas duas últimas mostras de destaque foram Paisagens de Dentro: as últimas pinturas de Iberê Camargo, (2010) e Iberê Camargo: um ensaio visual (2009), ambas na Fundação Iberê Camargo, em Porto Alegre, que preserva, pesquisa e difunde seu legado.

Formou-se com o gravador Axl Leskoschek a partir de 1946 e, desde os anos 1950, consolidou-se como um dos principais nomes da abstração e da arte brasileira da segunda metade do século XX. Foi fundador e líder do Grupo Frente, marco do neoconcretismo no país, ao lado de artistas como Lygia Clark, Lygia Pape, Hélio Oiticica e Abraham Palatnik. Sua produção abstrata caracteriza-se pelo uso de formas geométricas planas, cores intensas e composições ordenadas, que mais tarde se desdobraram em séries com curvas acentuadas e ritmos visuais. Professor do MAM do Rio de Janeiro a partir de 1952, formou gerações de artistas e foi pioneiro em integrar crianças às práticas do museu, experiências refletidas no célebre livro Crescimento e Criação (1954), escrito em conjunto com o crítico Mário Pedrosa. Entre as retrospectivas recentes, destacam-se Ivan Serpa: a expressão do concreto (CCBB, 2021) e Ivan Serpa: Documental (IAC, 2023).

Formou-se em artes em Paris, na Académie Colarossi e na École des Beaux-Arts, convivendo com nomes como Henri Matisse e Pablo Picasso. É reconhecido como um dos principais responsáveis pelo renascimento da tapeçaria europeia no século XX, ao recuperar sua autonomia em relação à pintura e propor uma linguagem moderna inspirada na tradição medieval. Suas tapeçarias se caracterizam pelo uso de tramas amplas, pontos largos e cores vibrantes, que reforçam a bidimensionalidade e conferem monumentalidade às composições. Os temas recorrentes incluem a natureza, a mitologia e o apocalipse cristão, concebidos como obras em grande formato e em diálogo com a arquitetura moderna. Além da tapeçaria, atuou como pintor, ceramista e ilustrador de livros, sempre com traços expressivos e imaginação poética. Seu legado é preservado pelo Museu Jean Lurçat de Tapeçaria Contemporânea, em Angers, França, dedicado à valorização da tecelagem moderna e contemporânea.

Pintor autodidata, tornou-se conhecido pela forma como representou a vida rural do interior paulista. Sua obra retrata paisagens abertas e cenas do cotidiano no campo, como lavouras, colheitas, rebanhos, festas e o convívio comunitário. Seu trabalho equilibra observação e imaginação, com um estilo caracterizado por proporções subvertidas, cores intensificadas e elementos simbólicos que aproximam a cena real de um universo de fantasia pessoal, fazendo de sua pintura um testemunho singular da cultura popular brasileira. Entre exposições recentes, destacam-se José Antônio da Silva: “nasci errado e estou certo”, Pinacoteca de São Paulo (2018) e José Antônio da Silva: pintar o Brasil, Fundação Iberê Camargo (2025). Seu legado é preservado e difundido pelo Museu de Arte Primitivista José Antonio da Silva, em São José do Rio Preto, SP, Brasil.

Artista autodidata, com posterior formação no Núcleo Bernardelli, foi retratista e pintor de paisagens, mas se consagrou sobretudo pelas marinhas, expressão mais significativa de sua produção, inspirada em sua experiência como marinheiro nas docas da Itália e nas forças militares do Brasil. Nelas, explorou a relação entre horizonte, mar e céu por meio de linhas curvas e diagonais que estruturam a composição, de escalas amplas e de um uso preciso da luz. Além das marinhas, destacou-se em retratos e autorretratos de traço geométrico e expressão contida, nos quais figuras surgem de maneira sintetizada, muitas vezes em poses laterais ou sombrias. Também produziu naturezas-mortas singulares, em que frutas, flores e objetos aparecem fundidos a retratos ou arranjos pouco convencionais Entre as exposições recentes, destaca-se Pancetti: a poética da marinha, Casa Fiat de Cultura, Belo Horizonte (2017).

Radicado no Brasil desde 1928, estudou no Liceu de Artes e Ofícios, onde também lecionou desenho. Após uma fase inicial voltada a retratos e paisagens, passou a explorar questões abstratas e co-fundou, em 1952, o Grupo Ruptura, referência do concretismo no país. Sua produção é marcada por linhas, luz e ritmo visual, com destaque para suas experiências que unem profundidade óptica à estruturas geométricas. Fundou a Associação de Artes Visuais Novas Tendências (1963) e foi tema de retrospectivas no MAM São Paulo e MAM Rio (1974). Participou de diversas edições do Panorama da Arte Brasileira, entre a década de 1970 e 1980, e das primeiras novas edições da Bienal de São Paulo.

Formou-se em filosofia pela Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ), além de desenvolver sólida trajetória como gravadora, pintora, escultora, cineasta e professora. Integrou o Grupo Frente nos anos 1950 e, em seguida, foi signatária do Manifesto Neoconcreto, tornando-se um dos nomes centrais da abstração geométrica no Brasil. Suas abstrações exploram o contraste entre linhas rigorosas desenhadas e os veios orgânicos da madeira, criando composições com forte ritmo e luminosidade. Ampliou seu trabalho para a experimentação sensorial e participativa, como na icônica instalação-performance O ovo (1967), na qual convida o público a “nascer” ao romper uma membrana de papel, e nas instalações Tteias, nas quais fios dourados tensionados no espaço produzem volumes etéreos que se transformam conforme a luz e o deslocamento do espectador. Na década de 1960, colaborou com o Cinema Novo, criando cartazes e programação visual para filmes célebres como Vidas Secas e Deus e o Diabo na Terra do Sol, além de dirigir curtas experimentais. Sua obra tem recebido ampla projeção internacional, com mostras como Lygia Pape: A Multitude of Forms, Met Breuer, Nova York, (2017) e Lygia Pape: Tecelares, Art Institute of Chicago, EUA, (2023).

Estudou na Escola Imperial de Belas Artes de São Petersburgo e na Académie de La Palette, em Paris. Sua obra, caracterizada por imaginação poética e atmosfera onírica, sintetiza em um estilo singular influências do expressionismo, cubismo, fauvismo e surrealismo. Suas composições apresentam figuras suspensas em espacialidades livres, articuladas por cores intensas e contrastes cromáticos que produzem lirismo e efeito simbólico. Entre seus temas recorrentes estão a vida judaica de sua infância, narrativas bíblicas, o amor, a música e o universo circense, sempre tratados com fortes doses de fantasia e metáforas visuais. Além da pintura, desenvolveu vitrais, tapeçarias, cerâmicas e ilustrações para publicações. Sua produção segue em destaque no cenário internacional, em retrospectivas como Chagall, Albertina Museum, Viena (2024) e Chagall: Fantasies for the Stage [Fantasias para o palco], Montreal Museum of Fine Arts (2017). No âmbito nacional, teve seu trabalho revisto na mostra Marc Chagall: sonho de amor, no Centro Cultural Banco do Brasil (2022-23).

Iniciou-se nas artes estudando escultura com Oscar Jespers na Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelas, na Bélgica, e consolidou-se como escultora, tendo sua produção fortemente influenciada pelo surrealismo e por seu contato com artistas como Marcel Duchamp, André Breton e Max Ernst. Sua obra dialoga tanto com tradições brasileiras quanto com a vanguarda internacional. Suas esculturas, parcela mais reconhecida de sua trajetória, caracterizam-se por formas orgânicas e volumes sinuosos que fundem corpo humano, elementos naturais e referências míticas, criando uma linguagem híbrida entre o erótico, o onírico e o simbólico. Trabalhando em bronze, mármore, madeira e terracota, a artista explorou temas como metamorfose, mitos amazônicos, erotismo e identidade feminina. Nos últimos anos, foi celebrada em mostras de grande destaque, como Maria Martins: metamorfoses, MAM São Paulo (2013), e Maria Martins: Desejo imaginante, MASP (2021).

Iniciou seus estudos artísticos no ateliê do escultor Vicente Larocca e complementou sua formação em cursos da Sociedade Pró-Arte Moderna (SPAM). Integrou ao lado de Alfredo Volpi e outros o Grupo Santa Helena, coletivo de pintores modernistas de origem humilde que dividia ateliês no edifício homônimo, na Praça da Sé. Filho de imigrantes portugueses do bairro do Brás, dedicou-se sobretudo a registrar as rápidas transformações de São Paulo sob a perspectiva das classes trabalhadoras. Suas paisagens urbanas se caracterizam pelo uso de cores intensas, formas sintetizadas e linhas firmes, em composições que fundem observação social e invenção plástica. Também se destacou como ilustrador de obras literárias, como O Cortiço (1890), de Aluísio de Azevedo e Gabriela, Cravo e Canela (1958), de Jorge Amado. Sua produção permanece como um dos testemunhos mais sensíveis da vida popular paulistana no século XX, e está presente nas coleções do MAM São Paulo, da Pinacoteca do Estado e do MAC USP.

Formou-se na Escola Profissional Masculina do Brás, complementando sua formação nos anos 1940 com aulas e contatos com Oswaldo Goeldi e Lívio Abramo. É um dos principais nomes da gravura moderna nacional. Atuou como ilustrador de jornais antes de consolidar uma proeminente carreira marcada por temas do imaginário medieval e renascentista, povoado por cavaleiros, sereias, harpias e seres híbridos. Seu estilo é definido por linhas sinuosas, contrastes dramáticos de luz e sombra e uma forte carga narrativa que confere expressão humana às figuras fantásticas. Alia rigor técnico à invenção formal, criando um universo gráfico singular de lirismo sombrio e intensidade poética. Foi celebrado em retrospectivas recentes como 100 anos de Marcello Grassmann, Gabinete de Artes Visuais da Unicamp (2025), e O Gabinete de Marcelo Grassmann, Museu Lasar Segall, São Paulo (2025). Seu legado é preservado pelo Núcleo Marcelo Grassmann, que promove o Prêmio Marcello Grassmann Artes Gráficas, um dos principais incentivadores de projetos inéditos no campo da gravura em âmbito nacional.

Frequenta por um curto período de tempo a Escola Nacional de Belas Artes e, negando o academicismo, participou do Núcleo Bernardelli, grupo independente de jovens artistas que buscava alternativas para o ensino e a prática da arte no Brasil. Inicialmente figurativo, inspirou-se na Escola de Paris, trabalhando paisagens, retratos e naturezas-mortas em pinceladas estruturais e moduladas. Progressivamente, sua pintura assumiu caráter mais geométrico e construtivo, com figuras sintetizadas por planos cromáticos e formas simplificadas e estruturais. Na década de 1950, chegou ao abstracionismo, marcado por composições rigorosas, grades geométricas e contrastes cromáticos densos, em diálogo com Mondrian e Morandi. Foi casado por mais de três décadas com a artista Maria Leontina, interlocutora fundamental em sua produção. Sua obra integra acervos de museus como o MAM São Paulo, MAM Rio, Pinacoteca de São Paulo e MAC USP.

Chegou ao Brasil ainda criança, formou-se no curso comercial do Mackenzie e, em 1909, retornou à Itália, estudando pintura com Ettore Tito na Academia de Belas Artes de Veneza. Estabelecido em São Paulo a partir dos anos 1920, fez da cidade o principal eixo de sua obra, registrando suas transformações em atmosferas de solidão e estranhamento. Suas paisagens, muitas vezes concebidas a partir da janela de seu ateliê, revelam planos densos, volumes sólidos e matizes cromáticas sóbrias, articulando dramaticidade e rigor formal modernista. Produziu também retratos e naturezas-mortas, marcados por enquadramentos descentralizados, fortes contrastes de cor e atmosfera introspectiva. Sua grande retrospectiva, Mick Carnicelli: São Paulo, paisagem da alma, foi organizada pelo MAM São Paulo em 2004, acompanhada pela publicação do catálogo mais abrangente dedicado ao artista.

Formou-se na Escola Municipal de Belas Artes de sua cidade, sob orientação de Domenico Lazzarini. Teve uma produção marcada pelo desenho, pela pintura e pela gravura. Realizou trabalhos figurativos de forte influência modernista, resultando em composições geométricas, baseadas principalmente em simetria e repetição modular. Seus principais temas derivam do cotidiano e da paisagem urbana, como casas, ruas e figuras humanas representadas em construções formais rígidas, dialogando com soluções formais arquitetônicas e abstratas. Seu estilo combina cores vibrantes, linhas incisivas e formas curvilíneas que, justapostas às ortogonais, instauram tensões entre organicidade e racionalidade construtiva, reforçando o caráter plástico, expressivo e subjetivo da obra. Seu legado é preservado pelo Museu Digital Odilla Mestriner, criado por sua família, e celebrado pela Prefeitura de Ribeirão Preto, que realiza exposições e homenagens periódicas em sua memória.

Com formação acadêmica sólida na Bélgica e na França, destacou-se como um dos precursores do abstracionismo no Brasil. Iniciou sua carreira com pinturas figurativas de linguagem cubista, em que formas decompostas e campos de cor delimitados estruturam composições dramáticas, como nas séries sobre a Paixão de Cristo. Radicado em São Paulo a partir de 1948, transitou para a abstração geométrica, marcada por rigor construtivo, dinamismo de planos e tensões cromáticas, e, mais tarde, para a abstração lírica de formas orgânicas, em que cor, ritmo e gesto predominam. Em São Paulo, fundou em 1951 o Atelier-Abstração, espaço independente dedicado à pesquisa e ao ensino da arte abstrata geométrica, que formou uma geração de artistas. Teve longa relação com o MAM São Paulo, onde participou da mostra inaugural Do figurativismo ao Abstracionismo (1949) e de diversas coletivas e individuais, culminando na grande retrospectiva Samson Flexor: além do moderno (2022).

Cursou Ciências Econômicas e Sociais na Universidade de Berna, Suíça, ocasião em que teve contato com as vanguardas europeias do início do século XX. Um dos protagonistas da primeira fase da história do MAM São Paulo, e além de escritor e crítico, foi também um pintor relevante. Participante ativo da Semana de Arte Moderna de 1922, Milliet foi um dos expoentes do modernismo brasileiro. A sua relação com o MAM se inicia no momento de gênese desse museu, do qual foi um dos mais ativos idealizadores e organizadores. Foi um dos fundadores e o primeiro presidente da ABCA (Associação Brasileira dos Críticos de Arte). Foi o segundo diretor artístico do MAM, entre 1952 e 1957, quando realizou a primeira retrospectiva de Tarsila do Amaral, além de ter exercido o papel de diretor artístico da Bienal de São Paulo entre 1953 e 1958, sendo responsável pela 2ª, 3ª e 4ª edições. Alguns anos após seu falecimento em 1966, o MAM organizou uma exposição de suas pinturas, prestando grandes homenagens à trajetória e vida de Sérgio Milliet.

Formou-se em pintura e escultura na Escola de Belas Artes do Rio Grande do Sul e na Escola Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro, entre 1944 e 1951. Posteriormente,  aperfeiçoou-se em Paris com o escultor Ossip Zadkine. Destacou-se por esculturas figurativas em bronze, de formas robustas e curvas contínuas, que exploram a plasticidade da figura humana em volumes densos e superfícies polidas. Sua linguagem escultórica valoriza a síntese formal, a expressividade dos gestos e o equilíbrio entre monumentalidade e delicadeza, como revelam figuras reclinadas, personagens interligados entre si e composições que integram corpo e espaço. Participou da 1ª (1951), 3ª (1955) e 7ª Bienal de São Paulo (1963), além do 6º Panorama da Arte Brasileira (1974).

Formou-se engenheiro na Escola Politécnica da USP e obteve doutorado na ECA-USP, onde também lecionou fotografia e cinema. Um dos maiores nomes da fotografia moderna no Brasil, iniciou-se na linguagem de forma amadora e se profissionalizou no Foto Cine Clube Bandeirante, período em que registrou o crescimento urbano de São Paulo a partir de ângulos geométricos e construtivos, explorando luz, sombra e planos arquitetônicos. Uma de suas séries mais icônicas retrata a construção de Brasília, na qual capturou o canteiro monumental em diálogo direto com as formas de Oscar Niemeyer. Nas décadas de 1960 e 1970, liderou a Caravana Farkas, projeto coletivo que percorreu o país produzindo filmes em 16mm sobre comunidades distantes dos grandes centros, retratando práticas culturais e realidades nacionais pouco visibilizadas. Nos últimos anos, foi tema de mostras individuais como Thomaz Farkas: todo mundo, Instituto Moreira Salles (2024) e Thomaz Farkas – DF, Museu da Imagem e do Som, São Paulo (2015).

Por mais de uma década, Tarik Kiswanson tem explorado noções de desenraizamento, metamorfose e memória por meio de sua prática artística interdisciplinar. Um legado de deslocamento e transformação permeia suas obras e é indispensável tanto para sua forma quanto para os modos de percepção que produzem. Embora preserve uma dimensão íntima e pessoal, seu trabalho dialoga com questões universais e com histórias sociais e coletivas de ruptura, perda e regeneração. O conjunto de sua obra pode ser compreendido como uma cosmologia de famílias conceituais interligadas, cada uma explorando variações de temas como refração, multiplicação, desintegração, levitação e polifonia por meio de uma linguagem própria.

Tarik Kiswanson descende de uma família palestina exilada de Jerusalém, primeiro para Trípoli e depois para Amã, antes de finalmente se estabelecer em Halmstad, Suécia, onde ele nasceu em 1986. Kiswanson passou dez anos em Londres, onde estudou arte, antes de se mudar para Paris, cidade onde vive e trabalha desde 2010. É mestre pela École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris (2014) e bacharel pela Central Saint Martins – University of the Arts London (2010).

Tarik Kiswanson recebeu o Prêmio Marcel Duchamp em 2023, no Centre Pompidou. Sua obra tem sido tema de diversas exposições individuais em instituições, mais recentemente no Museu de Arte Moderna de São Paulo (2025), Fundação Iberê Camargo (2025), Kunsthalle Portikus (2024), Oakville Galleries (2024), Bonniers Konsthall (2023), Salzburger Kunstverein (2023), Museo Tamayo (2023), M HKA – Museum of Contemporary Art Antwerp (2022) e Carré d’Art – Musée d’art contemporain (2021). Ele participou também de exposições coletivas e bienais em instituições como Centre Pompidou, Kunsthalle Münster, Bienal de Arte Contemporânea de Gotemburgo, Bienal de Lyon, Performa Biennial e Mudam.

Anna Bella Geiger nasceu no Rio de Janeiro, RJ, Brasil (1933). Formada em Língua e Literatura Anglo-Germânicas pela UFRJ. Sua obra articula suportes como colagem, gravura, instalação e vídeo. A artista foi uma das pioneiras da abstração no Brasil e, a partir dos anos 1970, passou a desenvolver uma produção marcada pelo uso de mapas, diagramas e imagens para investigar como discursos geográficos constroem identidades, territórios, centros e margens, revelando relações de poder e dominação cultural. Destacam-se suas exposições panorâmicas recentes Aqui é o centro, no MAM-Rio (2019), e Brasil nativo/Brasil alienígena, no MASP (2020). Participou de coletivas como Verboamérica, no MALBA, Argentina (2017), a 16ª Bienal de Istambul, na Turquia (2019), e Pop Brasil, na Pinacoteca de São Paulo (2025).

Carla Zaccagnini nasceu em Buenos Aires, Argentina (1973). Atua como artista visual, curadora e escritora. Formou-se em Artes Plásticas pela FAAP (1995) e realizou um mestrado em Poéticas Visuais na ECA-USP (2004). Sua obra aborda temas como crítica institucional, deslocamento cultural, iconoclasia simbólica, linguagem e memória, com uso e recontextualização de arquivos, documentos e narrativas históricas. Trabalha com desenho, instalação, texto e vídeo. Realizou as individuais Reação em cadeia com efeito variável no MUSAC, León, Espanha (2010), e Elementos de beleza: um jogo de chá nunca é apenas um jogo de chá, no MASP (2019). Participou da 28ª e 34ª Bienal de São Paulo — nesta última como curadora convidada. 

Emmanuel Nassar nasceu em Capanema, PA, Brasil (1949). Graduado em Arquitetura pela UFPA (1974), formação que, segundo o artista, se desdobrou em um forte senso de espacialidade pictórica para seu trabalho. A partir do repertório visual paraense, rearticula símbolos como bandeiras, mapas e logomarcas populares, tensionando com humor e crítica os limites entre a arte erudita e a cultura de massa. Suas obras combinam cores vibrantes, estruturas geométricas e materiais do cotidiano em suportes como escultura, instalação e pintura. Destacam-se suas mostras individuais EN: 81–18 na Estação Pinacoteca (2018) e Lataria espacial no MAM São Paulo (2024). Representou o Brasil na 45ª Bienal de Veneza (1993), participou da 20ª e 24ª Bienal de São Paulo (1989, 1998) e de diversas edições do Panorama da Arte Brasileira (1980,1989,1993).

Hudinilson Júnior nasceu e faleceu em São Paulo, SP, Brasil (1957–2013). Formado em Artes Plásticas pela FAAP (1977), foi pioneiro no uso da xerox como suporte artístico no Brasil. Seu trabalho, profundamente marcado por essa técnica, articula temas como autorrepresentação, homoerotismo e crítica institucional. Fundou o coletivo 3NÓS3 (1979-1982), que é conhecido por suas ações transgressoras no espaço público durante a ditadura militar. Atuou na Pinacoteca de São Paulo como arte-educador e curador, além de coordenar o Centro de Xerografia (1975–1981). Na mesma instituição, teve sua grande exposição retrospectiva e panorâmica Explícito (2020). Também participou da 16ª e 18ª Bienais de São Paulo (1981, 1985), da 3ª Bienal do Mercosul (2001), e dos Panoramas da Arte Brasileira (1980, 1984).

Ivens Machado nasceu em Florianópolis, SC, Brasil (1942), e faleceu no Rio de Janeiro, RJ, Brasil (2015). Iniciou sua trajetória com obras em papel e vídeos experimentais nos anos 1970, marcados por temas como sexualidade, violência e poder. A partir da década seguinte, voltou-se à escultura e à instalação. Passou a utilizar materiais da construção civil como concreto, cacos de vidro e vergalhões para criar formas brutas e ambíguas, inspiradas na arquitetura vernacular brasileira e nas tensões do corpo humano, desde a agressividade até o erotismo. Destacam-se suas retrospectivas Ivens Machado, no Musée d’Art Contemporain de Nîmes, França (2025), e Ivens Machado, no Museu Oscar Niemeyer, Curitiba, Brasil. Também participou das 12ª, 13ª, 16ª e 22ª Bienais de São Paulo (1973, 1975, 1981, 1994). 

Foto: Rodrigo Trevisan/Divulgação

Judith Lauand nasceu em Pontal, SP, Brasil (1922) e faleceu em São Paulo, SP, Brasil (2022). Formada pela prestigiada Escola de Belas Artes de Araraquara (1950), foi a única mulher a integrar o Grupo Ruptura, ponto de partida do concretismo no Brasil. Sua produção combinou rigor geométrico, contrastes cromáticos e precisão formal em suportes como pintura, colagem, gravura e bordado. A partir dos anos 1960, incorporou palavras e materiais como tachinhas, clips e alfinetes às telas, e passou a abordar temas como liberdade sexual e repressão política. Dentre suas exposições, destaca-se sua grande retrospectiva Desvio Concreto, organizada pelo MASP (2022), e a participação em mostras coletivas como o 1º Panorama da Arte Brasileira, em 1969, e diversas edições da Bienal de São Paulo entre os anos de 1950 e 1960.

León Ferrari nasceu e faleceu em Buenos Aires, Argentina (1920-2013). Formou-se engenheiro elétrico pela Universidade de Buenos Aires (1947). Sua produção é centrada na crítica incisiva ao imperialismo ocidental, à Igreja Católica e aos regimes autoritários, especialmente à ditadura militar argentina. Exilou-se no Brasil em 1976, após o desaparecimento de seu filho, quando produziu intensamente sobre o abuso de poder do Estado por meio de suportes como arte postal, colagem, escultura, heliografias e pintura. Entre exposições individuais recentes destacam-se Nós não sabíamos, na Pinacoteca de São Paulo (2020), e Entre ditaduras, no MASP (2021). Teve seu trabalho justaposto ao de Mira Schendel na exposição Tangled Alphabets no MoMA, Nova York (2009), com itinerância na Fundação Iberê Camargo, Porto Alegre (2010). Venceu o Leão de Ouro na Bienal de Veneza (2007).

Foto: ARTE!Brasileiros

Lívio Abramo nasceu em Araraquara, SP, Brasil (1903) e faleceu em Assunção, Paraguai (1992). Estudou desenho com o pintor Enrico Vio, e iniciou-se na gravura em 1926, tornando-se um dos principais nomes da xilogravura moderna no Brasil. Sindicalista e militante de esquerda, incorporou à sua obra uma forte temática social e política. Em 1962, radicou-se no Paraguai como membro da Missão Cultural Brasil–Paraguai, onde fundou o Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico, promovendo a preservação da memória paraguaia e o desenvolvimento da arte gráfica local. Teve retrospectivas como Lívio: mestre da gravura brasileira, no Instituto Tomie Ohtake (2007), e Gravado, no Museu Paranaense (2019), além de participar de diversas edições da Bienal de São Paulo, entre as décadas de 1950 e 1990. 

Foto: instituto Livio Abramo

Radicado no Brasil desde 1928, estudou no Liceu de Artes e Ofícios, onde também lecionou desenho. Após uma fase inicial voltada a retratos e paisagens, passou a explorar questões abstratas e co-fundou, em 1952, o Grupo Ruptura, referência do concretismo no país. Sua produção é marcada por linhas, luz e ritmo visual, com destaque para suas experiências que unem profundidade óptica à estruturas geométricas. Fundou a Associação de Artes Visuais Novas Tendências (1963) e foi tema de retrospectivas no MAM São Paulo e MAM Rio (1974). Participou de diversas edições do Panorama da Arte Brasileira, entre a década de 1970 e 1980, e das primeiras novas edições da Bienal de São Paulo.

Lourival Cuquinha nasceu em Recife, PE, Brasil (1978). Desenvolve uma prática crítica voltada à investigação das liberdades individuais e das estruturas de controle social, econômico e institucional. Sua obra atravessa suportes como ações participativas, instalação, intervenção urbana e performance, frequentemente tensionando as formas de relação e circulação na sociedade. Destacam-se suas exposições individuais Territórios e capitais: extinções, no MAM Rio (2014) e Transição de fase, na Funarte Minas Gerais (2018). Também participou de coletivas como À Nordeste, no Sesc 24 de Maio (2019), Histórias brasileiras, no MASP (2022), e o 31º e o 35º Panorama da Arte Brasileira (2011, 2017).

Lydia Okumura nasceu em Osvaldo Cruz, SP, Brasil (1948). Formada em Artes Plásticas pela FAAP (1973), radicou-se em Nova York no ano seguinte, onde estudou no Pratt Graphics Center e no Creative Artists Public Service Program. Desde os anos 1970, investiga a percepção espacial por meio da abstração geométrica e da materialidade, criando composições engenhosas com fios, tinta acrílica e materiais industriais que sugerem tridimensionalidade em diálogo com a arquitetura expositiva. Sua obra articula pintura, instalação e escultura com rigor conceitual e formal. Participou de diversas edições da Bienal de São Paulo ao longo da década de 1970, e integra coleções de instituições internacionais prestigiadas, como o MAM São Paulo, o MoMA e o Metropolitan Museum of Art, ambos em Nova York, Estados Unidos, e Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madri, Espanha

Madalena Schwartz nasceu em Budapeste, Hungria (1921), e faleceu em São Paulo, SP, Brasil (1993). Iniciou-se na fotografia aos 45 anos, no Foto Cine Clube Bandeirante, e destacou-se por seus retratos em preto e branco, nos quais explorou com sensibilidade e apuro técnico a expressividade dos rostos retratados. Atuou ativamente na cena cultural e queer de São Paulo nos anos 1970 por meio de seu estúdio improvisado no edifício Copan, onde fotografou artistas, intelectuais e figuras andróginas e transformistas, como o cantor Ney Matogrosso e o grupo de dança underground Dzi Croquettes. Destaca-se sua grande retrospectiva As metamorfoses (2021), organizada pelo Instituto Moreira Salles, São Paulo, e itnerada para o MALBA, na Argentina, e o Museo Nacional de Arte, na Bolívia.

Foto: Pedro Luis Szigeti

Maureen Bisilliat nasceu em Englefield Green, Inglaterra (1931). Formou-se em pintura em Paris e Nova York antes de se radicar no Brasil, em 1957, onde construiu uma carreira como fotógrafa, cineasta e pesquisadora. Interessou-se em fotografar o interior do país, produzindo ensaios visuais a partir de autores literários como Euclides da Cunha, Guimarães Rosa e Mário de Andrade. Em suas inúmeras viagens pelo Brasil, registrou manifestações populares e o universo indígena com um olhar poético e narrativo. Dirigiu o documentário Xingu/Terra (1982) e foi responsável pela curadoria e formação do acervo de arte popular latino-americana do Pavilhão da Criatividade, no Memorial da América Latina. Dentre suas exposições individuais, destacam-se Presente do Futuro, no MIS, São Paulo (2023) e Agora ou nunca (2021), no Instituto Moreira Salles, São Paulo. Teve uma sala especial dedicada ao seu trabalho na 18ª Bienal de São Paulo (1985).

Megumi Yuasa nasceu em São Paulo, SP, Brasil (1938), onde vive e trabalha. Escultor e ceramista autodidata, iniciou sua produção em 1964 e desenvolveu uma obra marcada pela experimentação material, texturas orgânicas e observação rigorosa da matéria. Filho de imigrantes japoneses, é profundamente influenciado pela estética do wabi-sabi, integrando metais, tintas e outros materiais às cerâmicas, em peças de superfícies rústicas, tonalidades terrosas e gestualidade controlada. Atua como professor desde 1979, construindo diversos espaços de formação, como o laboratório de cerâmica no Museu de Arte do Rio Grande do Sul (MARGS), em Porto Alegre. Participou da 13ª e da 14ª Bienal de São Paulo (1975, 1977), além de diversas mostras panorâmicas de cerâmica e arte nipo-brasileira. Suas obras integram os acervos do MAM São Paulo, MAC USP e Pinacoteca de São Paulo.

Nazareth Pacheco nasceu em São Paulo, SP, Brasil (1961). Formou-se em Artes Plásticas pela Universidade Presbiteriana Mackenzie e iniciou sua trajetória nos anos 1980, trabalhando com escultura e tridimensionalidade. Sua obra reflete experiências autobiográficas e investiga a relação entre corpo, dor e padrões estéticos, por meio de materiais como borracha, aço, bisturi, miçangas e acrílico. Realizou exposições individuais como Objetos Sedutores, no SESC Santo Amaro (2012) e Gota a Gota, na Pinacoteca de São Paulo (2015). Participou de coletivas como a 20ª e 24ª Bienal de São Paulo (1989, 1998) e o Panorama da Arte Brasileira (1988, 1991, 1998, 1999). 

Paulo Bruscky nasceu em Recife, PE, Brasil (1949). Cursou Comunicação Social na Unicap, formação que se desdobrou em uma prática artística voltada para a circulação de mensagens e os meios de reprodução e difusão da informação. É um dos principais nomes da arte conceitual e da arte postal no Brasil, com atuação em linguagens e suportes diversos, como fotografia, performance, poesia visual, vídeo e xerografia. Sua obra investiga os limites entre arte, linguagem e tecnologia, utilizando recursos como carimbos, fax, e filmes em Super-8 para explorar os vínculos entre corpo, máquina e discurso. Destacam-se suas individuais Art is our Last Hope, no Bronx Museum (2013), e Paulo Bruscky, no MAM São Paulo (2014). Também participou da 57ª Bienal de Veneza (2017), e de diversas edições da Bienal de São Paulo (1981,1989, 2004, 2010) e do Panorama da Arte Brasileira (1984, 2002, 2005).

Rafael França nasceu em Porto Alegre, RS, Brasil (1957), e faleceu em Chicago, Estados Unidos (1991). Cursou Artes Plásticas na ECA-USP, onde iniciou experimentações com gravura e xerografia. Em 1982, transferiu-se para os EUA para cursar um mestrado em vídeo na School of the Art Institute of Chicago. Atuou em linguagens como videoarte, instalação e fotografia, com forte interesse na relação entre corpo, imagem, tempo e reprodução técnica. Trabalhou com narrativas atravessadas por questões subjetivas e políticas, como a homossexualidade e sua vivência com HIV. Foi cofundador do grupo 3NÓS3, voltado à intervenção no espaço urbano. Dentre suas exposições individuais, destacam-se Polígonos regulares, na Pinacoteca de São Paulo (2011), e Entre mídias, no MAC USP (2014). Participou também das coletivas United by AIDS, no Migros Museum, Zurique, Suíça (2019), e Histórias da sexualidade, no MASP (2018).

Berna Reale nasceu em Belém, Pará, Brasil (1965). Licenciada em artes pela Universidade Federal do Pará (UFPA), a artista que também é perita criminal aborda a violência tanto material quanto simbólica em seus trabalhos. Berna Reale, em diversas de suas ações, performáticas ou audiovisuais, utiliza-se de seu próprio corpo para colocar em choque o  imaginário social sobre ações perversas, de tormento, constrangimento, etc. Entre suas exposições, destacamos a individual Berna Reale: Singing in the Rain, no Utah Museum of Contemporary Art (UMoCA), Salt Lake City, EUA (2016);  sua presença no 34° Panorama da Arte Brasileira, MAM São Paulo (2015); na 56ª Bienal de Veneza, Itália (2015); e na 3ª Beijing Photo Biennial [Bienal de Fotos de Pequim], China (2018).

Cinthia Marcelle nasceu em Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil (1974). Formada em Belas Artes pela UFMG (1999), a artista é reconhecida principalmente pelas instalações e obras audiovisuais, que se atentam ao poder de transformação advindo da organização e da desorganização das coisas. Cinthia Marcelle questiona em suas obras a lógica, os sistemas de conceitos e convenções que orientam o mundo político, da cultura e da sociedade, que por vezes são naturalizados. Entre suas exposições, destacamos a individual Project 105: Cinthia Marcelle, no MoMA PS1, Nova York, EUA (2016); a ocupação do Pavilhão do Brasil na 57ª Bienal de Veneza, Itália, com a instalação Chão de Caça (2017); e Cinthia Marcelle: por via das dúvidas, no MASP, São Paulo (2022).

Carmela Gross nasceu em São Paulo, São Paulo, Brasil (1946). Formada em Artes pela FAAP (1969), a artista desenvolve suas obras buscando esgarçar os limites entre o fazer artístico e o simbólico. Carmela Gross, por vezes, se vale da repetição, do acúmulo, para desnortear sentidos unívocos, suas produções enunciam criticamente aspectos sociais, políticos ou o próprio fazer artístico. Entre suas exposições, destacamos as individuais Corpo de Ideias, Pinacoteca de São Paulo (2010); Carmela Gross – Arte à mão armada, Chácara Lane, São Paulo (2016); Quase Circo, Sesc Pompéia, São Paulo (2024);  e suas oito participações na Bienal de São Paulo (1967, 1969, 1981, 1983, 1989, 1998, 2002 e 2021). 

Cao Guimarães nasceu em Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil (1965). O artista plástico e cineasta trabalha com fotografia e transita entre a película e o vídeo para criar suas peças audiovisuais. Suas obras documentam situações e objetos comuns, que se movem ou são captados enfatizando o instante, mas que são ressignificados a partir da exploração, duração, foco e do movimento autônomo de pessoas ou coisas. Entre suas exposições, destacamos as individuais Ver é uma fábula. Mostra Cao Guimarães, Itaú Cultural, São Paulo (2013); Espera, no Instituto Moreira Salles (IMS-Paulista), São Paulo (2018); Cao Guimarães – Ciclo de filmes, no Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia (MAAT), Lisboa, Portugal (2020); e sua presença em três edições do Panorama da Arte Brasileira, MAM São Paulo (2001, 2011 e 2015); e em duas edições da Bienal de São Paulo (2002 e 2006).

Giselle Beiguelman nasceu em São Paulo, São Paulo, Brasil (1962). Formada em história na USP (1984), a artista utiliza a relação entre literatura, imagem, som, instalação e novas tecnologias para abordar o hibridismo entre o real e o virtual. Giselle Beiguelman tem como temas de seu trabalho as transformações da memória social, o ativismo no meio urbano, e a articulação de discursos e linguagens de ciberespaços. Entre suas exposições, destacamos a individual Venenosas, Nocivas e Suspeitas, no Centro Cultural FIESP, São Paulo (2025); sua participação na 25ª Bienal de São Paulo (2002); Brazilian Visual Poetry [Poética visual brasileira], Mexic-Arte Museum, Austin, EUA (2002); e seu trabalho Meio Monumento que integrou o 37° Panorama da Arte Brasileira, MAM São Paulo (2022).

Guilherme Peters nasceu em São Paulo, São Paulo, Brasil (1987). Formado em Bacharel em Artes Plásticas pela FAAP (2010), o artista torna visível em seus trabalhos a energia e o esforço despendidos para a realização das formas, seja através de onda sonora, correntes elétricas ou seu próprio fôlego. Entre suas exposições, destacamos a individual Palácio da Eternidade e a Valsa dos Esquecidos, no Palácio das Artes, Belo Horizonte, Minas Gerais (2011); Inimigo invisível, Fábrica Braço de Prata, Lisboa, Portugal (2022); e as coletivas 8ª Bienal do MERCOSUL – Ensaios de Geopoéticas, Porto Alegre, Rio Grande do Sul (2011); Artifice and Fiction [Artifício e ficção], no Institute of Contemporary Art of Singapore (2019).

Lia Chaia nasceu em São Paulo, São Paulo, Brasil (1978). Formada em artes plásticas pela FAAP (2003), em paralelo também estudou dança e clown. A artista dilui as divisões entre suportes e linguagens para abordar temas sobre as percepções e vivências do cotidiano, e a tensão entre corpo, natureza e espaço urbano. Lia Chaia utiliza a participação do público como elemento central de sua produção, que muitas vezes se destacam pelo senso lúdico e a sagacidade. Entre suas exposições, marca-se as individuais Lia Chaia, no Centre de Creation Bazouges la Perouse, Bretanha, França (2005); É como dançar sobre a arquitetura, no Instituto Tomie Ohtake, São Paulo (2017); e sua participação através do coletivo SHEDEVIL, na 4ª edição da BIENALSUR Cuando la casa se queima [Quando a casa queima], Rosário, Argentina (2023).

Lucas Bambozzi nasceu em Matão, São Paulo, Brasil (1965). Formado em jornalismo pela Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG) (1994), o artista multimídia destaca-se pelos trabalhos interativos. Lucas Bambozzi explora novos formatos de tecnologia, mídias independentes e utiliza o audiovisual para representar relações sensoriais através de imagens distorcidas e granuladas. Entre suas exposições, ressaltamos a individual O Espaço Entre Nós e os Outros, no Laboratório Arte Alameda, Cidade do México, México (2011); sua presença na 7ª Bienal de Havana, Cuba (2000); e na 1ª edição da BIENALSUR Pueblos en resistencia [Povos em resistência], Caracas, Venezuela (2017).

Marcelo Cidade nasceu em São Paulo, São Paulo, Brasil (1979). Formado em Artes pela FAAP (1998), o artista utiliza escultura, instalação e intervenções públicas para abordar temas relacionados à cidade, arquitetura e dinâmicas sociais das ruas. Marcelo Cidade utiliza como matéria-prima de suas obras objetos cotidianos presentes nas cidades, como barricadas de concreto, cercas e correntes. Entre suas exposições, destacamos as individuais Espaço-entre, na La Casa Encendida, Madri, Espanha (2008); Normas, padrões e sistemas, na Galeria Motte et Rouart, Paris, França (2009); sua presença na 27ª Bienal de São Paulo, São Paulo (2006); e a coletiva Do Disturb [Perturbar], no Palais de Tokyo, Paris, França (2018).

Nicole Kouts nasceu em São Paulo, São Paulo, Brasil (1997). Formada em Artes Visuais pela Universidade Belas Artes (2018), a artista mescla técnicas analógicas e digitais de  vídeo, fotografia, com performance, instalação, desenho e net art. Nicole Kouts intersecciona imagem, tempo e memória, tendo como base imagens relacionadas à sua experiência pessoal, familiar e geracional. Entre suas exposições, destacamos as individuais Enigmas, no Kunsthal NORD, Aalborg, Dinamarca (2023); Palavra Olho, na Phoenix Athens Gallery, Atenas, Grécia (2024); as coletivas Réseaux-mondes, Centre Pompidou, Paris, França (2022); e sua participação na 3ª Bienal de Paxos, Paxos, Grécia (2024).

Rafaella Kennedy nasceu em Manaus, Amazonas, Brasil (1994). A artista visual trabalha com fotografia, moda e performance e utiliza essas linguagens para abordar a relação entre corpo e imagem. Rafaella Kennedy propõe em seus trabalhos novos imaginários para as populações originárias e negras que desafiam e tencionam o apagamento sofrido por esses grupos. Entre suas exposições, destacamos suas participações nas coletivas Invenção dos Reinos, Oficina Francisco Brennand, Recife, Pernambuco (2023); e 38º Panorama da Arte Brasileira: Mil graus, MAM São Paulo (2024). Suas obras também integram coleções de importantes museus, como MAM São Paulo, Museu Afro Brasil, São Paulo e Fundación Casa Wabi, Puerto Escondido, México.

Rodrigo Cass nasceu em São Paulo (1983), vive e trabalha em São Paulo. Entre (2000-2008) foi religioso Carmelita da Ordem do Carmo. Em 2006 concluiu o Bacharelado em Artes Plásticas na Faculdade Santa Marcelina em São Paulo e estudou dois anos (2007-2008) de Filosofia e Teologia na Faculdade Jesuíta em Belo Horizonte. Em (2010-2011) foi selecionado para o programa Bolsa Pampulha e participou do Arte Pará no Museu Histórico do Estado do Pará. Participou do PIESP (2011-2012), Programa Independente da Escola São Paulo.

Sara Ramo nasceu em Madri, Espanha (1975). Formada em Artes Visuais na Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG), a artista ressignifica objetos do cotidiano ao colocá-los em lugares inusitados e transformá-los em instalações, esculturas ou assemblages para abordar novas formas de ver e lidar com a realidade e a relação entre o visível e o invisível. Entre suas exposições, destacamos a individual lindaviejalocabruja [lindavelhaloucabruxa], no Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, Espanha (2019); suas participações em dois Panoramas da Arte Brasileira, MAM São Paulo (2003 e 2011); e em duas edições da Bienal de São Paulo (2010 e 2019).

Tiago Rivaldo nasceu em Porto Alegre, Rio Grande do Sul (1976). O artista aborda a relação entre identidade e território, pessoa e lugar, retrato e paisagem, por meio de intervenções urbanas, performances e recursos audiovisuais.Tiago Rivaldo realiza sua produção através da identificação com o  exterior, em que ele busca se desconhecer e criar personagens de si mesmo. Entre suas exposições, destacamos sua participação como integrante do coletivo Clube da Lata no 27º Panorama da Arte Brasileira com as obras Sem título e O lado de dentro de um outdoor, MAM São Paulo (2001); a coletiva 4º Abre-alas, a Gentil Carioca, Rio de Janeiro (2008); sua presença no 29° Salão Arte Pará (2010); e 9ª Bienal do MERCOSUL, Porto Alegre (2013).

Foi uma escultora polonesa naturalizada brasileira. Chegou ao Brasil em 1927 e iniciou sua carreira artística aos 44 anos. Com obras marcadas pela síntese formal e expressão lírica, integrou a geração modernista brasileira.

é artista visual conhecido por obras que misturam escultura, instalação e performance com objetos do cotidiano nordestino. Sua produção explora temas como deslocamento, identidade e desigualdade social, com humor e lirismo.

Foto: Zanone Fraissat | Folhapress

É graduada em Artes Plásticas pelo Instituto de Artes da UFRGS (1959), além de ter um mestrado (1980) e Ph.D. (1984) na Escola de Comunicação e Artes da USP – Universidade de São Paulo. A artista participou de várias bienais, como Bienal de São Paulo (1981, 1983, 1998, 2021); Bienal Internacional de Curitiba (2013, 2015); Bienal do Mercosul (2001, 2011), em Porto Alegre e Bienal de La Habana, em Cuba (1986, 1998 e 2015). Algumas de suas exposições coletivas mais recentes são Walking through Walls (Martin Gropius Bau, Alemanha, 2019) e Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 (Hammer Museum, EUA, 2017). As últimas exposições individuais de Regina são: Limiares (Paço das Artes, Brasil, 2020); Up There (Farol Santander, Brasil, 2019); EXIT (MuBE, Brasil, 2018); Unrealized / NãoFeito (Alexander Gray Associates, EUA, 2019); Todas As Escadas (Instituto Figueiredo Ferraz, Brasil, 2018), e Crash (Museu Oscar Niemeyer, Brasil, 2015). Entre outros, recebeu os prêmios Prêmio MASP (2013), Prêmio APCA pela trajetória (2011) e Prêmio Fundação Bunge (2009). A artista também recebeu bolsas da Fundação John Simon Guggenheim (1990), Fundação Pollock-Krasner (1993) e Fundação Fulbright (1994).

Ivens Machado nasceu em Florianópolis, SC, Brasil (1942), e faleceu no Rio de Janeiro, RJ, Brasil (2015). Iniciou sua trajetória com obras em papel e vídeos experimentais nos anos 1970, marcados por temas como sexualidade, violência e poder. A partir da década seguinte, voltou-se à escultura e à instalação. Passou a utilizar materiais da construção civil como concreto, cacos de vidro e vergalhões para criar formas brutas e ambíguas, inspiradas na arquitetura vernacular brasileira e nas tensões do corpo humano, desde a agressividade até o erotismo. Destacam-se suas retrospectivas Ivens Machado, no Musée d’Art Contemporain de Nîmes, França (2025), e Ivens Machado, no Museu Oscar Niemeyer, Curitiba, Brasil. Também participou das 12ª, 13ª, 16ª e 22ª Bienais de São Paulo (1973, 1975, 1981, 1994). 

Foto: Rodrigo Trevisan/Divulgação

foi um escultor brasileiro de origem italiana, destacado no modernismo brasileiro. Filho de imigrantes italianos, mudou-se para Roma com a família em 1911. Na década de 1920, envolveu-se com movimentos antifascistas, sendo preso e condenado a sete anos de prisão. Após cumprir quatro anos, foi extraditado para o Brasil por intervenção diplomática. Em 1937, estudou na Académie de la Grande Chaumière e na Académie Ranson em Paris, onde foi aluno de Aristide Maillol e conviveu com Henry Moore e Marino Marini. De volta ao Brasil em 1939, integrou-se ao movimento modernista, colaborando com artistas como Vitor Brecheret e Mário de Andrade. Em 1943, estabeleceu-se no Rio de Janeiro, onde atuou como professor e mentor de jovens artistas. Sua obra é marcada por formas geométricas e abstração, utilizando materiais como bronze e mármore.

Foi um pintor, escultor, desenhista e ceramista ítalo-brasileiro. Natural de família humilde, iniciou sua trajetória profissional aos 13 anos, trabalhando em uma fábrica de cerâmica. Mudou-se para Veneza, onde cursou a Academia de Belas-Artes e frequentou os ateliês dos escultores Umberto Feltrin e Guido Cacciapuoti. Em 1927, imigrou para o Brasil, estabelecendo-se em São Paulo. Aqui, destacou-se na produção de monumentos públicos, como o Monumento aos Heróis da Travessia do Atlântico, na represa de Guarapiranga. Além disso, participou ativamente da vida artística paulistana, integrando-se ao grupo de pintores que frequentavam as sessões de modelo vivo, como Alfredo Volpi, Mário Zanini e Penacchi. Zorlini também foi responsável por diversos túmulos e bustos em cemitérios de São Paulo. Faleceu em 1967, deixando um legado significativo nas artes visuais brasileiras

foi um pintor e escultor peruano radicado no Brasil. Estudou na Escola Nacional de Belas Artes com Daniel Hernandez. Chegou ao Brasil em 1945, realizando sua primeira exposição no Museu Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro. Após residir na França e nos Estados Unidos, fixou-se definitivamente no Brasil em 1969, adquirindo a cidadania brasileira. Sua obra transita entre o expressionismo e o abstrato, com destaque para esculturas em bronze de figuras humanas e animais.

Foi um escultor e desenhista grego radicado no Brasil desde 1959. Formado pela École Supérieure des Beaux-Arts e pelo Instituto de Urbanismo da Universidade de Paris, iniciou sua carreira com influências do construtivismo e da arte cinética. Suas esculturas, geralmente em metal, exploram o movimento, o espaço e o equilíbrio.

Foto: Mastrangelo Reino/Folhapress

Luiz 83 é o nome artístico de Luiz dos Santos Menezes. Autodidata, sua formação decorre da experiência adquirida nas ruas da cidade como “pixador”, atividade que ofereceu o princípio de um vocabulário plástico que vem sendo refinado a partir de pesquisas que o artista desenvolve com considerável grau de inventividade em meios mais convencionais como o desenho, a pintura e a escultura. Sua experiência profissional como montador de exposições de arte também lhe oferece a oportunidade de permanecer em íntimo contato com obras de caráter clássico e contemporâneo, oportunidade que resulta em conhecimento sensivelmente assimilado. Em suas obras é possível perceber um concretismo de tipo bastante peculiar e sem dúvida sofisticada nas soluções formais e nos arranjos conceituais e de natureza POP qualidade também percebida através de um cromatismo que em geral privilegia cores brilhantes de luminosidade intensa. O artista também tem se dedicado a performances onde coloca em questão o lugar social do negro e tematiza a relação do corpo com seu fazer artístico e interações com a cidade. O artista participou de várias mostras individuais e coletivas entre quais se destacam a individual “Z” na galeria Tato e as coletivas “Tendências da Street Art” no Museu Brasileiro de Escultura e “Pretatitude: insurgências, emergências e afirmações na arte contemporânea afro-brasileira” nos SESC Ribeirão Preto, São Carlos, Vila Mariana e Santos”.

foi um escultor, desenhista, gravador, diagramador e professor brasileiro, reconhecido como um dos principais nomes do neoconcretismo no Brasil. Sua obra escultórica é marcada pelo uso de chapas de ferro cortadas e dobradas em uma única operação, explorando a relação entre forma, espaço e matéria.

Foi uma artista plástica, escultora, joalheira e figurinista brasileira de ascendência japonesa. Sua formação artística foi ampla e interdisciplinar: estudou pintura com Massao Okinaka (1955–1957), arquitetura contemporânea no Instituto Goethe, história da arte, etnologia e arqueologia no MASP, estética com Anatol Rosenfeld, teatro com Zé Celso e comunicação visual com Flávio Império.

foi um artista visual, curador e museólogo brasileiro, reconhecido por sua contribuição à valorização da cultura afro-brasileira.

Nascido em uma família de ourives, iniciou sua formação artística na juventude, trabalhando com marcenaria e tipografia. Estudou na Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Bahia, destacando-se em gravura e escultura. Em 1972, recebeu a medalha de ouro na 3ª Bienal Internacional de Arte Gráfica de Florença.

Foto: Museu Afro Brasil/Divulgação

é um artista visual brasileiro cuja obra investiga a relação entre espaço, imagem e paisagem urbana. Formado em Arquitetura e Urbanismo pela Faculdade de Santos em 1984, aprofundou seus estudos em fotografia e concluiu mestrado em Poéticas Visuais pela Escola de Comunicações e Artes da USP em 2003.

É uma artista visual brasileira cuja obra transita entre escultura, instalação e arquitetura. Desde o final dos anos 1980, desenvolve uma pesquisa que investiga a relação entre corpo, espaço e matéria, utilizando materiais como ferro, gesso, borracha, vidro, cabos de aço e elementos arquitetônicos. Suas obras exploram forças físicas como tensão, peso e equilíbrio, criando estruturas que dialogam com o espaço expositivo e desafiam a percepção do espectador.

É uma artista visual brasileira cuja obra transita entre escultura, instalação e objeto, explorando a relação entre forma, espaço e percepção. Graduada em Pintura e especializada em História da Arte do Século XX pela Escola de Música e Belas Artes do Paraná (EMBAP), aprofundou seus estudos na Itália com o artista Luciano Fabro, ligado à arte povera, na Accademia di Belle Arti di Brera, em Milão.

Desde o final dos anos 1980, Prolik desenvolve uma produção tridimensional marcada por estruturas geométricas que se desdobram no espaço, utilizando materiais como cobre, alumínio e aço. Suas obras frequentemente evocam objetos cotidianos, tensionando a percepção entre o familiar e o abstrato, o leve e o pesado, o estático e o dinâmico.

Foi um escultor, arquiteto e paisagista brasileiro cuja obra se destaca pela integração entre arte, arquitetura e paisagem urbana. Formado em Arquitetura pela Universidade do Brasil em 1959, colaborou com Roberto Burle Marx entre 1954 e 1960, participando de projetos de jardins, painéis e murais escultóricos.

Sua produção escultórica, marcada por formas geométricas e materiais como madeira, metal e granito, está presente em espaços públicos como o Palácio do Planalto, em Brasília, e o Mosteiro de São Bento, no Rio de Janeiro. Destaca-se também o “Monumento à Juventude”, instalado em 1974 próximo ao Estádio do Maracanã, no Rio de Janeiro.